平面设计影响范文（精选12篇）
平面设计影响 第1篇
关键词：肌理,视触觉,个性化,平面设计
随着当今社会的飞速发展, 工艺水平日趋精湛, 很多设计也呈现出千姿百态的景象。在众多设计元素逐渐被人们接受并熟知的今天, 我却偏爱肌理。肌理的那种天然去雕饰、不可复制、富含深意的抽象设计语言让我喜爱万分。在电脑设计制作垄断的当下, 肌理的适当表达恰恰是对这种人工化和机械化的宣战。
1. 肌理的含义
肌理, 通俗的说就是指物体表面的纹理结构所呈现的形态, 即各种粗糙平滑、高低不平、纵横交错的纹理变化。作为艺术设计中的特殊视觉元素之一的肌理元素来说, 它是平面中营造立体空间的能手, 它以一种自然的随意性、偶然性、跌宕起伏的外表形态, 诠释着对空间的理解。
2. 肌理的类别
(1) 按照自然属性可分为以下两种。 (1) 视觉肌理:一般是用眼睛能直接看到的纹理结构, 是对物体的表面和表层裂隙纹理、斑驳粗糙特征的认识。 (2) 触觉肌理:是指人们用手能感觉到的物体表面的凹凸有致的肌理形式。它们坚硬或柔软, 光滑或粗糙。
(2) 按照产品设计的属性, 肌理的表现形式以下三种。 (1) 自然肌理:顾名思义是指天然形成的不加任何修饰的肌理。它突出纯粹恬静、天然去雕饰。 (2) 人工合成仿自然肌理:这类肌理的形成主要是借助工具、材料制造的肌理。 (3) 计算机辅助模拟肌理:一般来说, 此类肌理的制作既有视觉肌理的模拟, 也有触觉肌理的模拟, 它着重于不同物体之间纹理形态的结合。
3. 平面设计中肌理的特性
在我看来肌理应该是一种客观存在的现象, 当更多的平面设计朝着更具个性化和感染力的方向发展时, 那么肌理的运用便显得重要起来。那么肌理又有着哪些特性为人们如此钟爱呢?
首先, 肌理的本身具有很强的识别性, 它可以准确地表达事物的属性, 之所以这样, 功不可没的当然就是它的诚实。物体之间的辨别必不可少的依据可以说是肌理, 它接近事物本质的特点, 往往会让我们深信不疑。
其次, 肌理不可复制性的特征让它有着莫名的想象魅力, 它源于大自然的馈赠, 浑然天成, 有着预料之外的顽强生命力。它以痕迹的形式不经意地存在着, 比起电脑软件的“有意为之”, 更能触动人心。
最后, 肌理是一门视触觉感知的设计语言, 它切合实际, 更人性化, 倡导一种人、物互动的体验方式。肌理语言的运用从人的实际需求出发, 以人为本, 通过人的主观感受体现设计的民主思想, 判断设计的成功与否。
4. 平面设计中肌理的影响
在平面设计中肌理可以有效地衡量设计品质。优秀的肌理运用可以给设计作品带来正能量, 更好地体现设计的内涵, 促进产品的推广。反之不恰当的肌理所带来的负能量也是不能忽视的, 它会破坏设计的原本思想, 抹杀设计的原始形态。
纵观产品设计、包装设计以及网页设计等, 肌理都表现出非凡的影响力。它作为产品设计的一个既可视又可感的元素, 对消费者的心理和生理会产生不同程度的效应。肌理功能对于包装的影响是基于形式美和功能美之上的, 它可以触动消费者的心灵, 如咖啡豆的包装设计会选用麻绳或是布袋的材质, 质朴、天然的形象更容易引起消费者的注意。肌理在网页设计中的运用也是不容忽视的, 随着现在网络的普及, 越来越多人加入网页设计的行列, 网页中视觉肌理的应用弥补了材料肌理的缺失, 在做到与网站风格一致的基础上还要注重与各元素间的对比统一。
肌理有着不同寻常的特质, 吸引着我们每一个人, 正是这种不寻常, 往往会将我们引入形式大于主题的设计误区, 导致设计的无目的性, 这是不应该的。所以我们要适当地运用肌理效果, 恰到好处的表现, 这样才能充分发挥肌理的属性优势, 为大众接受并喜爱。
在设计愈趋重要的今天, 优秀设计元素的运用至关重要, 它决定着设计的成败。肌理, 正是设计中一门不容小觑的语言, 发挥着极其重要的作用。它可以轻易地步入人们灵魂的深处, 与之交流碰撞。在未来的设计创作道路上我们要善于利用肌理的特性, 通过合理适度地运用来创造出更多的设计成果。
参考文献
[1]李泽峰.论设计元素中的肌理[J].美术大观, 2010 (05) .
平面设计影响 第2篇
1、厂区人流、货流组织对平面设计的影响： 厂区人流、货流组织具体表现为原材料，成品和半成品的运输及人流进出厂路线的组织，合理的设计布局不仅方便使用，而且可以大大提高劳动生产率，减少工人的劳动强度，降低工伤事故的发生率。厂区人流、货流组织会直接影响厂房平面设计中门的位置、数量、尺寸等。
2、地形的影响： 厂区地形对厂房平面形式有着直接的影响，特别是在山区建厂，为了减少土石方工程量，节约投资，加快施工进度，只要工艺条件允许，厂房平面形式应根 据地形条件做适当调整，
3、气象条件的影响： 厂区所在地区的气象条件对厂房的平面形式和朝向有很大的影响。
宗教思想对日本平面设计的影响 第3篇
关键词：宗教 日本 平面设计
中图分类号：J05
文献标识码：A
文章编号：1003-0069（2015）09-0138-02
宗教是人类社会的产物，任何一种宗教的产生、存在和发展，都与人类社会的发展变迁有着密切的关系。
日本是一个多宗教并存的国家，无论是神道、佛教、基督教等传统宗教，还是现代社会兴起的新宗教，都在日本社会的不同历史条件下产生和发展，并且影响着日本人的文化和审美。
一 神道思想的影响——自然主义风格
神道是日本原始宗教，是占主要地位的宗教。日本国自称“神国”也是神道的传承。对日本人来说，所有的日本人都是神的后代。神道教的基本观点是：1.世界是自行产生的，它是优秀而完美的。2.情欲是合乎自然应受到尊重的，和道德无关。3.“不洁”的东西，是不受尊重的，而神社的仪式可以把它净化。4.多神信仰，万物有灵，都是神的后代。5.日本人是神的后代，等等。
日本是个岛国，多火山、多地震，古代的日本人对自然界的无常变化，抱有一种敬畏的心理，认为世界万物都是有灵魂的，把巨大的岩石、茂盛的树木都被视为神灵降临的地方。因此日本神道教崇拜自然的生命，视自然界各种动植物为神祗。作为一种自然神教，神道教在每一个景色优美的山麓、水滨、密林之中都有神灵，因此也都有神社。神道教肯定人的价值、认可劳动能力，洋溢着人文精神。
对于自然的崇拜、祖先的崇拜，形成了日本人对自然风格的喜爱。除了在材料上尽量使用自然材料之外，更重要的是在设计中营造出了一种自然的氛围。通过技法、颜色、比例、材料等给人以自然的美好感受，满足受众心灵上对自然的喜爱和依赖。同时，自然又是最具创造力和美感的，所以形成的设计产物不论是形式上还是内涵上，都有很高的审美价值。
浮世绘（图1）是兴起于日本江户时代的一种民间版画，描写风景及变形的风俗人情。最初以“美人绘”和“役者绘”为主要题材，后来逐渐出现以相扑、风景、花鸟以及历史故事等为题材的作品。浮世绘大胆地表达人的性感美和自然之美，这都是与神道教思想观念的影响是分不开的。浮世绘的描绘方法根式简朴、素雅。无影平涂，使得画面更为简洁单纯，善于营造一种恬静又富有无穷韵味的画面。这些以简朴、素静的图形表达也体现了神道教对日本平面设计的潜在影响。
和服（图2）上的纹饰以花卉植物和一些活泼可爱的动物为主，常见的有樱花、牡丹、菊花、芍药、梅花、松树、竹叶、枫叶以及蝴蝶、小鹿、孔雀、仙鹤等。这也与神道思想影响是分不开的。
在日本的传统颜色观念里，白色是最受尊崇的。日本神道教认为凡是带色彩的都是不洁净的，唯有白色是神圣的。它崇尚白色并以白色作为人与神联系的颜色。在日本，白色象征的意义很广大致可概括为：1.生命的力量：面色白净标志着生命的光辉和美，日本人自平安朝自大陆输入百粉之后，直至镰仓时代，用白粉化妆占据了支配性的地位，日本名著《源氏物语》、《荣华物语》等描述的贵族美人，几乎都用白粉化妆，之类的记载。妇女用白粉化妆，戏曲中的美女化妆也是浓施白粉。在田光一中的《日本舞蹈》（图3）的平面设计之中，画面中日本女子的脸就是白粉妆。2.尊贵：《衣服令》中白色排在第一位，天皇的服装就是白色，近代武士的服色也是白色为主调，以象征崇高的精神美。日本的国旗白色为底，日本的国家象征是覆盖着白雪的富士山。3.神圣：上文已谈到在神道教的观念中，白色是人与神相联系的色，日本的神社多为淡彩素色，神社中各物也为白色。4.美的理想：日本人认为死后升天是最理想的归宿，但必须要有一颗洁白的心。死后最美的所在，是一个白色的世界，所以他们的墓穴和陪葬物大都涂白色。5.格调高致。日本传统文化赞赏的“雪月花”一薄雪、残月、樱花都是白色。日本能乐大师世阿弥的艺术论《九位》中至高的艺术品位几乎都与白色有关。6.清明、纯洁、善良。与表示邪恶的黑色相对。因为对白色的钟爱，在日本平面设计中也被大量的使用。
在梅田医院的导视系统（图4）中采用的是纯白色的棉布作为医院导视标志的载体，在材质上可以给人以温馨之感，也符合了日本人对自然的崇拜和推祟。而白色是最容易脏的，一旦有污点就更容易被发现，梅田医院还采用了纯白色的棉布，是为了借着医院有能力管理其清洁性这点，来让患者感受到医院在空间设计上的高度用心。最干净的颜色白色，也是日本人对于洁净最高的标准。
二 佛教禅宗思想的影响——简洁、空灵的艺术风格
公元六世纪末，佛教通过中国和朝鲜半岛传到日本，其间曾引起正反两派不同意见的争执，后由祟佛者获得胜利，自此开展日本佛教史新页。佛教在发展的过程中与日本的神道教思想相互同化、融合，形成了共同的领域范围，成为了日本宗教思想的一个整体。同时，佛教在日本的快速发展也带动了工艺、建筑、美术的进步，对日本传统文化的形成产生了极其重要的作用。
禅宗在日本成立较晚，但禅宗在日本佛教史、日本思想史、日本文化史，以及整个日本的历史上却留下了深远的影响。日本禅宗来自中国。当禅宗发展至顶峰，在它最丰富饱满的时候，传到了东邻这个被称为“扶桑”的岛国。禅宗在日本人的生命活动中留下许多息息相关的社会心理痕迹，影响着日本人社会文化生活的各个方面。特别是在书道、茶道、花道中积累下来的审美格调和艺术品位已成为日本现代艺术设计取之不竭的灵感来源。
1简洁美
禅宗倡导的是一种宁静、节制、简单、朴素的，而非宣泄、浪费、复杂、奢华的生活。禅宗中体现出的节制精神和祟尚朴素的生活方式，日本人对于禅宗的信仰形成了日本人俭朴、单纯、自然的文化，禅的实质也就是要通过自我调心，来达到主体自我与客体自然界的和谐与统一，实现精神上的超脱与安宁。深刻的自省、简素的器具和苦行修德的传统使日本人生来排斥杂乱与繁琐，力求在追索事物本质过程中达到一种简洁，注重物体的简素之美和传统审美意识的精神构造。因此，日本平面设计的审美观念也受其影响，一般秉持“宜简不宜繁，宜自然不宜雕琢”的设计原则，形成了日本设计中单色的、直线的、单纯与简朴的形式语言。受禅宗“少则多”的简化精神的影响，日本平面设计形成了能表现复杂理念的简约形式，这种形式隐含“只传达要义”的精神，成为一种精炼的视觉语言。日本无印良品（图5）的包装设计，颜色多采用单色，形成了识别度极高的视觉体系。在标签的设计中几乎都使用了简单的色块将产品的标志、产品信息等文字进行简单分割排版组合，整体关系简单明了，看上去很简洁又有一种秩序美。
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2空灵美
禅宗中“空”的思想突出表现为慧能所作的偈颂“菩提本无树，明镜亦非台，佛性常清静，何处惹尘埃”和“三无”的思想之中。由此我们可以看出，禅宗中的“空观”即是自心清净，心灵保持空明自由而无所住，入世却不受其尘染，体现空寂淡然的心境。空灵是艺术的生命，只有空，才能灵，才能生义。所谓空灵，就是艺术形象隐含着丰富深远的东西，留给欣赏者广阔的想象空间。充满禅意的作品，往往呈现出水月空花般的空灵美。
日本的平面设计中，也深入了禅宗的影响，而愈显灵性和深幽。因为禅意的设计艺术，始终表现出一种自然外物的空寂，它以“象外之象、意外之意”，描绘出一个极静的空灵意境，艺术家们只有内心与外物合一，才能体会到空寂的禅意，方能步入禅宗的“即空即有，非空非有”之境。有时又在艺术的表现上不含任何的传统视觉符号，它超越了对视觉符号的表面形式关注，认为美也存在于非具象的事物之中，将人对视觉的通常解读由表及里，深入到心灵的感知。以传统的“空灵、虚无”的禅宗思想为基础，融合日本艺术特有的“清愁、冷艳”的浓郁色调，追求艺术中浮现的优美和冷艳的感情世界，丰富了平面设计的视觉语言，开阔了对设计的思考。日本的设计艺术以符合现代人的视觉习惯和一种超越东西方文化的姿态，去探索新的艺术设计发展方向。在日本许多著名设计师的作品中，我们都能感受到这种空灵禅意的宁静悠远。原研哉设计的无印良品地平线系列的海报（图6）中，四副海报是来自世界不同的地区的广阔一望无垠的超级场景为底，为了就是寻找完整的地平线，完整利落地把整个画面一分为二，一片巨大的草原、盐湖和远处天际相交，好像地平线之上空无一物，又好像涵盖全部。它们都呈现出看似空无一物，却能海纳百川的容器。海报给人空灵、静、虚的禅宗境界。
3生态美
生态美也就是所谓的自然观，禅宗所述自然观的特性，首先就是明心见性从而得以达到自然与人的“合一”，人本就是由自然而生，固自然的禅宗理念顺理成章地成为了日本平面设计中不可或缺的内在精神气质。且大自然对人类有着厚重的养育之恩，加之日本人本就对自然环境十分珍惜与关注。他们对自然都抱着感恩之心，反对随意无度地占有与浪费，注重人与自然的和谐共生。这些观念是与设计上倡导的生态、环保主义相吻合的。在无印良品的包装设计中所选用的材料多数是纸质的。纸质包装主要成分是天然纤维、无毒、无味，在自然界中能够很快腐烂，被降解吸收，对环境没有污染。这样的材料可以使产品回归本质。无印良品将这种既环保又纯粹的纸用来制作商品的标签及包装袋，就形成了一个独具一格的品牌体系，我们很容易通过这些产品体会到无印良品的自然纯朴、朴实无华的设计风格。
结语
神道与佛教禅宗的文化内涵是深刻悠远的，通过文章的洞悉，我们可以把宗教思想在日本平面设计中的运用归纳为是对自然、简洁、空灵、生态等设计风格。
也可以把“意清虚静”、“心物一体”等禅悟思维作为创作情态的参考，但它实则超越了种种常识、规律、法则，而更多地指向我们内心的省思——对自然、性灵、社会、世界等各方面的重新认识和思考。当代设计越来越崇尚本土化，而本土化是对本土文化的认同。作为一名设计者，设计不仅仅是一种形式上的表现，我们要敢于打破固有和局限的思维，使看世界的眼光和视角呈现出与以往的不同，设计会将是一场心灵修行和升华的体现，它包括你对文化、文学、宗教、心理等诸多因素的感悟。在平面设计中体现宗教思想是一种设计的方式，希望通过对日本设计的分析总结规律，可以借鉴并探索适合本国本土化设计发展之路，推动本国平面设计向更好、更完善的方向发展。
达达主义对平面设计的影响 第4篇
20世纪初, 在欧洲和美国相继出现了一系列的艺术改革运动, 特别是在1907年到两次世界大战期间, 这些运动从思想方法、表现形式、创作手段、表达媒介上对人类自从古典文明以来的传统艺术进行了全面的、革命性的、彻底的改革, 完全改变了视觉艺术的内容和形式。达达艺术产生于第一次世界大战, 其反对所有的现存艺术, 反理性, 认为世界是没有任何规律可以遵循的, 唯一可以遵循的是机会和偶然性。
1 达达主义的兴起及含义
达达主义是二十世纪初在欧洲产生的一种资产阶级的文艺流派。达达艺术在一战中产生, 首先产生在瑞士的苏黎世。之后在德国的柏林、法国的巴黎和美国的纽约发展起来的一个高度无政府主义的艺术运动。达达主义运动主要的发展时期是1915年到1922年。1923年达达主义宣告崩溃。
2 达达主义的艺术风格及影响
从某种意义上说, 达达主义首先是一种革命心态, 一种以战斗的姿态向一切公认的价值观发起的猛烈进攻。达达主义对现代平面设计的影响也是从形式上开始的, 它创新的艺术方法———对现存品的使用, 运用随意的、偶然的纸品进行拼贴, 都成为现代平面设计创造的语汇、创造表现手法的能源。
3 达达主义对平面设计的影响
达达主义对现代平面设计的影响也是从形式上开始的, 它创新的艺术方法———对现存品的使用, 运用随意的、偶然的纸品进行拼贴, 都成为现代平面设计创造的词汇、创造表现手法的能源。
3.1 对版式设计的影响
达达主义对平面设计的影响表现在大胆突破传统, 把偶然性、机会性在艺术和设计中进行强调, 对版面编排进行无规律化、自由化的处理。这是对传统版面设计原则的革命性突破。达达主义在版面中也使用了拼贴技巧。德国汉诺威的库特·施威特自己组织非政治化达达集团, 称为“迈兹”, 强调作品的商业化, 讽刺商业化的媚俗。施威特在设计上比较非政治化, 他关注的中心是版面的达达风格设计, 注重如何把达达的杂乱无章和象征性结合于实际的设计应用上。其在平面设计中, 把文字、版面、插画当做绘画的游戏因素, 编排上非常随意, 印刷品不一定有特别意义, 大部分版面都难以通读, 重在视觉效果。他比较讲究工整的版面编排, 有时以平面设计表达象征意义。
3.2 对文字设计的影响
达达主义以“偶发”等名义所引发的现代文字艺术运动从20世纪初开始, 而达达主义的自我, 非理性, 杂乱无章和混乱等特点, 影响了文字设计表现多元化。达达主义文字设计, 在达达主义中形式最重要, 而内容无关紧要, 形式远远大于内容, 艺术效果的表现可以完全根据形式的要求, 对元素进行删减。在字体的编排上, 版面设计没有任何规律可以遵循, 结构变化多样, 一种有计划的无计划性, 有目的的非目的性, 冲破了网格设计的束缚。达达主义是未来主义煽动性理念的延续, 本是看起来毫无意义之物变得意义丰富。苏黎世伏尔泰咖啡馆项目是达达的第一个出版物, 出版于1916年5月15日, 封面设计完全采用文字的设计与编排。从苏黎世开始, 达达扩展到巴黎、柏林、巴塞罗那和纽约。弗朗西斯·皮卡比亚是达达主义设计的主要代表之一, 在西班牙, 他出版了达达的《391》。库尔特·施威特斯 (Kurt Schwitters, 1887-1948, 德国) 也是达达主义主要代表人物之一, 他的“迈兹”集团通过出版《MERZ》为达达运动贡献了自己的力量。
3.3 对海报设计的影响
20世纪30年代, 哈特菲尔德以照片拼贴方法, 设计出大量反纳粹军国主义的海报, 比如设计一个人的头完全用报纸包住, 表达一个人完全听不见也看不见, 画面用图片拼贴出来。标题是《如果读资产阶级的报纸, 那就让他又聋又哑!》。这副海报设计注重印刷实验效果, 注意纸张与印墨, 表达效果自由、直接, 呼应达达主义的主张。
1934年设计的圣诞节海报, 以装置的方法, 表现一株完全被扭曲成为纳粹万字形党徽形状的凋零的圣诞树, 标题是《呵, 德国的常青树, 你的树枝是如此的扭曲!》。1935年他以照片剪贴的海报利用X光透射的方式, 把正在狂热演讲中的希特勒胸内透射出成串的金币, 说明纳粹是得到德国大财团支持的事实。
1934年的另外一张海报设计, 《AIZ杂志封面设计》。把德国的大教堂与子弹、炮弹合成一体, 说明德国军国主义已经把德国的文化和宗教变成纳粹的实质内容。这些海报, 在当时德国引起很广泛的关注。达达主义对第一次世界大战的不满, 到30年代成为与纳粹斗争的工具, 这是达达主义非常积极的一个侧面。纳粹对哈特菲尔德恨之入骨, 1933年, 纳粹上台之后, 立即派冲锋队去他的住宅和工作室去抓他, 他设法逃到布拉格, 继续从事反纳粹海报设计, 并且把自己设计的海报寄给纳粹党魁。
3.4 对插图的影响
赫兹菲尔德在第一次世界大战以前曾经出版左倾杂志《新青年》, 1914年被德国政府监禁, 出狱之后, 成立了重要的达达主义出版社“马立克·维拉格出版公司”并且与达达主义艺术家格罗斯合作, 出版大量反军国主义的书籍和海报。格罗斯鼓吹没有阶级的新社会, 他反对军国主义和纳粹主义, 他设计了大量的插图, 都具有这种强烈的特色。他抨击的对象是社会的颓废, 精神的堕落, 他在各种报刊杂志上发表大量插图, 反应社会的堕落, 极为尖锐, 因此被纳粹攻击为堕落的精神病人。他的作品是黑白线描漫画加上剪贴拼合, 是达达运动很典型的代表。
摘要：达达主义产生于第一次世界大战期间, 小资产阶级知识分子对社会前途感到失望和对发展感到困惑的时候, 首先在瑞士的苏黎世, 之后在德国的柏林、法国的巴黎和美国的纽约发展起来的一个高度无政府主义的艺术运动。其强调自我, 非理性, 荒谬和怪诞, 杂乱无章和混乱。达达主义大胆突破传统, 在艺术和设计中的强调偶然性、机会性, 对平面设计的影响有革命性突破。
关键词：达达主义,平面设计,影响
参考文献
[1]王受之.世界平面设计史.中国青年出版社, 2002.9.1
[2]李黎阳.反艺术的艺术运动——解读达达主义.读者欣赏, 2014.6.1
[3]向鹏.简析达达主义.艺海, 2012.11.15
现代主义影响下的平面设计论文 第5篇
19世纪末至20世纪初现代主义设计思潮开始兴起，它从根本上改变了传统设计思想的主导地位，彻底改变了人们的生活方式和信息表达方式。在这一场追求民主，解放思想设计运动中，欧洲各国都做出了贡献，尤其是德国、英国、法国的设计师。这些国家的设计师们都针对自己国家的经济状况和人们的审美需求在设计风格和表现手法上进行了探索，因此，现代主义平面设计在许多国家也显示出了变化的趋势。在现代设计史上，德国的现代主义设计一直颇具代表性，同时影响力也特别广。德国是现代设计的主要发源地，其关于设计的态度和理论对世界设计理论产生了重要影响，同时也造就了德国在设计史上举足轻重的地位。这种地位的形成，离不开德国的现代主义设计，对德国现代主义设计进行深入研究，了解其发展现状以及未来趋势，同时也挖掘出现代主义设计存在的问题。
二、德国现代主义设计发展历程
1、德国现代主义设计试验阶段
在20世纪初的欧洲出现了以海报为中心的新平面设计活动，德国称之为“海报风格”运动。一战的爆发使得统治政府和社会大众对政治海报的需求量加大，这种社会因素和战争因素从另一个方面推动了海报设计的进步和发展。海报风格设计的特点表现为：采用现代设计的新形式，利用醒目的文字、简洁的图形鲜明的色彩，使视觉效果表现的尤为强烈，展现了平面设计传递信息的效果。鲁西安伯恩哈特，是德国“海报风格”运动的创始人，推动了德国的海报风格运动的发展。针对普莱斯特火柴公司，伯恩哈特在1905年设计了这张海报。整个海报画面语言十分简单，仅仅以两根火柴作为主体，并加上了公司的名称，表达方式简单直接，是当时平面设计的新开端。在1911年，针对莫诺里香烟公司，伯恩哈特进行了商标设计，海报的内容简洁明了，表达上开门见山，将M字母用圆圈简单围绕，这种线条和字母结合的简洁的表达形式，标志着企业的标志设计开始盛行。与此同时，德国成立了首个设计组织“德国工业同盟”，它的成立使得德国的设计主义理念更具功能化，同时也更加清晰简洁。彼得.贝伦斯的设计探索和实践推动了德国现代主义的发展。他通过大胆的实践和创作，在无衬线字体的设计上做出了伟大的创新，从而开创了现代平面设计图形语言的先河。他为AEG公司设计的一系列平面设计，具有简洁、统一的特点，这一套完整的设计包括AEG公色的标志、广告、产品目录等。其视觉设计的整体性和完整性成为了之后的企业形象设计非常值得学习借鉴的范例，这套经典的企业形象设计作为欧洲最著名的标识设计之一一直保留到现在。在1919年，沃尔特格罗皮乌斯创立了包豪斯学院，包豪斯学院也成为了现代运动的中心，在大多数人的心中包豪斯就代表着现代主义。与此同时，在德国，平面设计也取得了较快的发展，作为代表之一的莫霍利纳吉，在包豪斯任教的时候，进行了大量的实践创作和理论研究，创作了很多对后期招贴设计的发展有深渊影响的设计作品。莫霍利纳吉把摄影图像、抽象的几何图形、文字，按照视角、大小、动态和位置的变化构成一种富有节奏和韵律的画面。这种设计表现手法开拓了招贴设计在元素组合方面的设计思路，为以后的招贴设计提供了很大的参考价值。包豪斯优秀毕业生的赫伯特拜尔发明了无衬线字体，借助书籍封面和字体以及海报插图等的平面设计，通过具体的设计实践，完美展现包豪斯的设计理念。
2、德国现代主义设计抑制阶段
1933年纳粹统治时期开始，德国的现代主义设计的发展道路从此发生了重大的改变。在国家政权被纳粹党掌握之后，以当时的统治者的世界观和政治需要，对整个社会实施全面的管控。纳粹政府反对现代主义功能美学并且遏制了其发展，对包豪斯宣传的国际主义进行了指责和打压，古典主义美学又再次兴起。［1］纳粹政权在平面设计上也体现了其独裁的特征，甚至对海报的印刷风格以及使用的文字字体都提出了限制。在希特勒统治时期，为了体现德意志大帝国的特色，罗马字体被作为标准字体。他要求所有的德国和德国所占领地区的出版物、招贴物、报纸、杂志都必须全部使用雅利安人的罗马字体。在纳粹时期，虽然现代主义设计的发展受到阻碍，却并没有有完全停止不前。战前德国在现代设计方面领先于其他国家，包豪斯的对现代主义的试验受到全世界的瞩目，由于独裁政权的抑制这个试验被迫停止，在30年代末转移到了美国，在战后很长的时间内，在设计上，德国才逐渐取得了之前的地位。
3、德国现代主义设计恢复阶段
在1953年，德国乌尔姆设计学院成立，形成并发展了理性主义和功能主义平面设计理论。［1］奥托.艾舍，杰出的设计师，也是乌尔姆学院的创始人之一，为理性风格的平面设计的形成起到了至关重要的影响。他强调设计应该在网格上进行，应该用科学理性的思维来进行创作，通过设计来充分实现其功能性。他还强调好的平面设计必须能够让受众在最短的时间内理解画面中所传达的内容和信息。奥托艾舍认为平面设计中文字、图形、影像等视觉元素应该使用得更加精准考究，以此来提高受众理解的准确率。当时，德国的设计界也收到了这种思想的影响，使得平面设计也开始呈现出简洁明了的特点。但是同时也存在着一些不足之处，画面不免会有缺乏生动、略显沉闷、缺乏个性特点等弊端。
三、德国现代主义平面设计与日本现代主义平面设计的对比
二战后的一段时间在德国和日本的设计史上都具有十分重要的意义，德国和日本在二战战败后都有意识地走“设计兴国”道路，利用设计来争夺市场以求恢复国家经济。但是在二战前德国和日本的历史与政治背景是有区别的。德国的现代主义设计有过包豪斯的鼎盛时期，当时的包豪斯设计成就举世瞩目。但是在纳粹统治期间受到了极大的打击最终被迫关闭。纳粹党对包豪斯的打压导致大量优秀设计师流失到美国，德国是在进过纳粹低谷期之后重新开始发展的现代主义设计。而两国的不同点在于，日本发展现代主义设计开始于二战战败之后。德国和日本都是有着自己国家独特的民族特色，但是两国在处理传统与现代设计的关系上走的是两条截然不同的道路。二战时期，统治政府实施强行政策，对于包豪斯的功能主义进行打压，强调在设计理念上，要凸显德意志民族之风以及新古典主义。由于这个时期的影响，德国人在战后担心世界人民不接受似乎仍带有纳粹阴影的德国民族特色。所以，在现代设计中德国的传统民族文化符号和元素被许多设计师刻意回避了，而是更加注重纯功能主义的设计。日本则是吸收外来文化、延续民族传统两不误，在激烈的国际竞争面前力争以其传统民族文化特色来抢占一席之地。在平面设计方面，把1972年德国慕尼黑的夏季奥运会视觉识别系统和同年日本札幌举的冬季奥运会的相关设计进行比较，就能看出德国和日本在展示自己国家的形象时表现手法的不同之处。1972年慕尼黑奥运会是第一次使用了全套视觉识别系统的奥运会，设计者是德国乌尔姆学院的奠基人之一奥托艾舍，他设计了抽象纯几何造型的螺旋形图案作为会徽，含义为“无限宇宙”。这套视觉识别系统的设计是非常典型的现代主义风格，避开了德国的传统民俗艺术，仅仅完美地执行了实用功能，其实用性、功能性、艺术性的达到了极致，但唯一的遗憾是缺少了德国的民族特色。1972年札幌冬奥会的会徽设计者是永井一正，会徽同样是使用简单的几何图形，红色圆形代表日本，六瓣雪花代表冬天，所采用的图形具有明显的国家指向性。由河野鹰思设计的奥运海报将会徽放在了富士山的几何剪影上方。两位设计师都采用了传统民族元素和现代设计相结合的方式来向世界展现本国的形象，显示出了浓厚的民族特色。
四、结语
传统文化对平面设计的影响 第6篇
[关键词] 平面设计；民族特色；传统文化；重要性
【中图分类号】 J52 【文献标识码】 A 【文章编号】 1007-4244（2014）03-213-1
一、传统文化在作品中的体现
在近期看的田中一光的《设计的觉醒》中，我为田中一光先生的设计才华深深的折服了，他将大和民族的文化传统融入到平面设计之中，开启了日本平面设计的新方向，可以说他是一位天生的设计师。我们可以看到浮世绘对他的作品的影响，浮世绘在普通老百姓生活中随处可见。对日本人来说，他们生活中充满了简洁、朴素、精巧、典雅的设计。还有一个对田中一光风格产生重大影响的因素是日本独特的设计美学，将日本文化的精神蕴含到现代设计之中。这些因素使得田中一光的设计作品备受瞩目，他的作品的灵魂来自于传统文化对他的影响。
靳埭强也是将传统文化和现代设计融合的代表人物，早期靳埭强走的是全盘西化的路线，崇尚西方的设计理念。后来他发现一直在模仿，没有自己的风格，他开始寻找突破。靳埭强开始把传统水墨融入设计是受他的恩师吕寿琨的影响，吕寿琨是著名的水墨画家，他提倡“师古、师自然、师自我”。对靳埭强影响很深。他的作品大量的运用水墨，他之所以能将水墨应用的如此完美是和他对中华传统文化的热爱分不开的。靳埭强用水墨为我们展示了与众不同的意境美。靳埭强之所以能将现代设计与传统文化融合的如此之秒是和他在香港的生活环境分不开的。香港是一个文化的大都会，正是这样才造就了这位艺术大家。
二、传统文化的重要性
一个民族的传统文化是一个民族经过长期的实践形成的，能够反映本民族的特点、历史、生活习惯等等。设计是人类发展到一定阶段的必然产物，它反映了人类的进步。现在科学技术发展越来越快，为设计提供了很多益处。同时也使得设计失去了本土的特色。鲁迅先生曾说过这样一句话：“民族的也就是世界的，越是民族化，越能为本国人民喜闻乐见，并在世界艺术中具有独特的价值。”这句话正好说明了传统文化的重要性，说明我们要想在国际化大舞台上脱颖而出，必须要有自己的特色。
早期，西方对我国的设计产生了强烈的冲击，设计师学习西方的设计理念，使得设计丧失了它的本土特色。后来，设计师们慢慢发现并不是所有西方的理念都适合中国，他们找寻出路，发现了传统文化的强大力量，传统文化汇集了我国文化的精髓，有着深厚的文化底蕴。我们要想走出设计的困境，传统文化是最关键的因素。它是我国的精神财富，为我国的设计的发展提供了大量素材。我们应该立足于传统，在继承传统的同时开拓创新，形成我们自己独具中华民族特色的设计风格。创意源于生活，源于我们博大精深的传统文化，我们应该大力发扬我国的传统文化，在设计的舞台上找到一条专属于我们的道路。
三、中国传统元素在平面设计中的应用
中国传统元素有很多，资源丰富，有着丰富文化内涵的汉字、广大人们智慧结晶的传统图案和民间艺术、还有韵味十足的水墨画等等。
（一）汉字在平面设计中的应用。中华文化有着五千多年的历史，文字在其中占据了举足轻重的地位，我们可以看到很多设计作品中应用文字的变形设计出令人眼前一亮的作品。如2008年奥运会徽的设计，一个印张，将“京”字进行变形处理，形成一个舞动的人形，向世界各地的人们展开双手欢迎他们。这就是汉字的魅力。此外我们还有民间的剪纸，有一些字剪出来变得更有韵味。
书法在我国有着悠久的历史，古往今来有很多书法大家。施法使得汉字变得更生动，更有韵味。书法有很多的字体，它有着更为丰富的美感。就像靳埭强的系列海报山、水、风、云中，书法的应用，使得汉字更具张力，与其说是字不如说是画。
（二）传统图案在平面设计中的应用。中国的传统图案有很多，最为突出的是吉祥图案。这些图案都是人们智慧的结晶。我们可以找到大量素材。“吉祥图案的创作主要使用象征、谐音等手法，如猴子骑在马上寓意着‘马上封侯’，将莲花与鱼放在一起象征着‘连年有余’，将松树与仙鹤放在一起表达了‘延年益寿’的愿望等。”这些吉祥图案中蕴含了浓厚的民族特色。
（三）民间艺术在平面设计中的应用。民间艺术有剪纸、皮影、脸谱、印章等等。这些民间艺术都是劳动人民智慧的结晶。剪纸的形式丰富多彩，现如今我们仍能看到很多别出心裁的民间剪纸。印章的应用非常广泛，我们可以看到很多画作的落款都有印张，它是一种身份的象征，也是一种文化的传承。
（四）水墨在平面设计中的应用。中国的水墨画追求的是一种意境，形似而神不似。它不像油画那么的具象，它是一种形式美，齐白石曾说，水墨画形似则媚俗，不似则欺世，最妙的就是在似与不似之间。靳埭强是将中国的传统水墨融入到平面设计中的代表人物。
四、结语
日本设计师田中一光曾经说过：中国有很多好的东西，如针灸、中医等。在中国现代化的道路上，如果能将其现代化对整个世界都是很有益的。我们应该重视我国的传统文化，中国传统文化历史悠久、博大精深，有许多值得我们去探讨思考的。我们应该重视我国的传统文化，在深刻理解的同时运用到我们的设计中去，走出一条具有自己特色的设计道路。
参考文献：
[1]柳芸等.民间艺术色彩在现代平面设计中的应用[J].长沙大学学报，2002，（3）.
[2]靳埭强.身度心道——中国文化为本的设计、绘画、教育[M].合肥：安徽美术出版社，2008.
中国传统艺术对现代平面设计的影响 第7篇
一、中国传统艺术概述
我国传统艺术的遗产极其丰富并且辉煌。绘画、书法、音乐、舞蹈、戏曲、园林、建筑、雕塑、工艺美术、传统美食等, 都有几千年的积累, 都有伟大的创造, 都透着五千年文明古国深厚的文化底蕴。这是中华民族的宝贵财富, 也是全人类的宝贵财富。无论是宫廷美术还是民间美术, 无论是文人画还是宗教画, 经过历代的画家、艺人、工匠的创作实践, 积累了大量丰富多样的艺术表现手法和表现形式。无论是逸笔草草的国画笔墨还是板刻结圆的装饰图案;无论是造型夸张的民间剪纸还是色彩强烈的木版年画, 这一切无不为现代设计艺术提供着丰富的表现形式和图形语言。中国传统艺术是东方文化的一处独特景观和宝贵财富, 它题材广泛、历史悠久、内涵丰富、博大精深、形式多样, 是其他艺术形式难以替代的。
二、中国平面设计的发展
在我国, 平面设计有着悠久的历史。战国时“矛与盾”的口头广告“韩非子”中所描述的“悬帜甚高”中的“望子”;两宋时期伴随着印刷雕版而产生的“传单”等, 都可以看作是平面设计的雏形, 是我国广告历史久远的例证。但是, 平面设计真正成为一种专业性活动并发挥其巨大作用却是从资本主义社会才开始的, 从这个意义上讲, 我国的平面设计艺术可以说是引进的。西方设计发展了百余年, 而在中国, 真正意义的设计只有不到二十年的时间, 全球经济一体化的商业融合, 强化了中国设计师的竞争意识, 参与国际平面设计竞争和交流已经是家常便饭, 中国设计师在国际设计大赛中获奖也是十分频繁的事情了。中西文化的交融, 多元化的国际并存已经融入中国设计师的作品中, 这是中国平面设计事业成熟的表现。然而, 正是这种中西文化的相互交融, 中国现代设计中充满了受西方影响的视觉语言, 在“国际设计风格”潮流之后, 开创多元化的设计潮流, 已成为新一代设计师们所面临的课题。这种发挥是在对传统文化表现方式的理解基础上, 传统的元素加以改造提炼和运用, 使现代设计更富有时代的特色。
三、中国传统艺术对现代平面设计的影响
从我国文化发展的历史经验来看, 一个国家、一个民族文化的发展, 要想立于不败之地, 就要勇于吸收, 敢于继承, 善于交融。无论是从我国早期华夏文化的形成直至达到两汉文化的高峰, 还是盛唐文化受到西域、印度文化的影响而发扬光大, 无不表明, 只有勇于吸收, 才能发展, 只有敢于继承、善于交融才能最终真正成为自己文化的主人。
1. 我国传统艺术对招贴广告的影响
招贴广告是现代平面设计中比较大众化的一种体裁, 用来完成一定的宣传鼓动任务, 或是为报导、广告、劝喻、教育等目的服务, 它要求一目了然, 简洁明确。为了达到这个目的, 招贴广告往往采取一系列假定手法, 突出重点, 删去次要的细节, 甚至背景, 把各个不同的比例, 在不同时间、空间发生的活动组合在一起, 并经常运用象征手法, 启发人们的联想。因此, 它的构思要能超载现实, 构图要概括集中, 形象要简练夸张, 要以强烈鲜明的色彩为手法, 突出醒目地表达所要宣传的事物, 赋予画面更广泛的含义。在这些方面, 中国传统的美学观, 能够为设计者提供大量的营养。而西方传统艺术, 基于几何学空间观念, 从模拟生活现象入手, 借以展示作者的创作思想。中国艺术家则是有选择, 有重点, 以“不似之似”、“脱形写神”为艺术追求的胜境。我们从来不曾用如实的描写、逼真的再现要求过中国传统艺术, 没有人指责某些山水画不符合焦点透视的原则, 也没有人批评传统戏曲程式化的表演模式, 因为我们对自已的传统艺术有一个固定的观念, 懂得抽象的形式美在造型艺术中的重要价值。中国传统艺术讲究形神兼备, 讲究概括与内涵, 齐白石“画虾几十年才得其神”, 就有一个不断概括、不断深入的过程, 最终敢于舍弃虾的次要部分而突出其主要特征, 使母虾的形象更为完美、更为生动。齐白石提出的“作画妙在似与不似之间”, 这种说法和石涛的“无法而法, 乃为至法”的说法是相通的。再看我们的一些招贴画, 就“似与不似”的观点来考察, 就形象的简明与富于概括这一点来衡量, 很多形象显然不是生活的简单模仿, 某些概括的形象显然与素材有很大的差别, 由复杂到单纯, 由繁杂到简洁, 这种特点正符合了招贴广告的要求。
观众欣赏画, 主要不是欣赏艺术家画的是什么, 而是主要欣赏通过什么艺术手法来表现。欣赏的着眼点在于笔墨、章法、气韵、意境, 正如同观众欣赏传统京剧, 主要是欣赏演员的技艺和“唱、念、做、打”的功夫。中国传统艺术突破了自然主义和形式主义的片面性, 创造了不少规范化的程式, 这些师法自然, 来源于生活但又经过千锤百炼, 概括而又多变的“程式”是一种经过高度提炼的美的精华, 是积淀了内容要求的形式之美。
香港设计师靳埭强在平面设计界是当之无愧的大师级人物。他曾获得过300多个设计类的奖项, 其中很多是国际平面设计界一流的大奖。他主张把中国传统文化的精髓融合到西方现代设计的理念中去。他的许多作品都无一例外地体现着这种思想, 在其招贴设计《自在》系列中, 运用了中国的水墨画技法, 融合了现代技术的特殊机理效果, 现代又不失传统。在国际“水”主题招贴艺术展中, “水生命文化”招贴图形作品, 将极其强烈的民族装饰风格化的图形形象作为整幅作品的大背景, 进行了丰富而适当的虚化处理, 整个画面以黑白极色加以艺术表现, 形成了形与色的对立与协调、冲突与融合的视觉效果, 构筑了一幅在中国特定大文化场景下的具有视觉冲击力的现代平面图形设计作品。招贴作品“金、木、水、火、土”招贴图形形象设计, 也充分显示了这种文化艺术的精神特征, 萦绕着极其强烈的现代主义设计的精神光环。
我们从靳埭强的设计作品中, 都能感受到强烈的中华民族文化的气息, 这也正是他艺术设计成功之所在。如果说, 靳埭强的成功, 还有什么捷径的话, 那就是把中国传统文化融合到现代设计中去, 使设计更具有文化气息, 更具有民族特色, 以此强化设计的感染力度。
2. 我国传统文化对标志设计的影响
2008年北京理想设计公司的申奥标志可以说是一个很好的范例, 整个标志造型没有对传统造型的直接借用, 而是运用了中国特有的介于“似与不似”之间的写意手法, 恰到好处地传递出传统民间工艺品的“中国结”和“运动员”两个意象。图案如行云流水, 和谐生动, 充满运动感, 象征世界人民团结、协作、交流、发展, 携手共创新世纪;表达奥林匹克更快、更高、更强的精神。2008年奥运会会徽“中国印舞动的北京”, 以印章为主体的表现形式, 将中国传统的印章和书法等艺术形式与运动特征结合起来, 经过艺术手法夸张变形、巧妙地幻化成一个向前奔跑、舞动着迎接胜利的运动人形。人的造型同时形似现代“京”字的神韵, 蕴含浓重的中国韵味。两个标志不仅体现了中国文化特有的审美意韵, 而且得到了世界的认同。2008北京奥运会的会徽, 不仅代表着中国、中国文化、汉文化, 更是汉文化的一个最直接体现, 更代表了中国现代的人文精神面貌, 她让全世界看到了中国文化、汉文化, 更了解了现代中国发展的进程和希望, 使他们看到了中国的希望、中国的未来, 看到了中国对世界人们的影响和作用。2008北京奥运会是历史的新的里程碑, 也是新时代文化的里程碑。大家可以想象:有什么比用2008奥运会标志作为现代中国文化的标志更有意义呢?
以上所述的仅仅是传统文化对我国现代平面设计的一些影响。中国传统艺术潜移默化地影响着我们的现代设计思想。我们在设计中也要“寻根”, 我们民族传统文化中为其他民族所不及的思维优势和独特风采。艺术始终要讲内在的延续, 一种艺术形式的产生及被容纳, 需要特定的历史文化背景, 其中包括一个民族的生活方式、习俗、伦理道德、审美习惯等, 构成了潜在的深层文化结构, 深锁于民族的心理和精神之中, 调节和制约着民族文化的发展和外来文化的介入。当然, 我们也在不断受到外来文化设计思想的冲击, 同样从中受益匪浅。但是我相信, 在这种世界规模的文化交流与竞争当中, 凡是我们民族特有的长处, 决不会丧失, 只会发扬光大, 且有助于发展真正的“中国设计”。
参考文献
[1]常兆玉.中国传统文化要略[M].北京法律出版社, 1999:35.
[2]罗萍.广告视觉设计基础[M].东方出版中心, 2000:178.
[3]王国伦.平面设计[M].北京清华大学美术学院出版社, 2001:10.
[4]王肖生.现代广告设计[M].复旦大学出版社, 2002:204.
[5]赵农.中国艺术设计史[M].陕西人民美术出版社, 2004:87.
试分析传统纹样对平面设计的影响 第8篇
一、传统纹样的分类及特征
最早的传统纹样源于古人对吉祥意识的一种表达。在原始社会,由于人们对于自然的认识较为片面,才催生出了最早的传统纹样,也就是图腾。最早的传统纹样一般以动物和植物为主,随着时代的发展,传统纹样的种类也越来越丰富,更具文化特征。
(一)传统纹样的分类。
传统纹样一般分为四类。动物类纹样是传统纹样最重要的一部分,龙凤纹是最早出现也是最常见的传统纹样。像这类传统纹样不属于现实中的动物,充满了神秘感和吉祥的喻意。当然还有一些常见的动物类纹样,例如鱼类和鸟式纹样,鲤鱼跃龙门、象征长寿的丹顶鹤都是我们常见的动物类纹样;植物类纹样则是人们根据植物的某些特征,在宗教的影响下,通过艺术性的加工赋予其独特的象征意义。如竹子纹样象征谦虚和高洁,牡丹纹样象征富贵和吉祥;器物类纹样最常见的是绳结类和钱币玉石式纹样。绳结式纹样最常见的是中国结,寓意着吉祥如意又富有中国特色。钱币玉石式纹样则表达了人们财源广进的美好愿望以及对美好生活的向往;人物类纹样早期大多与神话传说相关,如女娲伏羲纹样。到了唐代,由于佛教的传入,人物类纹样又大多以宗教人物为蓝本,如佛像和飞天式纹样的大量出现。而在民间,也有许多可爱且富有喜感的人物类纹样,如年画娃娃等。
(二)传统纹样的特征。
从前文传统纹样的分类可以看出,传统纹样大多是人们观察和想象力的结晶,具有极大的象征意义。传统纹样的象征性特征不仅是其流传至今且长久不衰的秘密,也能够在平面设计中赋予设计作品独特的象征含义,表达人物美好的祝愿和希望。此外,传统纹样一般造型优美,具有独特的民族和文化特征。例如中国结这一中国传统纹样,以绳结连续交错的形式,蕴含着吉祥如意的含义。这种绳结类纹样被命名为中国结,应用到平面设计中,能够为设计作品增添一抹浓重的中国色彩。
二、平面设计中的传统纹样
首先应该明确,传统纹样对于平面设计不是简单的“拿来主义”,精华的符合现代时代需求的传统纹样,将其与现代平面设计相结合,对设计出的作品会产生良好的独特的影响。
(一)在造型方面的影响。
传统纹样看似年代久远,其实在现代社会拥有一种独特的魅力。传统纹样的造型可复杂可简洁,但大多数十分优美,令人过目难忘。平面设计中融入传统纹样的元素,能够使设计出的作品的造型富有古典韵味,又不失现代魅力。例如在一婚庆公司的商标设计中融入鸳鸯式传统纹样,这一造型会使设计出来的商标更具美感,也能增添一种艺术感。
(二)在喻意方面的影响。
现代对于平面设计更加重视设计背后的喻意。传统纹样大多具有自身独特的象征意义,例如青松纹样象征着长寿、青春不老,锦鲤纹样象征着吉祥和心想事成。同样以婚庆公司商标设计为例,鸳鸯本身喻意着夫妻恩爱,这一象征意义与婚庆公司的业务不谋而合,鸳鸯式纹样在商标设计中的融入,能给设计作品增添一种独特的传统文化的象征喻意,可以表达出对美好婚姻的祝愿。
三、结束语
21世纪的竞争是设计的竞争,而设计竞争的背后是文化的较量。中国的传统纹样蕴含着丰富的文化底蕴,在平面设计中将传统和时尚结合在一起,才能使设计作品历久弥新。传统和现代在平面设计中的应用会相得益彰,能够给平面设计带来意想不到的独特影响,不论是在造型还是喻意方面,传统纹样带给平面设计的影响都是积极且深远的。当然,这种好的影响的产生,是在对传统纹样的精心筛选的前提之下,设计师应该明白什么样的传统纹样是适合其平面设计作品,什么样的传统纹样又是应该被舍弃的。在传统纹样的积极影响下,相信我国的平面设计作品能够经受住时代和市场的考验,走出国门,走向世界。
参考文献
[1]刘建华.中国吉祥装饰设计[M].北京:中国轻工业出版社,2010.
[2]刘燕.传统民间美术对现代平面设计的重构[J].大舞台,2012(7).
[3]李晓燕.中国传统纹样对平面设计的影响[J].青春岁月,2015(8).
计算机影响下的平面设计模式 第9篇
一、新模式的主要表现
1、新观念:当今的平面设计师正处在一个电子技术大爆炸的时代, 每个人都从这股知识的洪流中感知着周围环境的变化, 有的乐观, 有的消极。对于它的出现, 目前有着两种绝然不同的看法:一部分的设计家认为“这是一个低能的、冷漠的、技术上局限而独裁的工具。”而另一部分人则认为这是时代为我们提供的能为设计师创作带来激情、能赋予新的生命并具有魔术般魅力工具。这一观点占有相当的比例, 特别是计算机软件、硬件的迅速发展, 为设计师们提供了许多的快捷与方便, 大大地缩短了平面设计的时间, 对它的设计图形、拼和形象、图象处理, 达到创造摄影无法超越的真真假假超现实环境的地步, 确实使人对计算机潜在的能力所折服。然而, 大家最关心的还是“电脑与人脑谁控制谁的问题?”一致的观点为电脑毕竟是电脑, 电脑是人手的延伸, 电脑永远代替不了人脑。创意设计仍然要靠人脑, 人脑要善用电脑, 设计才能更趋完美。
2、新形式:新的图形语言形式的产生是计算机时代下的必然结果。正如人类绘画艺术创作一样, 自从19世纪初发明了照相术, 给当时的艺术界创作带来了史无前例的冲击, 动播了绘画再现生活的写实主义倾向, 随之产生了印象画派和现代诸流派。而这次计算机的科技又与艺术再一次结盟了, 给艺术设计界带来新的冲击。在一台小小的笔记本电脑中, 设计师可以轻而易举地创造出如摄影般逼真或达利的超级现实主义作品的梦幻效果, 平面设计领域出现的新的造型语言和新的表达方式诞生了新的图象族, 新的视觉冲击力和新的设计风格由此而产生。
3、新工具和新方法:电脑艺术以它独特的数据化形象给艺术创作带来了无限广阔的空间, 其迷人的魁力和特殊的效果使当代许多平面设计师放下了画纸、画笔、尺子、颜料、刀等工具, 转而敲打着键盘, 滑动着鼠标, 透过屏幕里的虚拟空间进行设计。这一新工具对他们来说又好奇又兴奋, 电脑里的“存储”、“传输”、“返回”等方式的数字化使设计行为可以更为灵活组织和运作, 又可使设计过程不再是以往的单向进行, 而是多向可逆的。在制作方法上随着计算机技术在印刷业、摄影业、出版业的进一步发展, 使整个平面设计从设计到出版发行的程序都发生了巨大变化, 己达成了构思、设计、绘制、印刷的统一性。
二、计算机平面设计挑战传统
新模式下整个平面从设计到出版发行都发生了改变, 特别在文字处理和图形处理上的技术已经达到难以想象的水平, 在家中就可用电话与出版社在各自的电脑上讨论设计的问题, 确定之后再发送到印刷厂, 利用电传信号通过激光机械制作印刷纸型, 这种过程把原来设计必要的几乎所有设计手段都淘汰了。传统的表现方法、制作方法己明显不能适应现代计算机的设计速度和要求。其快捷以及其无限的变换方式是传统方法所不能及的。它首先在于计算机对设计实践的对象和程序的影响, 进而是对工作方式和设计观念的重构, 在设计表达上, 最直接的影响还是带来了新的造型语言和表达方式。同时这也是对传统模式下的工具制造业的一种挑战, 传统设计工具需求量减少了。而计算机软、硬件需求却在不断增加, 势必会影响到传统工具制造业的发展。然而。对新模式下的平面设计师也是新的挑战。设计的表现形式、表现手段日益丰富完善, 要求设计师们挖空心思拿出更好、更新的设计来, 才能体现出更高的水准, 设计师要在观念上、在使用技术的潜能上比高低.观念和创意日益显得更为重要了。
三、计算机给平面设计带来的功利和缺点。
1、冷漠僵化的形式语言和机械教条的制作方法
有的设计者过于迷信电脑, 他们带着完全的自信, 沉浸在计算机提供的虚拟空间中不能自拔, 往往陷入了不顾设计的具体需要而滥用各种特殊效果的僵化模式, 殊不知计算机里的程序本来就是由人编制和设定出来的, 设计者随着机器提供的程序进行设计、变化, 操作着都是同样的一些过程, 很容易得到雷同的效果。这样势必会形成冷漠僵化的模式和机械教条的制作过程。
2、因受计算机技术、设备制约, 出现许多电脑问题
由于各种原固, 许多地方的计算机还不是十分普及, 因而成为有限的设备, 在设计思维过程中, 随时想用电脑就成了不方便携带的问题。设计师在享受着运用电脑创作无限乐趣的同时, 经常伴随着许多电脑产生的烦恼, 如PC个人电脑的“死机”现象, 能把有效、可贵的文件丢失掉, 电脑系统的不兼容性使得在不同系统的系统中制作的文件不容通用, 有的设计师最初把所有的希望都寄托在计算机的制作上, 但事实上并不是象他们想象与等待的一样, 设计师最终还是受制于制作过程中不同的环节制约, 不能达到理想的效果。
3、为增强竞争力, 购置设备耗资颇太, 经济负担加重
一般人都会认为有了一台电脑并不能心里安稳, 因为在很短的时间里就会被速度快的电脑淘汰掉, 系统的升级, 软件的更新换代太普通了, 各地大小广告公司以及设计师个人为了加强竞争力, 也不得不争先恐后地购置先进计算机软、硬件设备, 耗资颇大, 和传统工具相比较, 经济负担明显加重。
论传统文化对当代平面设计的影响 第10篇
我国许多当代平面设计的作品中都可以看到传统文化的身影, 可以说我国的传统文化对于当代平面设计有着很重要的意义。虽然, 平面设计是属于真建行实存在的, 要具有一定的物质性, 而且这一内容是不能够有任何违背的, 但是设计同样也是一种文化, 其中尤为突出的就是平面设计。无论是平面设计人员还是平面设计的需求人员都不可避免的受到周围生存环境的影响, 也都在有意或者是无意的与传统文化亲密的接触, 也正是因为平面设计中有了传统文化的引入, 平面设计作品才显得更加生动, 更加的多姿多彩, 充满艺术的气息。
1 构图形式
受到传统观念的影响, 中国人一直都在追求中、全、和。对于中就是中心, 不偏不离。我国传统文化中儒学就是这种观念, 具有一定的大家风范, 同时也是我国传统文化中的经典。儒家的思想观念为古代的设计指引了方向, 阴阳五行为设计标定了主要的方式。例如, 在我国古代的建筑设计上就有着充分的展现, 古代建筑在成体的布局上讲究层次感, 而且对于对称性十分看重, 表现色彩认为寒色是最高等级的颜色, 代表着无比的尊贵。系统规划的设计观念已经在人们的心中根深蒂固, 构图的主要方式上也存在着较多的体现。
1.1 中线
中线就是以中间的一条线为基准, 从上到下贯穿整个设计画面的构图方法。在我国目前的图形设计中, 应用中线这种构图方法进行排版的作品可以说是比比皆是, 这种方法与德国采用的上升式斜线排版方法以及日本所采用的重心在下的构图方法有着十分强烈的对比, 这种构图方式正是求中观念对于当代平面设计师设计作品的影响。
1.2 对称
西方的古典美学中认为对称是一种美的表现因素。我国许多美术团的构成中也都是成双成对的, 像不对应的对称之美也是如此诞生的。例如, 我国的剪纸传统艺术、风筝的彩绘等等。对称的方式能够将均衡美淋漓尽致的展现出来。设计师对于对称的构图方式十分喜爱也展现了我国传统文化无可抗拒的魅力[1]。
2 表现形式
我国儒学讲究的要中规中矩要有章法, 但是我国的道家思想却是自由和随性, 这两种观念同时也代表着我国古代两种完全不同的实际思想, 其二者相互对立又相互补充, 使得我国的设计思想更加的全面、完整。就好比拥有者至高等级的紫禁之巅也能与江南的景秀园林和谐共处一样。道家思想讲究清净, 有着自身独特的道德准则, 同时还有着封闭含蓄的文化内涵, 使得我国传统艺术上开始重视, 那种朦朦胧胧、蕴含深意的艺术表现方法, 为我国图形设计注入了新的附有活力的血液。
2.1 传统水墨
中国绘画是一种传统文化更是一种艺术, 当代平面设计从我国的绘画中学到了很多内容, 例如, 画笔描绘的线条以及整体的色调等, 最为重要的是传统水墨画那种随意的笔动, 那种虚实相交的表现方式被我国当代平面设计广泛借鉴, 它并没有具有特定的规律, 但是它具有着良好的渗透性, 它能够与当代的商业设计合理的融合在一起, 给人们以一种强烈的视觉冲击。每一个水墨画家都认为自己手中的画笔是有生命的, 水和墨也有着属于自己的灵魂。中国的水墨作品能够具有着良好的表现力与绘画应用的工具盒材料是分不开的。例如墨、宣纸都严重的制约了水墨作品, 毛笔蘸着墨水与宣纸接触, 落笔之后就不能够再有所更改, 只有在真正放松状态下自由的绘画才能够得到满意的作品。许多的当代平面设计师对水墨有着过多的偏爱, 也是因为水墨具有的那种随意、那种洒脱。
2.2 传统文字
我国的汉字可以说随着我国的历史进程不断的进行演变, 是我国人民智慧的结晶。在当代平面设计中, 应用到中国文字的平面作品随处可见, 使得平面作品具有着本土的艺术文化气息。中国汉字最大的魅力展现就是它形象的字形和特别的结构, 汉字中可以说暗含着视觉表现所有可能性。举一个较为简单的例子在我国清代时期非常吉祥的文字黄金弯梁就是利用汉字的结构, 然后, 巧妙的将这四个字连成一个图案, 也是我国现代字体展现的成功案例。乾隆皇帝曾经在美丽的西湖题字, 写下虫二两字, 这两字正是风月二字的字心, 这种引发内心思考的表现手法, 不仅仅能够使人们感受到文化上的趣味, 同时, 还能够进行信息的传达。我国的书法和篆刻是汉字的另一种表现形式, 使得汉字更加具有内涵。我国书法类的字体, 线的流动, 笔锋婉转有力, 也使得书法文字造型受到广泛当代平面设计人员的喜爱, 并且应用到如今的广告或是产品的外包装上。
2.3 色彩表现
在我国的古代对于色彩的应用是有着严重制约的, 黄色为颜色的最高等级, 所以, 在皇宫之中才能够应用。一些王侯将相的府邸应用红色, 对于贫民的住处只能应用黑、白等颜色。同时不受限制的在我国民间不断发展开来, 而且表现出一种十分绚烂的面貌。在我国的当代平面设计作品中也能够感受到大俗与大雅这两种鲜明的个性。
朴素就是在我国当代平面设计中所表现的黑白对立的表现形式, 黑色和白色也是构图的基本色调。在我国的古代黑白两种颜色被称之为玄素, 也就是说黑色为万色之父, 白色为万色之母, 黑白两种颜色构成的太极图案也被人们认为是色彩表现的最高境界。朴素的图形能够有效的舒缓人们视觉疲劳的状态, 将作品所蕴含的典雅气质更好的展现。浓艳就是注重于各种颜色搭配, 我国古代浓艳主要应用的颜色有五种, 通过合理的配置, 表现效果十分的强烈, 也给人以很强的视觉冲击。这种传统的浓艳表现方式在我国当代平面设计中也有所展现, 在我国的传统食品的包装上是最为常见的, 例如桂花糕、月饼的包装上。
3 结语
传统文化的内涵就是当代平面设计作品的灵魂, 许许多多的当代平面设计作品中都含有着丰富的传统文化气息。面对西方表现形式的冲击, 如果一味的追寻和模仿只能使的设计作品更加的死板、呆滞、没有生机, 只有将传统文化融于当代平面设计作品中才能够使得作品具有生命力。
参考文献
东方设计美学对现代设计的影响 第11篇
关键词：中国画；留白；现代设计；意境
“留白”作为一种传统绘画技法，讲究着墨疏淡，以留取空白营造空灵韵味，引人遐思，起到“以无胜有”的效果，给人以美的享受。“留白” 指的是画中对空白部分的留取。中国画利用留白来营造出虚实相生的意境，在中国画众多的表现手法中，留白是最能体现民族独特风格的一种形式。道家思想的代表人物老子认为“万物始于无而生于有，虚比实更真实，更有味道。没有虚空存在，万物就不能生长，就没有生命的活跃”。因此中国古典美学中的“暗香浮动、虚实相生”、中国画中的“计白当黑” 等都体现出对虚、空的重视。
1“留白”手法在现代包装设计中的运用
现代包装设计作为现代设计中的一个重要组成部分，它的发展历程与现代设计的演变进程息息相关。留白中强调的虚与实的对比协调而产生的美感正与现代包装设计中的对比协调设计手法不谋而合， 所以在包装设计中用留白的表现手法更加有利于体现包装中完善整体的美感。
在包装构图中，是否能够突出包装的主题，展现产品的信息，与画面布局的空间环境密切相关。包装上使用大片空白，人们的视觉停留时间就越长，因此，越是包装的主题，其周围的留白空间就应该越大，这样主题就越容易突出。留白不是空虚，而是构图处理上的一种特殊的审美感知。
在现代包装设计中， 色彩的设计是一个重要的组成部分， 色彩的设计是否成功关系到包装的第一印象。好的色彩设计能够更好地彰显设计的品质。色彩的留白并不是指单纯的在整体色彩中留出一块白色部分， 而是指对色彩元素取舍的一种把握。众多纷繁复杂且跳跃的色彩中， 突然有一片单纯的色彩， 给人以视觉喘息的空间， 也使版面有了轻重、节奏感， 那么， 这就是设计中的一种色彩的留白。
2“留白”手法在现代招贴设计中的运用
所谓招贴，又名“海报”或宣传画，属于户外广告，分布于各处街道、影院、展览会、商业区、机场、码头、车站、公园等公共场所，在国外被称为“瞬间”的街头艺术。招贴设计的本质在于传达信息，使用强烈的视觉冲击力来达到宣传的目的。
现代招贴设计中，留白的艺术运用，不仅可以保持版面的整体感，还可以协调读者的平衡，如果留白运用的巧妙，对留白的形状进行精心的安排，那么留白处就会成为设计中最突出、最令人瞩目的部分，从而使版面产生无限的美感和想象的空间。在设计里，空白不仅仅是作为背景存在，而是参与设计，巧妙利用空间的分割，物象之间大小、远近、疏密的关系。把无关紧要的形象化繁为简，变零为整用空白取而代之，从而使得精心雕琢的形象更加的突出、主题更加的醒目。被西方设计界誉为“平面设计教父”的福田繁雄教授就是一位擅用空白符号的著名设计家。代表作品《国际囚犯人权》招贴设计中空白的运用，不但使版面语言更加清新明快、主次分明，而且版面各元素之间得到统一，既保留了版面的稳重大方，又不失灵活生动，给人以想象的空间。这种空白的运用，进一步增强了招贴画面的韵律之美。
3“留白”手法在现代服装设计中的运用
现代服装设计是一门融合科学、艺术于一体的综合性多元化学科，涉及艺术、历史、哲学、美学、心理学、人体工程学等诸多领域，是科学与艺术、感性与理性相结合的创造性工作。在传统文化思潮的影响下，服装设计的全球化与民族化相结合成为了现代服装设计的热点，而作为中国画构成特色之一的“留白”手法，以其独特的艺术语言潜移默化地拓展到服装设计领域，成为服装设计美学的焦点，并对服装设计创作有着重要的启发。
在当代服装款式进行造型设计时，我们可以充分运用“留白”的手法来展现人体的着装美，讲求服饰视觉的美感。 如现代旗袍的开衩设计，在旗袍线条简洁流畅，婉约含蓄的基础上，根据款式进行合理开衩，裸露出腿部的肌肤，在行走中给人以无限的想象空间，产生一种意蕴丰富的视觉效果。再如女士领部开口造型的低胸晚礼服，颈部自然露出的部分与胸部优美曲线交相辉映，其“留白”的空间给人以微妙的视觉美感。
服饰装饰图案设计作为现代服装设计中一个重要的组成部分，它的图案布局的视觉审美直接影响到成衣的销售情况，在现在进行装饰图案设计时，借鉴中国画“留白”的布局特点的作品也有许多，设计师通盘考虑图案的设计与在成衣中位置的摆放，图案的纹样、大小、色彩等要考虑美学与现代审美的情趣及当今流行趋势相结合。在现代成衣设计中，图案经常被设计师巧妙地运用到服装的肩部、胸部、下摆等处，给消费者以新的视觉美感。而服装的材料选用体现了“留白”的意境美。意境是中国古典美学的重要范畴，是中国绘画美学体系的精髓。画家使用“留白”的绘画技法，营造出意境的美感。中国画“留白”手法的营造为服装材料选用提供了许多可借鉴之处。服装设计中材料的美感是体现服装艺术美的重要因素，如为了表现服装的古朴意蕴，可选用扎染、蜡染等工艺处理的面料，通过色泽未到之处的“留白”，使色彩和形象在其中变得绮丽、动人，充满灵气和神奇，激发观者无限的想象和回味
4总结
中国传统文化中的“留白”艺术理念对当代设计的影响是十分深远的。留白作为一种技法，不管在时间上或是空间上都不是永恒的，留白技法没有绝对性，它需要跟着时代发展的变化而变化。空间引人遐想，虚实相生的处理手法潜移默化的引导着观者。设计中的“留白”空间就像文章中的省略符号一样，虽然没有过多的语言，却带来延绵的想象，意味无穷。
参考文献：
[1] 王汀.版面构成[M].广州：广东人民出版社，2000.
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[4] 孙志芹.中国画中的“空白”与服装设计[J].艺术教育，2006.
中国设计思想对中国设计的影响 第12篇
1 原始社会
原始社会生产力低下, 人类在对自然界的改造过程中萌发出了最初的设计思想, 即一种务实的思想, 即不断改造工具, 使其功能不断提高。那时审美尚未从社会生活中独立出来, 人类对美的追求更多服从于功能的内容, 对那时的人类来说, 审美的愉悦感是从对大自然的征服中获得的。这种务实的设计思想对原始人的影响表现在以下几个方面:1) 对石器的不断加工和改进, 使其功能不断提高;2) 原始人试图通过原始宗教征服自然, 例如陶器上的氏族图腾文饰以及文身。
2 奴隶社会
夏、商、周时期是我国奴隶社会发展的时期。受原始社会血缘观念的影响以及奴隶社会人类对大自然认识水平的低下, 那时在意识形态领域占主导的是宗法制度和“天命”思想。反映在设计领域, 奴隶社会出现了服务于宗法神权思想的青铜器礼器。青铜器礼器主要用于家族中祭祀祖宗, 其上刻有大量神人兽面纹, 表现出那时的人类对大自然的崇拜和敬畏。
随着生产力的发展, 奴隶社会出现了“百工”, 即从事生产劳动的各行各业的人。受宗法观念的影响, 这些工匠都有各自专一的工种, 并一代一代承传技艺。
奴隶社会出现了阴阳五行思想和“三才” (天时、地利、人和) 观念, 受这些观念的影响, 人类在自然中取材用材遵循有节制的消耗的准则, 并在设计中适当平衡各种关系, 以及反映出当时人类对掌握自然界客观规律的初步探索。
3 春秋战国时期
春秋战国时期出现了“百家争鸣”的景象, 即诸子百家之争, 形成了反映各阶层利益的许多思想哲学派别。其中最为著名的有儒家, 道家和墨家。
儒家思想对天命观既继承又批判, 包含的伦理教育思想使设计与造型也在一定程度上成了严格的典章制度的物化形式。
道家追求淡泊与自然, 对文人画产生了很大的影响, 表现在文人画中即形神结合, 心手相应, 气力相合, 尤其是墨分五色, 以重水墨而轻色彩, 注重水墨中的丰富色变的技法。同时, 道家追求天人合一, 这成了中国园林造园的基本宗旨。
墨家学派重视对科学技术的理论研究与实践。墨家在几何学、光学和力学三方面总结出的内容代表了墨家在造物设计中的科学思想, 为造物设计提供了科学的理论依据, 不失为设计史上光辉的一页。
4 秦汉时期
公元前221年, 秦始皇建立起我国历史上第一个统一的中央集权的国家秦朝。为了巩固和加强国家的统一, 他在政治、经济、法律、军事和思想文化方面都采取了一系列的措施, 这些措施使得秦朝空前统一和强大。国家的统一, 全国军事化的管理都使秦朝的城市建造首次开启了方正规划设计的先声。汉代的城市则继续了秦代出现的正方规格, 但是其最大的原因却是“独尊儒术”后, 儒家“君、臣、父、子”均齐、有序等级观念的体现。同时, 由于秦汉时期政权高度统一, 人对自然的认识水平有限, 皇权、集权和天学结合为一体, 皇帝被谓为天子, 因此秦汉时期的造物风格宏大、统一、有序而且神圣。
5 魏晋南北朝时期
魏晋南北朝时期是继春秋战国以后第二次“百家争鸣”的时期, 思想家辈出, 群星灿烂, 对诸子百家的学术展开了广泛深入的探讨, 并突破以儒学为独尊的思想格局, 接纳了玄学、道学、佛学等思想, 初步形成以儒学为主体, 佛学和道学为两翼的中华传统文化的格局。玄学作为魏晋时期主要的思潮, 深刻地影响了文学、史学、艺术及科学造物领域。魏晋南北朝时期的美感和艺术观在玄学的影响下, 寓于简淡、玄远的意味, 因而奠定了1500年来中国的美感尤以表现于山水画、山水诗的基本倾向。
魏晋南北朝时期, 在玄谈与玄辩中产生了名理学。名理学的产生对人们如何科学地观察问题和解决问题产生了重要的影响, 人们逐渐懂得化学的作用, 不仅体现于炼丹术, 也普遍使用于冶铸、制瓷、造纸、印染、酿制等方面。如制瓷技术得到发展, 烧制出了白瓷。
6 隋唐五代时期
隋唐五代时期, 统治者利用儒教、道教和佛教共有的教化作用, 最终将三教合为一体, 历史上将其统称为三教合一, 又称“三教”。三教对当时皇族、士族及百姓的生活和观念, 均产生了重要的影响和作用。唐代采取了以儒教为主, 兼融佛、道甚至诸子百家。这无疑给宣传教义的设计又拓展出很大空间, 其造型艺术在隋代的基础上不断发展。大规模的石窟造像不断涌现, 显示出唐代艺术的精美和宏丽。国教儒学对衣冠服饰的设计也产生了影响, 就官服而言, 也用颜色和图案加以区分等级。
隋唐五代时期, 设计造物越来越离不开科学与技术的帮助。那时颜之推作的《颜氏家训》是一部集先贤智慧立法治家的杂论集, 涉及当时的生活习俗、语言风格、文化风情等社会内容, 反映出对传统思想的突破, 以及当时知识分子对科学技术的新的认识。隋唐五代时期, 柳宗元和刘禹锡的“天人不相预”的思想, 取得了中国自然观领域中的最高成就, 代表了科学思想的基本确立。
7 宋元时期
为适应赵宋王室与庶族地主改变其阶级内部关系, 加强对农民与其他阶级的统治, 以强化巩固其统治地位的需要, 理学应运而生。它是宋儒根据儒家经典, 研究自然与社会的起源与构成, 区别于儒学初衷和汉唐经学的新的学术体系。理学的形成为科学发展奠定了社会思想基础, 成为我国历史上科学发展黄金时代到来的前提因素之一。受理学思想所激发, 科学思想在宋元时期有了明显的发展, 取得了多方面的成就, 包括天文学、地学、生物学、数学、物理学及化学等多方面。
8 明代
明代, 在其封建经济开始走下坡路的同时, 资本主义生产关系出现萌芽。在思想文化领域, 在程朱理学由盛而衰的同时, 启蒙思想和经世致用之实学破笼而出, 再加之对外门户大开, 明代成为中国设计史上又一个非常重要的时期。
在这一时期, 由于实学的兴起和对外门户大开, 使得设计思想比以往任何时期更加务实, 追逐设计风格蔚然成风, 实现集大成之设计思想有了长足发展。在这个时期全面总结与发展了以往设计思想及技术, 许多总结性巨著都问世于此。
9 清代
清朝统治者竭尽全力地控制和钳制人民, 不仅表现在在政治、军事上要求统一和控制汉族等其他民族, 在文化、经济和生活习俗上, 也有形或无形地影响着整个社会。画家的行为、画学思想、绘画追求, 绘画品格等都在这个时期发生了极大的变化。清朝统治者控制和钳制人民, 表现在工程浩大的修书治书和皇家建筑和造园上极尽豪华之能事。中国的建筑艺术在这时期形成了第三次建筑高潮, 成就非凡。清朝时期, 民间的年画和刺绣工艺顽强地奔腾向前, 在社会历史的发展中吐露芳香, 翻开了一页又一页美丽的画卷。
思想上层建筑对社会生活有反作用。从上面的内容中我们可以看出, 在我国社会发展的过程中, 社会主流思想对造物的影响与作用。从而说明我国古典工艺与造物形态之所以显得独特, 是长期在特定的思想培育下所形成的结果。使我们重视思想上层建筑的作用, 从而鼓励我们解放思想, 更好的指导设计实践。
摘要：中国各个朝代的设计思想对中国设计产生了深远的影响;通过对中国古代各个朝代的设计思想的探究, 分析设计思想对当时的设计产生的影响;使我们认识到思想上层建筑的重要性, 使设计思想更好的指导设计实践。
关键词：中国设计思想,中国设计,影响
参考文献
