民族歌剧表演艺术论文范文第1篇

摘要：贾科莫·普契尼（GiacomoPuccini）是19世纪末，20世纪初西方杰出的歌剧大师。他的歌剧创作集民主倾向、人道主义与高超的谱曲于一身，他关注普通人的生活和命运，不断探索尝试音乐表现手法上的创造和革新。他的歌剧属于真实主义，但在思想性和艺术性上又超越了真实主义范畴而更贴近生活本质的内容深度和艺术表现力。《图兰朵》是作者所处时代的总体精神特征和作者个人艺术趣味的“合金”，具有鲜明的时代性和个人艺术风格。文章以《图兰朵》中公主的演唱作为例证，力图全面把握普契尼的艺术作品。关键词：普契尼；图兰朵；曲式分析；艺术风格

一、歌剧《图兰多》创作背景

歌曲《图兰朵》的故事始见于17世纪波斯无名氏的东方故事集《一千零一夜》。大约在1910年前后，普契尼的一位喜欢旅游的朋友给他带回来了一首歌，这首歌便是中国民歌《茉莉花》。普契尼听到这首曲子后大为激动，这支曲子既然来自古老的中国，那么用在一部与中国相关的歌剧中，是最相得益彰的。

于是选择了戈齐（CarloGozzi）的寓言故事《图兰朵》作为脚本。《图兰朵》是一部以古代中国为背景杜撰出来的传奇故事。主要讲元代美丽而冷酷的公主图兰朵，时刻牢记着祖母年轻时受入侵鞑靼王掳拐，并含辱死去而产生仇恨，她发誓要杀尽异国王子，以王子们的首级来祭奠祖母的亡魂。于是，图兰朵设下了猜谜征婚的陷阱，猜中者可当驸马，猜不中就处死。几位前来征婚的邻国王子先后死于刀下。一天，紫禁城皇宫大殿下，被废黜的突厥老国王与失散多年的儿子卡拉夫在人群中相逢。老国王的侍女柳儿爱上了卡拉夫，而卡拉夫被图兰朵的美貌所吸引，决心去征服她。卡拉夫轻而易举地猜中了公主的三个谜。但图兰朵不甘心失败，抓获了老国王和柳儿。柳儿被严刑拷打，告诉公主卡拉夫的名字叫“爱情”后饮刃自刎。第二天，卡拉夫用爱融化了图兰朵冰冷的心，最终图兰朵投入到卡拉夫的怀抱。

这部歌剧的剧本是西莫尼和阿米尼合写，他们参照了戈齐的寓言剧和席勒的戏剧脚本。普契尼虽然没有直接参与剧本的编写，但他对剧情和主题作了许多提示。1921年，普契尼开始了对这部歌剧的创作。但不久，他被诊断出患有喉癌。1924年11月29日，当此歌剧还差尾声没写完时，普契尼带着遗憾离开了人世。剩下的部分由普契尼的学生，被认为和普契尼创作风格相似的意大利歌剧作曲家阿尔方诺，根据普契尼留下的手稿和素材完成。1926年4月25日，在米兰的斯卡拉歌剧院，在著名指挥大师托斯卡尼尼的指挥棒下，《图兰朵》举行了隆重的首演。

二、“宫殿里传出”曲式分析与演唱情感

本曲是图兰朵在第二幕唱的咏叹调，面对为了赢得爱情而执意要去猜谜的卡拉夫王子，图兰朵向他讲明猜谜只是一个幌子，复仇才是真实目的。咏叹调充满了东方情调，其中的民族调式与西方大、小调式体系混合使用，和声功能相当模糊，恰似复杂、难以捉摸。普契尼受真实主义艺术思潮的影响，凭着睿智的头脑、精深的艺术修养和对社会生活的细心观察，如何正确把握其咏叹调的情感处理，发挥演唱者的歌唱技术，展示其中的艺术魅力呢？第一部分为前18小节，用极慢（MoltoLento）的速度讲述一个古老的传说，力度变化为p—f—p。前8小节大体上以半音方式下行，旋律接近宣叙调，图兰朵用威严的口气唱出“她祖母遭入侵的鞑靼人俘虏凌辱后悲惨地死去”，这里是痛苦的回忆。第9小节突然在高音区上行四度开始，旋律跳动大，强调单音的力度和保持，描写主人公的愤恨之情，“说她是为了替祖母报仇，才以这主意使外来的求婚者赴死”。第13—18小节，旋律再次回归平和，表现出刻骨铭心的痛楚“没有人能占有她”。演唱时，歌者应充分把握情绪的变化、速度的准确和力度的对比，控制好气息和音量，突出第9—12小节的戏剧效果，用胸声和头声混合的音色，强有力地唱出“外邦人试试看”，以正确表达主人公的愤怒与怨恨。

这首咏叹调突出表现原本傲慢、残酷、官气十足的图兰朵公主作为一个女人，在人性的最深层，她仍然具有向往爱情的潜意识。因此，在勇敢、睿智、火热、真挚、敢于为爱而牺牲生命的人们面前，图兰朵的良知得以复苏，爱情的火花最终被点燃。

三、结语

西方歌剧艺术的表演特点主要还是承继了西方戏剧的传统美学观，讲究舞台上的真实再现和逼真的模仿。在舞台上歌剧演员首先关心的是自己的声音状态，有了良好的声音，剩下的就是用最接近生活中的自然行为来配合剧中角色的演唱，力求让观众浑然不觉地沉醉于他们用歌声营造的戏剧场景之中，去体验与剧中人物相同的感受。总的来说，强调“模仿”，强调“真实”的美学思维，同样是以歌唱为中心的歌剧演员在舞台上进行舞台行为时所主要体现的表演方式。《图兰朵》中真正中国本土音乐与作曲家本人独特音乐语言完美糅合，希望我们的中国音乐与西方音乐相互借鉴，相互进步，真正体现“艺术来源于生活，而高于生活”。

参考文献：

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[3]陆贵山.中国当代文艺思潮[M].北京：中国人民大学出版社，2002：163.

作者简介：

贾宏宇，白城师范学院音乐学院，讲师，硕士，主讲声乐、声乐舞台表演。

民族歌剧表演艺术论文范文第2篇

1. 现代中国歌剧表演艺术概述及文化内涵

现代中国歌剧表演艺术是我国音乐发展历史上一个不可磨灭的风景, 对于我国音乐创作以及文化传承有着不可忽视的意义。歌剧最初是由音乐发展而来, 通过在舞台上进行表演, 融合了诗歌、建筑等艺术形式, 最终变成一种综合性艺术。歌剧开始是西方的艺术形式, 在我国“五四”时期, 由于民主革命打开了我国的国门, 在这一时期, 学习和容纳了西方的技术以及艺术形式, 所以歌剧这种艺术表现形式进入了我国人民的视野当中, 后来经过我国艺术家的不断努力, 融合了我国本民族特色, 对歌剧进行不断的创新, 对歌剧的艺术形式增加了很多带有我国特色的内容, 比如说增加了很多具有教育性意义的舞蹈, 这就让歌剧表现的更加的活泼;在剧情正常发展的基础上, 增加了我国的民间音乐, 能够将歌剧中的主人公心理和形象更加的生动。现代歌剧艺术形式逐渐和本民族的艺术相融合, 形成了如今我国现代歌剧本土化的艺术形式。

2. 现代中国歌剧表演艺术形式特点

音乐作为歌剧艺术的不可忽视的构成成分, 是评价一部歌剧是否成功的必要因素。我国现代歌剧的音乐是在本民族音乐基础上发展而来的, 具有我国民族音乐的特点, 归纳其特点主要体现在如下几个方面: (1) 音乐素材民族化。我国民间音乐十分的丰富, 尤其是我国的民歌, 经过上千年的流传和不断发展, 结合了劳动人民的智慧, 又有着不同区域的特征。这种不同类型不同风格的音乐被歌剧选中, 符合故事特征是重要条件。在歌剧音乐的创作过程中, 需要依照不同的故事情节、不同的人物特征, 选择恰当的民歌。在民族音乐的选用过程中, 需要对民族音乐进行创造, 为塑造人物特征以及推动故事情节发展而服务, 这样才能让现代中国歌剧表演艺术有着独特的魅力。在民族歌剧的创造过程中, 音乐的取材有着针对性以及广泛性; (2) 戏曲音乐创造手法的运用。现代中国歌剧表演艺术的音乐创作, 是从我国人们的欣赏习惯和审美出发, 采用我国人们能够接受的音乐, 其中参考我国戏曲元素的创作也是很重要的特点, 使用这种艺术表现形式主要有如下两个方面的原因:其一是因为歌剧这种艺术形式本身所决定的, 歌剧不是一首歌曲, 是一个比较综合的音乐形式, 使用多首歌曲推动这剧情的发展, 表现了不同的人物性格特征, 这种艺术形式和我国戏曲的表现形式从理念上来说是进本相同的, 因此现代中国歌剧表演艺术吸收了戏曲音乐也是必然的;其二是因为戏曲在我国有悠久的历史, 现代中国歌剧表演艺术融合了我国的戏曲形式更容易被中国大众所接受。因此, 很多现代中国歌剧表演中添加了并且使用了戏曲的表现手法, 创作出一些带有戏曲风格的唱段, 给人们留下了比较深刻的印象, 增加了歌剧音乐的传播程度。

3. 现代中国歌剧表演艺术的艺术形式及审美体现

现代中国歌剧表演艺术形式主要体现在其表演过程中有很强的技巧性以及转换性上。从内容以及节奏方面考虑, 现代中国歌剧表演艺术的内容主要展现出质朴的特征, 其歌词基本上展现出朴实易懂的特点, 让人们仿佛进入一个诗情画意的境界。在旋律方面来看, 现代中国歌剧表演艺术的旋律和作曲形式变化多端, 节奏变化比较突出, 所以, 其作品有着非常大的视觉效果, 开始一般都是比较缓慢的节奏, 但是从节奏的改变以及音调的改变中能够展现出歌剧的爆发力, 让人感觉到震撼, 在表面上使用质朴清晰的演唱形式, 但是表演人员的情感投入以及肢体的表达等形式, 能够将歌剧当中的故事情节展现的淋漓尽致, 抓人眼球, 带动着观众的思绪, 给观众以非常强烈视觉、听觉上的冲击。

4、总结

总而言之, 现代中国歌剧表演艺术融合了美学特征以及本民族的特点, 在歌剧当中能够展现出我们民族独特的魅力以及表现了人文主义情怀。其艺术形式是十分多样的, 这也是现代歌剧表演的精华。想要推动现代中国歌剧表演艺术更好的发展, 就要展现出民族性, 并且增加其艺术的表现形式, 从我国的传统文化以及西方文化中吸收养料, 取其精华, 去其糟粕, 不断的完成现代中国歌剧表演艺术形式的创新, 追求更加丰富的艺术形式, 展现出现代中国歌剧表演艺术的价值。

摘要：歌剧表演自出现以来由于其独特的表演形式以及艺术风格风靡全球, 经久不衰。该种类型的表演是将舞蹈、音乐、诗歌等多种艺术形式进行融合, 变成一种综合性艺术。现代中国歌剧表演艺术融合了美学特征以及本民族特征, 在歌剧中能够展现出我们民族独特的魅力以及表现了人文主义情怀。本文对现代中国歌剧表演的艺术形式探讨, 希望通过对艺术形式的研究能够更深层次的挖掘现代中国歌剧表演艺术的价值。

关键词：中国歌剧,表演,艺术形式

参考文献

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民族歌剧表演艺术论文范文第3篇

【摘要】西方古典声乐作品，具有极高的艺术价值，它纯朴典雅的艺术风格，无比精美的声乐演唱技巧，不仅是为我们学习声乐作品提供了具有极高价值的艺术典范，陶冶了情操，提升了音乐鉴赏能力。本文简要论述了西方古典声乐作品的艺术风格与特点。

【关键词】西方古典声乐作品；艺术风格；艺术特点

在诸多音乐门类中， 声乐艺术是人类最早出现的艺术之一，也是具有极大的表现力，极高艺术价值的艺术。声乐艺术不同于一般的唱歌， 世界各大音乐学院都将声乐艺术作为必修教材，尤其是西方古典声乐作品，更是得到了音乐界的普遍重视。17、18世纪，西方声乐艺术获得了前所未有的发展，不仅涌现出许多优秀的作曲家，还创作出了许多脍炙人口的声乐作品，这些作品，不仅陶冶了我们的情操，提升了我们的艺术修养，还为我们学习声乐，了解艺术作品的艺术风格和特点打下坚实的基础。

一、西方古典声乐作品发展的时代背景

西方古典声乐作品深受文艺复兴运动的影响，文艺复兴不仅仅是一场复兴文化的运动，同时，也是以人为中心、崇尚人性、弘扬人文主义的新文化运动，文艺复兴不仅促进了人们思想观念的改变，还促进了欧洲科学、绘画、文学、艺术等领域的发展，文学、艺术等领域的发展又极大的刺激了音乐文化的发展。在文艺复兴期间，许多西方的古代音乐理论书籍被翻译和传播，许多音乐理论家都运用古代音乐理论支持自己的理论。同时，印刷技术的发展也使音乐作品广泛传播，记谱法的日趋完善、乐器制作工艺的进步，使得和声学、器乐曲得以发展。这一系列的音乐艺术的进步，为西方古典声乐蓬勃发展提供了充足的条件。十八世纪中叶，西方封建社会正逐步走向解体，伴随资本主义经济的发展，西方的政治经济制度不断完善，市民阶层地位逐年提高，在思想文化领域，最鲜明深刻的反映就是人们的音乐生活越来越丰富，在当时，音乐生活逐渐走出了宫廷和教堂，已经成为市民阶层比较重要的娱乐活动之一，音乐剧、歌舞剧等世俗性、群众性的古典声乐作品得到了迅速的发展。在当时，出现了许多具有划时代影响作曲家，如：莫扎特、格鲁克、海顿、莫扎特、贝多芬等，这些艺术家们大都多才多艺，其艺术作品既强调真实情感又充满活力，富于动感，热情奔放，涉猎各种知识，不同艺术之间相互渗透，极大地提高了古典声乐作品的艺术风格，遍布整个欧洲的喜歌剧热潮，使得西方古典声乐获得了众多观众的喜爱。

二、西方古典声乐作品的艺术风格

西方古典声乐作品的艺术风格与十七、十八世纪的时代背景密切相关。尤其是巴洛克时期，不同于以前的、全新的艺术风格，对西方古典声乐作品的影响更加深刻，“巴洛克”一词起源于新古典主义时期，来源于葡萄牙，意为独特、怪异、个性等，巴洛克艺术特征首先在建筑领域得以体现，随后，雕塑、绘画艺术领域也开始蔓延，最后才是音乐艺术，西方古典声乐作品歌剧这一体裁，就鲜明的体现出这一艺术风格。歌剧的歌剧院的建造、舞台布局、舞台背景、服装道具等无不与无不与这一艺术风格联系密切。歌剧创作的脚本也深刻体现了这一艺术特征，虽然原汁原味的巴洛克音乐我们已经很难听到，但是，我们可以通过西方古典绘画、雕塑、建筑等艺术形式感受这一艺术特征。巴洛克时期，艺术家们打破古典时期音乐作品的稳定与平衡，他们一反常规，以鲜明的个性，创作出一种感觉上不协调，但是，却能够激发人们内心激情、富含韵律的古典声乐作品。这一时期， 古代风格虽然继续风行，但是，音乐中没有太多的思想，巴洛克音乐的节奏强烈、跳跃，比较强调曲子的起伏，巴洛克音乐极尽奢华，旋律精致，主调音乐蓬勃发展，复音音乐很看重力度、速度的变化，复调的和声性越来越明显。比起之前的古典乐音乐，浪漫主义音乐富于想象力，它看轻形式和结构方面，更注重感情和形象的表现。艺术家们通过声乐作品，将人的真实的内心感受表达，通过添加装饰音，对音乐的力度、速度的控制，不协和的和弦等创作手法，将人物内心情感表达出来。

西方古典声乐作品艺术风格不仅具有巴洛克时期的律动、整体性，同时，还具有简单、朴素的风格。在创作方面，古典声乐传递思想感情、表现艺术形象主要是通过语言和音乐来表现。如意大利古典声乐作品，主要是以本国语言为基础来谱曲，学习意大利古典声乐作品，首先要了解意大利语言的发音。意大利语共有 21 个字母，在意大利语言组合中，元音在字母组合中比例很大，元音是嗓音形成的基础，5个元音拼读性极强，比其他语音发音简单。如：tuoi miei suo mia lascia 等单词，辅音极少。还有，“Cara ti Lascio il cuore pegnodel nostro amore” （《亲爱的，我为你留下这颗心》中歌词），除了 l 和 r 结尾的音，在字母组合中，剩余的都是以元音结尾，在这里，元音要发音饱满，每个元音读出来都必须清晰到位，只有这样，歌词的连贯性才能够有效的表达出来。意大利语语音清晰，母音宽阔，子音柔和，几乎每个词都以元音结尾，音序均匀而有节奏，每个元音发音器官的位置和形态都是对应的，如果位置或形态不正确，就很难发出悦耳动听的音响。

一首声乐作品，歌词内容非常重要，歌词内容可以反映作品题材，表达中心思想。西方古典声乐作品多种多样，题材出处众多，从宏观上说，既有世俗题材，也有宗教题材，同时，还有许多希腊罗马神话题材的作品。如《仁慈的神明》《恒河上升起太阳》《我怀着满腔热情》《胜利啊胜利啊》《让我死亡》《紫罗兰》《虽然你冷酷无情》等，还有诗作（如《阿玛丽莉》）历史故事《让我痛苦吧》等。西方古典声乐作品的歌词内容是人的世界而不是神的世界，歌词内容深刻的反映了人文主义思想实质，在歌词创作中，艺术家们更多的关注人的内心、人的情绪，作曲家将歌词内容放在创作理念第一位。古典声乐作品的歌词内容，大多数都是描写大自然、描写爱情为主题，从歌词中我们可以看出，对大自然的热爱之情以及对美好生活和爱情的向往。在音乐方面，西方古典声乐作品一般都是根据音域调整歌曲的调号，音域不广，在人发声比较容易的中声区，比如女高音、男高音、男低音、女中音，都可以根据自己的音域特点调整歌曲的调号。西方古典声乐作品起伏不大，富有律动感，旋律优美，很少有大跳，少许的颤音，当然，只有在气息的灵活运用中，这些颤音才能唱好。

西方古典声乐作品多数是音乐形象明显，感情表达明确，主音音乐“旋律”是高音部为主，欣赏者比较容易融入其中。西方古典声乐作品喜欢大胆的运用颤音、倚音等）各种装饰音，这是其比较重要的特征，比如《请告诉我》《多么幸福能赞美你》等，装饰音都比较多。西方古典声乐作品钢琴伴奏简洁明了，钢琴伴奏与旋律的结合更是非常默契，调整伴奏织体主要是根据歌词内容以及音乐情绪的变化。比如幽默诙谐的作品或者比较欢快的作品伴奏织体一般会有些小跳音，柔和的富有曲线的作品多为分解和弦或半分解和弦的伴奏织体。西方古典声乐作品在艺术风格上曲式和声结构日趋完善，作曲家们普遍运用大小调，同时，还习惯于频繁的使用表情术语。从演唱方法来说，西方古典声乐作品在演唱方面与美声唱法所要求的相一致，对美声唱法起着重要的作用。歌唱者在演唱的时候，由于声乐作品音域的适度以及旋律的起伏，使歌唱者比较容易把握音乐走向，不会因为音区过高扯着嗓子，可以锻炼声音的连贯性，锻炼声音的柔韧性和灵活性，从而帮助初学者找到感觉，声音优美，自然、放松，速度平稳适中，声乐作品题材的多样性决定西方古典声乐作品节奏型的多样性，对于歌唱者来说，这样，更有利于放松心情、放松喉咙，适应故事情节表现故事情节，同时，充分了解歌曲创作基调和创作目的，在演唱中掌握声音与气息的结合。

三、西方古典声乐作品特点分析

西方古典声乐作品注重优美性、连贯性、抒情性，演唱大多平静、内敛，歌词具有人文性，注重歌词与音乐的结合，演唱注重歌词涵义的表达，在演唱的时候一定要身心投入，想着歌词的涵义，音乐与文学水乳交融，塑造歌词的意境。西方古典声乐作品的创作特点主要是从它的历史地位、它的艺术美体现。我们可以从音乐美、内容美、声音美几个方面看出西方古典声乐作品的艺术之美。西方古典声乐作品创作结构非常讲究对称，旋律性较强，歌词重音、旋律重音结合贴切，伴奏织体与旋律巧妙地融合，通常用半分解和弦伴奏曲调缓慢的歌曲，多用跳音表现曲调欢快的诙谐的歌曲。歌词内容多是描写爱情、赞颂大自然，朴素典雅、短小精致，歌曲旋律优美、抒情性强。音色日渐饱满柔和而有张力，题材内容与旋律结构体现出一种诗意美。西方古典声乐作品演唱讲求内涵，演唱时要求声音连贯、优美。初学美声唱法者，大多喜欢西方古典声乐作品，西方古典声乐作品是初学者必学的曲目之一，全世界声乐教学都将西方古典声乐作品纳入其中，可以说，在曲目积累、艺术修养等方面，西方古典声乐作品可以为初学美声唱法者打下基础。初学者可以从西方古典声乐作品中汲取一些重要的音乐知识，了解时代背景下的音乐特色，了解西方古典声乐作品审美意识、审美观念。初学者通过学习西方古典声乐作品积累经验，明白钢琴伴奏的重要性，知道怎样去分析作品，体会西方古典声乐作品审美观念，认识古典声乐作品的节奏，进而学会表现作品。

歌唱者演唱西方古典声乐作品，有利于学习美声唱法，训练优美的声音。可以为其学习美声唱法打下基础。西方古典声乐作品有利于气息的正确运用以及呼吸的训练，只有做到控制呼吸，灵活的运用气息，声音的灵活性、连贯性、柔美性才能到位，西方古典声乐作品对于有效的训练气息帮助极大，许多歌曲都可以当做练声曲来练习。在实践中，通过练习西方古典声乐作品，歌唱者会慢慢领悟怎样以情带声，怎样控制呼吸，渐渐的领悟怎样运用气息，做到声情并茂。学习西方古典声乐作品，还可以提高歌唱者音乐文学修养。西方古典声乐作品，音色优美、音质纯净，是音乐旋律与诗歌韵律完美结合，能提高人的修养，陶冶人的情操，给人一种恬静舒适的感觉。西方古典声乐作品歌词凝练富有韵味，不仅饱含着作者丰富的想象，和谐的音韵，抑扬的语言，还饱含着丰富的思想感情。要真正将感情演唱出来，歌唱者不仅要有一定的文化修养，还要有一定的鉴赏能力。情感与技术表达是相辅相成的。技术并不是歌唱的全部，但是，技术是情感表达的基础。学习西方古典声乐作品，可以增强歌唱者的想象力，提升歌唱者的情感表达能力，促进其演唱技术不断进步。

四、结语

西方古典声乐作品强调个人主观感觉的表现，在艺术风格和表现手法上以它特有的风格，极大的提升了声乐作品的艺术价值。西方古典声乐作品具有独特的艺术魅力，是整个声乐史上的艺术瑰宝，在声乐学习及教学中，西方古典声乐作品值得我们学习借鉴，并对声乐教学具有非常重要的作用。

参考文献

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作者简介：杜献（1988—），男，广东湛江人，硕士，研究方向：音乐学、西方古典声乐。

民族歌剧表演艺术论文范文第4篇

摘 要：随着时代的不断发展和变化，民族舞蹈艺术面临诸多机遇和挑战，而审美关系着我国民族舞蹈艺术的发展。当人们对我国民族舞蹈艺术有一个明确的审美认识时，就会感受到民族舞蹈的无限魅力，进而喜欢上民族舞蹈艺术，推动我国民族舞蹈艺术的发展和传承。同时，一个符合现代人审美的舞种才能够真正立足于当代种类繁多的艺术形式中，从而得到传承和延续。文章基于民族舞蹈艺术的发展与审美的关系，对其进行详细分析。

关键词：民族舞蹈艺术;欣赏主体;审美

舞蹈是一门艺术，而民族舞蹈更是我国众多传统艺术形式中较早产生的一种。从古至今，不管什么艺术，其都是现实生活审美的一种反映形式，民族舞蹈艺术作为将人类情绪、生活、精神直观展现出来的一种艺术形式，其中蕴含了极为丰富且深厚的内容，可以说民族舞蹈艺术的发展离不开审美，而审美正是推动民族舞蹈艺术不断发展的主要因素。

一、民族舞蹈艺术发展对审美的影响

（一）民族舞蹈艺术的发展具有一定的时间性

民族舞蹈艺术的发展随着时间而变化，并且依附着社会变化而发展，在舞蹈中将生活融入其中。因此，民族舞蹈艺术本身就具有一定的时间性，在不同时间段带给欣赏主体的感受也是不同的，所以民族舞蹈艺术的发展对欣赏主体的审美具有很深的影响。

我国民族舞蹈艺术的历史可以追溯到夏商时代，在这个时期民族舞蹈艺术才正式作为一个独立的领域，出现了诸多的专业舞蹈者，在青海大通县孙家寨出土的舞蹈纹彩陶盆（图1）就是最好的证明，虽然那时的舞蹈者大多是奴隶，但是他们推动了民族舞蹈艺术的发展。

在夏桀时期，受其时代的影响，当时对民族舞蹈艺术的审美大多是“以巨为美，以众为观”，当时欣赏主体的审美观都是以此为依据而形成，直到夏桀灭亡欣赏主体的审美观还没有发生太大的改变，一直到另一个时期的兴起，民族舞蹈艺术发生了变化，欣赏主体的审美观才有了巨大的改变，可见民族舞蹈艺术的发展对欣赏主体审美的深厚影响[1]。

汉代时期，因为提倡“独尊儒术”，所以民族舞蹈艺术中所表现出来的大多是这种思想，同时民舞舞蹈艺术也开始融入“形”“声”“情”，将所要表达的思想传达出来。受到这种民族舞蹈艺术的影响，欣赏主体的审美又发生了改变，欣赏主体通过舞蹈对天、地、人的认识有了改变，对人与自然有了了解，并且通过民族舞蹈艺术对儒家思想有了更深层次的认识。那时候的民族舞蹈艺术已经在人们的生活中占据了重要位置，是观赏者思想的寄托，同时也是审美观形成的重要因素。

而唐朝时期，由于其经济繁荣，民族舞蹈艺术也到达了一定的高度。那时的民族舞蹈艺术不但将隋代的乐舞传承了下来，还留下了众多前朝的舞蹈艺术家。受民族舞蹈艺术的影响，人们的审美在不断丰富，可以接受多种事物的融合，这也是出现唐朝盛世的原因之一[2]。

通过这些事例可见，民族舞蹈艺术的发展具有一定的时间性，而不同时间的民族舞蹈艺术对不同时期人们的审美所产生的影响不同，民族舞蹈艺术的发展推动了人们审美的形成，也带动了一个时期的变化。

（二）民族舞蹈艺术的发展具有一定的空间性

舞蹈艺术不仅仅是一种艺术形式，也是人们生活状态的一种体现，具有丰富的历史背景，其发展具有一定的空间性。尤其是民族舞蹈艺术，其中体现了各种民族风俗、生活习性等等，而我国又是一个多民族的国家，所以各民族形成了独特的民族舞蹈艺术，这种艺术的扩散又影响了欣赏主体的审美水平，同时带动了多民族之间的交流。

例如，在我国南北朝时期，民族舞蹈艺术种类最为丰富。在南朝宋武帝时期，民族舞蹈艺术一直都是以汉族的乐舞传统为依据，所以各民族之间的穿着打扮都和汉族差不多，可见人们的审美深受民族舞蹈艺术的影响[3]。

又如，到了晋代时期，东迁将北方民族舞蹈艺术带到了南方，而南方民族舞蹈艺术大多以温柔典雅的情调为主，受到外来舞蹈艺术的影响，人们的审美在发生变化，原有的舞蹈艺术已经不能满足当时欣赏主体的审美要求，所以舞蹈艺术家对原有舞蹈艺术进行了加工，从而形成了诸多优美的民族舞蹈艺术。

民族舞蹈艺术的发展具有一定的空间性，体现了不同民族、不同时期的风俗习惯等等，这些通过民族舞蹈艺术传递到各个地方，使得欣赏主体的审美发生改变，从而导致当地民族舞蹈艺术进行革新。也就是说，民族舞蹈艺术的发展改变了审美，而审美也促进了民族舞蹈艺术的发展。

二、审美对民族舞蹈艺术发展的影响

一个优秀的艺术才能够提升欣赏主体的审美能力，从而使欣赏主体感受到艺术中的具体形象，將虚当作实，将假当作真，将白当作黑，感受到艺术所要表达的真实情感和内涵。民族舞蹈艺术是通过审美需求而展开的，是在审美需求下所创造的，需要欣赏主体能够借助自身的审美想象将艺术具体化，进而形成审美意象。欣赏主体在这种强烈的情感支撑下，对民族舞蹈艺术产生一种更深层次的理解和感悟，感受到民族舞蹈艺术所要表达的那种难以用语言传达出来的价值和精神[4]。

在欣赏主体对民族舞蹈艺术进行审美的这个过程中，其审美观会受到欣赏主体真实情感的推动，从而产生一种主观能动性，促使自身产生不同的心理活动，但是这种主观能动性的产生是以欣赏主体的审美经验为前提的。具有不同审美经验的欣赏主体对民族舞蹈艺术的感受不同，同时欣赏主体的审美也受到欣赏主体自身的限制，对民族舞蹈艺术的感受和领悟点不同就会产生不一样的审美观，进而其审美能力也会发生改变。

而民族舞蹈艺术本身具有丰富的内容和深厚的内涵，其反映了一个民族的多个方面，是一个民族艺术的体现，同时也是一个民族文化的载体。因为欣赏主体的审美在不断发生变化，所以民族舞蹈艺术中的内容和内涵也在不断发生变化，其中所传达的信息也在改变。所以说，欣赏主体的审美要求民族舞蹈艺术在原有基础上不断进行革新和改变，进而使民族舞蹈艺术得到完善和创新，能够在不断变化的时代中稳步生存和发展。

例如，每年春晚节目都有民族舞蹈艺术的表演，不仅是对传统艺术形式的一种传承，也是为了让欣赏主体感受到民族舞蹈艺术的魅力，进而使欣赏主体能够爱上民族舞蹈艺术，将其发扬光大。同时，这些民族舞蹈艺术在发生着改变，和以往所观赏到的民族舞蹈艺术不同，融入了些许现代艺术，使得民族舞蹈艺术越来越符合欣赏主体的审美观，真正促进了民族舞蹈艺术的发展[5]。

三、结语

随着人们生活水平的不断提升，人们的文化素养也在不断提升，民族舞蹈身为传统艺术形式之一，被越来越多的人所喜爱。民族舞蹈艺术经过时代的打磨越来越符合现代人的审美，同时随着人们对民族舞蹈艺术的热爱，其审美能力也在不断提升。可以说民族舞蹈艺术的发展和审美是相辅相成的，因为民族舞蹈艺术的不断发展，人们的审美发生改变;同时，因为现代人的审美观不同，民族舞蹈艺术也在不断被创新和改进，进而能够在不断变化的社会中立足和发展。

参考文献：

[1]高莎.基于文化视域下的民族舞蹈探究[J].贵州民族研究，2019（5）：137-140.

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[4]李梅.云南红河彝族两大支系舞蹈的特点及其发展探讨[J].戏剧之家，2017（18）：136-137.

[5]娄山.民族舞蹈艺术与技巧研究[J].戏剧之家，2017（13）：166.

作者单位：

云南民族大学艺术学院

民族歌剧表演艺术论文范文第5篇

关键字：民族声乐艺术 表演美 民族特色

中国历史悠久、地域辽阔、民族众多且各具特色，经过历代的沉淀和传承，各族人民均留下了宝贵的文化遗产和精神财富，我国民族声乐艺术便是其中之一。它是在中华民族特有的历史变革、文化审美、民族风俗以及表达方式等大环境下，经过各地区各民族劳动人民不断地积累、创造而形成的带有浓郁民族风情和鲜明民族特色的我国本土歌唱形式?譹?訛。从美学情境的角度对我国民族声乐艺术进行考量发现，其审美形式或者说表演形式其实是民众情绪情感的对象化形式，故民族声乐艺术的表演美是连接声乐表演艺术家与观众的重要环节。随着时代进步和社会发展，世界各国越来越多地展开文化交流，我国民族声乐艺术要对自身的民族性不断地加强和保持，坚信民族的就是世界的，使我国的民族声乐艺术真正屹立不倒走向全世界。

一、我国民族声乐艺术的表演美

1.民族声乐艺术表演美的意义

(1)有助于表演者更好地诠释作品

我国民族声乐艺术是在传统民歌的基础上，通过运用多种创作形式和配器手法来展现人们的生活情境。因此演唱者仅仅依靠声音的特质和技巧，很难形成其声乐艺术表演的特色，充分表达艺术作品的深刻内涵。这时就需要借助一些表情和肢体技巧，在形和意两个方面演绎作品，从而使得我国民族声乐艺术更具美感。

(2)有助于观众更好地欣赏作品

观众在欣赏戏曲、歌剧、戏剧等形式的表演时，通过舞台布景、造型设计、灯光美术等多种艺术相关手段来了解和感受作品的故事发展和角色性格等等信息，从而对作品的理解更加全面和具体。而观众在欣赏声乐艺术作品特别是民族声乐独唱艺术作品时，单纯地靠听觉来感受，会对作品的理解产生一定的滞后性，难以与演唱者产生共鸣?譺?訛。如果在演唱的同时加入与作品主题密切契合的形体语言和面部表情，那么观众通过绘声绘色的演绎和诠释更好地与表演者进行情感交流，使得其对声乐艺术作品的审美更进一步。

(3)有助于审美主受体生成和创造美

任何表演艺术的目的都必然包含情感的传达，并在此基础之上进行艺术美的再创造。表演者是民族声乐艺术的主要载体，通过极具艺术感染力的歌声和精湛的表演把作品的主旨传达给观众，观众接收到情感上的传递而对表演者的艺术展现进行反馈，在这样一来一往的互动中，审美主体和客体产生共鸣，在体验美的同时也进行了美的再创造，共同将艺术作品进行升华。

2.民族声乐艺术表演美的分类

(1)声腔美

我国民族声乐艺术表演美的第一大类就是声腔美。声腔美要求演唱者必须具备科学、动听和富有感染力的歌唱技巧?譻?訛。首先要综合运用气息和共鸣，能够做到声圆润、腔切满，其次要自如地控制声音，能够做到音高声不竭、音低声不虚、音轻声不紧、音沉声不闷、音强声不喊、音弱声不散，从而增声腔的艺术表现力。除了运用声腔技巧之外，表演者也要结合作品的民族特色，比如说在演唱时声腔的运用要符合当地民族的语言习惯，真正表达出歌曲包含的民族情感，从而赋予表演强大的生命力，为观众提供高级的听觉享受。

(2)体态美

体态美主要是指表演者的形体动作、面部表情、衣着服饰和仪态气质等要展现出美感。因为民族声乐艺术的表演者是直接面對全体观众的，观众和表演者在视觉的基础上进行情感交流，所以表演者的形象气质是否符合人物，形体仪态是否优美得体，都会直接影响观众的审美感受。体态美并不是要求表演者墨守成规，但也不能无节无度，而是要根据艺术作品所表现的内容、情感和情节的变化而相应地在举手投足、一举一动中变化展现?譼?訛。这就要求我国民族声乐艺术家要加强自身的素养，深刻体会艺术作品的内涵与特色，这样才能为观众展示优美的表演。

(3)个性美

个性美是我国民族声乐艺术表演美的升华。民族声乐艺术作品本身就具有鲜明的民族特色，作曲者对音乐的感悟不同，创造手法也丰富多样，使作品呈现出多样性特点。演唱者首先要在作品风格上下功夫，结合该民族的特色风情，准确地表现歌曲的内容和情感。值得注意的是，表演者不能直接模仿和套用其他作品。优秀的演唱者会根据自身的优势，在原作主旨不变的基础上进行再创造，形成富于演唱者个性美的艺术作品。

3.如何在实践中提升表演美

(1)加强表演技巧训练

相对于发声技巧来说，歌唱者的表演技巧会比较薄弱，表演的学习也缺乏固定的模式可以遵循。表演技巧包括眼神技巧、形体动作和面部表情的运用。眼神需要表演者在日常生活中多加观察和练习，经过艺术加工和美化形成具有灵性的眼神。表演者要训练灵动有神、含情脉脉的眼睛，可以借鉴戏曲中的训练方法来提高眼睛运用能力。比如上下左右来回转动眼球、近看、远眺、定神等。面部表情如喜怒哀乐等等则可以通过眼与面部的配合来训练。形体动作主要包括手部动作和身段。手部动作是人物性格特征和情绪情感的外部表现，有助于观众形成人物印象，从人物身上寻求请感共鸣?譽?訛。手部动作多种多样，演唱者要结合作品的表达需要来选择最合适的手部动作。除了手部动作之外表演者还有注意对整个身躯的运用，全身心地投入到作品中。在民族声乐艺术表演中，身段把表演者的身体划分为两轴三面，即以腰为大轴、以颈为小轴，头、胸和小腹为三面，大轴运身、小轴运神(眼神)，以“两轴”支配“三面”。

(2)重视情感表达

艺术作品的创作离不开情感。在演绎民族声乐艺术作品之前，演唱者首先要对作品创作的时代背景有清晰的认知，其次要充分感受作品的风格特色，才能在表演作品时降低不良干扰，做到有的放矢，准确表达出作品人物的情感。

(3)把握整体和谐

在我国民族声乐艺术的表演中，一定要注意对作品的整体把握。只有整体和谐才能产生美感。首先，表演要与作品主旋律相协调。比如欢快热烈的作品，表演者就要运用动感较强和幅度较大的动作来表现，而悲伤哀怨的作品，表演者就要运用面部表情和身体动作将内心的悲伤传达给观众。其次，表演要与歌声协调一致。表演者只有在视觉上和听觉上传达给观众同样的情感才能使表演有意义，从而更充分地表现作品。最后，表演要与观众交流协调一致。民族声乐艺术表演中，演唱者与观众的交流互动带领观众走入作品的意境当中细细品味?譾?訛。

二、我国民族声乐艺术的民族特色审读

1.情动于中，以情带声

歌唱是情感的产物，歌唱中的发声、吐字、运气和行腔等都是为表达感情服务。我国民族声乐艺术的表演者要以感情为依据来调动声乐技巧和表演手段。这里所说的“情”是指演唱者在自身深厚文化底蕴和灵敏艺术感悟力的帮助下，准确地提炼和把握艺术作品的主旨和意境从而细致入微地表达出创造者的思想感情。只有演唱者自己首先被作品感动，才能在演唱作品时注入自己的感受，从而打动观众的心。

2.以字行腔，以声传情

我国民族声乐艺术一直秉承以字带声、字正腔圆的优良传统。语言是表达感情的重要载体，我国民族声乐艺术中的语言形成受到各民族语言的直接影响?譿?訛。与国外的美声唱法不同，我国民族声乐艺术中的唱法语言性比较强，重视咬字的清晰度。字头、字颈、字腹和字尾的出声、引长、收声和归韵等等多种唱字方法有机结合，并且有种类繁多的融字方法。字头的发音要简练、准确、清晰、有力，可以根据作品内容做适当的处理，比如加强语气或夸张等等。字腹的引长是能否做到字正腔圆的关键，必须要有相对稳定的状态和明确的支点。字尾收引归韵，要求是简短有力，清楚明晰。这样才能达到以字行腔、以字带声的目的。自古以来，我国民族声乐艺术就十分注重由情到声到形再到字这样由内而外的过程，不仅丰富了我国民族声乐藝术的延演唱方法，形成了我国声乐艺术的特色，也培养了一代代既有民族特色又有鲜明个性的优秀民族声乐艺术家。比如郭兰英老师，在她演唱的《小二黑结婚》、《窦娥冤》等唱段中，字正腔圆、以字行腔，以字带声，以声传情，完美地诠释了人物性格及其情感内涵。

3.声情并茂，韵味悠长

我国民族声乐艺术中的韵味是指通过作品语言的表达、声音的表现手法和感情的抒发方式等创造出意境深远，思想深刻的境界。字、声、情的表现要相互协调、相互融通，才能形成愉悦深情、传神动人的悠长韵味。歌唱中对韵味美的追求其实也就是对声情并茂这种艺术最高境界的追求。从古至今，我国民族声乐艺术中很多会出现“唱中有做，连唱带做”的情境，有时靠语言不足以淋漓尽致地表达内心的情感，就会嗟叹，当嗟叹也不足以充分表达情感时，就会引发肢体的动作?讀?訛。在唱中有做，表现了强烈的情感，被广大民众所接受和喜欢，这样的表现方式使演唱者更容易达到声情并茂的艺术境界，反映出我国民族声乐艺术在弘扬中华民族特色方面的美学追求。

综上所述，表演美是我国民族声乐艺术的重要组成部分，通过加强对表演美的研究，进一步完善我国民族声乐艺术的理论，并且对其实践指导也有积极的影响。在发展表演美的同时也要对我国民族声乐艺术的民族特色进行透彻的审读，这样才能使我国的民族声乐艺术继续得以传承，并在国际舞台上不断发扬光大。

注释：

?譹?訛马丹.我国民族声乐演唱的艺术特征简析[J].大众文艺，2013(10).

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?譽?訛梁丽.我国民族声乐艺术的美学风格探究[J].大众文艺，2013(15).

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?譿?訛宋乃娟.浅析声乐表演艺术应遵循的几项原则[J].北方音乐，2013(6).

?讀?訛骆定海.论民族唱法之韵味美[J].音乐时空，2015(16).

作者单位：沈阳音乐学院

民族歌剧表演艺术论文范文第6篇

摘要：在现代民族绘画艺术中，林风眠和丁绍光两位先生可谓继往开来，二人在继承前人基础上融汇多种艺术形式运用到自己民族传统绘画中，寻找一种新的绘画风格用来表达中国人传统思想感情。林风眠和丁绍光是两个了不起的艺术尝试实践者，这在绘画史上都是非常有思想、了不起的创新；林风眠和丁绍光那种融合了世界各民族美术文化、绘画技法，运用到自己绘画创作中，他们的绘画技法都结合了当代新的美术思想，给观众一种新的视觉冲击力，把中国现代艺术推向更广大的天地。

关键词：各种艺术形式 调和 民族传统

艺术是没有国界的,每个国家、地区的语言、音乐、绘画，都有它自己的规律。如果说哪一种文化是不好的，无非是没有把那种文化研究透彻。每一位成功的艺术家都是深入研究自己本民族的艺术，学习外国艺术吸取其精华，来整理、创造出本民族的、有独特的民族的风格的艺术。中国绘画作为世界艺术史上一颗光芒四射的明珠，是人类共同拥有的财富。把中国传统艺术推向更广大的天地。是我国艺术家不断探索之路。林风眠和丁绍光是我们中国人的骄傲，他们的独特艺术风格，放射出特殊的魅力。他们融合了中西方的绘画，创造出富有时代气息和民族特色的、高度个性化的抒情画风，汇成自己独特的艺术语言。不同的题材在他们的绘画中不像传统绘画中有那么明确的分类。

林风眠“中西融合”的艺术思想拓展出了中国画革新一条新的路径。在中国绘画发展最为惨淡的时刻，林风眠、徐悲鸿等人走向西方，寻求变革中国画的方法，最终发展出了写实改良与中西融合两种截然不同的革新途径，使得中国画坛重现生机。在借鉴学习西方的同时，保留了中国传统绘画的语言体系。林风眠作品从内容上看有一种悲凉、孤寂、空旷、抒情的风格。不仅使人感觉到一种强劲的视觉冲击力,而且感受到了一种强烈的心灵震撼力。他无愧于是一位富于创新意义的艺术大师，对许多后辈画家产生过极深远的影响。

林风眠关于中西融合的观点一定程度上淡化了传统笔墨观念，将传统水墨画的“墨”拉下了神坛。他在所创作的中西融合的画作中，墨只是作为一种颜色，而不是第一要素，引进的是塞尚、梵高印象派的强烈对比色，还有马蒂斯式的激情，而这些都是超越西方传统的学院派的。林风眠在东西两种绘画体系中的短板让他找到了古老的中国民间艺术与西方现代艺术的交汇之处。开启中国绘画对于诸如形式、材料等方面的关注及改变，极大地丰富了20世纪中国绘画的创作面貌。

丁绍光是中央工艺美院毕业，受过多年的学院派艺术教育和工艺美术训练。立足於中国传统艺术的基点上，深入研究西方现代艺术。结合具象的表现与抽象地概括，跳脱民族的界限，以世界性的绘画语言，作品成功地融合了东方古典艺术和西方现代艺术特色。丁绍光的绘画风格，他通过对中国传统绘画技巧的理解，赋予了自己的作品犹如音乐旋律般的线条轮廓，同时吸纳了例如抽象派艺术等诸多西方艺术的要素。大量运用垂直和平行的线条，让作品整体感觉平静、泰然、和平。线条轮廓在丁绍光的每一幅作品中都非常重要，也非常明显。将程式的美感因素和感情因素与特定的自然形象融合，注重精神与情感的内涵对自然形态加以主观的处理。他对空间的理解着重放在平面图形之间的关系中来处理，重表现图形的大小以及点线面之间的疏密节奏关系。丁绍光艺术不表现物象的写实性，忽略对客观细节的刻画，追求画面整体构成关系，强调对自然物象按照审美要求进行加工处理。张道一这样评价丁绍光的绘画艺术：“丁绍光先生获得这样高的荣誉是理所当然的

丁绍光创作每一幅作品时首先要画出一幅完整的轮廓，轮廓的线条满意了才会考虑色彩。作品结合了艺术与自然，理解自然界的色彩并融入自己的体会和理解，色彩是和形态紧密相连的，形态发生变化时色彩必然随之变化。丁绍光在运用装饰画色彩语言方面有自己的独特之处。他把自然色彩加以强化、变换，以此摆脱对自然色彩的依赖，同时发挥他的主观意愿和感情，以理想化的手法和浪漫的情调去自由的运用色彩。他不仅强调个性化的色调与画面的气氛，讲究色彩的平面化、形象化、夸张性、浪漫性与象征性。

中国古老而神秘的东方文化艺术给我们的艺术家很大的启示和灵感，那些世界艺术精华也汇融入画家们的艺术血液之中。因此吸取各种艺术精华调和自己民族的艺术，形成东西方的并融美。艺术是直接表现画家本人的思想感情的，画家的思想感情虽是本人的，因为画家本人却更是时代的，所以，时代的变化就应当直接影响到绘画艺术的内容与技巧，如绘画的内容与技巧不能跟着时代的变化而变化，而仅仅能够跟着千百年以前的人物跑，那至少可以说是不能表现作家个人的思想与情感的艺术。在林风眠和丁绍光的作品里显示的更为强烈，表达了作者的思想情绪。画家选择的是讲求形式的现代主义、民间艺术、原始艺术，画作采用含蓄、象征、维美的语言，忽略具体的事件 ，消弱过于外露功利色彩。林风眠没有抄袭旧的艺术思想，而是创造一种新艺术手法。以独特的表现形式，把中西艺术元素融入自己的作品中，以全新的面貌准确表达了精神与肉体的矛盾与痛苦。他们共同之处就是对理想中的美的追求，给人以感官上的冲击，以美为最高竟界。在现代民族绘画艺术中，林风眠和丁绍光两位先生可谓继往开来，二人在继承前人基础上融汇多种艺术形式运用到自己民族传统绘画中，寻找一种新的绘画风格用来表达中国人传统思想感情。林风眠和丁绍光是两个了不起的艺术尝试实践者，这在绘画史上都是非常有思想、了不起的创新；林风眠和丁绍光那种融合了世界各民族美术文化、绘画技法，运用到自己绘画创作中，他们的绘画技法都结合了当代新的美术思想，给观众一种新的视觉冲击力。肯定了林风眠和丁绍光在“中西融合”的艺术理论与绘画实践上所取得的成就。但是也应当看到，由于林风眠和丁绍光在东西绘画各自的功底没有达到深厚的境界，所以在实践中存在形式语言的浮躁，深度的丧失等问题，受到了许多指责和批评。但他们的“中西融合”之路所取得的艺术成就是一座丰碑，把中国现代艺术推向更广大的天地。

参考文献：

[1]译自《丁绍光天堂印象》,Great Events Editions Los Angeles（出版社）1997

[2]郑重.林风眠传[].上海东方出版中心，2008年第2版