绘画情感范文（精选11篇）
绘画情感 第1篇
美术创作发展到今人，其内容与形式的多样变化给人们带来了丰厚的视觉享受。然而，随着社会的发展，一些艺术家只重绘画技能和浮躁的心态同艺术创作之间的矛盾冲突越来越明显，这种矛盾冲突的直接后果是艺术表现的苍自无力。我从当代一些艺术家作品中所体现的儿童绘画因素中受到启示，认为童心与纯真是洗涤、净化当代美术创作的有力手段。
的确，儿童在绘画创作中进入了一种轻松忘我没有羁绊的自由境界，他们大胆的笔墨，朴实的线条，表达了发自心底的强烈情感。儿童这种绘画的状态跟现代大师的绘画状态很像，他们都用稚拙、朴实的手法表达主观的想象和情感，创造出了具有内在情感的的绘画作品。
儿童绘画以其感人的魅力，引领我们徜徉在返璞归真的精神世界里。当代绘画中轻外在技巧而中重内在感情的表达，追求精神世界的探索恰巧与儿童的天真、稚拙以及超凡的想象力与创造力所创造的儿童画有异曲同工之妙。并且当代绘画也以儿童绘画相似的形式呼唤着人类最原始的、美好的心灵，并启迪着人们对于生命本质的深思。
因此，用儿童的眼睛看世界，像儿童一样绘画，形成一种没有羁绊的自由境界，这应该是一个艺术家首要工作所在。
每个人观察世界都有他独特的视角，儿童也不例外。视角是一个很重要的概念，它是创作者观察世界的角度、看问题的角度。成人视角，就是用成人的眼光、成人的心理去观察世界。而儿童视角，就是以儿童的眼光去打量世界、以儿童的心理去观察世界、以儿童的语言，去解读世界。
儿童绘画与成人绘画最大的区别就是“无意”和“有意”。儿童通常是在无意识的状态随意的画，喜欢画什么就画什么，想怎么画就怎么画，没有目的性。他(她)不用考虑这只笔要多少钱，画坏了会不会有人批评，画好了会不会有奖励，他(她)就是画，不理会任何人的意见。在他们看来，红笔用完了，可以用蓝色，这张画坏了，可以画下一张，其实在他们的概念里，没有“画坏”这个词，所以大部分的孩子是不会羞于把自己的画给别人看的。去过有小孩家的人都应看过这样的场景吧：雪白的墙壁已经被小家伙搞得“面目全非了”，活生生艾斯塔米拉的壁画啊。如果你问他对他的大作有何感想，他会饶有兴趣的跟你讲这个“圆圈”和那个“方块”的故事。在他的眼里，这个“圆圈”可以是个人，也可以是他最爱吃的巧克力饼干;而那个方块可以是一栋大楼，一列火车，也可以是他幻想中的百宝箱。
当我还是小孩子的时候，也喜欢随意涂画，在我看来绘画跟爬山，摸鱼一样让我兴奋，我把它们都当作是“玩”的一种，所以在画画的过程中我能够得到许多快乐。而有一次老师让我参加一次现场绘画比赛，起初，我很兴奋，但后来反反复复的练习，来回的“磨”着同一张比赛要求的画，我都要崩溃了，我所有的快乐和兴奋都变成了精神的折磨。那是我第一次有目的的绘画，目的是为了拿奖，为学校争光，绘画掺进了其他因素。经过那一次，我好长时间没敢画画，我不知道为什么曾经让我兴奋不已的画画会有了痛苦的感觉。现在想想，带着功利心去做艺术无疑是在自掘坟墓。
随着年龄的增长，童年时那种天真、稚拙的状态也随之变得成熟，那种孩提时画画时的无意识状态也取而代之的变为有意识，有目的的绘画。这种目的可能是多方面的，比如作为一个学生要为了成绩而画，一个教授要为了参展而画，一个职业画家为了钱而画，一个老师为了学生而画目的越来越多，无意识变为了有意识，受到各个方面的影响也就越来越多，所以成人绘画不避免的会受到来自各方面因素的干扰。
我曾经教过低年级的孩子绘画，他们都以前所未有的热情投入到“创作”中去。你根本不用费心的去管理纪律，提醒打瞌睡的同学，因为他们都非常认真投入，在他们的脸上尽是开心和满足的表情。孩子们向你提问时总是会说：“我画的漂亮吗?”更多的只是会给你讲他(她)画的是什么，他(她)为什么要画它们。而在给大学生上课的时候，我听到最多的问题就是：“老师，我的画能得多少分?”甚至在起稿的时候就开始问了。其实想想我们不也是一样吗，在画之前，甚至在还没构思之前，就想着：“画什么样的画能得高分?应该在选材上还是在形式上下功夫呢?我该选用哪些技法才会让我的画看起来更特别?评委喜欢什么样形式的绘画?最近艺术圈又流行哪些样式”试问，脑袋里装着这么多东西，还有心思研究画画吗?但这是现在艺术界的一个通病，你、我、他，无一幸免，区别是：有的病的轻些，有的则病的重些。真正能“幸免于难”的人恐怕只有孩子和大师了吧。
儿童的情感是属于儿童的，画中遍地都是儿童的感受、印象和直觉。因此儿童的情感是主观的，儿童绘画是在主客体不分、自我中心的思维方式之下进行的。儿童对围绕在他们身边的动物和植物都勃发一种本能的亲切，散发着人性、人情的光辉，使人与物之间自然流露出一种心灵交映。人与物的界限朦胧了，儿童可以与玩偶对话，做游戏，一辆在大人眼里看到的自行车，在儿童的眼里就成了一只飞船，一栋带轮子的房子，这些在大人眼里是看不到的。事实上，这些画是儿童视角和儿童感觉的真实呈现，(附图十一《骑脚踏车》)或者说，这样的画是建立在儿童物我不分的感觉方式基础上的。
儿童的这种感情值得我们学习，尤其值得艺术家学习。在上一章，已经提到过马蒂斯、毕加索等人要用儿童的眼睛去看世界的观点，这说明，这些艺术家已经跟儿童有了相似的感性，对生活，对艺术有了更深切的体会。所以要想像儿童一样去看世界，并不是可笑的，也不是不能做到的，只看你是否真心的去学习、去感悟。追求内在情感的表达是艺术自身发展返璞归真的必然态势。
参考文献
绘画情感 第2篇
论文摘要：
新表现主义美术关注人的本性与价值，重视人的精神信仰与人的尊严、强调现实的文化批判与超越理性；重视艺术的情感化的形式，是对人和艺术的大解放；强调内在的生命冲动对客观世界以主观化的处理。是对艺术本性的追求。
新表现主义艺术的核心，即是倡导人本性、自由、情感化。人本性，就是以人为本，从人的本能出发，充分肯定人的自身的认识能力和价值观，追求某种自由，是人们向往文明与自由、文明与进步的本能，是人性的本质所在。人的问题，始终是艺术家要表现的问题。新表现主义的产生和发展，是人的思想及精神寻求解放，寻求生存，释放人性，来反抗命运的过程。
当今，商业问题泛滥，信息技术爆炸，人的价值观失重，精神失衡，人的尊严受到强大的挑战，同时，文化面临经济的重压，商业的侵入，使人的精神产生危机，人的思想及行为出现躁动和迷茫。那么，新表现主义在这种时期就担负着人的理想与精神信仰，追求人的崇高价值与人文精神，以追求人本身的自由解放为宗旨。新表现主义艺术重视艺术家的心理本能的情绪喧泄，对现实社会的弊端的艺术批判，强调人的价值与需求，以象征或隐喻性的主观变形和重新组合构成，建构震撼心灵的艺术世界；强调艺术家主体情感的抒发；强调直觉、灵感、顿悟、想象等主观心理因素为创造的重要地位。强化表现审美对象个性的神态、情态，以变形、夸张的构成，形成强烈的张力，以达到极限的表达画家的灵魂深处的情绪、感受、心态。达到表现主体的情感化，文化观念和价值追求。情感是一种纯自然的精神观，是艺术家审美情感对事物的主观反映，是自我表现和自我照应的结果；情感以心灵冲动为源泉，重视形式语言，重视激情而充满活力；重视文化内涵及冲击力。
90年代中国新表现主义，不仅吸收了西方哲学思想和艺术精神，而且更注重中国本土文化，传统哲学与艺术观念的走向，形成了中国独有的新再现主义特征。在吸收西方表现主义绘画方面，首先是法国早期表现主义、德国表现主义，美国的抽象表现主义，德国新表现主义为核心。在哲学美学思想上吸取了叔本华、尼采的哲学思想的哲学、弗洛伊德的精神分析的无意识论(潜意识)。西方的这些流派和非理性哲学思想对中国新表现主义艺术有着极大的影响。而使新表现主义艺术的兴起和发展，理论的内因是中国传统的文化及哲学思想由以庄禅哲学思想而突出，主张“从性而游”认为人生的痛苦解脱，只能求于自己的灵魂和内心解决，是一较高的精神理念。追求清景交融”，“自性本自清净”的思想境界，心的“顿悟”与艺术审美活动是相通的。中国传统的哲学理论不仅为中国历代各画派，提供了理论依据，而且为中国现代的各流派，特别是中国的新表现主义绘画理论提供了理论依据，并更适合于根植于这肥沃的土壤里。不仅影响了中国历朝历代的艺术家，而且也影响了当今一大批学者和艺术家。在这种中西文化哲学的影响下，新表现主义美术产生了许多著名的画家，例如：北京的尚扬、东北的赵大钧、贾涤非、周卫等，中原的段正渠，西南的毛旭辉等。
情感化充分体现在新表现主义绘画艺术家的作品中，如：尚扬的作品《黄土高原》系列，以浑厚的艺术语言和变形，表达了对中国文化渊源的追问。将西方文化和深厚的中国文化底蕴，较完美的结合。《94大风景》以地质横断面的地质结构，表明了对现代科技和历史文化的关注。地壳运动，岩浆喷射出符号：小汽车、茶壶、飞机、钟表，这些商品日益侵蚀到各个领域，商业社会改变了人们的精神和价值追求。《诊断》系列以现代科技把人变成无性别的符号，表明了科技对人的巨大的异化作用。对中国人当今的生存状态和文化走向深深的关注。他对生命很执着的追求。《状态》系列、《诊断》系列，《大风景》系列，都显示了这一观念。他以深厚的本土文化根基，感悟到了人性与自然的配合。他从艺术的真诚，自在净化的艺术表现，通过画面上的张力和黑白灰高雅的色调，以激情和诗一般的心绪，以符号语言来展现内心和压抑及悲怆。以敏锐的直觉领悟和心灵的感悟，即有理性思维，又充满了激情和冲动，建立了精典的现代艺术的精神。
挑战命运，释放个性的画家要数东北的贾涤非了。他的大写意用笔，狂放挥洒。理性在情感的渲泄状态下淹没了。作品《收获季节》以强烈的色彩对比和狂放用笔，把一种肥硕充满张力的女人体置放于葡萄圆中的情态，也证实和体验到他的思想和欲望。《有自行车座的母与子》以阳性空间回到现实生活的情景，人性的情感有某种转移，给观赏者很多想象的空间，视觉上的、强刺激，体现了画家本能的自动发生发展，也充分体现了禅宗哲学和弗洛伊德潜意识论。《尴尬图——弯道示意》使人联想到以京剧这种程序化的艺术形象，表现了画家内心的压仰和反叛，隐喻的手法，暗示人类的尴尬，现代人灵魂的尴尬。轻松自如的笔触，充满激情联想、形与色无不流露出人文精神的大写意。我们在赵大钧的作品中，无不感受到他的真诚。他感悟到生命与自然的美妙，从悲伤和慰藉中净化了灵魂，他晚年醉心于音乐，音乐的美感使他青春永驻，从他的作品中我们感情到音乐的节奏性的美和旋律结构的展开，色彩的情感紧奏而浪漫，《我和小春》这样富于情感性的作品，展现了一种平静中的满足，又体现出生命中不可抗拒的青春的活力，生命中崇高的理想离不开灵魂的期望和冲击。他的近期作品《一棵树》唤起了他的音乐情绪，这是本原性的表现艺术。那么赵大钧他这种音乐的情感中，感受到了音乐的哲理，音乐与绘画融汇在一起，净化了思想。他把音乐的梦幻通过绘画更于完美，他的作品和灵魂饱受着痛苦和欢乐，在欢乐中真诚的渴望着生命价值的展现。
段正渠以重低音符的分量把作品展现在你眼前，特点厚重的黑色，粗大的轮廓，情感以象征性的发泄表现，他把握着生命永恒的冲突。他对中原这片黄土深深地热爱，对生长在黄土地的人们的喜怒哀乐深深地关注。《东方红》、《走西口》、《山歌》、《夏口黄河》，暗示着民族的昌盛、兴旺、发达。他从西方的表现主义绘画中吸取了营养，然后，一头扎进黄土地里与黄土地的儿女们去实现民族的理想和愿望。
而马路也是一位天才画家，他把东方艺术精神，把现实世界和灵魂空间重合，承受着外来文化的冲击，受着德国新表现主义的影响，受着意志的左右，以东方文化精神来拯救自我。例如：《闹中取静》的梦境，灵魂的净化。《天斗》对神灵的对白，宗教的神圣，灵魂同存于天地。《龟》系列，感情制约了理性，是对东方文化深深的思考。
对以上的几位著名画家在文化上、情感上的分析，证明了中国表理主义艺术由于重情感化，重西方文化吸取和对本土文化的宏扬，理性的东西居于很次要的地位，宏扬情感精神，展示了新的精神结构。形形色色的艺术符号经过画家的精心安排组合，形成解释现实与想象、虚构、灵感的形式和内涵，产生了情感的思维逻辑，理性的精神被情感的冲击而淹没。他们的作品都形成特有的奔放的艺术效果，具有很强的感召力。以激情为动力，任意挥洒艺术家的审美情绪，使情感、趣味、立意发挥到极限；以非逻辑非理性的思维及情感把事物对象人情化和移情化。可以说情感是艺术现象最深层最内在的本质，是艺术家潜在的内心需求和欲望。强调了审美主体的情感冲动，也扣住了艺术的特质和核心。他们都体现了中国新表现主义的本质。即：人本性，自由情感化的特征；重视精神信仰和人本能的价值，对现实的超越和对文化的批判，解放人本身。艺术家充分发挥了潜意识、直觉、灵感的心理因素。以独特的审美情趣和激情，自我表现和发泄，是中国新表现主义绘画重视对传统文化的吸取与发展的一大贡献。
任何艺术形式和内容都不可能绝对的完美，总有许多的不足。而中国新表现主义绘画也是如此。
1．由于强调极端的自由情感化，理性和逻辑淡化了。
2．淡化了造型的写实性，观赏者对作品不易理解，而陷入一种误读和费解的心态。
情感，绘画的原动力 第3篇
一、情感是绘画的源泉
情感是艺术家最真挚的体现，不同的情操，不同的价值观。所表现的内在精神自然不同，同时艺术情感的个性特征与民族性、人民性和地方性是分不开的，并蕴含着浓郁的民族性和地方情感色彩。不同的时代，不同的民族产生了辉煌的作品。原始社会的洞穴壁画，所描绘的动物生动自然，是美术研究上的惊人之举。在原始生存环境下不可能对构图，造型有刻意的安排，有的只是对动物充满激烈生命力量的感悟。和对巫术神灵的崇拜。他们的创作只是一种神秘的直觉和人类伟大天赋的综合。古埃及程式化的绘画形式近于几何图形的装饰风格，这些程式的延绵不绝也反映了当时古埃及奴隶社会的固执保守体现社会制度的稳固和时代的精神实质。中世纪绘画，代表教会势力的贵族把神学发展到了巅峰。通过感性的形式来体现他们的意志和精神理念。文艺复兴则强调了人性的崇高和重视现实生活，反对神学权威，反对封建特权对艺术的禁锢。在这理念下创作了大批艺术经典。艺术家心灵的触发和情感的冲动构成了创作的首要条件，内心世界的灼热、激昂、忧郁……也表达了绘画的感人之处，引起观众的共鸣。绘画形式出自情感的自然流露，情感的自然宣泄会使绘画产生不可预知的效果，并且情感贯穿了整个绘画过程。绘画作品的颜色、笔触、构图都随着情绪的变化而产生变化。昔日熟悉的场景、自然界的某个角落，发生在我们身边的小事，都打动着我们的心灵，在心中便存在着一定的形式。在一种自发的状态便流露到画面中。生活便是最好的艺术。得到完美的诠释。正如列夫托尔斯泰所说“在自己心里唤起曾经一度体验过的情感后用动作、线条、色彩声音以及言语来表达的形象来传达出这种感情。使别人也能体验到这同样的感情，这就是艺术活动。”
二、形式语言是情感的载体
绘画取决于画家内心情感和形式的表达程度，情感的宣泄自然要通过作品来表达，如同说话用语言一样，艺术的情感则需要点、线、面等绘画因素体现。绘画形式语言的恰当表达，可以使形象更加生动，情感流露更加真挚。克罗其说“艺术家的任务在于赋予情感以艺术形式”。基希纳的《柏林街景》人体的长度超过了解剖学范畴，画中人物被挤压变形，有些甚至被挤出画面。希基纳对色彩也加强了互补色的对比。强烈的形式语言较好地体现了当时社会时局的动荡不安，以及作者对当时社会的憎恶。形式本身所带有的美感。也是艺术家情感的体现。野兽派绘画大师马蒂斯就特别注重绘画形式的表达，着重研究线和颜色之间的关系，让观众在看他的画感觉像是一把安乐椅。这种视觉享受的研究看是形式本身，其实也是艺术家对生活精神的追求。俄国现代抽象主义画家康定斯基利用几何的图形，表现运动、成长，表达内心思想。认为纯粹的视觉形象是表达精神世界的最有效的方法。绘画成为用特定的视觉符号表达思想的一种载体。
三、情感體验表现了艺术家审美价值观念，提升了艺术品味
艺术家将情感由主观体验转化为客观，对内在情感进行了选择、加工提炼通过艺术形式表达出来，在这个过程中，情感体验是一种流动的可变的内心体验。画中所流露的情感尽管与艺术家本人情感有关，但已不完全是艺术家的，而是一种审美的创造，经过提炼的升华的具有普通性的审美情感。这种审美情感不仅感动自己，而且感动观众，在情感体验中追求真情实感，抛弃社会功利性因素，以保全艺术作品的格调品味。
绘画情感之我见 第4篇
中国文化是一种亲和性文化, 具有“同情观”, 从人与自然、宇宙的关系来看, 这种观念渗透中国绘画的各个方面。一幅优秀的山水画, 给观者的第一视觉感受是高山巨石、流水树木。而更重要的是画面使观者领会作品的内涵、意境, 进而感悟画者创作时的饱满激情以及宽广博大的胸怀。倘不如此, 哪怕画中的山水怎样逼真, 树石如何酷似, 也打不动观众的心!这其中一个很浅显的道理, 就在于画面缺乏一项重要因素情感。
在中国历史上曾出现过许许多多伟大的山水画家, 他们的个人创作中都有建树和独特的创造, 无一不是从“师造化”中得来的。五代宋的董源、巨然专事江南山水, 荆浩、关仝擅画中原、太行一带高山峻岭, 范宽、郭熙擅画终南、太华高原景色, 米家父子长于画雨景, 李成多画雪景寒林等等, 都是长期深入研究大自然而后获得成功的。
明清以后, 中国画坛盛行仿古之风, 以“四王”为代表的正统画家“终身伏案摹古, 画于南窗”之下, 作品完全脱离了现实生活, 使中国画走向公式化、概念化的歧途。与之相反, 他们同时代的石涛则独辟蹊径, 力主造化, 直抒心机, 提出“搜尽奇峰打草稿”的主张, 创作了大量充满生气的山水佳作, 在绘画史上产生了积极的影响。
建国以后, 针对当时国画创作背离生活, 抱残守缺的不景气局面, 李可染先生提出“一手伸向传统, 一手伸向生活”的口号, 并身体力行, 与张仃、罗铭先生结伴旅行写生, 创作出大量富有真情实感、洋溢着新时代精神的优秀作品。
长安画派创始人赵望云, 为表现大西北生活, 迁居西安长达四十余载, 伙同其弟子黄胄、方济众、关山月等数度深入青海, 五次赴河西走廊, 到祁连山、新疆一带写生, 画出了大批富有浓厚生活气息的写生画, 为长安画派的建立作出了开创性的贡献。
中国画的创作离不开情感, 西洋画也不例外。在西方五百多年的绘画史上, 曾出现过不少大师巨匠, 诸如乔托、达.芬奇、伦勃朗、米勒、梵高他们的作品之所以伟大、隽永, 所以能产生划时代的意义与力量, 其中一个主要原因就在于他们都具有把内心的真挚感情通过绘画诉之于众, 并且诉说得自然、完美、真诚。
梵高的画看后令人浑身发抖, 难以忘却, 甚至流泪, 最主要的不在于画中狂放的笔触和强烈的色彩, 而在于其作品中传达出来的真挚的热烈的爱。他把心灵、感情和肉体统统献给了太阳, 给予了自然和人类。他的无私与大度, 使得那些在艺术创作中无感情的吝啬鬼相形见拙。他笔下描绘的老人、田野、木椅等生活原型, 虽然是法兰西十九世纪的一切, 但在我们中国人看来却是一样亲切、一样的感人。
多少个世纪以来, 世界画坛出现过许多技艺高超的大师, 惟伦勃朗伟大;有不少的佳作, 惟有他的作品永恒、长久;有不少王后美人像, 惟他的自画像最富诱惑力, 最能征服人心;有不少的悲剧故事, 悲剧题材的绘画, 惟他画的一张平静而又深沉的老脸发人深思, 观之令人黯然泣下。他的画是实实在在的情的艺术, 是至真至诚的爱的艺术。毫不夸张的说, 伦勃朗的画就其艺术成就的高度可与莎士比亚的戏剧相媲美, 就其作品所产生的社会功能而言, 和《哈姆雷特》有异曲同工之妙。
由此可见, 艺术作品所传达的感情与人的情感是相通的。有什么样的情感, 就会产生什么样的作品。只要作者所体验过的感情能感染观众或听众, 这就是艺术。在自己心里唤起曾经体验过的感情, 而在唤起这种感情之后, 用动作、线条、色彩、声音以及语言所表达的形象把这种感情传达出来, 使别人也能体验到同样感情, 这就是艺术活动。艺术是这样的一种人类活动:一个人用某种外在的标志有意识地把自己体验过的感情传达给别人, 而别人能被这些感情所感染, 也体验到这些感情。【2】艺术家应当用自己的作品打开人们心中的感情之门, 把人们带进温暖的爱的世界对于缺乏感情的作品, 无论它的形式感多么强烈, 色彩如何漂亮, 只能在人们眼前一闪而过。由这一点可以看出, 艺术作品品味的高低, 起决定作用的条件不在于它的本身, 而取决于作品内在情感的“含金量”。实践证明:富有情感的艺术作品观众才喜欢接近, 有感情的作品才能使观众感动, 产生共鸣。因此, 艺术品必须“多情”, 多情才能动人, 才能动情, 才能得以传世, 永恒!
战争年代, 延安时期, 前辈画家们所创作的大量美术作品, 诸如古元的《烧毁地契》、彦函的《诉苦》, 石鲁的《打倒封建》等尽管今天有人嫌其形式陈旧, 技法显老, 可是他们却真实地记录了那个艰苦年代的斗争生活, 艺术的再现了中国革命一个时代的辉煌历史。这些老艺术家们, 他们在创作这些作品时, 怀着深厚的情, 倾注了伟大的爱。由这些情和爱融合产生的艺术作品, 教育和影响了整整一代人。鼓舞了人们的革命斗志, 促进了民族解放和祖国建设与发展。
黄土画派创始人刘文西大半生扎根于陕北, 以苍茫雄浑的黄土高原和朴直憨厚的陕北人为艺术表现对象, 坚持经常深入群众、深入生活。在长期与人民大众的水乳交融的接触生活之中建立起深厚的感情, 产生出真诚的爱。在这情与爱的驱动下创造出大量的歌颂领袖和陕北人物为题材的优秀绘画作品, 开创了中国人物画的新领域, 为我国现代人物画树立起了一座不朽的丰碑。试问, 刘文西先生如果没有如许丰富的陕北生活经历和素材积累, 缺乏对黄土地真挚的情和对陕北人深刻的爱, 他能凭空创作出如此伟大的绘画作品么?他笔下能幻化出那么多有血有肉, 呼之欲出的劳动人民形象吗?!
近十几年来, 伴随着经济开放, 国际间文化艺术交流日趋频繁, 艺术创作呈现出新的格局。学习借鉴外来文化, 补充和提高本民族文化, 本是无可非议的事, 但在学习涉猎中却出现了偏颇, 艺术创作上出现了一些不近民意的现象。突出表现为民族文化“异化”。这里仅以油画创作为例:一部分画家在创作中刻意摹仿甚至照搬西方油画, 把注意力集中放在了追摹画面的技巧上, 而忽视了真正的技巧民族精神, 民族情感。忘记了作品的主旨在于传达感情, 亦即与观赏者自然而然的对话。有些画, 为了追求色彩形式上的酷似, 在肖像中, 把中国人画成欧洲人, 把黑头发改成黄头发, 把黑眼仁画成蓝眼仁或黄眼仁。还有的人, 看了一些大师的古典作品, 就将画面基调画成褐色, 甚而至于连人物形象也都成了古希腊、罗马的了。这种一味摹仿, 不加改造, 生搬硬套地学习外域文化的方法无疑是错误的。这种鄙薄民族文化传统, 缺乏民族精神的作品是没有生命力的。这种教条刻板“邯郸学步”式的学习方法亦是不可取的。
诚然, 近十几年来, 油画创作的总趋势是好的, 成绩是不容忽视的, 出了不少好作品, 也出了一批有为的油画家。像四川的罗中立及其代表作《父亲》就是其中的典型范例。
综上所述, 艺术的基缘就是传达感情, 艺术的使命就是传达时代、民族的灵魂。除此而外, 没有过多的东西可言。我认为,
绘画透视三议
曾红琳 (陕西省西南石油大学机电工程学院637001)
摘要:透视作为科学的观察方法和表现方法, 是美术院校三大基础技法理论之一, 也是每位学生必须掌握和熟练运用的基本技能, 在现代素描教学体系中占有十分重要的位置。
关键词:透视现象;透视缩形
作为视觉现象的透视
在日常生活中, 我们在观察事物的时候由于距离、方位的不同而产生的一种近大远小、近长远短、近高远低近、清晰远模糊的视觉现象就是透视现象。另外, 我们观察物体的时候还会发现, 在我们能看见的各个面中, 凡是具有前后空间深度关系体面, 会大大缩扁, 改变原有的形状, 这种现象称为“透视缩形”, 也就是说, 在正常的视域范围内只要他的体面只要不是平行于画面, 而是跟画面呈夹角关系, 那它就必定会缩形, 而这些变了形的视觉形象, 却真实的表达了物象的全部空间存在的基本状况。
为什么能看到透视效果呢, 因为我们所处的世界中的所有物体的位置关系都是一种相对稳定的关系, 不会不停地跳来跳去, 前面的不会突然跳到后面或别的地方不会剧烈的膨胀缩小, 包括光线在内也是相对按照直线传播, 越远的东西看着越小是因为在那样的距离上, 它反映出来的光不足以在我们眼睛中呈现足够大的像。由于人的眼睛特殊的生理结构和视觉功能, 任何一个客观事物在人的视野中都具有近大远小, 近长远短, 近清晰远模糊的变化规律, 同时人与物之间由于空气对光线的阻隔, 物体的远、近在明暗、色彩等方面也会有不同的变化。
透视现象在我们日常生活中虽然也能感觉到, 但是在没有懂得透视现象产生的道理时, 对它的感觉将是不敏锐和不深刻的, 因而单凭直观的感觉去作画, 难免产生错误。因此, 绘画和工业、建筑设计工作者, 有必要了解透视的原理和法则, 以便更有效地观察和记忆物体的形象, 准确而艺术的表现物象, 表达作者的创作意图。
作为作图方法的透视
在透视现象的基础之上, 人们找到了客观再现事物空间变化的作图方法, 即绘画或作图中称的“透视”。“透视”一词来自拉丁文“perspicere”意为“透而视之”。其含义就是透过透明的平面来观察、研究透视图形的发生原理、变化规律和图形画法, 如实表现了空间距离和准确的立体感, 最终使三维景物的立体空间形状落实在二维平面上的造型规律和方法。
如果我们站在窗前, 闭上一支眼睛并固定睁开的另一支眼睛的位置, 把透过玻璃窗见到的物象, 依样描画在窗玻璃上;描绘出来的图形和我们看到的景物一样, 是具有立体感和空间感的、存在着透视现象的透视图形。这种作图方法从理论上直观地解释了物体在平面上呈现三维空间的基本原理和规律。使初学者能很快地判断所画对象哪些线与面应该产生透视变化, 哪些仅有大小变化。在写生和创作时, 就可以很好地处理画面上人、物体、风景之间的远近、大小的空间透视关系。
作为艺术家, 就必须立足研究本国家、本民族的历史, 传达民族感情, 传播民族文化。在深入社会生活的过程中, 在艺术实践中, 在与人民群众的接触中以情相投, 以爱相处, 以民族文化的振兴为己任, 用饱蘸浓厚感情色彩的画笔为祖国写照, 为民众传神。
现代绘画透视着重研究和应用的是线性透视, 而线性透视重点是焦点透视, 它具有较完整较系统的理论和不同的作图方法, 其特点是逼真再现事物的真实关系, 是写生绘画重要的基础, 它已具有较完整较系统的理论和不同的作图方法。
作为观察方法的透视
前面讲了, “透视”意为“透而视之”。这个“透而视之”除上面讲的透过透明平面来观察、感受、表达事物之外, 我认为还应该包涵另外一层意思, 即透过物体的体面或表面去“看”物体的内部结构。前面一层意思主要观察感受的是物体在空间内的远近大小变化, 而这一层意思则是看物体本身的组成、构成和组合关系, 就像用“透视眼”去穿透性的看事物的本质和结构一样。这种“透视”与其说这是用眼在看, 不如说是用心在看, 是在感受和感知事物的本质, 因为我们学习透视学的目的, 不仅是为了掌握在二维平面上表现三维景物的画法;更重要的是用它的规律来指导我们认识事物。
用这种观察方法, 在造型时首先要对物体进行全方位的整体观察, 以获得全面的感性认识和立体整体印象, 同时将物体设想为玻璃一样的透明体, 既能看到物体的外形特征, 也能看到物体的内部结构;既能看到前面的物体, 也能看到后面被遮挡的物体, 进行本质的而不是表面的观察, 突破视觉局限, 看透物体的全部存在并将其表现于画面。在观察的基础上通过分析、归纳、加深对形体结构的理解, 准确把握形体各部分的结构关系、比例关系及整体特征, 然后穿透性的画出物体的内部结构关系。总之, 要通过分析、综合去把握形体外轮廓线与内轮廓线 (结构线) 的关系, 只有这样我们才会拥有与众不同的眼光和思维, 才能明确而肯定的表现出形体的结构比例及透视关系, 表现出事物的本质。
透视是绘画、设计及相关专业的一门必修基础课程, 掌握透视学知识是必备的基础应用能力。在绘画中, 只有透彻地理解透视原理、掌握透视图的技法, 才能更好地把握空间, 准确地表现人物及景物的结构、造型等, 以便更好的进行艺术创作。对于学习设计的人来说, 透视学的灵活运用, 可产生多元的、丰富的视觉效果, 在设计构思的过程中, 不仅要掌握透视学的基础原理, 为表达事物的结构、造型打下基础, 而且必要时还要将透视图技法直接运用到精确的制图中, 这样才能创造出更高水平的绘画作品和设计作品, 使艺术作品更具张力和感染力。
参考文献
[1]王福阳编著.《绘画透视学基础教程》.福建美术出版社, 2008.11
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在绘画教学中培养幼儿的积极情感 第5篇
【关键词】幼儿绘画 积极情感 培养
绘画活动是幼儿表达自己童心、表露自己情感、与人进行心灵对话和情感交流的重要方式。在绘画教学中，幼儿往往按照老师的范例去模仿，教师和家长也通常以画得与老师所画的像不像作为评判的标准。《幼儿园教育指导纲要》中提出，应把幼儿的情感培养放在第一位，其次才是知识与技能。因此，如何在绘画教学中，激发幼儿的积极情感是我们值得教师关注的问题。
一、绘画教学中情感教育的实践意义
幼儿拥有进行探索的欲望和冲动的天性，进而去发现事物，以不同角度去看待事物，不断尝试和实验各种可能性。随着年龄的增长，他们会在绘画中创造出他们的真实世界。可以说，成年人的积极情感是幼儿时代奇想的延续。幼儿能运用一连串的想象以及创造来学习如何解决问题，并从解决问题的过程中获得知识。若能提供幼儿运用创意方式学习的机会，将更能达到其学习的效果。幼儿时期可以称之为人们积极情感发展的关键时期。因此，幼儿的积极情感若能在这一关键时期中得到妥善的发展，对其未来成年后的工作与生活方式将会有着深远的影响。幼儿的绘画内容与幼儿生活息息相关。幼儿天生的好奇心使其对生活中的一切都充满了疑惑与兴趣，而绘画教学正好满足了幼儿的这种探索欲望。
积极情感教育所探讨的是主观方面的意识，带有浓厚的情感成分，会随着主体的改变而改变。所以，幼儿的积极情感教育必然以幼儿为主体，借用幼儿本身的情感和意识来发展，它的历程与结果还会因人而异。例如，要画一幅《未来的家乡》，十个幼儿所画必然各有不同，其中就融合了每个幼儿的情感成分。各人所创作的作品都出自内心的意识，内心有什么感觉就必然有什么思虑，形成各种各样的情感与思维，而这些情感与思维就会在作品中表现出来。
幼儿的创作过程和作品是他们表达自己的认识和情感的重要方式。在绘画教学中，应大力支持幼儿富有个性和创造性的表达，克服过分强调技能、技巧和标准化要求的偏向，最大限度地激发幼儿的积极情感。
二、绘画教学中情感教育的可行性
从幼儿绘画教学中实施积极情感教育证明是可行的。主要因为：
一是绘画教学与积极情感教育结合具有时代性与必要性。幼儿积极情感教育已成为当前热点问题，在现阶段没有独立设置科目，而绘画教学又肩负提升积极情感生活品质、追求未来生活美景的任务。因而，绘画教学与积极情感结合颇切合时代需要。
二是绘画教学与积极情感教育结合具有可行性。它既可以达到绘画教学目标，又可以采取积极情感教育措施。从其结合的课程中，不仅绘画教学目标易于达成，且兼顾了积极情感教育内容。如：利用造型能力做积极情感景观设计；应用创造能力进行资源再利用；以美感成长的提升来关心自然，美化心灵；如此等等都可证明，绘画教学与积极情感教育功能确实可以相辅相成。
三是绘画教学与积极情感教育结合的教学单元活动设计具有适应性。我们依据课程架构，编写教材，在已实验试教的单元中，观察幼儿的兴趣、表现的效果均能符合单元目标，满意度达80％以上。可惜未能全面实施，仍有待继续研究。
四是绘画教学与积极情感教育结合教材生活化、教法人性化，符合幼儿心理发展。教材从生活中取材，关心自然、景观设计、资源再利用及心灵的美化。教法采用兴趣化、社会化原则，游戏教学、户外教学、欣赏教学、集体创作、创意写生，都适合于幼儿学习和创作。
五是绘画教学与积极情感教育结合符合科技整合的理念。在当前教育改革中，科技整合的理念颇受重视，在绘画教学与积极情感教育结合时也不可忽视。它能将绘画与积极情感科目内容统一整合起来，幼儿易于理解，便于把绘画教学的功能应用于学习生活上。可见，绘画教学与积极情感教育的结合富有实在意义。
三、积极情感在幼儿绘画教学中的培养
积极情感教育是让幼儿尽情抒发情感的一种课程。幼儿借着它可以不受任何约束，可以自由自在地表达自己的情感，从而促使其心理正常发展。根据弗洛伊德关于潜意识的心理学，在幼儿时未能满足其心理之需求，长大后会有后遗症之出现。若能从改变幼儿心理不满足的环境着手，当为一种积极有效的途径。绘画可以增强儿童之注意力，使儿童认同其中角色的价值。由此，我们在幼儿绘画教学中实践积极情感教育的途径也应该是多样的。
（一）提供适宜的环境
正如开放式教学一样，幼儿绘画教学活动在空间上也应开放。以往传统式教学，任由老师拿出什么去让幼儿绘画，幼儿完全是被动的，幼儿绘画只是配合教学。开放式的教学环境就像把图书馆开放，任由幼儿主动探索、发掘绘画素材。
（二）选择幼儿感兴趣的及来自生活的题材
兴趣是幼儿绘画的一项强有力的原动力，绘画需要这种力量方足以奏效。因此，欲使幼儿能主动绘画，教师选择幼儿感兴趣的题材是不容忽视的。
题材当以幼儿日常生活的经验为中心。幼儿对于未曾经历过的事物，虽时有好奇或兴趣，但也许因离其生活需求或能力过远而无法专注兴趣，甚至不感兴趣。人类所关心的大都是自身及其周围所熟悉的事物。如果幼儿的绘画，不是建立在既有生活经验上，其绘画理念就会容易被架空。因此，欲使幼儿的绘画能够兴趣化与实效化，教师宜选用生活上常用的题材，幼儿才容易把内心感受表现出来。
（三）尊重幼儿，焕发幼儿创造的激情
幼儿是人，是独立存在的个体。在绘画教学活动中，老师不能把幼儿当成是任由大人支配的附属品。只有尊重和理解幼儿，保护幼儿特有的表达方式，鼓励他们敢于表达和宣泄自己的情感，使他们的需求得到满足，他们才会把兴趣表现出来、延续下去。有一次，我组织画一座平房，作品展示的时候，有个小男孩画了一栋三层楼高的楼房。我请小男孩说为什么这样画的时候，小男孩说：因为爸爸妈妈在家经常争吵，我画三层楼，每个人住一层，这样他们就不会争吵了。可见，幼儿是在用绘画的方式来宣泄自己的内心世界。
（四）用生动形象的语言激发幼儿的情感
在日常的绘画教学中，总是有的孩子不能大胆作画。比如对小班幼儿进行添画《糖果》活动，画糖果的时候，我边念儿歌边示范:糖果圆，糖果方，糖果弯弯像月亮，糖果甜，糖果酸，宝宝都来尝一尝。有的幼儿不愿意多绘画，我就用语言鼓励幼儿大胆作画:小朋友，爸爸妈妈、爷爷奶奶都想尝尝糖果是什么味道的，我们多画些糖果给家人吃好不好啊？老师一边讲述：妈妈吃一颗，爸爸吃一颗，爷爷吃一颗，奶奶吃一颗，孩子在老师的语言引导下，想起了家人，画了很多很多的糖果。在绘画的过程中，用生动形象的语言激发了幼儿的绘画兴趣，也让幼儿懂得了要爱父母、尊重老人的情感。
（五）创设画作展示平台，满足幼儿的欲望
每个人总有自己的期望，幼儿心中亦会有其愿望，有其自己的意念。然而，有时拘束于团体规则，未能让其随心所欲地行动，幼儿心中的情感无法透过各种渠道得以表现，渐渐地便被压抑下来，有碍其心理的正常发展。举办画作专栏，为幼儿创设画作展示平台，鼓励幼儿发表画作，将幼儿的想法、教师的评点展现出来，满足幼儿的欲望，让幼儿获得成功感。并加强和幼儿的沟通交流，培养幼儿对画作的人与事、对教师的情感，更好地把幼儿的绘画教学与积极情感教育结合起来。
绘画创作中的情感表现 第6篇
一、绘画中倾注画者感情
要想获得感动人心的效果, 就需要在作品中融入真情。绘画作品的情感性是绘画作品的生命所在。想让欣赏者被感动, 就必须要在绘画创作中融入自身强烈的、真实的情感。米勒就认为画者想要自己的作品成为真正的作品, 不能够仅仅是将目光放到作品的主题中去, 而是要将多少“自己”融入到画中去。在艺术之中不能够没有自我, 作画的过程中不能够没有感情。不精不诚, 如何能够感动他人?
要想自己的作品能够感人, 就必须要精诚。但是在绘画的过程中想要抒发出真实的感情, 就必须要自身拥有良好的真实感情。只有拥有了真实的感情才能够让外物的美显出来。这就好像是醉眼看花花也醉, 这表明了只有在醉了之后才可能看到花醉, 反过来看看到花醉的人自身也醉了。作画也是如此, 如果没有真实的感情, 那么其所能表达出的感情也就是不真实的。
二、情感表现为绘画创作提供动力
绘画者在进行创作时, 其基础是建立在对客观的事物所产生的情感之上的, 并在这样的基础上来感受到生活中以及各种事物的美感, 最后运用自己的绘画语言来表现这些情感与美感。在生活的过程中所孕育出的艺术情感, 是绘画者产生出创作欲望的重要基础。列夫·托尔斯泰曾经说过:“艺术起源于一个人为了把自己体验过的感情传达给别人, 于是在自己心里重新唤起这种感情, 并用某种外在的标志表达出来。”
《一八○八年五月三日的枪杀》是西班牙哥雅根据自己所见的历史事实创作出的历史画, 画中的内容表现出了西班牙人民的那种不畏强权、英勇反抗的斗争精神, 并愤怒的揭露出了侵略者拿破仑军队的残暴与本质上的虚弱。在画中无论是高举着双臂即将英勇就义的青年农民, 还是那些已经倒在了血泊之中的起义者, 都为人们留下了非常深刻的印像。这幅画之所以能够打动欣赏者, 是因为哥雅在创作的过程中将自己的情感融入到了画中。他自己曾经亲眼目睹过法国的侵略军对农民起义的残暴镇压, 并在内心中燃起了炽热的感情火焰, 用这样的一副画来表达自己的的爱憎态度。
三、真实感情通过绘画作品体现
在绘画者内心之中的情感会影响到其表现的风格。在绘画中的每一个元素都不是单独存在的, 而是通过作品的精神倾向与感情倾向紧密的联系到了一起。这是一种需要, 个性的需要与情感的需要。因此, 画面中的每一个表现都可以找到作者内心的情感与之相对应。劳特雷克是19世纪的最后30年终法国的最为年轻的一位著名的画家。通过劳特雷克的画, 我们能够发现, 他的画大多数都是各种灯红酒绿的地方, 在其中有着各种红男绿女的丑相。但是这些形象却并不是现实中那样晦淫, 也没有表现出批判的内容。画中的线条比较随便, 形象也表现出漫画化, 色彩非常单纯就如同广告画。而这些也正是劳特雷克的艺术特点。劳特雷克本身出生在贵族中, 从小就生活在一个奢侈的环境之中, 因而其自身形成了放纵不羁的性格。但是劳特雷克在少时不幸摔断双腿, 留下终身残疾。而下肢的瘫痪使得其自尊心受到剧烈的打击, 在心灵上产生了阴影。但是他本人并不想通过富裕的家庭来无忧无虑的度过一生, 而是要用自己的画来对自己所经历与看到的社会现状进行展示。因为身体原因, 劳特雷克受到他人的讪笑, 但是他自身的智慧则超越常人, 这就让他自身形成了非常敏锐的观察事物的能力。劳特雷克进入到各种娱乐场所中, 亲眼看到了那些“半上流社会”的喧闹的景象, 在有的时候会对那些任人玩乐的舞女产生同情, 但是在有的时候却又会通过嘲讽的笔调对她们的虚伪进行揭露。他通过简练、夸张以及丑化的线条与色块来描绘进入到娱乐场所中排遣自己内心烦恼的绅士与太太们。因此, 在劳特雷克的画中总是能够隐约的感受到一种嘲讽或者是挖苦。绘画作品中的艺术语言就像是一面镜子, 能够对画者内心的真实情感与思想内涵进行折射反映, 是对作者的艺术修养与精神的浓缩写照。
总之, 情感表现在绘画创作中有着非常重要的地位, 缺乏了丰富的情感或者情感不够真实, 那么画作就难以引起共鸣, 也就难以获得他人的认同。
摘要：虽然人类文明与科学技术发展非常快速, 使得现代文化大量的产生, 但是人们却越来越难以从中找到真正属于自己内心世界所认同的东西。艺术作为一种精神体验的重要方式, 是属于心灵的方舟, 能够帮助人通过真实的感受体验生命的价值与意义。因此在绘画创作中需要注重情感表现。
关键词：绘画创作,情感,艺术
参考文献
[1]汪晓曙.绘画语言论[M].南昌:江西美术出版社, 1999.
当代绘画中的情感表达 第7篇
1、油画的表达
油画已经在中国有一百多年的历史,在这些年里,有许多的艺术家创作出了许多的优秀作品。而艺术家一直都执着追寻他们自己的方向。井士剑曾经在一起访谈中说过:“语言的逻辑是作品内在性格的主要表达途径,只是绝大部分的创作只具有造型的一种直接呈现方式,这种内在力的表达与尺度直接关系到作品本身的格局与品格。”我认为,在一幅画的表现上,不单是造型上的创造,更重要的是画面上的语言表达。它想传递给看画者的感受。
2、油画的视觉感
绘画是一种视觉的享受。人们最可以相信的就是自己的眼睛,而沟通地最直接方式,也就是观察。最可以信赖的沟通方式就是从视觉上的观察。而视觉却又是一种超文化的能力。绘画创造最重要的是把作品展示给观看的人们,可以让别人一目了然地看清楚一幅画要表达给人去找到共识的部分。虽然现在有一些批评家对于把绘画只表现在视觉上,觉得是错误的。但是我认为,一幅好的作品,一次成功的展览,它所展示给人的,不应该是一小部分的小众群众,也不应该只有些专业人士,更重要的要平常的人们也可以理解到艺术。所以最简单的方式带入他们很快的进入艺术的氛围我觉得就是让他们用眼睛去了解艺术家的情感世界。所以在我说来,视觉的传达很重要。而一幅作品它并不单单是一件艺术品,而是看它是否给观赏者提示一种艺术家独有的看事情的角度。是否带给人一种新的启示。
3、平面化的油画
绘画的平面化经过了塞尚和马蒂斯的试验已经成为现代绘画的基础语言。而平面化的在现在的油画创作中,已经成为了比较常用的表现手法。作家通过简单的造型变化或者简单的色彩运用,使其创作出强有力的画面,是观赏者更直接,简明的欣赏作品。而我认为肖像画是可以表达情感的一种语言,作为绘画四大门类之一的肖像画是欧洲绘画古老的表现内容之一。因为肖像画最容易被人们接受,它们有很简单的可识性,可以很快地让观看者认识出形象。所以肖像是表达画者与观看者之间最容易的情感表达。肖像画不仅表达绘画的画面,最重要的是表达绘画的活力。画家通过画面植入不同的形式语言,让绘画作品在新的领域中展现。
二、绘画中色彩对情感世界的作用
1、色彩是画者内心的情感
色彩是创作油画作品的重要表现形式,不同地色彩给人表现的是不同的感受。可以标下不同环境下的真实、认的性格、内在,作者运用色彩可以表现,而看画的人可以通过色彩体会艺术的表现力。色彩一部分表现了画者本人对客观事物的分析,但是也更多的表现了画者的主观世界,和他的精神追求。正是因为有了丰富多样的油画色彩,才能有许多风格各异的艺术创作。当画者的精神情感达到一定的表现时,才能用色彩创作在画面之中。这样的作品,才会有精神上与观赏上的双共鸣。
梵高就是天生的色彩情感表达者。他的作品,每一幅作品的色彩都很独特,即贴近自然又有作家独到的间接,这种色彩的运用和把握是我们很难找到发现的。他的色彩放在画面中不仅不会使画面显得沉闷,颜色也不会因为不断地叠加而混合变脏,他的每件作品从色彩上就可以表现他热烈的情感,和他对画画的一种热爱。他的画从色彩上,视觉上都给观赏他的人一个很强的冲击力。给观赏者一个强有力的情感撞击。我真的很希望有一天可以看见原作。看看他笔下的颜色与情感。
2、色彩是人与人情感的连接
当下的人们生活压力越来越大,需要寻找一个心灵上的慰藉,而油画作品可以让人们感觉到平静。因为色彩可以直接地把情感反映给大脑。所以,正能量的颜色和色彩,会带给观赏者精神上的力量。
在世界上与任何一种物质相比较,都没有一张涂满颜色的画布更有意义了。颜色它不单单是颜料调和出来的,它表现的并不是颜料下的情感,它通过人们不断地想象加工,制造。它后来所呈现的是更具有表现性和煽动性的东西。
三、绘画中不同材料与技法所表达的情感
1、油画材料与技法的发展
油画材料与技法体系从西方绘画发展经历了漫长的历程。在油画诞生以前,湿壁画和坦培拉分别是欧洲绘画上最主要的制作手段。直到文艺复兴时期,油性材料才在欧洲逐渐形成,并且成为独立的绘画——油画。
近代油画随着社会的发展和工业技术的发达,使用的材料品种种类增加,可以说多种多样,然而就在这个时期,还是有画家坚持继续使用传统绘画的技法。而弗洛伊德就用直接画法赋予了一种新的篇章。他使用的不同材料体现了更注重绘画艺术语言的油画创作作品。
当代油画的材料发掘可以说是一种目的,现在当下的画者用不同的材料、质地,和在制作中不经意或者是刻意留下的痕迹来构成作品。这既是一种方法,又是一种内容。它所要展示给观者的是一种精神上的愉悦和视觉上的享受。但是不管怎么说,在当下绘画材料已经发生了重要的变化,一是绘画材料语言发挥的作用越来越明显,二是油画材料的技法已经成为一种趋势。现在的作者用不同的材料来表达画面的不同情感。
2、油画材料与技法的表达思想
油画中的材质与材料,技法与技术都是一种表达绘画者思想情感上的一种介质或者说是一种调和剂。它是连接画者与观赏者之间的桥梁,观赏者看到与传统油画与众不同作品时,不管是精神上还是情感上都会感觉到不同的心境,从视觉上和心理上都给观赏者一种震撼。而油画材料和技法是表达人们思想情感的最佳方法。在注重油画语言的情况下,我们应该正确地认识情感的重要性,在创作的时候,通过不同的技法,形成来丰富作者的精神世界和创作中创作的情感表达。
四、结论
油画家创作的动力——“情感”是通过形象、语言、情境三个方面表现出来的。而情感是内心的感受,也是绘画创作的基本要素。一幅画创作出来需要的是一些节奏感,平衡感,而作为创作一幅画的我们则最需要的是面对画布时需要的是一份情感。
参考文献
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论绘画创作中的情感表现 第8篇
1、绘画创作的基本含义
“创作”在汉语词典当中具有两层含义:首先是对文艺作品的创作, 其次则指的是文艺作品。因此, 对于绘画创作而言, 它既包括绘画的过程, 同事也包含了绘画所形成的作品本身。对于作品来说, 他说表现的是一种时代的主旋律, 实际上则是艺术家在进行创作的时候依据其生活尽力以及感受对先当下时代精神以及社会现象进行反应的抽象表现。
2、情感的具体表现
“情感”作为人们态度当中的一部分, 它所表现的则与单独当中的内向感受和意向表现具有协调一致性, 是态度在生理上一种较复杂而又稳定的生理评价和体验。情感包括道德感和价值感两个方面, 具体表现为爱情、幸福、仇恨、厌恶、美感等等, 而在《心理学大词典》当中, 讲情感理解为人们对于客观事物能否更好的满足自身需求所表现出来的一种态度体验。
3、情感与绘画创作之间的关系
艺术家在进行绘画创作实践的过程当中, 情感可以充分表现出艺术作品的灵魂所在, 没有情感的融入, 艺术作品就失去了生命。而在艺术创作当中, 只有将丰富而又真实的情感表现与别具一格的绘画形式进行有效的结合, 才能够创作出令人震惊的艺术作品, 因此在艺术创作当中, 我们还应该对绘画创作所表现的形式、内容、色彩等元素充分的与情感进行结合, 从而运用不同的表现形式抒发不同的情感表现。
二、在绘画创作中对情感的表现
1、造型语言对情感的体现
对于绘画创作而言, 主要是艺术家通过自身所表现出来的绘画形式进行描绘的, 因此, 所表现出来的造型语言都有及强的情感表现, 而这些情感主要是由创作者自身所具有的情感太多所展现的, 绘画造型语言主要通过线条表现、构图形式等组成, 从而充分反映创作者的主观思想和情感。
“野兽派”的代表人物——马蒂斯, 其受到印象主义的影响之后, 在绘画创作之中不在运用明暗效果进行表现, 主要采用平涂的方式以及弯曲起伏的轮廓线进行画面的展现, 并在画面当中将所要表现出来的景物特点进行相应的简化, 使得画面表现出极强的装饰性效果。运用感情上的起伏变化来表现绘画创作当中的线条感, 例如平稳曲折的线条、刚强有力的线条、烦躁的线条、温柔的线条等等。进而使得马蒂斯第一次明确的提出了“准确绘画不等于真实”这一观点。
2、色彩语言对情感的体现
色彩是艺术家进行情感表现的重要元素之一, 是艺术者心态表现的综合体现, 因此, 在绘画创作当中, 艺术家可以通过不同的色彩展现出不同的情感语言, 例如:在绘画当中如何处理好色彩与色彩的关系, 怎样构建色彩之间的冷暖与名都的对比, 如何设计绘画当中色彩所占用的面积等等。
著名的绘画家梵·高, 在其代表作《向日葵》当中, 则能够充分体现绘画者的思想情感以及对现实生活、社会和时代潮流的看法。梵·高在作品当中, 将自己的情感体验以及认知充分表现在画面当中, 将色调与欣赏着所表现出来的情感特点相互融合在一起, 使得欣赏着在进行画面欣赏的时候产生强烈的共鸣, 从而引发丰富的联想。在这个画面当中, 创作者将向日葵的黄色表现的极为靓丽, 每一朵向日葵都像是在燃烧的火焰一般, 细碎的花瓣以及葵叶如同火苗一般充斥在整个画面当中, 运用这种简单而又纯净的黄色调, 对绘画者内心深处的激情和活力进行了充分的表现, 黄色靓丽的向日葵, 不但体现了秋天般的成熟, 同事也表现出绘画者对于生活的渴望, 对美好生活的向往。
三、绘画创作对情感融入的基本策略
1、将“以人为本”作为绘画创作的理念
绘画创作主要是通过人进行创作的, 也能够充分对创作者的视觉角度以及地位方式进行展现, 不论是在创作还是重新构件上都要表现出“以人为本”的思想理念。因此, 不管是什么样的艺术作品, 其创作的源泉以及素材都要来源于生活, 要不断在生活当中去感受到其中的情感和内涵, 从而进行表现, 才能够更好的展现作品的灵魂和不同之处。如著名画家达芬奇的代表作《最后的晚餐》, 虽然在这幅作品当中凸显的是宗教题材, 但是却融入了许多人性化的东西, 画面当中人物所表现的特点, 或惊恐、或愤怒、怀疑的神忒特点, 以及身体姿态、手势、眼神又或者是行为表现, 都表现的惟妙惟肖, 从而体现出真实的情感特点, 引人震撼。
2、追求情感的真实性
绘画作品, 对于艺术创作者而言, 所表现的最多的则是对情感的寄托和对精神上的不断追求, 作品当中的一笔一划都来自于画家对于真实情感的表述, 画面当中的每一处布局安排和设计也都透漏着绘画者的思想情感, 但是绘画对于现实中真实现象的反应并不简简单单指的是盲目的复制和表述, 他说阐述的是一种对内心深处的在线, 在获得深度感的同时, 并不丢弃色彩上的鲜艳特点, 在强调布局当中的秩序性的同时, 也不会丧失对深度感的追求在他这一切奋斗和探索之中, 如果有必要的话, 有一点他是准备牺牲的, 即传统的轮廓的“正确性”。他并不是一心要歪曲自然, 但是如果能够帮助他达到向往的效果, 他是不在乎某个局部细节是否“变形”的。
3、对自然情感表现的升华与提炼
绘画创作的灵感来源于生活又超越生活, 只有在生活当中去感受到情感的内涵, 在绘画中不断的将这种情感表述进行提炼和升华, 才能够创作出令人震撼的艺术作品出来这。例如, 在著名的挪威艺术家——爱德华·蒙克所创作的作品《呐喊》当中, 绘画者运用非常夸张的绘画笔法, 细致的刻画了一个正在尖叫的人物特点, 将人类在生活当中所面临和感受的孤独、苦闷、痛苦以及恐惧之情表现的淋淋尽职。在整个作品表现上, 大胆的色彩运用以及线条, 都是整个画面充斥着情感的特点, 从而使这幅画也成了表现主义绘画的著名作品。
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论绘画创作中的情感表达 第9篇
艺术家的情感表达是需要技巧的, 绘画创作也离不开绘画基本的技巧和方法, 只有具备了坚实的绘画基础和色彩意识, 才有可能准确地传达出想要表达的情感。同时, 绘画创作者要具备丰富的内心世界, 要有敏锐的观察力和感受力, 要把情感融入到自己的绘画作品中, 赋予作品强大的生命力和感染力。人类所有复杂而抽象的情感, 都可以通过艺术作品展现出来, 绘画艺术通过对现实物象的描绘, 来展现人们的内心世界, 没有情感的绘画作品, 即使再逼真, 也缺乏艺术感染力。
纵观西方绘画的发展历程, 我们不难发现, 画家们越来越重视作品中个性的张扬和个人情感的表达。古典主义那种严格的比例和透视理论已经不再是限制和束缚绘画创作的规则, 一切规则都可以被打破, 为的是更接近创作者内心的真实。艺术不是流于形式的, 也不是为了炫耀技术和才能, 作品是思想和情感的载体, 是可以穿越时空界限的永恒的精神财富。
一、以人为本的绘画创作理念
绘画创作是人的创作, 也是为了展现人的视角与思维的, 因此, 创作的基本理念就是要“以人为本”。任何艺术作品, 都要取材于真实的生活, 要以真实的景物及人物表情和形态为基本的创作素材, 艺术家首先就要具备用敏锐的眼光观察生活的能力, 要从生活中找到创作的灵感。
文艺复兴之前的欧洲绘画还没有摆脱宗教的束缚, 题材也多以宗教内容为主题, 人物的表情都显得单一和模式化。文艺复兴时期倡导人性的觉醒和人文主义的复兴, 把绘画创作推向了一个前所未有的高度。达芬奇的名画《最后的晚餐》成为了人文主义的典范之作, 虽然作品仍然描绘了传统的宗教题材, 但许多人性化的内容被融入了作品中, 使之成为所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅。画面中的人物, 其惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态, 以及手势、眼神和行为, 都刻画得精细入微, 惟妙惟肖。这也提示了我们, 绘画中的情感要真实、可感, 是活生生的人的情感。
二、追求真实与创新
随着印象派绘画的兴起, 西方绘画开始逐渐摆脱规则的束缚, 更大胆地追求个性的表白和情感的凸现。作为现代艺术的先驱, 法国著名画家保罗·塞尚用他全新的创作视角向我们展示了一种二维世界的和谐关系。塞尚认为:“画画并不意味着盲目地去复制现实, 它意味着寻求各种关系的和谐。”他力求获得深度感, 但不牺牲色彩的鲜艳性, 力求获得有秩序的布局, 但不牺牲深度感, 在他这一切奋斗和探索之中, 如果有必要的话, 有一点他是准备牺牲的, 即传统的轮廓的“正确性”。他并不是一心要歪曲自然, 但是如果能够帮助他达到向往的效果, 他是不在乎某个局部细节是否“变形”的。
塞尚的静物之美是得到公认的, 其原因就在于他善于确凿地证明:他的“变形”观察比普通人对现实事物的知觉要更真实、更可信和更生动。从塞尚开始, 西方画家从追求真实地描画自然, 开始转向表现自我, 并开始出现形形色色的形式主义流派, 形成现代绘画的潮流。绘画创作需要真实感, 但更需要创新和新的体验, 如果绘画只是一味地临摹和模仿现实事物, 那就和摄影没什么两样。画家是有思想的创作主体, 要在绘画创作中更多地融入自己的主观感受和体验。
三、自然情感的升华与提炼
虽然创作的灵感和情感都源自于现实生活, 但艺术家在通过作品宣泄感情的时候, 是要依附于一定的媒介的, 这种情感是通过艺术的提炼升华过的, 不能完全等同于自然的情感。画家将生活中人们复杂的自然情感, 比如恐惧、愤怒、孤独等收集起来, 经过沉淀与酝酿之后展现在作品中, 并通过线条、色彩的搭配和变换, 达到一种视觉冲击的效果。例如, 挪威画家爱德华·蒙克在1893年创作的作品《呐喊》, 以极度夸张的笔法, 描绘了一个变了形的尖叫的人物形象, 把人类极端的孤独和苦闷, 以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情, 表现得淋漓尽致。作品大胆地运用了色彩与线条, 天空与水流的扭动曲线, 与桥的粗壮挺直的斜线形式鲜明对比。整个构图在旋转的动感中, 充满粗犷、强烈的节奏。这幅画也成了表现主义绘画的著名作品。
绘画创作的过程是一个情感交流与宣泄的过程, 人们通过对具体物象的艺术加工, 甚至采用夸张、变形的手法, 赋予客观事物以人的情感, 最终目的是为了展现内心的真实, 以独特的生命体验来揭示人类精神世界的真谛。要想创作出伟大的作品, 画家不仅需要有丰富的生活阅历和经验, 还要具备敏锐的观察力和思考力, 要像哲学家那样洞悉事物的本质, 思考生命的价值, 也要有永不枯竭的创作热情和激情, 全身心地投入到绘画创作中。正如梵高所说:“为了它, 我拿自己的生命去冒险;由于它, 我的理智有一半崩溃了;不过这都没关系……”
摘要：作为艺术创作的一种形式, 绘画创作中创作者主观情感的体现是非常重要的, 一幅绘画作品除了具有视觉和色彩上的冲击力之外, 还要让欣赏者产生心灵的共鸣, 同画家一同体验和思考生命的价值和人生的真谛。本文依照西方绘画发展的线索, 从以人为本的创作理念、追求真实与创新以及自然情感的升华与提炼三个方面论述了绘画创作中情感的表达。
关键词：绘画创作,情感,表达
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论绘画作品创作中艺术情感的特征 第10篇
【关键词】绘画作品？摇艺术情感？摇特征
【中图分类号】G？摇 【文献标识码】A
【文章编号】0450-9889（2014）01A-
0020-02
绘画作品的内在气势与力量、外在节奏与韵律之美主要体现在其艺术情感上。这里所指的艺术情感是画家在绘画创作过程中产生的、作为绘画创作动力和表现对象的态度和体验。这种艺术情感被很多画家视为绘画创作及绘画作品的灵魂。西方美学说，艺术是情感的符号。也有人说，艺术就是情感。因此，艺术情感在绘画创作过程中往往具有统摄作用，主要表现在以下几个方面：第一，艺术情感表达的需求构成了绘画创作的动力；第二，情感的再度体验构成了绘画创作的核心；第三，艺术情感是绘画作品中艺术形象的重要构成部分；第四，艺术情感引领着画家走向艺术的巅峰。由此，绘画作品在创作过程中，其艺术情感又具体表现出以下五个特征。
一、艺术情感的共性——原生态特征
从社会性考虑，人类的情感可以分为追求自由的情感和扼杀自由的情感两大类。绘画创作正是一种追求自由的活动，它不完全受社会道德规范的制约，人的很多愿望都可能在绘画创作的虚幻体中得以客观化地“实现”。由此得出，崇向自由、追求自然是艺术情感的根本性质。艺术家在绘画创作中，能拥有更大的自由，获得更多新的价值、新的方法。另外，绘画创作是一个完整的行为过程，个体是这一行为过程的主宰，绝少被外界干涉，因而具有较大的能动精神，有利于个人创造力的最大发挥。在这一行为过程中，艺术家还必须创造性地解决问题和熟练地运用技术，这样，才可以超越自由度和能动性，获得强烈的创作意识和情感表达。
从绘画的本质上来说，中国的传统文化是有别于西方的，中国的审美情感也区别于西方社会，如同样以水为媒介，中国水墨画重气韵，西方水彩画重光影，二者的不同从绘画的诞生就已经形成，虽然二者可能走过相同的一段路，如原始绘画时期，但发展的终点不同，结果也不尽相同。
二、艺术情感的差异性——个性化特征
艺术家个体发展过程的不同影响着艺术家的个体性格，而个体性格又深深地影响着艺术家的艺术作品，情感的个性特征即画家的个性特征。艺术情感是绘画作品与个人感情合二为一的情感，作品中富含的思想和作者的情感是融合为一体的，因为认识与情感不可分割，思想支配和制约情感，对情感起支配和制约作用。
由于情感主体的差异，对同一题材或相似构图的作品，不同画家对绘画对象的选择不同，创作的风格也会不同。在2010年“流水欢歌——中国水彩名家广西写生活动”中，我们发现一个有趣的现象，画家在写生中往往三三两两的聚在一起画画，但是绝对不会出现一模一样的构图。大家在面对同一个场景时，各自的兴趣点各有不同，如周刚老师对房子比较感兴趣，而刘永建老师则偏好竹林大树。画家们的表现手法也各不相同，李绍忠的淋漓、周刚的凝重、郭宁的洒脱、刘永健的稳重……他们的绘画风格深深地融合了自己的审美观念，并把对生活、对事物及对人物的情感体验融入自己的作品中，而有相似性格、生活经历的人则更容易产生共鸣。
个人性格作为艺术情感的主要特征，影响着绘画作品的表现主题。一般来说，每个画家都有一个比较固定的绘画表现题材，如徐悲鸿的马、郑板桥的竹、黄格胜的桂林山水、黄胄的新疆风情、刘文西的陕北情怀……这些主题都与画家的性格和成长经历有关，不同的情感就有与其对应的绘画题材。个人情感形成的最大因素来自家庭，如米勒出生于农民家庭，其对农民、农村有一种深厚的情感，在欣赏农民、农村题材的艺术作品时就会产生强烈的共鸣。性格也是决定题材选择倾向的主要因素。从性格的内向和外向两大类型来看，一般来说，性格外向型画家多以室外的人物、场景或风景等气氛活跃的元素作为其创作内容，如莫奈、雷诺阿、黄格胜等。而性格内向的画家则更喜爱表现室内静物、人物或抒情性的风景，如勃纳儿、维亚儿、刘寿祥等。例如勃纳儿的大部分作品都以家人、浴缸及宁静的风景为表现内容。从勃纳儿的生活日记中我们可以看出，他很少与人交往，喜欢一个人在乡间孤独的生活而不喜欢热闹。
三、艺术情感的地域性——风格化特征
人从出生开始，便置身于地理环境、社会文化和家庭之中，并受传统文化的熏陶。地域民族的传统风俗与文化对个人性格的影响伴随终身。不同文化的民族有不同的道德理想、价值观念、生活方式和气候条件，而这些都会在人的性格上打上烙印，对于艺术家们表现得更为强烈。
地域气候可以影响一大批艺术家的性格情感，一方水土养一方人，一方水土有一群风格相近的画家组成的画派，如黄土画派、漓江画派、岭南画派等，这些画派都有着明显的地域烙印。从气候上来说，南北方气候不同南北画家的性格也不同，如北方人情感粗犷，而南方人细腻。笔者在西安美术学院和广西艺术学院这一北一南两所学校学习时总结发现，北方绘画作品大气恢弘，多以大幅面为主，南方绘画细腻柔美，多抒情。南北方作品各有各的风格，各有各的特色，这些特征不仅仅是地域，更是地域特征之上的南北个性情感的差异体现。
从民族思想来说，每一个民族都有其势力范围，这决定了这个地区的人的精神层面建设，世界上每一个民族的文化各不同的，每一个民族的绘画艺术都有各自鲜明的特点。如中国水墨气韵生动，西方油画精致，埃及壁画的历史性，非洲土著的原始粗犷……这些鲜明的特点不是一朝一夕就能形成，而是经历了上千年的文化积淀。一个民族的艺术个性是由这个民族的心理特性所决定，是某个地域民族的普遍的社会审美心理特征。不同民族地域个性的差异与环境的不同形成了个体带有民族性的独特的性格特征，最终深深地渗入到各自的绘画艺术创作中，形成个人独特的风格特点。透过塞尚的作品《圣维克多山》我们可以发现，他孤独而固执，倔强却又充满自信；而法国的米勒长期生活于农村，他热爱农民，其作品具有淳朴的农民性格和气质；毕加索豪放大胆、个性强烈的绘画风格，来自于热烈、狂放、强悍的西班牙民族性格。因此，笔者认为，盛行于一个地区的艺术作品是有深深的联系的，因为作品作者的个性都是在这个地域孕育出来并受社会和家庭的影响而形成。如中国传统美学思想是被中国的传统文化深深地影响着的，同时具有儒家、老庄以及禅宗的哲学思想，重视和强调人与自然的统一性，主张天人一致，天人合一。这种审美观崇尚“神似”，讲究艺术要有情感的表达。这种美学思想贯穿至今，到了开放的社会主义的今天，依然主导着中华大地上的艺术家们。endprint
四、艺术情感的时代性——历史特征
艺术情感是一定历史时期的个人情感，即艺术情感既是社会历史内容的情感，又是个人的独特的情感。在同一个时期，社会因素影响画家的性格，画家的作品反映社会生活，艺术情感具有时代性，艺术作品也被称为“凝固的历史”。阿恩海姆认为：“我们的视觉依赖于我们的视觉观念，既然不同的时代具有不同的视觉观念，那么不同的时代自然也就呈现出不同的视觉面貌。”从绘画创造的角度来说，艺术品不仅是个人绘画的创造，更是时代的产物。绘画作品不管是什么样的风格样式、艺术手法、思想内容，都不可避免地印上时代的痕迹。如意大利文艺复兴时期的人文主义思想诞生了米开朗基罗、拉斐尔等大师的艺术风格；19世纪后半期，物理学光学取得了巨大的进步，产生了“印象派”用科学方法分析景物微妙色彩变化的绘画风格。
从艺术作品的欣赏环境来说，绘画作品随时代的变化而变化。同样的作品在不同的年代有着不同的意义，同样的艺术作品在不同的民族得到不同的回应，这些都是在上千年的时光中形成的。比如石涛的美学思想产生于明末清初，当时我国的封建主义已经发展到了晚期，随着资本主义生产关系的萌芽，带有启蒙性质和民主主义色彩的哲学、文艺思想也同时发展起来。在文学创作上，出现了“诗何必古选，文何必先秦”的大胆思想，思想家们极力提倡要充分表达作者的个性，坚决反对用前人的规则来束缚今人的创作，认为好的艺术作品都是任性而发。他们反对封建礼教，抗议“礼”对人的真正情感的压抑和摧残，反映了要求尊重人的情感，摆脱封建礼教束缚的强烈愿望。这种具有民主主义色彩的反传统的进步思想，与当时社会的民族矛盾交织在一起，以一种特殊的形态表现出来，不仅内容极其丰富，更强化了反抗精神。石涛的美学思想正是明末清初这一特定历史条件下的产物，是适应社会民族矛盾和阶级矛盾交织、社会商品经济发展、资本主义缓慢成长和社会民主主义思潮逐渐成熟的历史需要而产生，这也是石涛美学思想具有强烈的反传统战斗精神的根本原因。
五、艺术情感的延伸性——再生性特征
艺术情感是一种再次体验的情感，它包含理解感情的全过程，即理性地理解情感，然后将这种理解贯穿绘画创作，并指导整个绘画创作过程。绘画贵在创新，创造是绘画的生命，将想象变为艺术现实是创造；将心象经过绘画和制作得以呈现是创造；将客观现实对象转化为艺术形象的写生，并使之形式获得完美，也是创造。绘画的创造就是将现实中的对象升华为艺术的一个过程。
艺术来自生活却高于生活，有很强的创造性。如山水画就是要表现和反映出大自然的美，并把它升华为艺术的美，艺术家要做到这一点，就必须对自然山水的美有透彻的了解，能够把握自然山水春夏秋冬的变化，一日二十四时的不同，远近高低景色的差异，从而获得艺术家对自然山水美的独特感受。只有在这样的基础上，艺术家才能拥有丰富的创作源泉，才能孕育形成自己独特的艺术风格，创造出匠心独具的艺术美。如石涛的绘画作品之所以具有强大的生命力与他对生活的感悟是分不开的。石涛早年作画，多以真实的山水作粉本，所以他刻有“搜尽奇峰打草稿”印章，以表示自己以自然为师的画风。石涛由于长期对大自然作了深入的观察、体验，反复进行写生的艺术实践，使他通过亲身体验把握了自然美的规律性、丰富性及其表现形式的多样性，有其不同于他人的独特感受，所以石涛画的山水很富于独创性，又深得自然山水美之本性。由此可见，石涛绘画艺术的生命力正是得力于对自然生命力的艺术把握。
浅谈情感培养与绘画教学运用 第11篇
关键词：绘画,情感,美术教学
在浩如烟海的艺术世界里, 所有艺术都离不开情感。情感是艺术的生命、灵魂与精髓。只有蕴含丰富情感的作品才具有无穷的魅力和震撼人心的力量。
纵观古今, 凡是扣人心弦的绘画作品, 都会迸发出思想与情感的火花。比如莎士比亚的《蒙娜丽莎》那神秘的微笑五百年来令人遐想万千, 充分体现了作者对人性的回归和渴望;凡·高那饱含着渴望和激情的向日葵, 每一朵都像一团炽热的火球燃烧着, 那是阳光与生命的化身, 情感之火的体现;毕加索的《格尔尼卡》描绘了战争的恐怖、痛苦和兽性, 史诗般的悲壮触动着观众的视觉和心灵, 折射出画家对人类苦难的强大悲悯和对法西斯血腥暴行的控诉……
中学美术教学要重视培养学生的情感, 激发学生的情感, 使学生在绘画时要敢于表达自己的情感, 欣赏时要认真体会作品的情感。
一、激发情感, 发挥想象
情感是作画的动力, 没有情感的作品是没有生命力的, 也是没有欣赏价值的, 所以教师要善于点燃学生情感的火花。
(一) 唤起记忆法
绘画作品是人生活经历的体现, 中学生喜欢通过绘画表达自己对亲情和友情的渴望、对大自然的热爱和对未来世界的憧憬。在作画前, 教师要善于引导学生回忆与作画主题相关的话题, 引起兴趣, 开拓思路, 画出生动丰富的作品。
比如, 在进行《过去的日子》这一课的教学时, 我先向学生介绍了自己的童年, 学生听得津津有味, 唤起了他们对童年生活的回忆。接着, 我让学生讲述自己童年有趣的事, 学生更加兴致勃勃, 争着发言。在一言一语的对话中, 学生的脑海里已经呈现出一幅幅童年的画面, 作画时就得心应手了。最后, 我根据他们所带的材料进行分组, 学生大胆尝试使用不同的材料和方法表现自己的童年。有的通过鲜艳的色彩和自由波动的线条表现自己多姿多彩的童年, 有的用不同时期的相片结合文字陈述来体现自己成长的经历, 很快就完成了一幅幅充满童趣的作品。
(二) 音乐熏陶法
有人说:绘画是凝固的音乐, 音乐是流动的画面。音乐和绘画本来就是相通的, 它们都是参与者内心情感的诠释, 是自我表达的特殊“语言”。
美术教学的目的就是让学生发挥各自的想象力和创造力, 学会幻想、学会做梦, 尽情地释放生命中的能量。在学生作画时, 播放音乐营造轻松愉快的创作环境, 优美的旋律会触动学生敏锐的心灵, 唤起他们对自然和生活的记忆。这样, 学生迅速激起情感的火花, 展开无尽的想象, 在蔚蓝的天空中尽情翱翔, 在辽阔的草原上驰骋自如, 并最终创作出极具个性魅力的作品。
比如, 在教学《森林———我的家》一课时, 我专门刻录了《森林之曲》, 在各种各样的动物鸣叫声中, 学生的创作情绪一下子提高了。其中一名女生特别喜欢画猴子, 笔下的猴子千姿百态、活灵活现。更有趣的是作画时她的表情、她的神情随着她笔下的猴子情感动态的变化而变化, 似乎在与它们对话。可以看出, 她是全身心地投入到画中去了, 就像演员把自己的情感融进剧情, 达到了忘我境界。
二、表达情感, 真实呈现
绘画是一种无声的“语言”, 表达的是无法言说的自我。因此在绘画之前, 教师需及时鼓励学生大胆地表达自己的情感。
有一次我让大家画《夜晚》, 学生有的画节日的焰火, 有的画闪烁的星空, 可是有个叫张涛的学生笔下的线条总是断断续续、涂涂改改, 描绘了一个握紧拳头站在海边尖叫的人物。天空浓重的血红色与海面阴暗的紫色产生强烈的冲突, 特别是眼睛的处理愈加惊恐, 尤其加强了手的表现, 不合比例的夸大, 骨节嶙峋, 给人一种毛骨悚然的感觉。显然, 张涛学生的作品传达的是内心的恐惧、紧张、焦虑、愤怒。
一个十三四岁的孩子的心灵受过怎样的伤害?他为何会画出这样的世界?通过谈心我了解到他家晚上经常吵架, 如果爸爸喝醉酒回来更是打骂妈妈, 所以每到晚上他心里就特别紧张、恐惧, 生怕父母离婚, 自己成为孤儿。这种例子在生活中还有很多, 美术教师在教学中应多关注学生的情感, 善于引导学生用绘画这种艺术手段把情感表达出来 (当然在学生情感出现纠结困难时, 教师应及时给予指引与疏导, 及时拯救了一个受伤的心灵, 这是另外一个话题) , 走向艺术的道路。
三、呵护情感, 保护想象
不同年龄阶段、不同心境的作品呈现出来的风格会大相径庭。有的线条流畅, 色彩鲜艳亮丽;有的线条凌乱, 色彩暗淡无光。尽管这些涂画随意稚拙, 却都能使人感受到他们最真实的喜怒哀乐。可是, 有些教师常常以成人的角度去分析学生用的是什么材料、构图怎样、线条和用色美不美, 却忽略了融汇在作品中的学生情感特别是学生表达它时的情感过程。其实, 学生的每一幅作品都是一种情感的表达, 不管在技巧上完成得是好还是坏, 只要他是用心完成的, 都希望得到教师的肯定。因此, 我们要细心呵护这份情感, 保护和发展他们的想象。
首先要多鼓励, 教师评讲时多肯定学生的学习态度, 多讲作品的优点, 多肯定学生具有创造性的一面。这样既保护了学生的学习热情, 尊重了他们的情感, 又能点燃他们创造的火花, 画出更富有灵性的作品。其次要善沟通。教师要认真批阅学生作业, 写上评语。如色彩艳丽, 想象力丰富的作品, 可批上:“你的作品就像一道美丽的风景线, 批改你的作品是一种美享受!”这是教师和学生心灵对话的桥梁, 教师要重视每一幅作品, 哪怕是随意涂鸦, 也要写上几句评语, 又如, 画《坚守边疆的士兵》, 一个学生交上来的作品, 人物形象个个骨瘦如柴, 弱不禁风。我批上:“你画的是不是旧中国的难民形象?这样的士兵能上前线吗?”结果, 这位学生再次交上来的作品, 人物个个身材魁梧, 威风凛凛, 炯炯有神, 还给我回了几个字:“怎样?我现在的士兵能上前线去保卫钓鱼岛吗?”学生觉得教师在乎他, 理解他, 就会用心去学习。这种情感沟通的特殊方式, 能让学生喜欢上美术课, 把绘画当做一种精神享受, 去倾诉表达自己的内心世界。
我从教二十一年, 教过的学生过万人, 有近百多名学生因为我的热心帮助, 学习上取得进步;又有近千名学生因为我的循循诱导, 在思想上得到提高, 品质上得到升华;还有五六十名学生, 因为我的教学, 爱上美术课, 考上了美术院校。我觉得美术虽然是非高考科目, 一个班每周也只有一节课, 但它能帮助学生形成正确的人生观, 乃至对学生将来步入社会参加工作, 都有着至关重要的作用。为此在以后的教学中, 我会一如既往地热爱自己的工作, 帮助学生寻找那迷人的梦想, 让更多的学生享受美术课堂。
参考文献
[1]以绘画的方式表现日常情感.
[2]名画家讲儿童绘画:不要抹杀了想象与情感表达.
[3]博学兔.浅谈小学生在绘画中的情感表现.
