琵琶表演艺术论文范文第1篇

摘 要：随着社会的发展、人类精神文明的进步，电影音乐发展到了今天，以其极大地包容性融合了各种类型的音乐特点，也使音乐个性和整体性得到了很大的提高，本文就电影音乐在舞蹈编导教学中的运用及影响进行解析，从以电影人物为主题，电影音乐为情感灵魂的舞蹈创作到以舞蹈为中心思想，电影音乐为渲染、描绘的舞蹈创作进行举例分析，阐述了对舞蹈编导教学中电影音乐的策略应用及研究。浅析了电影音乐在舞蹈编导教学中的优势，结合构建主义思想理论在舞蹈教育中的应用，提出了将电影音乐应用到舞蹈编导教学中的影响及策略。

关 键 词：电影音乐 舞蹈编导 策略研究

电影音乐的创作是我国近现代音乐中一个重要的组成部分。当前，无论是国内还是国外，一部优秀的电影都离不开优秀电影音乐的创作。数十年来，人们随着物质生活和精神文化生活的提高，人格、人性的发展等各个方面都从音乐中吸取了丰富的营养。在现代生活中，特别是在城市中，一些电影的忠实观众对电影音乐的要求与欣赏电影音乐的品味越来越高，成为精神文明生活中不可或缺的内容。近几年来由于各种传媒特别是电脑开始走入家庭，大家对音乐的追求有所變化，作为音乐人也在研究如何从社会角度唤起人们对真正健康的电影音乐以完美的追求。随着电影音乐艺术的发展，电影音乐也从单一的配乐形式走向了多元化、立体化。

艺术是息息相通的。无论是文学、戏剧、音乐、绘画、雕塑、摄影等艺术，他们之间既有着各自的不同之处，又有着潜在的联系，舞蹈更是这样。正如我国南京军区前线歌舞团著名舞蹈编导家苏时进老师说的那样：“我在进行舞蹈创作的时候喜欢欣赏绘画，什么风格的绘画我都喜欢看，我会从中得到艺术的灵感，从而来进行舞蹈的创作。”我感觉这正是苏时进老师对艺术创作的自我诠释。

同样，舞蹈创作时的配乐也在随着时代的进步而不断发展着，近几年，越来越多的舞蹈作品全部或部分引用了电影的背景音乐，并且越来越引起众多舞蹈工作者和大众的喜爱，下面我就电影音乐在舞蹈编导教学中的运用及影响进行简单阐述：

一、电影音乐对人物、事物形象的刻画，以及电影音乐在舞蹈编导教学中对捕捉舞蹈形象的影响

由青年舞蹈家刘岩表演的舞蹈《胭脂扣》想必大家都已经很熟悉了，作品刻画了一个无助的、有情的女人的悲剧命运。刻画出一个挣扎在生活与感情中的风尘女子的形象，内心的酸楚、压抑与激情都掩盖在红粉胭脂之中。我们先不说舞蹈中刻画的人物是《胭脂扣》中的名妓如花还是《花样年华》中的苏丽珍，单说舞蹈中的“花样年华”和“藏心”两首音乐就足以让观众久久难以忘怀了！电影音乐的魅力，不单单载于它的旋律牵动人心，更在于音乐本身所包含的形象、灵魂，缩影了故事内容、再现了人物情感，成为剧情、表情、感情等诸多因素与观众互动的媒介，潜移默化地唤起人们内心的感知，产生了共鸣，这样的音乐就是成功的。像电影《花样年华》中的音乐，在不经意的圆舞曲风格中，一个青春年华但却内心苦闷的女人，一步一蹉跎，步步惆怅人心。观众的心不断被触动，或许正是有了一种感情似曾相似。只要这曲音乐响起，我们就能感觉到，我们的灵魂正随着这个声音上升到一种意境。影片中音乐一次次的响起，我们也一次次感受到影片的灵魂所在，音乐所表达的形象也会一次次浮现在我们眼前。影片是耐人寻味的，舞蹈是激动人心的，而影片音乐对舞蹈的创作影响则是举足轻重的！

“音乐不仅给舞蹈以长度和速度，也促使舞蹈语汇准确、简练、集中，同时，舞蹈动作的语言性和情绪的发展、深入，也是借助音乐的旋律、节奏来体现。”[1]在舞蹈与音乐的有机结合中，才塑造了完整的舞蹈形象。因此，在舞蹈作品中，音乐和舞蹈共同担负着刻画人物形象，表达思想内容的任务。由此可见，音乐在舞蹈中有着举足轻重的作用，同样是形象（音乐形象）的捕捉，同样是情感的表达，恰到好处的电影音乐则给我们在舞蹈编导教学中舞蹈形象的表现和具体感情的把握提供了很好的示范。在舞蹈编创教学过程中，刻画舞蹈形象时，音乐的选材是可以从电影背景音乐中汲取营养的。因为在电影配乐当中，刻画人物或事物形象的音乐本身就已经非常准确了，我们再稍加转化、处理，使音乐的形象和舞蹈形象的刻画更加完美的融合起来，无论是在教学还是作品创作中都会达到很好的效果。例如：我在讲授舞蹈创作中确定舞蹈形象后如何准确的确立音乐形象时，举例舞蹈《孔乙己》，这部作品的音乐选自《琵琶相》，音乐诙谐、幽默，恰如其分的表现出孔乙己的可笑与迂腐，使同学们在确立舞蹈音乐时能紧紧抓住电影音乐音乐与舞蹈形象的共同点，准确的选择舞蹈配乐。

二、电影音乐对影片情绪渲染的影响，以及电影音乐在舞蹈编导教学中对准确把握作品情感创作的影响

音乐在电影中是不可或缺的一门艺术语言。通过音乐，可以将观众的视觉与听觉结合起来，加深影片对感官的刺激与对心灵的震撼，使观众更加深入地了解影片所要传达的信息，从而帮助观众更好地理解这部电影的内涵。要达到上述这些效果，就必须善于运用各种音乐元素：乐器、旋律、节奏、力度以及人声等，才能对电影情节起到推波助澜的作用。影视音乐混杂着诸多因素和多种多样的音乐语言。它朝着不很完整的音乐形式和全新的管弦编排方向发展，它注重于时间的瞬息流逝，注重于理物的细微变化。音乐本身及其内涵都在一定程度上传递了观众们的价值取向和一种时代观念。舞蹈也是一样，同样要传递给观众感官上的刺激、心灵上的震撼，更是要把视觉、听觉和情绪完美融合起来，引导观众，达到心灵的洗礼和情绪的宣泄。

小说《一个陌生女人的来信》讲述了一个陌生的女人，在她生命的最后时刻，饱蘸着一生的痴情，写下了一封凄婉动人的长信，向一位著名的作家袒露了自己绝望的爱慕之情。作品以一名女子最痛苦的心理历程为主线贯穿全篇，写出了爱的深沉与奉献。高尔基曾由衷地赞赏这篇小说“真是一篇惊人的杰作”。而后根据小说改编创作的同名电影则更加直观的让人感受到了这份独特的感伤。淡淡的作品，虽然安静，但可以回味很久，绵延不断。电影的主题音乐选用的是一首钢琴伴奏下的琵琶曲——《琵琶语》。

影片风格安静、平和、缓慢，和原著风格的细腻清澈一脉相承。橘黄色的色调，呈现出浓浓的怀旧氛围，飘渺忧郁的配乐，也给故事增添了独特的美感。导演徐静蕾自己曾坦言音乐对于这部电影的重要性：“当时在拍摄的时候，我就觉得音乐在部电影当中应该说会起到非常非常大的作用。因为这个电影主要是关于情感的，那么，很情绪化的段落就会非常多，这时候是需要音乐来帮忙的。”有意思的是本片的主题音乐《琵琶语》本不是为这部电影而作的，而是作曲家林海为台湾风潮唱片公司所做的专辑《琵琶相》中的主题曲。导演徐静蕾听了以后觉得非常适合把它放在电影里，于是就这么做了。结果最后的效果非常好，非常贴切。例如，场景：江小姐的母亲要改嫁到山东。临行前的晚上，尚年幼的江小姐独自在屋外等待徐先生回来。当她看到徐先生帶着一个漂亮女人有说有笑的走进屋里，心中只有暗自神伤，默默接受这个无奈的结果。“《琵琶语》的音乐再次幽幽地响起。不过这一次是由钢琴来演奏的，速度也慢了许多。这与片中女主人公喃喃自语时的情绪很好的结合在一起。音乐很纯粹，给人一种忧伤的、寂寞的情绪。初听到的时候，就会被它的旋律和所营造的氛围吸引，听完以后，心里莫名的悲伤，与孤独感不断的内心深处相互碰撞，让人刻骨铭心。电影然也、音乐亦然，让人难以释怀这样久违的感觉。”[2]

舞蹈编创教学中，在创作舞蹈作品时，舞蹈编导都要给观众传达一种情绪，不管是喜、怒、哀、乐还是悲、苦、仇、怨，要想达到一种舞蹈艺术的意境和艺术情绪的宣泄，很多时候就要借助音乐来推波助澜。在舞蹈编导教学中同学们编创小品时可以引导他们多听一些电影背景音乐，因为电影音乐某种程度上对情绪的渲染、意境的表现达到了极致，这样更有利于学生们对情绪表现的把握以及音乐表现力的运用。例如：先思考要编创一个什么样风格的舞蹈小品，也就是确立一个主题方向。比如重点是展现优美身姿，美好的意境，热闹喜庆等等，这样的舞蹈场景非常情绪化，一般优美和意境类，可以根据主题找类似影片的影视原声。也可以根据主题找类似音乐的主题，钢琴曲，轻音乐，新世纪音乐等.例如激情、大气的音乐可以选自很多电影的配乐，这样和广大观众都可以产生共鸣。如电影《七剑》、《珍珠港》里面的背景音乐等等。

舞蹈作品中直接引用电影音乐来渲染情绪的例子非常多。全国“桃李杯”舞蹈比赛中，女子独舞《风雨宅门》就是根据电视剧《大宅门》的人物情感创作的舞蹈，舞蹈表现了杨九红这个把一生都献给白景琦的苦命女人，在封建社会的伦理纲常的压榨下，在那种残酷吃人的环境中，还能奢求她怎么样呢！在整个舞蹈中，舞者伴随着著名作曲家赵季平老师的音乐把人物的情感表现的淋漓尽致。如果没有电影原声的音乐效果，恐怕舞蹈的表现力就会大打折扣了！还有女子群舞《女兵》和《无名花》分别借助了电影《七剑》和《士兵突击》的音乐，使电影音乐与舞蹈完美的结合在一起，充分的表现了中国女兵的风采和军人的魅力。（需补充……）这是电影音乐的魅力，舞蹈的魅力，更应该说是艺术的魅力！像这样的电影音乐和舞蹈创作结合的作品还有好多，例如舞蹈《休诉》借助了影片《牵手》的音乐；舞蹈《棋魂》借助了影片《珍珠港》的音乐；舞蹈《花儿为什么这样红》借助了影片《冰山上的来客》的音乐……

随着社会的发展，电影音乐在发展、舞蹈创作也在发展，它们的不断融合会使舞蹈创作达到一种新的高度，同时，舞蹈编导教学也会随之发展、提高，不断吸纳新的元素，从而使自身越来越完善。

参考文献：

[1]专著：作者.孙天路 书名.中国舞蹈编导教程 版本（第1版不著录）.出版地：北京 出版社，高等教育出版社 出版年，2006年 起止页码；66——68页。

[2]期刊：作者.王春英 题名.一曲音乐 两种情绪 刊名.电影文学 出版年份.2007 13卷（期）

作者简介：彭分田（1982-），男，河南省商丘人，商丘师范学院音乐学院，研究方向：舞蹈编导与教育

基金项目：河南省教育厅人文社会科学项目：音乐“创造”应用策略研究，项目编号：2009-ZX-128.

琵琶表演艺术论文范文第2篇

谈到这首作品, 我们自然会想到刘先生对此做出的贡献。

《飞花点翠》是刘天华先生学习民间音乐、改编民间音乐较好的一首琵琶小曲。关于乐曲的曲题意义, 曾有两种解释:一种把飞花的“花”理解成“红花”, 这是看到唐代韩翔“春城无处不飞花”的诗句, 以及南宋女诗人朱淑真《落花》诗中“愿教青帝长为主, 莫遣纷纷点翠苔”, 认为本曲描写暮春三月, 红色的花瓣飞落在翠绿的大片草苔上。另一种认为“飞花”是指雪花在随风飞舞, “点”的字义是小小的点“点翠”是指在大片雪花的白颜色之间饰有翠绿色的小点点。在聆听了刘先生的演奏录制唱片后, 感受了乐曲的音韵后, 认为后一种解释较为符合。

刘天华先生对于这首作品的改编及演奏非常具有特色。我们先来了解一下他所运用的乐曲改编手法, 概括为三点。

(1) 旋律时值有规律的扩充了一倍, 应用加花变奏等手法, 使旋律进行比原曲流畅、清秀、细腻、富于江南音调特点。

(2) 整体乐曲结构上基本没有变化, 只在开始前增加了三小节, 以构成第一段落A是方正性的四小节一句的段落。

在结尾处删去十二小节, 而加d的四小节为全曲结尾, 这样就成了乐曲第三段再现部分, 比原曲精炼。形成再现的三部曲式。

(3) 乐曲高潮部分安排得比原曲更为突出

《飞花点翠》的高潮部分在第二段B的g、e1、e2三个乐句处, 主要应用加花手法, 使旋律连贯、节奏密集、把音乐推向高潮。

第二段B结构:

g e1 e2是全曲高潮

b1 c1是A段的乐句变奏, e3是e1与e2的综合压缩。

B段e出现, 具有回旋结构的特点, 由它开始与结束, 在高潮中变奏一次, 使B段的一个主要材料。

e是D宫调式、与A段A徵调式形成对比, f g b1 c1是徵调式, 与e的宫调式也形成对比。

以上为刘天华先生改编乐曲运用的方法。不难看出刘天华先生在深厚的传统民间音乐文化基础上, 巧妙地吸取了西方音乐作曲技法, 完美表现了他所处时代追求进步的思想、生活和要求。

在聆听了刘天华先生的演奏唱片后发现他在对乐曲的演奏上也很有特色, 举例如下。

(1) 推覆轮:乐曲中较多。演奏方法是, 左手指作“推”并再回“覆”的同时, 右手作“长轮”。在长轮声中清楚地听出滑高又滑回的滑音效果。如第一小节的第2拍, 第二小节的第3、4拍, 第九小节的1、2拍, 第十七小节的第61拍等。

(2) 同滑音:过去没有这个名称, 是林石城先生启用了这个名称, 并用箭头直立向下来作符号标记。如第一小节第3、4拍, 第九小节第4拍第一音, 第二十五小节第4拍第二音。

(3) 弹擞:崇明派擅用这一指法, 富有特色。例:第三小节第4拍后面的两个音, 第五小节第二拍的后半拍, 第六小节第2拍的前半拍等。

刘天华先生在录制的四首乐曲中, 其中之一就是《飞花点翠》, 这足以说明先生对乐曲的情有独钟。

刘天华先生虽以离我们远去, 但他一生怀抱着的不让“现有的国乐不再渐渐的消失下去。”发展民族音乐“以期与世界音乐并驾齐驱”的宏伟志愿, 应时时刻刻激励着我们。刘天华先生对民族音乐事业发展的坚定信念和他所作出的卓越贡献, 使我们更加感到他所取得的成就的价值和可贵。

摘要：《飞花点翠》是刘天华先生学习民间音乐、改编民间音乐较好的一首琵琶小曲。刘天华先生对于这首作品的改编及演奏非常具有特色。

关键词：《:飞花点翠》,刘天华,改编手法

参考文献

[1] 林石城.琵琶名曲选浅说[M].54～55.

[2] 袁静芳.民族器乐[M].198.

琵琶表演艺术论文范文第3篇

一、创新人才培养视域下高校琵琶演奏教学改革的方向

现代社会的发展离不开多元化技术的推动作用, 正是在这样的时代背景下, 文化创意产业迎来了新的发展契机, 面对宏观调控的影响, 很多产业的发展趋向于成熟, 也逐步的向着标准化的方向前进。高校教育备受关注, 其培养的学子都将关系到国家未来的发展趋势, 作为艺术教育体系的重要组成, 琵琶演奏课程的创新改革成为了各方关注的焦点, 需要确立好更为精确的方向, 在充分考量基本条件的同时, 关注实践的意义【3】。应始终坚持着教学理念的创新改革, 明确学生们在课堂上的主体地位, 其作为学习活动的核心, 高校琵琶演奏老师应该依照创新教育的政策性意见摆脱固化思维的影响, 逐步的脱离传统教学模式的束缚, 凸显出学生们的主体地位, 用以生为本的教学理念践行当代教育工作。此外, 还需要明确创新教育本身存在着难度, 通过创新教学方法, 让学生们的创新能力得以激发, 从而更好的在学习上努力。依照学生们专业性发展的基本需要, 老师需要适当的确立具有较强操作性的教学方案, 保证每一位学生都可以获取最大程度的进步。

二、现阶段高校琵琶演奏教学尚存问题

(一) 缺乏专业的认知

现阶段, 很多的高校教师对于琵琶演奏教学的认识不全面, 仍然将脚步停留于基础能力的培养上, 所以未能深入的探索专项教学的本质内涵, 使得教学活动的开展还是停留在浅显的演奏技能训练上, 但是当达到了既定目标之后, 尚未实现进一步的努力, 从而导致部分具有音乐潜力的学生未被挖掘。在基本的教学实践中, 老师还是习惯于通过能力展示代替演奏能力, 虽然让部分学生们的基本音乐素质问题及时解决, 但是专业技能的提升还是缺乏可靠的保障, 以至于影响到本专业学生琵琶演奏水平的提高。

(二) 教学形式相对单一

教育的目的就是培养一批又一批具有高素质的人才, 因此应该凸显出学生们的个体价值, 通过开展的各项教学活动, 将知识、技能及情感等逐步的灌输至学生们的脑海中, 由此帮助学生们强化自身的能力【4】。纵观当前众多高校的发展状况, 发现在琵琶演奏教学中很多教师们忽视了学生们的个性化发展, 以至于始终沿袭着传统教学模式, 从而凸显出了老师的主导地位, 却忽视了学生们的实质性需求, 影响到学生们主观能动性的体现, 在学习中机械化的模仿, 未能彰显个性化特征, 导致琵琶教学陷入困境。

三、创新人才培养视域下高校琵琶演奏教学改革方案

(一) 构建完善的课程体系

在高校教育体系中, 课程项目繁多, 因此可以体现出多元化的特征, 作为具有代表性和影响力的琵琶演奏课程, 需要迎合时代的发展趋势, 适当的融入创新改革理念, 将重心落实到全方位的人才培养之上。面对时代的变迁与发展, 学生们接触到的新鲜事物较多, 因此在接触课程时, 如果始终是单一的学习模式, 将无法调动其积极性, 甚至于使其产生厌倦感。为更好地迎合学生们的个性化要求, 特别将课程设置为多元化、个性化的模式, 由此满足学生们个性化的发展需要, 通过实践课程的设立, 鼓励学生们可以积极的参与理论性课程, 从而满足学生们不同的需求。还应该重点关注课程设置的专题化, 通过分析不同学生的就业需求, 琵琶课程的开展还应该通过专题方式呈现出来, 由此积极的落实因材施教的方案, 保证彰显出琵琶演奏教学的全面性。在实现课程专题化的过程中, 音乐艺术类学生可以依照专业发展的具体情况, 通过分析自身的兴趣爱好等, 选择更符合自身实际的专题课程, 保证在专题化的课程中可以及时的突破自我, 保证稳步的提升音乐素养。

(二) 建立独树一帜的教学模式

琵琶演奏讲求的是声情并茂, 虽然不少学生在课堂上表现出不俗, 但是在舞台上演出的时候会出现各种各样的问题【5】。出现这类情况的原因是学生们自身掌握的演奏技巧不扎实, 所学习到的知识无法合理的利用起来, 上台经验不够丰富。面对上述提及的这类情况, 应该鼓励学生们积极的找寻乐段特殊的情绪所在, 在反复试唱的过程中, 将乐曲刻画的形象逐渐的融入到感情世界中。老师可以适当的提供艺术类的指导, 帮助学生们掌握好自身的音乐情感, 通过不断的尝试, 演奏出更加完美的乐曲。比如在演奏《草原小姐妹》的时候, 应该提倡学生们提前进行试唱, 由此巩固学生们已经在大脑中形成的乐曲形象, 在逐步延伸的过程中, 带领着学生们解读小姐妹保护羊群的情感, 通过分析到位后, 自然而言的就可演绎出生动感人的乐曲。琵琶演奏注重实践性, 老师应该慎重的分析出本学科的特点, 鼓励学生们积极的参与实践活动, 保证其可以稳步的提升自身的水平。抓住学生们的特点, 为其搭建起更为广阔的平台, 督促着学生们的琵琶演奏实践积极提升。

(三) 打造高素质的专业教师团队

对于高校学生而言, 老师们是不可或缺的引导者, 尤其是琵琶演奏教学中, 老师们发挥出的作用显而易见。老师不仅仅是学习上的引领者, 更是发挥创造力的工作人员, 要求每一位高校教师具备专业的素养, 同时又能发扬带头作用, 保证学生的专业素质及水平都可提升[6]。高校教师团队的构建至关重要, 其专业素养会直接的影响到学生们的学习成果, 需要高校为教师们提供参与培训的机会, 通过鼓励他们在交流中共进, 使得教师可以秉承着虚心学习的姿态, 通过逐步的转变教学理念, 采取科学的手段和方法引导着学生们学习。琵琶演奏教学重视的是细节上的把握, 需要老师关注最前沿教学模式, 积极参与学校开展的各项活动, 践行自身在艺术层面上的追求, 加强掌握音乐知识的能力。

结语

本文重点分析的就是创新人才培养视域下高校琵琶演奏教学改革的相关实践, 结合着应该确立的方向, 明确当前尚存问题, 提出合理化的发展路径。在创新人才培养视域下高校琵琶演奏教学改革被提上日程, 作为现阶段各方关注的焦点, 琵琶演奏教学的改革显然成为了音乐艺术教育的必然发展之路, 这象征着教育事业的进步。作为高校琵琶演奏技巧的传播者, 各位老师应该摆正心态, 正确的认识社会发展对于学生们提出的要求, 采取更具时代影响力的教学方式, 引导着学生们学习琵琶演奏技巧, 在不断总结经验教训的基础上, 反复的实践并努力, 促使新型的教育体系逐步构建, 培养出一批又一批具备高素质和专业素养的音乐人才。

摘要：音乐教育就是当前高等艺术教育体系中不可或缺的组成部分, 能够逐步的丰富学生们的情感, 使其情操得以陶冶, 属于提升综合素质水平的关键。琵琶教学是其中的重要组成, 需要学生们重视实践的意义, 在全面了解其音色和演奏技巧的基础上, 领悟琵琶演奏的内涵。本文重点分析的就是创新人才培养视域下高校琵琶演奏教学改革的相关问题, 结合当前教育事业发展的背景, 明确琵琶演奏教学应该转变的方面, 通过此课题的深入分析, 为部分教育工作者提供有效借鉴。

关键词：创新人才培养,高校教育,琵琶教学,改革

参考文献

[1] 张海峰.辽源:为大专院校提供多元化人才服务[J].劳动保障世界, 2017 (01) :13.

[2] 桑瑞.创新人才培养视阈下高校琵琶演奏教学改革论述[J].艺术科技, 2016, 29 (11) :346-347.

[3] 冯卉.对高校琵琶教育发展的思考[J].艺术教育, 2016 (10) :102-103.

[4] 冯卉.从培养优秀人才的角度谈高校琵琶教学[J].艺术教育, 2016 (07) :104-105.

[5] 杨丹.高校琵琶演奏的技能教学策略思考[J].艺术教育, 2015 (08) :196.

琵琶表演艺术论文范文第4篇

过去流传下来的曲谱多以乐曲为主, 却很少见有练习曲流传下来。这是因为过去的琵琶音乐流派中的教学思维是, 学艺直接学乐曲, 在乐曲中练习指法, 故而关于练习曲的创作得不到大家们的重视。然而这样的思维其实是不科学的。一首乐曲里, 汇集了数种指法, 对于演奏者的个人技艺有着各方各面的不同程度的要求, 单单只靠乐曲来进行对技艺指法巩固与加强, 对各个指法的练习是不够的。

笔者曾在一个琵琶爱好者的交流群里, 在与其他乐友的交流中发现, 在现在的社会上, 仍然存在部分老师在教学过程, 只教授乐曲, 从来不教授练习曲。这样的情况导致了学生在学琴过程中, 慢慢会忽视练习曲的重要性, 一心只学乐曲。练习曲对于提高琴艺有着至关重要的作用, 但仍然得不到部分乐友的重视, 这样的情况让人感到痛心。

《每日必弹》是我国琵琶泰斗大师刘德海先生所写作的琵琶练习曲曲集, 当中收录了45首由刘德海先生精挑细选的练习曲。笔者在习琴路上, 幸得有《每日必弹》的陪伴, 让笔者静下心来通过练习曲揣摩基本功, 从而能够一步一个脚印踏踏实实地提高琴艺。在此笔者以《每日必弹》中的练习曲为例, 向大家分享个人的一些小见解。

《每日必弹》中的每一首练习曲都有对应练习的指法。美的声音, 需要有好的方法来帮助练习。要将乐曲演奏好, 首先必须要将个人的基本功练好。没有好的基本功, 是不能够将乐曲的内在乐思演奏出来的。练习曲对于基本功的锻炼与塑造, 起到至关重要的作用。

一、衔接工艺

总结当下对琵琶演奏的要求来说, 最重要演奏工艺就是衔接工艺。

衔接, 指事物能够顺利的相互连接。在音乐作曲中, 常常会出现连接部分, 来帮助作曲家将上一乐段的调式、乐思、动机顺利地过渡到下一乐段。衔接对于音乐而言是十分重要、不可或缺的一部分。同理, 对于演奏而言, 衔接是乐曲能够顺利演奏出来中的重要环节。在乐曲演奏当中, 会常常出现节奏的变化 (慢到快、快到慢) 、情绪之间的转变 (平静、激昂、悲伤) , 当中演奏者如若没有做好当中的衔接, 乐曲即便演奏出来也是不完整的。在琵琶音乐中, 情绪通常跟指法有着一定的关系, 每一种指法能展现的音乐情绪各有不同, 通过演奏不同的指法来完成对乐曲情绪的推动, 当中十分考验演奏者在指法之间相互切换的衔接。

举个简单的例子, 琵琶乐曲如若是一个激昂的结尾的话, 常见的指法一般是扫轮转扫拂 (如图1) 。由于扫轮与扫拂两者的演奏效果不同, 如若在指法转换过程中衔接不好, 这个结尾在指法转换的时候就会如同磁带卡盘一般, 十分生硬且不自然。因此, 练习好指法之间的衔接对于演奏者而言至关重要。

在《每日必弹》中有关衔接工艺的练习曲有很多:第九条“过弦与滚奏”主要练习弹与挑之间重拍的转换, 能够练习弹、挑这两种基本指法的衔接 (如图2) 。

在演奏乐曲中, 很多乐友都普遍存在的问题是轮指与弹挑的衔接不好。《每日必弹》中第二十五条“弹与轮均匀练习”, 主要侧重练习弹挑与轮指之间音色的过渡与衔接 (如图3) 。

《每日必弹》还有许多有关衔接工艺的练习曲, 在此就不一一列举了。

二、力度松与紧的关系

不管演奏什么器乐, 都是需要演奏者具有一定的手指力量, 演奏琵琶尤其讲究左右手指尖上的力量, 而指尖的力量依靠手腕的带动。在这个过程中, 演奏者需要用力气才能完成弹奏, 而这个用力的度所联系的就是松与紧之间的关系。松与紧都是相对的:有些人弹琴容易手累、手酸, 这是因为他们在演奏过程当中, 手臂、掌心不够放松, 用力过度, 从而导致手臂僵硬, 力度堵塞在了手臂之上, 无法传递到指尖;而有些人弹琴不累手, 但是声音却十分虚浮, 不够扎实, 这是因为这些人在演奏当中力量不够, 不足以弹响琴弦, 琴音无法在音箱中产生共鸣。因此, 在演奏过程中, 左右手的用力应该有一定的紧张度, 同时也要对双手足够放松, 做到松中有紧、紧中有松。这当中的把握可以通过练习曲来进行锻炼, 如《每日必弹》中第四十条“左”追“右”, 该练习曲中是一条以音组为单位的四十六节奏型的快速练习。弹奏这条练习曲时, 左右手的手指运动十分快速, 演奏者容易因此而增强弹琴的紧张度, 易产生手僵、手累的情况;但若演奏时过度放松, 则无法将该条练习曲按照规定速度演奏下来。因此乐友们可以通过练习该条练习曲, 来感受演奏中松与紧的关系, 从而把握弹奏中应有的松紧度。

刘德海先生在《琵琶新思维99话题》中曾总结过用力松与紧的原则:以放松求紧张, 由紧张转放松;适应了“紧张度”才有真正的放松感;放松, 是演奏动态中的放松, 紧张, 是磨炼出来的持久之力。

三、两个灵活

(一) 把位

把位是琵琶音位的一个划分, 类似于钢琴中的各个八度音区。整把琵琶可分为五个把位:相把位、第一把位、第二把位、第三把位、第四把位。演奏乐曲不可能只停留在一个把位上完成, 一首乐曲往往会在各个把位直接穿插, 因此, 演奏者应具备灵活换把的能力, 才能将乐曲完整的演奏出来。如果演奏者换把不够灵活, 那么在需要换把的时候, 乐曲的演奏就会出现卡顿的现象。在《每日必弹》中, 有第十二条“八度跳”、第十三条“大跳之一”、第十八条“大跳之二”, 皆是远距离的跳把、换把练习, 能够对灵活换把这一要求有针对性的练习。

(二) 过弦

在演奏琵琶乐曲中, 另外一个必不可少的就是过弦。与把位同理, 一首乐曲的演奏不可能只集中在同一条琴弦之上, 过弦是演奏当中十分常见的。但是过弦往往会牵扯到许多细节的问题:由于琴弦的粗细不同, 过弦容易出现用力不均的现象;过弦如若较为频繁, 演奏者右手指法跟不上等。因此, 灵活过弦十分重要, 同样不能忽视。《每日必弹》中第十四条“跳跃过弦之一”与第十六条“跳跃过弦之二”主要练习非相邻两条琴弦之间的过弦;第十七条“分解和弦过弦”则练习弹奏和弦分解时产生的过弦, 中间还穿插着对换把的练习;第十九条“里外外里’过弦”与第二十条“外里里外’过弦”则是练习相邻两条琴弦的过弦。

刘德海先生在《琵琶新思维99话题》中曾道:“练习曲不需要感情, 弹乐曲时才用感情’, 这一错误观点导致大多数乐手不愿意训练技术技巧, 一弹练习曲就感到枯燥无味。”是的没错, 相比较乐曲而言, 练习曲确实比较枯燥、无聊, 但是只有练习好练习曲, 通过练习曲磨练好基本功, 这样才能演奏好乐曲, 演奏美的音乐呀!

“练习曲就是音乐”, 刘德海先生这话说得一点没错!希望在此的一点小见解, 能让乐友们认识到练习曲的重要性, 少走弯路, 多练技术。

摘要：本文主要列举了琵琶演奏中较为重要的几个方面, 再辅以练习曲的例子, 以此来向读者展示练习曲之于乐曲而言的重要性, 从而加强习琴者对练习曲的重视。

琵琶表演艺术论文范文第5篇

摘要：在我国各种民间戏剧中，由于其地域、文化、人文品性的不同，所体现的戏剧人物性格也截然不同。赣南采茶小戏因其独特的地域、文化等特征，具有很典型的人物性格特征，尤其是以矮子步、单袖筒、扇子花为主体的“三大表演技巧”具有浓郁的人物性格体现，在我国众多戏剧中独树一帜。对此，文章重点就赣南采茶戏的舞蹈表演艺术特色进行研究分析，以供参考和借鉴。

关键词：赣南采茶戏；舞蹈表演；艺术特色；分析

采茶戏是流行于江西、湖北、湖南、安徽、福建、广东等省区的一种汉族的戏曲，这种表演欢快，诙谐幽默风趣，载歌载舞，喜剧性强的富有浓郁乡土气息的戏曲，颇受当地群众的喜爱。采茶戏的表演艺术也就是剧种的艺术风格和基本特征，只有挖掘采茶戏的表演特点，汲取其精华加之现代的表现手段，才可以更好的将这个戏种传承下去。

一、赣南采茶戏的表演风格

赣南传统采茶戏的表演风格是歌、舞、戏三者并重的，唱、念、舞融为一体，是赣南传统采茶戏中重要的表演元素，以下进行详细论述：

（一）采茶歌的唱腔

赣南传统采茶歌是用当地客家方言表达的，以曲牌体的茶腔和灯腔，再结合路腔和杂调的音乐唱腔，被誉为南方的“二人转”。曲牌体的唱法大都是较为轻快、欢乐、诙谐的，唱腔主要是表达人物的内心感情，曲牌体独特的客家方言唱腔风格是赣南传统采茶戏的核心，在塑造人物形象以及刻画人物性格有着非常重要的作用。赣南传统采茶戏是土生土长的地方剧种，其独特的客家方言也成为了赣南最独特的一道风景线。赣南传统采茶戏是从民歌小调引导进来的，最具代表性的则是“十二月采茶歌”。灯腔与茶腔相比，则是有较大的区别，这类曲牌音调节奏率强、舞蹈性强。灯腔的主要伴奏乐器是唢呐加一套锣鼓，渲染起火热火红的气氛。路腔则又是另一种性质，其曲风轻松欢快。

（二）采茶歌的舞蹈

赣南传统采茶歌的舞蹈是通过农民们来源于劳动生活创造而来的，而如今舞蹈衍生出矮子步、扇子花、单袖筒及摹拟动物等，造型十分独特，变化无穷。“扇花变化在于手，力在与手腕见于烽，左甩袖筒右摇扇，十指牵着两臂走”这就是对赣南传统采茶戏舞蹈的形象刻画，赣南采茶戏的舞蹈多为“矮子步”“单袖筒”，舞蹈在赣南传统采茶戏也包含有基础功的意思，其矮子步更是被人誉为“东方的芭蕾”。

（三）采茶歌的“念”

赣南传统采茶戏中的“念”是区分丑角不同于旦角的艺术表演特征，这种富含音律性质的语言，具有着沉重的节奏感以及悠长的音律美的唱腔叫做念白。念白的基本要求要做到顺口以及美音，舞台上的念白，可称之为在音律中加工而成的艺术语言。

二、赣南采茶戏的舞蹈表演艺术特色分析

（一）矮子步的风格特点

在赣南采茶戏里面矮子步是生与丑的表演技巧和基本步法，矮子步有高桩、中桩、矮桩之分，其表演技巧主要是始终保持双腿半屈膝或屈膝蹲身，抬头、直腰的典型基本体态。矮子步的基本步法有矮步、高步、矮步交叉步、摇蹉步、滑步、铲步。通过一人的长期创造发展，逐渐形成了河东、河西两个不同流派，表演上各有特色。矮子步中，男生的步法一般要比女生低，意图表达一种女性地位高于男性的舞台形象，这种的矮子步由于体态滑稽、夸张的步伐，极大的增强了它的艺术娱乐性，丰富了它的表演魅力，具有浓厚的地方特色，代表了客家人开朗风趣独特的生活方式。矮子步的要诀“老虎头，鲤鱼腰，双手峨眉月，下身轻飘飘，腰腹稳紧住，膝头定三桩”，矮子步又以丑角的矮桩最富有特色，“丑角”中的“矮子步”的要诀是“蛤蟆腿、狗牯尾、三节腰、筲箕背，画眉跳架、贼手侧脚侧背，紧走紧跪，矮步相随。”这是滑稽风趣的形态特征的一种体现。总而言之，表演做到头要有神，手要柔和，腰有风韵，步伐轻盈，才能做到有特色的美感。

（二）扇子花的风格特点

扇子花的表演动作千姿百态，扇法极为讲究，其模拟形态与许多民族舞蹈或民间戏曲中的用法相似，有避风、闻花、扑蝶之说，但是在扇花指法上别具一格，分为二指、三指至五指的不同指法，表演时有“五指花头朝天，四指花头朝前，三指花打四边，二指花摇胸前，耘、按、抓、抖靠肚面”的口诀。表演者右手持扇，有“单扇花”“双扇花”之分。“单扇花”男女通用，而“双扇花”一般多用于女性。扇子可形象地用作瓢、刀、挖笋、打鞋底、绣花等用途，采茶戏常用的扇子花主要有：三击扇风车扇、抛甩扇、平端扇、摇摆扇、风流扇、瞄路扇等三十多种。在不同的情境之中，艺人往往根据剧情舞着各种扇花，艺人在三十多种扇花中可自由变化，具有一定的即兴性。老艺人也有艺决说“扇花变化在于手，力在手腕见于烽，左甩袖筒右摇扇，十指牵着两臂走”。

（三）单袖筒的风格特点

一般我国的传统戏曲在表演的时候，袖子都是成对存在的，但在赣南采茶舞中，单袖筒是它特有的一个特征。在采茶舞中，单袖筒一般是生和丑的专用技巧。虽然为单水袖，但是刷袖筒的动作确是很丰富，有甩、揚、抓、遮、绕、抛、挥、摆、飘、圈、拖、缠、摇等等，每个动作都有其鲜明的意义。由于它的劲道和用劲的地方不同，又形成众多的水袖动作，如抓袖、背袖、搭袖、绕膝袖、绕肩袖、抖袖等等。运用的时候，没有特殊的规定，大多数时候都是与右手耍扇配合身段即兴演出。关于耍单袖筒的要领，老艺人也传下了艺决：“摆动象狗尾，站势吊马腿，游走像蛇过，龙头又凤尾。”这句艺决生动的描绘了赣南采茶戏在表演中的形象生动、变幻莫测的艺术特色。尽管由于受角色不同的影响，采茶舞袖的表演技术要领还是大同小异的。

三、结语

综上所述，赣南传统采茶戏其历史悠远，具有非常强烈的传统文化深度，较高的艺术欣赏价值。它客观真实反映了客家先民从古代到今时今日的生活追求、喜怒哀乐，代表着正宗的客家人物特征，是对赣州人民内心世界的赞美，是世界非物质文化遗产的瑰宝，如此艺术魅力，应当加以继承和发扬光大。

【参考文献】

[1]谢洋扬.赣南采茶戏丑角表演的舞蹈美研究[D].福建师范大学，2014.

[2]欧阳旭.赣南民歌与赣南采茶戏的演唱比较研究[D].江西师范大学，2014.

[3]王亚菲，朱俊林.论赣南采茶戏的创新[J].农业考古，2013（02）：160-167.

琵琶表演艺术论文范文第6篇

平遥鞋业，历史悠久，自县治以来，民间制作传统布鞋的小鞋坊就有很多，但享誉广、质量精、规模大的首推“永庆斋”老字号，在其传人侯宝库的继承和发展下，“永庆斋”老字号鞋文化得以发扬光大，解放后侯宝库老艺人将精湛的手工艺传给了次子侯天龙，侯天龙子承父业，于1984年创建了宝龙斋制鞋厂，传承弘扬这一传统工艺。
永庆斋“鞋店”同仁合影留念

平遥古城位于黄土高原腹地的山西省中部，古称中都，县城的位置在平原中部，南枕太岳、北临汾水，距省府90多千米。平遥境内土地肥沃，物产丰富，棉、麻等植物分布甚广。自汉唐以来，平遥古城凭借优越的地理条件和位置，孕育了发达的经济和文化。到明清时期，晋商崛起，加快了经济文化的快速发展，特别是民间手工技艺这一特色文化更加迅速地成长起来。

始于清代 发展迅速

“永庆斋”老字号（宝龙斋前身）创建于清代，具有100余年的历史，1900年慈禧皇太后西行长安，途经平遥游赏市内景观，看见铺里的五彩绣花鞋十分迷恋，便落轿进店试穿红底牡丹绣花鞋，顿觉舒适、富贵、连声赞美，店主会意后便呈献绣花鞋两双，慈禧甚为喜爱，赐店白银20两，此后慈禧买绣花鞋之事便在古城内传为佳话，永庆斋也因此“沾光”而生意兴隆。1937年永庆斋后裔侯宝库为承继祖先传统手艺，16岁到太原老号鞋厂“美华新”拜师学艺，因他聪明好学，18岁便提升为工务主任，解放后，由于他手艺超群，被聘为平遥鞋厂的设计师。他设计的精品鞋多次参与国家级展览，并荣获金、银奖等殊荣。山西晋剧表演艺术家丁果仙、牛桂英等曾指名定制由侯宝库亲自设计制作的舞台专用布鞋。

种类繁多 健康舒适

宝龙斋千层底鞋，突出了千层且精工细做的纯手工工艺，体现了千年手工制作之原味，弘扬了古鞋文化内涵。布鞋选用纯天然材料，纯毛料、纯棉布牛皮、麻绳等，经过精心加工制作，具有柔软舒适、透气吸湿、冬御寒、夏吸汗、治脚气等特征。每一双布鞋都是千针万线缝制而成，制作过程复杂，工序繁缛，技艺高深，其制品有牛皮底布鞋、绣花鞋、老寿鞋、休闲鞋、舞台专用鞋等六大类一百多个品种。

人老脚先衰，养生先养足。健康和舒适是现代人的消费首选，人们都认识到了皮鞋和运动鞋对于健康的隐性伤害。平遥手工布鞋的回归，表明了人们消费观念的彻底更新和成熟。当布鞋融入部分现代时尚元素，那么在健康与舒适的促动下，顺理成章地完成了与现代消费的对接。对于儿童，布鞋适合儿童的脚部发育，防止扁平足，促进了儿童的健康成长。专家指出，从健康角度出发，青少年尤其需要布鞋。对于时尚女士，布鞋更能体现女性的妩媚和优雅，而多穿布鞋，更有益于身心健康。对于成熟男士，穿布鞋是从容和大度的表现，现实中成功的男性更加青睐布鞋。对于老人，事实上老年人的布鞋情结更加浓郁，因为他们从来没有忘记过布鞋。对于一些特殊群体，如孕妇，布鞋更是不可或缺，不仅走路更平稳、更轻松，对母亲和胎儿的健康保护也更有利。

不遗余力 坚守传承

手工布鞋虽然历史久远，影响深远，但仅仅存在于民间，存在于家庭，远远没有产业化。随着我国社会的飞速发展，从事手工布鞋制作的人越来越少，甚至出现了几乎没有年轻人从事这种行业的尴尬境地，这一传统技艺面临失传。1984年，永庆斋第三代传人侯天龙为使这一鞋文化得到进一步发掘和继承，在几代手工布鞋家传技艺的基础上，大胆创新，竭力传承，创建了宝龙制鞋厂，鞋厂的“宝龙斋”商标被认定为山西省著名商标。侯天龙表示，成为著名商标后，他们的产品在北京、天津、石家庄等地供不应求，被外国游客赞为平遥又一瑰宝，更为古城文化增了光、添了彩。

近几年来，随着平遥古城旅游业的蓬勃发展，宝龙斋传统的手工布鞋因其穿着舒适、做工精细，受到越来越多消费者的喜爱。由于市场的繁荣，一些以次充好、竞相压价的现象随之出现。为适应市场，坚持传统手工制作的布鞋业也被迫低价经营，手工布鞋市场的整体发展呈微利趋势，一些始终坚持传统手工制作的老字号厂家，经营陷入了举步维艰的地步。消费者经常是花了大价钱却没买到真正的宝龙斋纯手工布鞋，消费者的利益也受到了损害。针对这些情况，宝龙斋布鞋从鞋子的用料、制鞋的工序等方面都作了嚴格规定，严格按照手工制鞋的标准，让顾客享受到手工布鞋的真正价值。