绘画艺术与美育教育论文范文第1篇

摘 要：低年级美术教学，是普及美育教育的机会和平台，课程改革给美术教师带来了发展机遇，也对美术教师提出了更高要求。我们要先熟悉和吃透新教材，明确教学目的。要学生懂得学会技能技巧不是目的，乐于表达，能够表达，善于表达才是目标；完成作品不是目的，观察生活，体味生活，美化生活是我们的目标；通过欣赏传承人类的人文精神和祖国的灿烂文化是我们的目标；评价不是简单的肯定或否定，更不是只为了给学生一个美术课的成绩，而是一个挖掘学生潜质的过程，是激发学生审美兴趣，滋养学生审美情操的过程。

关键词：小学；美术教学；新课标

国务院早在“七五”规划的报告中就明确地把美育和德育、智育、体育并列，确立了美育在国家教育方针中的地位。九年义务教育是社会主义社会教育平等化，儿童的入学率高，为我们提供了普及美育教育的机会和平台。要改变我国人口素质偏低的现实，提高广大少年儿童的艺术素质，每一位美术教师都有不可推卸的责任和义务。在推进素质教育的今天，人们越来越认识到美术教育在提高与完善人的素质方面所起的独特作用。没有美育的教育是不完全的教育。艺术教育是美育的主要内容和途径，是基础教育的重要组成部分。美术教育受到重视，课程改革给我们美术教师带来了新的发展机遇，同时也对美术教师提出了更高的要求。

过去，美术课程关注美术专业知识和技能，在某种程度上脱离学生的生活经验，大部分学生学习的积极性不高，最终只能培养少数美术专业人才，这影响了美术教育功能的全面作用，制约了我国义务教育阶段美术教育事业的发展。新《美术课程标准》要求，必须通过课程改革，促进美术教育在我国基础教育体系中发挥更积极的作用，为国家培养全面发展的现代公民。美术课程具有人文性质，是学校进行美育的主要途径，是九年义务教育阶段全体学生必修的艺术课程，在实施素质教育过程中具有不可代替的作用。

俗话说：万事开头难。那么，这句话对于小学美术课而言“难”在何处呢？由于年龄小的儿童识字少，语言交流能力差，他们正处在用绘画这种视觉语言表达自己的思想、情感和好恶的阶段。这些“画”是他们心里的话，是他们要“说”的内容，是他们用自己的符号记录下来与成人交流的方式。我们能否利用儿童这一成长阶段的生理发展特征和心理审美萌动的特点，进行正确的引导，不磨灭儿童爱美的天性，滋养儿童美丽天真的童心向健康的方向发展成长，是我们每一个美术教师都不应该忽视的。

作为低年级美术教师，不能认为美术课就是哄孩子们玩儿，教孩子们画几笔画，做几件手工，认识几种画种，赏析几幅名画，培养几个绘画能手。新课本的教学内容贴近生活，实用美术部分的量大，设计美术的基础内容丰富，教师要在教学过程中实现美术课程的价值。通过学习陶冶学生的情操，提高审美能力；生动的形象、感人的色彩，能够锻炼和提高学生的形象记忆力。美术作为视觉艺术有他独特的视觉语言，是一种有效的信息载体，美术课程与学生生活经验紧密关联，发展了学生的感知能力；美术活动过程的情趣性、表现手法的多样性和自由性，培养了学生的记忆力、想象力、创造力。

一、利用学生兴趣，完成教学任务

新课本从内容到表现形式上，更受学生的喜爱，更提高了他们的兴趣，但不能让他们感觉美术课就是上游戏课，美术老师是孩子头。美术教育的重点是为培养合格的社会主义公民所开设的普及性美术教育，教学内容涉及到我们的衣、食、住、行等方面，表现形式多样，我们要想顺利完成美术课程的教育任务，一是必须在继承传统教学的基础上，找出一种适应新教材的教学模式，二是利用和培育好学生的兴趣，才能顺利地完成教学任务。

小学美术课与其它学科不同，每一堂课的教学目的不是具体化的，教师可以根据自己对美术知识的理解方式或课程内容相似的内容连续起来进行阶段性教学。虽说儿童都喜欢画画，但由于他们绘画能力有所差别，出现一些学生从喜欢到不喜欢的现象是正常的。在这个阶段的教学过程，教师主要的教学任务不是要求孩子们具体的画什么？像不像？而是要开发每个学生的天性，培养学生对美的追求，充分调动每个学生的学习积极性，重视学生个性和创新精神的培养。现代社会对教育的需求不仅仅局限于个人体力、智力与道德诸多方面的均衡发展，同时还要求学生在心理素质、文化素养、审美品位上得到良好的教育，从而具有承担多种社会角色的能力。社会的发展需要高尚情操的人才，提高全民的审美能力，增强学生对自然和生活的热爱及责任感，美术教育在其中起到了独特的作用，美术教师肩上的担子很重。

二、因地适宜，因时适宜地根据教材统筹美术教学活动，强化美育理念

首先要熟悉和吃透新教材，明确教学目的。由于教学内容涉及面广，表现形式多样，绘画材料丰富，根据现有的条件，制定教学计划和多种教学模式。为了避免学生在学习中兴趣的丢失，了解和普及好基础美术知识，教师要将孤立的教学内容进行分类整合，使学生能够更好地理解教学内容；二是在学生掌握绘画、工艺美术、欣赏等基础美术知识的教学过程中由浅入深，循序渐进地从“我”到“我们”的生活和环境，再到“社会”、“历史文化”、“放眼世界”的文化背景和美术表现形式。在评价学生作品的内容、形式和标准上，也要积极改变以往简单的肯定与否定的态度。在教学手法上也要多种多样生动有趣，如电影、多媒体、写生、范画、讲座、参观、游戏等。增强学生的形象感受力，从而全面开发学生个性，激发学生学习美术的兴趣。

1.学会技能技巧不是目的，乐于表达，能够表达，善于表达才是目标。

美术课程中，绘画是传统的教学内容。在新生初上绘画课时，教师可根据儿童生理和心理特点，使用他们熟悉和喜欢的绘画工具完成一幅自命题作品，这时，教师的任务是引导学生把画面内容完整化；记录生活要全面细致化，让学生们尝到初次胜利的喜悦。教师利用学生这时的心理和兴趣，引导他们在平时养成全面、仔细地观察生活的习惯，为后面学习命题画打下基础。命题画是全面锻炼学生记忆力、想象力、创造力的最佳时机，这也是儿童绘画追求的三个能力。命题画的题材要紧紧围绕学生熟悉的生活内容和他们感兴趣的题材，也可以选择学生们学习的语文、音乐等学科知识，架起学科与学科的联系的桥梁，理想的翅膀，往往是借助联想和想象的蓝天翱翔。

例如，绘画技能技巧是美术课中专业性强、难度大的课，在低年级进行绘画技能技巧训练时，教师可根据学生绘画能力的差异，把绘画内容分别开设成勾线课、添色课。学生什么环节出现问题，就具体解决什么地方，对不同学生分别采用引导、辅导、帮助完成等教学手段进行教学，帮助他们渡过难关，鼓励他们“只要敢画、想画，就能画好”；“别的同学能画，我也能行”的信念。这样，当他们表现具体内容遇到困难时，在老师的鼓励和启发下，就能克服困难，完成作品，也养成了做事有头有尾的好习惯。培养了学生的自信心，顺利完成了教学任务。

2．完成作品不是目的，观察生活，体味生活，美化生活是我们的目标。

在小学美术教学中（特别是低年级），手工课较多。手工课的内容可涉及到我们生活的方方面面，使用的材料都是我们身边容易找到的，孩子、老师都爱用，既经济实惠，又有触摸感，丰富的肌理效果大大的刺激了他们的想象力，激发了学生的创作欲望，课堂气氛很容易活跃起来。合理利用手工课，能够发展学生的感知能力和形象思维能力。那么，怎样才能上好手工课呢？第一，教师组织好教学是最重要的。有条件的教师，可在上课前把教学内容进行一次实验，这样就可避免课堂杂乱或完不成教学内容情况；第二，备课时要加进材料部分的选择和操作内容：怎样再创作、用什么颜色加工、怎样固定等等。手工课还特别适合学生结成小组共同完成作业，组织完成作品的好处很多：因材料种类多；创作时可先进行讨论，让学生发表不同的想法，经过一个民主集中的过程后，拿出最佳方案。绘画、制作过程中各自发挥所长，给学生充分展示他们天分的机会，同时，还培养了学生团结协作的精神。

3．认识几个人，几幅作品不是目的，传承人文精神和祖国的灿烂文化是我们的目标。

欣赏课是开阔学生视野，提高学生情操和审美能力的必修课。在欣赏课上，开展自主学习、探究性学习，鼓励学生发表自己的见解是十分必要的。欣赏中学生可看到大量的中外美术作品，这些作品是带着时代的信息、民族的智慧和作者的情感来到学生面前的。一节好的欣赏课，尤如一名优秀的导游带我们游览故宫。随着教师将背景知识娓娓道来，学生仿佛成了一名穿越时空的游客，学生甚至能够给你讲述作者创作时的神情。我个人认为，赏析名作，是了解历史文化，学习鉴别和判断艺术作品、提高审美能力的最佳途径。同时，欣赏课还在传承人文精神和祖国的灿烂文化方面起着不可替代的作用。

4．评价不是简单的肯定或否定，是一个挖掘潜质，激发审美兴趣，滋养审美情操的过程。

美术课教学过程中，评价是促进学生美术发展的重要环节，也是我们改进教学最重要的部分。评价是关注学生学习美术的能力、态度、情感、价值，学习美术知识、技能情况的总体评估，不能因为评价不当，打击学生学习美术的积极性。

我们可以把评价的内容由原来完成作品后的一次性评价，改为多次、多种内容。如：作品的构思、观察能力、记忆力、想象力、创造力；绘画中的构图、勾线、添色；手工课中的准备材料能力、动手能力、制作能力、再创造能力、创新能力、组织团结协作能力、欣赏水平。我评价学生有一个总的标准，那就是：无论多么失败的作品，都能发现学生美丽的心灵，哪怕它只是一点荧光，我也要让学生知道，这点荧光同样可以灿烂美丽的夜空。有条件的学校、教师还可以给学生建立美术学习档案，这样对学生的学习情况有一个全面的了解，特别是对那些有美术天分的学生进行跟踪、挖掘、辅导。

评价形式，在老师评价的基础上，发展到师生共同评价，学生自我评价，口头评价与评语评价相结合。

现代美术教育要以自身的变化适应社会的变化，只要我们使用科学的美术教学方法，积极为学生创设良好的学习环境，就能激发学生的创新精神，培养他们的实践能力。通过思考、绘画和手工创作，讨论、评论、赏析等活动形式，培养他们的观察能力、记忆力、想象力、创造力，重点把握促进学生的个性形成和全面的发展。让学生在学习美术课的同时，也加深了对文化和历史的认识，对艺术的社会作用的认识；培养他们树立正确的文化价值观，涵养人文精神。为培养合格的社会主义公民奠定了良好的基础。

一张白纸能画出最新最美的图画，我们这个时代的少年儿童在美术教师辛勤的哺育和智慧的启迪下，相信他们能画出更新更美的图画。

【责任编辑：韩四清】

绘画艺术与美育教育论文范文第2篇

关键字：图像，形态，精神表现

对自然之美，可以说是艺术家们永远自发且无法满足的美感追求。不仅仅艺术家，在所有人的潜意识里，视觉图像的美都经过生活经过阅历在不同人的头脑有不同层次的感受。即使是一件小小的艺术作品，人们也能从其中体会出它的情感和审美。人的美观感受是人类的共同生理特征，正所谓爱美是人的一种天性。“自然界万物各具不同形态、色彩和肌理。人们首先通过自己的视觉、听觉从触觉等直接的感觉对其产生一定的认识;自然界中动植物艳丽的色彩、奇特的造型等首先对人们的感官产生刺激，反复的刺激激发起人们的联想、模仿等思维活动”。1[①]在艺术创作里事物形象图形化的过程，通常也是艺术表现对象为审美的过程。

一、审美表现下的图像形态

图像形态的开拓研究，可说是从现代德国格式塔心理学的开创与研究开始。“格式塔”是德语gestalt 的音译，德文Gestalt一词意译为“形”、“形状”、“形态”，它源于动词“gestalt en”意为“构成”“形成”的方式和内在因素。这一派图像心理学在20世纪初期发源于德国，他们以许多实验证明了人的知觉有向往良好的完形趋向。在我们经验中的东西，印象总是一个整体，例如听曲调，总是旋律形式而非系列音符，是氛围与情感的统一整体，不是枝节局部。对人的印象也是一种整体的感觉，例：慈祥、平和、凶残、刻板、冷漠或者热忱。因此在对于整体和谐的审美上，这一图形心理的本身在艺术中是有举足轻重的作用，既是从心理上对审美观念的概括提升也是分析艺术图形之间关系的研究。而图形艺术的整体的特征又是为了突现新生物，突显新图形，也就得到了新的审美。例如一个四方形，是四条线构成的。这一形一旦构成，就不止于四条线，还有四个直角，加上闭合图形四方形及其外部空间。当我们发挥想象图形的构成时也就产生大量出乎意外的新的美的感受。

这种源于西方图形设计学方面的研究，开发了图形视觉的形式和审美。而视觉图像形态和它的审美，本身出自一体，或者说视觉形态以图像的形式是用来说明人的审美观。汉唐崇尚肥胖之美，所以这个时代的图像形态都趋向“簪花仕女”的丰腴肌肤和艳丽设色。元代崇尚意趣成就了一代水墨山水画表现的笔墨抒情形态。明清时期由社会环境造就的隐士僧家，“像著名的以亦哭亦笑的八大山人’署名所代表的那种傲岸不驯，极度表现的形象那突破常格的书法趣味，尽管以狂放怪诞的外在形象吸引人们，尽管表现了一种强烈的内在激情和激动在总体上表现出一种不屈不挠而深深感伤的人格价值。”1[②]中国绘画的写意性，用异常简略的形象表达着强烈的个性感受，鲜明的在图像形态上架构自我的审美。 中国古人的治学有“置图于左、置书于右、索像于图、索理于书”一说，故“图像”一词在传统文化中的渊源。所谓“索像于图、索理于书”，其中“图”指图形，“像”指图形中的含义与意蕴，是以“图”为媒体的形而上的文化概念。“索像于图”正是说明了“图形”之中蕴涵着图形的意义“像”。可见，古汉语中“图”、“像”二词是单用。那么，今天从太极图中又有怎样的图像涵义呢?从图的哲学义理角度不妨这样理解“索像于图”：首先印入人的视觉的是一幅黑白对比的“阴”“阳”鱼组合图形，矛盾色交错着对比的图案符号，它的整体基本形为圆，以S形曲线分割，这是图形的外貌特征;其次，圆形曲线的外形封闭弧线视觉在内向运动，这说明图形的基本象征意义是一种永恒循环的运动;第三，“天圆地方”的文化联想，图形所代表的是“天圆”，是宇宙与自然的图像比拟;第四，太极图引发对传统“对立统一”的哲学思想的认知和思辩，即古人从图形中索得之“像”;第五，图形一旦由历史沿传构成程式化的图形符号后，再经人们理解和熟知，在头脑中就构成了一个表象图像。这时无论如何复制、改写、或随意地变形表现，太极图已不再因外在形式的变动而改变了。到此，从形到意的图像探索基本完成。一定程度上，这一视觉的“图像”由“自然”资源转换为“图像”资源，与视觉相并行却又是视觉图像艺术的文化意义建立在自然物象基础上的表现。

中国图“像”的意义并在人的视觉性上精神化。

二、物化的审美精神在艺术设计的表现

中国图像艺术以自然的散漫表达方式使图像艺术在自然造化中成为“心中造化”的作品。“心”是物象在美感中的体现，从图像里你能解读到人生观和其所蕴涵的文化。所以物化之美反映的不只是其本身，如古代的石、木、漆、青铜、金银、陶瓷等材质造型图像;松林、清泉、山水、花草等物象的诸多造型图像，是对物的美感或这或那追求，也是引发视觉审美的改变而升华到审美的艺术精神。早在魏晋时期士人认为“人一旦将自然作为审美对象，人和自然就合而为一了。一方面，自然可以人化，成为人的才情风貌的象征和品藻标准。另一方面，人也自然化了，作为其精神超越的标志。自然成为精神化的自然，人生成为自然化的人生。物我一体，心与宇宙自然合一，这正是老庄的最高境界，也是玄学所追求的最高境界。”1[③]所以，中国的图像艺术往往偏向对人的生命意义的展示，作品的精神表现成为艺术的最终目的和图像内在的核心与灵魂。对于这样一种艺术观来说，与其说我们是去研究作品完成后的物化之美，毋宁说研究的是创作行为本身所具有的魅力，即作为生命意识本身的魅力。这是现代设计要深刻体会的一种文化表现、精神表现。

中国作为一个具有历史的文明古国，对图像的创造最早可追溯到6000年以前旧石器时代的石器工具创造。几千年来，中国人的聪明才智创造了辉煌的“手工业文化”，拥有绘画、书法、青铜漆器、丝绸家具、建筑园林、服饰等无数各具特色的图像形态，为今人所仰慕。仰慕之际应该特别关注到“东方人的文化，展现出的思维方式和设计思想表现出比较集中、注重综合思考，带有感悟、神秘性和求同的特质，是一种经验式的直觉把握和直陈式的描述。中国人自古祟尚自然.认为宇宙是无限的，但他们并不站在自然的对立面与之抗衡，而是投身自然，与自然融合为宜，即所谓的天人合一’。”1[④]中国的艺术和其艺术图像体现中国人追求一类精神。人们在形容诗与画的关系时常说“诗中有画，画中有诗”，是说诗的境界与画的境界有共同之处。如唐代大诗人王维的山水诗就给人一种画境的感觉。

中国本土化典型的图像精神表现有很多，如画家黄永玉先生设计并取名的“酒鬼酒”紫沙陶瓶古拙有趣，大土大雅。“酒鬼酒”使人自然想起湘西的奇诡和不拘一格：在往日湘西刀枪、山歌、烈酒的三维世界里，“无酒匪不勇，无酒歌不飞”。我们也可以从沈从文20世纪30年代的小说中读到湘西民性强悍的一面。所以，艺术设计不只是酒瓶外形和酒名，更是酒文化，是湘西文化。

中医、太极、苦行、冥想、茶道，这一切都是令其他民族惊异的文明场景。这些场景是一种东方文化精神的动人呈现，她无法和以理性精神为主的西方风景有相同表述。这不仅仅是不在一个语言环境，甚是没有一个共同的文化境域。在中国图像的学之道中“了解感知体悟”是更符合中国艺术的思维，和从文字之外读文章一样，强调的都是最后的体悟。这是中国文化的逐渐浸润逐渐悟化的特性所决定的。物化我们的艺术作品其实质是对精神的表现，以求在精神的表达中达到完美的境地。如许多画家进行绘画创作时把自已置于充满音乐的环境里，目的就是通过对音乐艺术的感悟和理解，寻找到视觉图像的灵感表现。

三、结语

绘画和设计在图像审美上的共通点，值得深究。虽然说设计的最高境界应该是创新，也许当新意“穷尽末路”的时候，从审美意义上看，艺术设计起码要守住最基本的一点“美感”或叫做“品位”的内容。纵横在设计领域的当代设计师陈绍华就曾经形容有的高科技产品是“裸体”的，或者是现代技术加“农民装束”的。这或许是中国艺术设计在对于本土传统艺术文化的陌生与无力驾驭，造成了现代设计语言的单薄，审美文化层面的架空和“超脱”。

中国的绘画和设计，作为艺术的行为，是对审美的文化创造。其间对艺术精神的外化中要如同对优秀的中国艺术精神的追求般，用精神去思考如何创造优秀的艺术设计，而不是一味地追求功能、市场、可组装的批量化。这样的设计结果是产生相似的视觉图像感受太多后使得人们的视觉体会，及视觉传达的精神单调而乏味。中国古代就有“顺势而为”、“因地制宜”的设计理念，其道理在于图像艺术设计不仅仅要寻求共性的文化，更要表现有思考精神的需求和理念，有审美个性的文化，即有特点的创造图像。因为图像上每一个外露的美学现象或符号背后，都蕴涵着文化和“势”态，风土人情的适宜。

原文发表于《新闻天地》论文版

1[①] 廖军.视觉艺术思维.北京：中国纺织出版社.2000年.第76页。

1[②] 李泽厚.美的历程. 天津：天津社会科学院出版社.2001年.第340页。 1[③] 徐林祥.中国美学初步.广州：广州人民出版社.2001年.第151页。

绘画艺术与美育教育论文范文第3篇

摘 要：教育部2019年3月再次发文强调高校美育要以艺术教育的改革发展为重点，要加大和改进美育教育教学。高校音乐通识课程作为高校艺术教育中最重要的组成部分，其行之有效的改革对推动高校艺术教育的实施具有重要的作用。本文从高校音乐通识教育的现状及存在的问题出发，从优化课程结构、创新教学模式、完善评价机制等方面研究高校音乐通识课程建设策略，希望能对高校音乐通识课程的建设起到一定的积极作用。

关键词：新时代美育 高校 音乐通识课程

一、引言

2019年3月，教育部在《关于切实加强新时代高等学校美育工作的意见》①一文中再次强调：高校美育要以艺术教育的改革发展为重点，要全面提高普及艺术教育教学质量。在我国高等教育美育课程体系中，公共艺术课程成为不可或缺的组成部分，而音乐通识课程又是公共艺术课程中最重要的内容。因此，重视音乐通识教育有利于摒弃高校长期以来過度追求专业知识，忽略人文教育的弊端，是提升大学生艺术修养和人文素养的重要途径。

二、高校音乐通识课程教学现状及存在的问题

早在2006年，教育部就出台《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》②。但迫于教学设施、师资不足等各种客观因素，当前高校音乐通识课程开设的比例不高，有部分高校甚至没有开设音乐通识课程。而有开设音乐通识课程的高校，很大一部分在课程建设、教学管理方面还不够完善，所开设的音乐通识课程也十分有限，尚未形成科学的教学体系，在教学过程中常常存在以下几种问题：

1.教学简单化。将音乐通识课简单地当作“音乐欣赏课”进行教学：介绍、聆听，这样留给学生的仅是一种“旋律印象”，学生对音乐作品没有更深层次地认知与理解。

2.教学理论化。以讲授音乐基本知识、中西音乐史等音乐理论为主，教学过程中缺乏和学生的互动，课程较为枯燥无趣。

3.教学技能化。让学生接触一些简单乐器，学习几种基本奏法，练习几首作品，就算是入门音乐了。

上述教学形式虽然在一定程度上培养学生的音乐体验能力、认知能力和实践能力，但实际上仅仅把音乐当作一种“声音现象”，对学生的音乐修养及审美素养并无本质的提升。高校音乐通识教育作为一种普及性的素质教育，应面对的是全体学生。因此，要探索更为完善、科学的课程教学体系，使之切实成为提升大学生人文艺术修养的美育课程。

三、新时代高校音乐通识课程建设策略

长期以来，高校音乐通识课程结构较为单一，主要以《中外音乐赏析》、《中西方音乐史》等音乐鉴赏类和史论类课程为主。加之授课人数多、专业类型复杂，教学流于形式，音乐通识教育的效果并不突出。加强高校音乐通识课程体系建设是改变这种教学状况的关键所在。

1.优化课程结构

高校音乐通识课程在开设传统鉴赏类、理论类课程的基础上，应拓宽学科口径，促进学科交叉交流。根据文、理、工不同学科背景学生的实际情况，开设一些与之相关联系的、并具有一定学术含量的音乐通识课程。如针对中文、教育专业等文科学生，可考虑开设音乐与人生、音乐文学、音乐心理治疗等课程;针对物理、计算机专业等理工科学生，可考虑开设音乐与声学、电子音乐、计算机音乐制作等课程。文科与音乐的“横向”联系是不言而喻的，然而长期以来理工科为主的高校对音乐这一学科的认识是有局限性的，故而对音乐通识教育的实施不够重视。音乐从某种意义上说是一门“科学”，可以开发左右脑、活跃人的思维。对理工科学生实施音乐通识教育，对于他们本专业的学习具有其他学科无法替代的意义。钱学森、袁隆平等许多著名科学家都具有良好的音乐造诣。可以说，将音乐艺术与其学科专业融合在一起进行教学，能够发挥音乐的独特作用，用音乐去影响、支持其他学科的学生人才培养，实现以“乐”化人，以美化人。

优化高校音乐通识课程还应根据学校所处的地域和现有条件，结合地方“非物质音乐文化遗产”，将具有本土特色的民间音乐吸收到高校音乐通识课程的教学中。如福建地区高校的音乐通识课程教学，可以结合福州十番，泉州南音，莆田十音，闽西十班等福建传统音乐，挖掘地域音乐资源的优势，丰富音乐通识课程内容，不但使教学更加生动、贴近生活，还有利于地方传统音乐文化的传承。

2.创新教学模式

尽管当前“慕课”、“微课”、“翻转课堂”等与时俱进的教学模式在很多学科的教学得以运用，但是目前大多数的高校音乐通识课程教学模式还是比较传统、单一，主要以放视频、听音乐的讲授形式为主，对学生思维能力的培养明显不足。大学生主观能动性强，思想活跃，应充分发挥他们这一特点，调动他们的积极性与参与性，时不时地把教学的“空间”和“舞台”交给他们，挖掘他们的“艺术潜能”，可以结合互动式、实践式、观摩式等多种教学模式进行教学。

（1）“互动式”教学模式。“互动式”教学模式强调学生的参与性，是高校音乐通识课程较为理想的教学方法之一。教学过程中，由于班级人数多、专业复杂、课时少（一般每学期30-36课时）等客观原因，教师要在短时间内熟悉每位学生，并发现他们所具有的音乐认知能力、感悟能力是不现实的，很难和学生产生良好的互动。因此可以在正式上课前，先对学生做个关于音乐方面的问卷调查，如有无学习声乐、器乐的经历，会不会看五线谱，喜欢什么风格的音乐等等。这样，就可以在最短时间内对学生的音乐基础有个大致的了解，在教学过程中能够有计划、有目的地激发和引导学生参与到课堂教学中，发挥学生的音乐才能，产生良好的教学效果。

（2）实践式教学模式。高校音乐通识课程的教学，光靠鉴赏类、史论类、知识类等音乐理论课程的学习是不够的，难以实现丰富情感、陶冶情操的美育目的，“音乐表现和情感体验主要是在实践活动中得以实现和完成的。”③因此，在高校音乐通识课程教学中应尽可能地穿插一些具有“表演”性质的实践环节，而增加实践性教学环节最直接有效的方式就是让学生“登台表演”。在上文已提到开学初做个音乐问卷调查，这样教师已知晓哪些学生有相关音乐特长，在教学中要充分调动他们的积极性，激发他们的表演意愿。当然，也要给每一位有“表演”意愿的学生创造机会，鼓励他们唱一唱家乡的民歌或是戏曲，让他们介绍自己家乡的民间音乐等。

高校音乐通识课程的实践教学还可以与校团委、学生艺术社团的训练相结合。可以依托大学生合唱团、中西管弦乐团等学校各类艺术社团的训练，使之成为高校音乐通识课程教学的一部分，根据学校艺术社团的需求开展实践教学活动。通过课堂学习、日常训练、展演实践一系列的综合培养，既可以提高学生原有的表演技能，提升他们的专业素养，又可以协助大学生艺术团完成学校各项排练任务及演出任务，能够带动校园文化活动的开展，真正实现让学生“参与其中，享受其中”。

（3）“观摩式”教学模式。“观摩式”教学模式则具有较强的“直观性”特点，更容易吸引学生，讓学生产生兴趣。新时代美育背景下，民间音乐、地方戏曲进入高校课堂是时代的要求，也是必然的趋势。高校音乐通识教学应积极响应国家号召，充分利用政策优势，将“非遗”传承人、民间音乐艺人请进高校课堂。与民间艺人零距离接触的“观摩式”教学体验，听他们表演、讲解，跟他们学唱音乐，学生能够身临其境感受民间音乐的韵味。这样不仅使学生对民间音乐文化有了更为深层的理性和感性的认识，同时对民间音乐传承而言也是一种有利的途径。

3.完善评价机制

高校音乐通识教育是一种素质教育，是一种实施“美”的教育，很难对学生接受“美”的教育后的感受程度进行打分。因此，高校音乐通识课程的评价机制要有别于应试学科，不能单纯用期末考核进行评价，不能用具体的分数来判断学生对美的感受，而应该是多元化的，建议采用五分制进行评价（优、良、中、合格、不合格）。评价的依据要根据学生学习的整个过程和实际表现，即由课堂互动、实践活动、课题报告等环节的成绩总和作为最后的评价结果。考核的方式则应摒弃传统的答卷考试，结合同伴评量、小组评量、实践考核、课题撰写等多种考核方式，更全面、科学地对学生做出评价，同时可以有效培养学生的自主学习能力及客观判断能力，建构多元的高校音乐通识课程评价机制。

结语

高校音乐通识课程教学应结合新时期人才培养的需求，按照“高起点、宽路径、全覆盖、促发展”的艺术教育工作思路，整合校内外音乐教育教学资源，以实践为抓手，建立全方位、多元化的音乐通识课程教学体系。当然，高校音乐通识教育的顺利实施，需要高校各个部门的通力配合。建议高校组建音乐通识教育中心，从宏观上科学规划音乐通识课程体系;建立相应的音乐通识教育教师团队，打破校内学科界限，制定一套有利于音乐通识课程综合化发展的制度;同时要激发教师参与音乐通识教育的积极性，促进教师之间的交流沟通，建立一套合理的教学配套政策，如奖励机制、教师评价机制等。对高校音乐通识教育行之有效的改革，势必推动高校美育教育的实施，推动其在提升大学生人文艺术修养和审美素养中发挥应有的作用。

注释：

①教育部.关于切实加强新时代高等学校美育工作的意见[S].教体艺.[2019]2号：“普通高校要强化面向全体学生的普及艺术教育;规范公共艺术课程，把公共艺术课程与艺术实践纳入高校人才培养方案;加强高校艺术社团建设，加大从普通在校生中挖掘、选拔、培养艺术团成员力度，带动校园文化活动开展，学校艺术实践活动要让大多数学生参与其中，享受其中。”

②教育部.全国普通高等学校公共艺术课程指导方案[S].教体艺.[2006]3号：“每个学生在校学习期间，至少要在艺术限定性选修课程中选修1门并且通过考核。对于实行学分制的高等学校，每个学生至少要通过艺术限定性选修课程的学习取得2个学分;修满规定学分的学生方可毕业。”

③刘永福.大学通识音乐课程体系建设研究[J].赤峰学院学报.2019（10）.

参考文献：

[1]向仲敏.以文化人—人文通识教育与教学改革研究[M].西南交通大学出版社.2018（4）.

[2]刘福瑞.高校音乐通识课程在通识教育中大有作为[J].音乐创作.2014（9）.

[3]刘永福.大学通识音乐课程体系建设研究[J].赤峰学院学报.2019（10）.

[4]吴巧.高校通识选修音乐课程教学实践研究[J].教育现代化.2019（6）.

绘画艺术与美育教育论文范文第4篇

一、绘画基础课程与艺术设计教学之间的关系分析

艺术设计教学和绘画基础课的联系性是比较强的, 特别是在素描和色彩以及速写这三个方面。从起源进行分析, 艺术设计主要来源于工艺美术, 艺术设计中也包含着工艺美术的因素, 设计也遵循实用化的原则。一名优秀的设计师的作品不管是其成品图或者是草图, 都应该通过视觉效果进行表达, 如果想保证效果就需要依靠造型的作用, 设计师造型的能力和水平都是利用绘画基础课来实现的。因此绘画基础课也是艺术设计教学过程中重要的基础课程, 需要教师关注起来。在大多数的理科高校当中, 艺术设计的专业一般招收的都是理科的考生, 造成大量的学生没有绘画的基础, 创造能力的表达水平也受到限制, 在进行教学时教师也不重视绘画基础课的对学生的重要意义, 造成学生在对艺术设计进行学习过程中受到不利的影响。另外, 学生在进行设计的过程中, 很多时候都会参考现成的设计资料, 这种方式虽然可以对学生产生指导的作用, 能够节约很多时间, 可是大多数的在进行设计过程中具有较强的针对性和特点, 一成不变的资料是不能满足学生需要的。学生通过书本学到的知识和技巧还不够丰富, 要进行实践来加强学生对知识的掌握水平, 需要在艺术设计的教学过程中强化绘画的教学, 让学生能够不断提升绘画的基础功底, 才能有效促进学生艺术设计水平的提高, 保证学生能够获得全面的发展。

通过绘画基础课程的学习可以使得学生具有感觉技能, 提升学生的动手能力和审美水平。学生具有良好的设计能力, 主要需要两个重要的基础技能, 包括要具有设计的观念和具有设计的技能。但是技术的教学相对是比较容易的, 但是艺术的教学就比较困难, 想要在艺术设计专业的教学过程中逐渐培养学生具有艺术的创造能力, 就要认识到绘画基础课的重要意义, 关注艺术思维具有的想法和看法。没有以上的两点绘画基础课也就发挥不了应有的作用。绘画基础课程对培养学生的创造能力发挥着不可比拟的作用。因此高校必须要加强对艺术设计专业学生的绘画基础课的重视, 通过学习绘画基础课来提升学生的艺术修养, 进而提升学生的设计能力和水平, 促进学生的全面发展。

二、通过绘画基础课来培养学生艺术设计的创新能力

1、保证教学内容的多元化

保证绘画基础课教学内容的多样性和丰富性, 就要根据以下几个方面来实施。首先要继承原有的教学内容, 并根据实际情况对其进行创新。以往的绘画教学的内容对于艺术设计学生未来的发展有着关键的作用, 但是需要根据艺术设计专业学生的需要对其进行更加具有针对性的改进和创新, 在对教学的内容进行编写的过程中要在学科建设的方面进行思考, 高校的艺术设计相关的专业一般都有较强的针对性, 因此教材的内容要在学生需要的基础上来编写, 使得绘画基础课程的设置更符合学生未来发展的需要。另外, 教材的内容也需要更具实用性, 教学内容要深入到学生未来的发展需要, 不能只是关注到教学的表面任务, 提升绘画教材的实用性可以有效提升学生的艺术设计的能力。

2、绘画基础课的审美教学

传统的绘画艺术, 在最初的阶段是没有得到认可的, 使得绘画艺术变成具有重要价值的艺术, 也是人们通过不断的提升艺术的审美, 加之科学的引导才能对绘画艺术进行欣赏和喜爱。古语说的好, 爱美之心, 人皆有之。艺术设计专业的学生正是需要对其进行审美的培养, 而他们对美的追求和需要也是非常迫切的。但是审美的培养也不是一蹴而就的, 需要学生在绘画过程中逐渐提升审美能力, 做到懂得美和欣赏美以及创造美, 在绘画实践中逐渐培养审美的意识和能力。因此对于设计专业的学生在进行绘画教学的过程中教师要通过启发和引导, 让学生通过美的意念和具有情感的思想来对绘画艺术进行有效的去观察与体验, 这样才能保证逐渐提升学生的审美水平, 具有高尚的情操和良好的审美水平, 才能设计出具有美感的作品。

3、创新教学模式

艺术设计专业的绘画教学的教学模式的创新要考虑到两个方面的内容。第一是要提升理论教学内容中的技术知识, 在进行绘画教学的过程中, 可以和学科的发展需要联系起来, 在理论的教学过程中加入专业的基础知识, 比如, 在对建筑艺术进行设计的过程中, 可以把建筑相关的系统理论加入到教学中, 让学生可以对建筑的结构具有比较完整的认识, 这样来逐渐掌握建筑艺术设计的要点。第二是把原来的静物绘画的教学模式进行创新, 发挥实践教学的积极作用。比如在绘画服装的过程中, 可以使学生根据设计的服装来裁剪出简单的服装模型, 通过实际的操作, 提高学生对服装构造和构成的掌握程度, 再对设计的服装进行改进, 这样来提升绘画教学的实用性, 提升学生的设计水平。

三、总结

艺术设计其实就是艺术和技术两者的统一, 但是其也不是简单的两者相加。绘画的基础课程和艺术设计教学具有密切的联系, 这两者都是同样重要的, 需要教师在教学中提升对绘画基础课程的重视, 发挥绘画基础课程的重要作用, 进而培养出全面发展的设计人才。

摘要：艺术设计作为综合性比较强的课程, 我国的艺术设计专业在发展中也越来越成熟。然而因为各个高校对艺术设计专业的定位具有一定的差别, 没有重视绘画基础课, 导致设计受到一定影响。本文主要对绘画基础课和艺术设计教学的联系进行分析, 仅供参考。

关键词：绘画基础课,艺术设计教学,联系,创新

参考文献

[1] 陈宝赓.绘画基础课与艺术设计教学的联系性分析[J].当代教育实践与教学研究, 2016, 07:17.

[2] 吴娅妮.设计类绘画基础课程的创新教学探讨[J].教育教学论坛, 2014, 05:45-46.

绘画艺术与美育教育论文范文第5篇

一、齐白石简介

齐白石, 原名纯芝, 后名璜, 字谓清, 又字兰亭, 号频生, 别号白石山人等。1964年出生于湖南湘潭, 他经历了两个世纪, 继清末明初海派画家之后, 他的绘画、书法、篆刻, 无不出类拔萃。他的代表作品有《花卉草虫十二开册页》, 《白石草衣金石刻画》。1957年逝世。

二、齐白石的艺术成就

1、绘画成就

齐白石早期生活的早期中华民国在清朝末期。封建社会和中华民国的社会, 是一个等级森严的社会, 由于受到社会的压迫、社会不平等遭遇, 人们对艺术的反应, 只有精英的审美需求, 所以普通人, 他们的审美情趣不可能受到重视。齐白石在他的早期画风有所体现。

齐白石改革后的绘画风格, 也就是他后来的生活方式。他年老的风格最大的特点是满足普通民众的审美需求, 这也是时代的需求。因为时代的到来推动着自由民主社会, 平等和自由的社会地位, 让普通人也成为了艺术的观众, 齐白石艺术是符合这一趋势的伟大的艺术家。第一:他扩大了绘画的主题, 这是他最大的艺术贡献。对于那些只基于古老的松树画家, 齐白石绘画显然有更多的生活气息。第二:在于作品的颜色, 齐白石说是红色!红色适用于中国画, 是创造的岩石;红色是普通人的颜色, 是时代的需求。

2、书法成就

白石老人的书法临摹李北海、何绍基、金冬心、郑板桥与《天发神谶碑》的最多。写何体容易有肉无骨、写李体容易有骨无肉, 写金冬心的古拙, 学《天发神谶碑》的苍劲。通过老人的自叙可知, 他的书法来源多是取决于一些极有性格和创造意识的书家之书法的。齐白石一生崇尚创造是举世皆知的。“删去临摹手一双”几乎是老人的口头禅。在艺术实践中, 他也异常坚定地走着自我认定的艺术道路。在他漫长的艺术生涯中, 就书艺而言, 他下过的功夫绝不逊色于任何一位书家。问题不止于此, 齐白石之所以成为齐白石, 虽然原由众多, 但重要的一点却是, 这位把艺术看作生活与生命的老人, 永远在勤勉自励和追求真善美的艺术探索之中, 保持着艺术家可贵的良心和作为一个有性情的画师那种大爱大恶的“是非”之感。烂漫天真、体物入微、礼赞生命几乎是他一生艺术的永恒主题。没有“爱”, 便没有齐白石;没有执着的个性之“爱”, 也没有齐白石。齐白石是用“爱心”自如地歌吟他的诗、书。画、印的。因此, 如果我们不能以童稚般的“天心”与“真眼”去贴近这位艺术家的心灵, 我们就很难理解乃至热爱他的艺术。齐白石50岁以后几无纯粹的楷书。老人喜爱见“防性、易表现的行草体势, 同时也喜爱开合大、有装饰美感的篆隶体势, 事实上, 为行为草为篆为隶都已“着我之色彩”, 无不强烈地闪烁着齐白石的人格精神与审美理想合一的光芒。严格而言齐白石只擅作行、篆二体。

3、篆刻成就

齐白石的印章, 与他的绘画一样, 都是艺术珍品。齐白石的石刻印章, 笔触苍劲有力, 刀法雄浑稳厚, 姿势龙飞凤舞, 神韵奔泻蜿蜒, 看后令人感叹不已。齐白石治印为何能达到如此娴熟高雅的境界呢?他学石刻之初, 曾向一位前辈请教, 前辈半开玩笑的说:“南家冲的楚石, 有的是!你挑三、四个点心盒去, 将点心盒都装满石浆, 那就刻好了!”他由此得到了启发, 真的就照做了。齐白石石刻图章, 刻了再磨, 磨了又刻, 弄得四周满是泥浆, 屋子里几乎变成了泥池。付出了辛勤的劳动之后, 他终于走向了成功, 在篆刻方面, 取得了巨大的成就!

三、齐白石的艺术主张

齐白石在艺术上的成就, 归根结底在于他的创新。他对生活的热爱及农家生活的特殊经历;对生活的细心观察及在此基础上有个性的艺术形象的创造则是他的重要优势。正是由于齐白石对自然生命的热爱与童真之心、对美好事物的深刻研究, 他笔下那些生动的艺术形象才有可能产生。齐白石出身卑微, 生长在湖南一个小村庄里。由于他经历过大自然美的陶冶, 贫寒农家的磨炼, 牧童、木匠、画匠等生活, 从而造就他质朴正直的思想情操, 对农家生活事物的深情和集民间艺术情趣的审美观念。许多作品都能强烈感受到他对童年及田园生活的充满童心的回味、对祖国山川大自然的生命的爱心、对人生光明美好事物的渴求、对人间丑恶事物的厌恶, 这些多与农家生活有关, 这些无不令人耳目一新。

齐白石绘画最大的特色就是不画没见过的东西, 不画自己没有仔细研究过的东西。第二大特色就是崇尚自然, 他画的大都是自然界中极普通的客观存在体。齐白石画虾, 画萝卜, 虽然受到当时所谓正统画家的嘲笑, 但深得平民百姓的喜欢与热爱。其作品是一种至“简”至“朴”、至“拙”至“厚”的, 尤其是他的山水画, 构图出奇出新, 无常法而又合法, 貌似平淡的笔调, 大气磅礴、纯净明丽。他的画在似与不似之间, 把山水灵性的本质, 或轻或重、或明或暗地表现出来, 大开大合中又见细腻、朴素的善良与乐观的坚强。在白石老人的山水画中, 每一笔似乎都含着家乡的泥土气息, 每一根线条似乎都凝结着大自然的露珠, 清新而华滋、深厚而通俗。

四、齐白石的影响

齐白石绘画是中国现代历史上的一个传奇, 一个木匠出身贫困家庭最终成为一位世界闻名的伟大的艺术家, 一个最初只是通过复制《芥子园画谱》的专业画家最终改变了原来统的文人画, 并创建一个新形势下传统的绘画。

五、结语

艺术的真谛是平凡而简朴的。只要我们根植于人民大众的审美, 又不断遵循艺术探索发展的客观规律, 才可能有所收获。这是齐白石用自身作为榜样, 留给我们21世纪中国艺术家最珍贵的启示。

摘要：齐白石是我国现代著名的艺术大师。他的作品多表现生活中的花鸟鱼虫、蔬菜瓜果。他对于生活的热爱, 对于艺术的执着, 对于我们的心灵都会有很好的启迪作用。他晚年对于虾的画法的改进, 说明艺术不是生活的照搬照抄, 而是源于生活又高于生活。

关键词：齐白石,艺术,生活

参考文献

绘画艺术与美育教育论文范文第6篇

摘要 渤海国是唐代的少数民族政权，唐代的繁荣发展不断推动着渤海国的发展，特别是对于渤海国的绘画艺术，其绘画水平非常高，后世对绘画艺术的研究也渐渐深入。渤海国的大部分绘画艺术都有唐朝的绘画艺术特色，也有一些绘画艺术具有少数民族的艺术特色。本文主要对唐代渤海国绘画艺术进行深入研究，通过对其进行深入的分析，以便帮助人们更加深入地了解和认识唐代渤海国绘画艺术。

关键词：唐代渤海国 绘画艺术 研究

一 引言

众所周知，唐代的经济发展水平非常高，国力非常强盛，对邻国的少数民族有很大的影响。而周边的少数民族在唐代社会经济飞速发展的推动下，其经济也有了一定的发展，从而推动了当地文化艺术的发展。作为唐代东北边陲小国渤海国自然也会受到影响。就唐代渤海国来说，在唐代经济发展的影响下，渤海国的经济、文化等方面都取得相应的成就，同时也创立了十分丰富的渤海文化。尤其在绘画艺术方面受到很大的影响，绘画水平也得到很大提升。

二 唐代渤海国绘画艺术特征分析

1 畫面表现角度比较独特

唐代渤海国绘画艺术的画面表现的角度十分独特，这也是当前很多学者所研究的一个重点部分。唐代渤海国绘画的表现形式较为独特、新颖，绘画线条勾勒带有创作人员的丰富情感，时而坚韧，时而柔软，刻画出的人物十分逼真，神情饱满，并且图像的局部渲染有很强的立体感，具有十分丰富的韵律，从图画中可以看出绘画者具有很高的绘画水平与艺术造诣，是祖先留给后世一笔伟大的精神财富。

2 构图的角度非常别致

唐代渤海国所绘画出的作品的构图角度非常别致，并且充分表现出绘画者较为独特的绘画视角，对后世的绘画产生很大影响。例如，贞孝公主墓的壁画有很强的典型性，绘画人员在墓室甬道的两壁与墓室中，画出横排竖列的12个形态各异的人物形象，12个不同形态人物的涂染颜色均都使用了铁线描法来绘制完成。整个壁画的结构布局呈现左右对称，前后照应，12个不同的人物形象正好形成了贞孝公主墓壁画的核心部分。

3 十分注重对细节的刻画

渤海国绘画艺术有很大一部分是效仿唐朝绘画艺术的风格，而且受到非常深的影响，也取得相应的成就，尤其是对人物的细节刻画方面具有非常明显的特征。部分渤海国的艺术绘画者可以按照所绘画的作品主题，把绘画的人物的形象刻画得非常灵活、生动。在贞孝公主墓的壁画上，绘画人员通过利用写实的艺术手法，应用单线平涂技巧来描绘不同类型的人物，并且所绘画的人物形象也各不一样。所刻画的任务的五官、面庞的造型等方面用笔比较随性、自然，人物生态端庄、优雅，体态十分丰腴，对不同的任务赋予不通过的性格。并且整个壁画的画风较为纯熟，线条非常流畅，用笔十分细腻以及富有一定的动感，而且一些壁画的服饰画风在某种程度上也效仿唐朝的绘画风格，较为生动地展现了渤海国的各种人物形象。

三 唐代渤海国绘画的内容

在唐朝绘画中，不同的绘画风格所画出的作品并不相同，一般绘画殿堂府第屏风，大都是绘画为山水画，而且青绿与水墨之间的反差比较明显，和一般工艺的装饰有很大区别，花鸟画渐渐自成一派，并不局限在装饰使用方面，而在人物表现方面，除使用典型佛教题材，也将实际生活作为绘画的题材，而且渤海国人物绘画作品都非常圆润、面部都非常饱满厚重，个体都非常健壮高大，女子形态都比较丰满丰腴，明显带着唐朝人物绘画审美观，有着明显唐朝人物绘画风格特点。可见，当时唐朝文化影响之广之深。唐朝是我国封建社会的鼎盛时期，也是中国历史上最具有世界文化、经济中心的时代，海内外各个方面的交流非常广泛，更不用说唐朝周边邻邦小国了。唐代文化一直都深深地影响着渤海国的文化，绘画涉及种类也非常多，这是渤海国绘画特点，依据史料可查证，绘画除了纸本以外，在服装穿着、房屋建筑和墓穴建造都会有非常完善的设计绘画图形以及图案色彩搭配。当时的绘画艺术风格完全可以从贞孝公主的墓壁画看出来，通过贞孝公主的墓壁画可以反映出当时渤海国的绘画艺术水平之高，绘画技巧非常深厚，而且能反映出受到唐朝的绘画风格和艺术技艺的影响颇重，渤海国绘画题材非常广泛，绘画作品除表现人物以外，高山流水、青松翠竹、花鸟鱼虫等方面内容都涵盖，渤海国文化在传承唐朝文化的同时，也始终保持其民族艺术独特性。

1 贞孝公主墓壁画

根据史料记载，渤海国第三代王的女儿就是贞孝公主，位于吉林省和龙县就是贞孝公主的墓葬地，距今有792年了。始建于698年的渤海国，在建国百年左右始终和唐朝建立非常广泛的交往和贸易文化往来，唐朝儒家文化的精髓自然也深深地影响到渤海国文化艺术各个方面。在艺术绘画交往中，唐朝的王维、韩干等当时著名的画家的画作风格和绘画技巧对渤海国的绘画艺术产生了非常大的影响；并且那个时期的唐章怀太子墓以及懿德太子墓都已全部竣工，墓室的壁画风格、绘画技巧等都对渤海国墓室的壁画带来深远的影响。

1982年贞孝公主墓被考古学家们发现，墓室里两旁墙壁内，绘画着12个各具形态的人物肖像，12个人物均是采用铁线描法进行填染颜色来绘画完成的。12个人物面庞饱满、穿着长袍、腰间束有革带，穿着服装的颜色以红、青、白、紫等颜色为主。人物神态端庄、优雅，在绘制人物面庞、五官等形态上，明显刻画了女扮男装的仪态。一些史料学者专家推测这和武则天时期的社会风情有着非常大的关联。贞孝公主墓壁画和唐朝永泰公主墓的壁画具有着非常大的差异，贞孝公主墓的壁画上的人物呈礼仪状，而永泰公主墓的壁画上的人物呈簇拥状，和真实的生活有很多相似性。

2 三灵坟墓壁画

到目前为止，渤海国的王室墓葬并未完全找到。渤海国的建立超过160年左右，但是考古学家们只找出三灵坟以及其他一些并不重要的墓穴。三灵坟位于黑龙江省宁安市，属于唐代渤海国时代最有名的墓葬。渤海国王陵区域正是三灵坟所在区域，也是这个区域唯一一个墓葬。墓地四面环水，相隔江南岸就是渤海国的故城址。墓葬用玄武岩的条石来砌筑建造，由墓室、甬道、墓道所组成，墓道朝南，墓室四周围和甬道两旁都涂有非常厚的白灰，墙壁都有彩色壁画作品，壁画基本已经损坏了，有些残存的壁画也急需修补和保护。

残存的壁画上清晰可见一团团花卉的图像，绘画技巧和用色水平非常之高，这个时期唐代的服饰图有很大改变，大部分使用花、草、及虫来写生，绘画人员所设计出的服饰图案很多都表现出一种自由、随性的绘画艺术风格。在《渤海国志长编》这本史书上记录了与绘画艺术有关联的信息，为我们后人了解渤海国绘画艺术贡献了相应的依据。从以上可看出，渤海国绘画艺术的水平非常高，所涉及到的领域也较广，山水画、书法、人物画及雕刻品等方面都有比较全面的发展。

四 唐代渤海国绘画艺术分析

1 生产生活题材

生产生活题材的绘画主要是涉及人们平常的生产与生活方面的绘画作品。唐代渤海国的生产生活题材绘画作品中，非常有代表性的是三灵坟壁画与贞孝公主墓壁画，涉及到人物与花卉方面的内容。从人物角度来看，唐代渤海国的生产生活题材的绘画作品一直都刻画出人物生活的面貌，绘画过程中出现的人物造型与服饰来源于实际生活。人物的形象圆脸朱唇，面庞丰腴，不管在人物的服饰、形体、及神态方面，还是人们的生活场景，都和当时的唐朝宫廷生活有很多的相似性，进而使刻画出人物的神态十分端庄。而当时的人们生活十分富裕，精神状态很好，这些人物绘画作品能够充分体现出当时的经济繁荣和发达。所刻画的手法较为细腻，而且可以从画面中充分感受到人物的精神状态；从花卉方面来看，团花的图案偏多，图案比较美观，色泽非常艳丽。

我们从三灵坟墓室的壁画作品来看，壁画以花卉和人物两种类型为主。花卉的艺术表现都是绘画成连续的团花图案，所绘画出的图案较为精美；而且墓室壁画人物基本都是分成女性和武士，女性丰腴的面部表情非常丰富。渤海国墓室壁画上的花卉图案和唐代人物画中的服饰图案非常类似，这表明，渤海国墓室壁画艺术风格和唐朝墓室的壁画艺术风格基本是相同的。在贞孝公主墓中，甬道、墓室四面都画有相应的壁画，基本都是繪画有武士、乐伎等人物形象，这些人物形态、服饰颜色刻画与实际生活基本一致，圆脸是壁画人物常见的绘画手法，丰腴的面庞，腰间束有革带。所绘画出的人物，形体较为硕胖，充分体现出初唐时期的人物绘画风格，同时也反映了唐代的经济、文化发展对周边少数民族的影响。

2 宗教题材

唐代渤海国的绘画作品在一定程度上体现了一定的宗教特色。唐代渤海国的民族较多，很多人的宗教信仰都不相同，尽管各个民族间呈现渐渐融合发展的趋势，但大部分人在生活中一直都保留本民族的宗教信仰，这种形式的宗教色彩在少数民族所应用的器物及服饰中有一定的体现。但从整个唐代渤海国绘画艺术作品上看，渤海国以宗教信仰对题材的绘画作品被保存下来的非常少。

3 渤海国的绘画功能

在中国古代，民族绘画功能和教育功能对整个国家发展起着非常重要的作用。南齐的谢赫在《画品》一书中有这样的记载：“明劝诫，著升沉，千载寂寥，披图可鉴”。在贞孝公主墓中，壁画四周奴仆们手拿乐器，说明音乐在当时宫廷生活中有很大的作用。通过使用刻画这些生活场景来反映出唐朝统治者的心胸开阔和博爱精神，墓室壁画上人物都非常淳朴，而且对人物线条的绘画技巧非常简练，明显有许多方面继承了汉魏的艺术绘画的风格。并且除勾线之外，绘画人员所创作出的人物面部的两鬓、脸颊以及衣褶等方面所表现出的立体感十分强。根据相关的史料证明，渤海国绘画艺术、音乐文化以及完善的社会功能都与唐朝极为相似，在对渤海国墓室壁画的赏析中可以充分证明渤海国绘画艺术和唐代的绘画具有师承的关系，渤海国绘画的发展受唐代绘画艺术的影响较深，而且在礼仪表达方面也效仿了唐代的绘画。

五 结语

总而言之，渤海国在进行民族文化融合时，充分吸收了唐朝的绘画风格，进而促进自身绘画艺术能够得到有效的发展与提升，并呈现出非常高的文化艺术水平。本文通过分析唐代渤海国绘画艺术，充分明确了渤海国的绘画特点受唐代绘画风格的影响较深，并结合相应的历史背景与渤海国的自身特点进行深入研究。所以，有关的历史学专家应该增强对唐代渤海国的绘画艺术的研究力度，进而提升整个研究的质量，以便加深人们对唐代渤海国绘画艺术的了解。

注：本文系黑龙江省艺术规划课题研究成果之一，课题编号：2013B064。

参考文献：

[1] 王禹浪、于彭：《2012-2013年渤海史研究评述》，《延边大学学报》，2014年第4期。

[2] 马千里：《浅谈绘画艺术的内容与形式》，《参花》，2013年第8期。

[3] 段伟：《绘画古籍文献概说》，《兰台世界》，2012年第15期。

[4] 王若鸿：《唐代绘画艺术之历史探源》，《兰台世界》，2012年第12期。

[5] 张中华：《唐代绘画艺术与唐代家具艺术之间的关系》，《城市建设理论研究》，2014年第9期。

[6] 冯美玲：《试析唐代绘画艺术教育对现代绘画艺术的启示》，《魅力中国》，2012年第35期。

（谭红毅，牡丹江师范学院美术与设计学院副教授）