奥尔夫音乐教学理论（精选12篇）
奥尔夫音乐教学理论 第1篇
一、有效教学理论下奥尔夫音乐的内涵和特点
1.奥尔夫音乐的内涵
奥尔夫音乐是德国作曲家卡尔·奥尔夫创立的。奥尔夫音乐教育体系的形成和发展, 体现了音乐教育的改革。奥尔夫音乐的重点不是教材本身, 而是音乐教学的一种观念。奥尔夫音乐教学以节奏为基础, 从游戏入手, 通过对乐器的使用和把握, 可以进行即兴的创作, 在音乐活动开展过程中, 可以进行动作造型, 声音造型和乐器的综合运用。奥尔夫音乐是多种艺术的结合体, 是音乐与舞蹈、话剧、美术等相关艺术科目联合的一种形式。
2.奥尔夫音乐与有效教学理论结合的思想特点
有效教学理论可以主要表现为三个特点, 目标的取向性, 技能的取向性, 成就的取向性。奥尔夫音乐教学法与有效教学理论不谋而合。奥尔夫音乐的艺术价值在于无论是音乐的音准还是音色, 无论是和声还是乐曲的结构, 无论是配器还是辅助性的物质都符合艺术的根本性要求, 具有高质量的艺术特性。
二、有效教学理论指导下奥尔夫音乐活动课的优势与实践
有教学理论中注重在课堂中, 要保持热情与理解, 要保证课程有条理, 有组织, 在教学中讲究刺激与想象。以高校的奥尔夫音乐活动课为例, 课程的主题叫做《青春舞曲》, 在运用奥尔夫音乐教学法的实践中, 就要将奥尔夫音乐教学适当的本土化。奥尔夫教学的重点在于不是要具体的教会什么, 而是要启迪学习者。具体的教学过程可以描述为:
1.以故事进行引导
《青春舞曲》是我国新疆的一个歌曲, 是西部音乐的代表, 作者王洛宾有西部歌王之称。在1939年收集并且改变了这首歌。讲述这个场景, 学生的心理就会铺垫一种西部辽阔的场景, 对音乐的背景和产生有了足够的了解。这是有效教学理论中奠定课堂基调的典范。
2.关注歌曲的律动
《青春舞曲》节奏鲜明, 最开始为十个音节, 但是, 在歌词翻译过来以后, 只剩下六个音节, 音乐就失去了鲜花的影响。王洛宾的贡献就是通过在词中加上衬语, “别的那呦呦”还原了十个音节, 这样《青春舞曲》的整体风格不仅没有丢失, 还增添了异域风情。 在奥尔夫音乐法教学中, 让学生主动去哼唱曲调, 以节奏划分清晰的认定音乐的魅力。在艺术类型中, 音乐是首当其冲的艺术类型。音乐教育对于人的成长具有至关重要的作用。而音乐学习的有效性就是理论的鲜明。
3.呈现音乐背后的画面
有效教学需要展开想象, 《青春舞曲》的歌曲很活泼, 具有很强的画面感, 在指导学生演唱过程中, 就要充分发挥学生的想象力。教师可以提出问题, 例如西部的风光是什么样的, 可以怎样去描述, 小鸟的影子从高空中划过的洒脱, 苍茫大地上青春奋斗的身影等等。感知音乐的文化对于学生而言具有重要的作用。高等教育阶段的艺术课程, 引入奥尔夫音乐理论, 是对音乐教学的重视, 更是对音乐教育升级化的重要尝试, 也是对其他相关学科的艺术性探索。
4.音乐与舞蹈的综合运用
有效教学理论倡导教学过程要有条理, 有组织。《青春舞曲》 是高校文艺活动中青睐的主题性曲目, 不仅因为青春是主题, 更重要的其旋律让人有翩翩起舞的冲动。在教学中, 可以让学生进行舞蹈的体验, 根据律动去移动身体, 不需要固定的模式, 更不需要完整的动作, 只需要表达对青春的感激和对青春的眷恋, 将音乐、舞蹈、画面、文化有机结合。
有效教学理论在艺术教育中, 是教育教学最有效的方法, 基于有效教学理论的艺术教育, 是传统教育和现代教育的结合, 都占据了重要的地位。艺术教育的目的是让人在成长过程中, 能够感知更多的美好事物, 能够丰富自己的智力和情感。音乐是人类的语言, 音乐没有国界, 音乐具有至高无上的统治权力, 在音乐面前, 人们的感受是丰富的, 也是具有各自的特性的。有效教学理论下的奥尔夫音乐教学的主要贡献就是把音乐从固定封闭的模式中拉出来, 还原音乐本身的创造力, 让音乐与人保持一种互动的关系。
参考文献
奥尔夫音乐教学理论 第2篇
1、感受乐曲轻松开心、诙谐幽默的心情，初步理解乐曲ABAB’…反复的构造，感知A段欢快跳动、B段延长且层层累加的特点。
2、引导幼儿在现有生活阅历的根底上，创编牙膏跳舞及挤牙膏的动作。
活动预备：
教学图谱一张，用小纸张将“牙膏条〞一一遮住;教具大牙膏一个;音乐磁带。
活动重点、难点：
重点：感受乐曲轻松、诙谐的心情，并大胆用动作开心地表现。
难点：初步理解乐曲的构造，感知A段欢快跳动、B段延长且层层累加。
活动过程：
1、幼儿完好地倾听乐曲，体验乐曲欢快、诙谐的心情。
2、教师结合教具简述故事?牙膏舞会?，关心幼儿理解乐曲所表现的形象和内容。
3、结合图谱，欣赏音乐，初步理解乐曲构造。
〔1〕教师听音乐指图谱，依次出示牙膏条;提问：牙膏跳舞时，音乐是一样的吗?
〔2〕幼儿随音乐指图谱提问：挤牙膏时，音乐一样吗?有什么变化?
〔3〕请力量强的幼儿听音乐领指图谱。
4、教师启发幼儿创编牙膏跳舞及挤牙膏的动作。
5、完好地随音乐表演。全体幼儿跳圆圈舞，B段时，教师依次请幼儿进圈当牙膏条，做出各种造型。
6、教师简洁介绍乐曲，启发幼儿起名字。
活动延长：
1、可在欣赏音乐的根底上，学惯用打击乐器为乐曲伴奏。
奥尔夫音乐教学理论 第3篇
关键词：奥尔夫音乐治疗；奥尔夫音乐教学法
中图分类号：J60-4 文献标识码：A 文章编号：1672-8882（2015）05-085-02
一、奥尔夫音乐治疗的理论思想
奥尔夫音乐治疗（Orff Music Therapy）与奥尔夫教学法均源自德国音乐教育家卡尔·奥尔夫（Carl Orff， 1895-1982）所提出的教育理念。两者适用的对象都可以是0到100岁的人，不同的是，奥尔夫教学法主要由奥尔夫本人创立、发展开来，以音乐教育为目的。对象目前主要为一般儿童，目标偏向于通过教导音乐来发展儿童的潜能，因此它在学前教育领域得到较广泛的应用和重视；奥尔夫音乐治疗由其妻子格特鲁德·奥尔夫（Gertrud Orff，1914-2000）发展推广，以治疗为目的。对象为有特殊需求或治疗需求的儿童，甚至是青少年以及成人和老人，目标偏向于改善来访者现有的问题或是延缓问题的发生，因此它被广泛应用在特殊教育以及心理治疗领域中的音乐疗法中。鉴于奥尔夫音乐治疗在儿童治疗中具有较大的优势，本文的探讨围绕儿童治疗展开。
奥尔夫音乐治疗的目标是创造一个充满音乐的有较强安全感的环境，让被治疗者能在其中充分表现自己，并与他人一起创作音乐的过程中实现自我成长。在做奥尔夫音乐治疗之前，治疗师首先要问一个问题，即来访的儿童拥有什么感觉？缺乏什么感觉？据此评定儿童的知觉机能且给予适当的引导。奥尔夫音乐治疗认为，儿童即使缺乏某方面的感觉，但在另外一种感觉上却能得到充分开发。据此，奥尔夫音乐治疗强调通过自发性参与，让儿童自己探索、发现、组织各种音乐素材，以即兴创作的方式促进儿童创造力的充分发展。治疗师再藉由组织各种音乐素材，以即兴模式引导儿童发挥创造力。
在治疗实践中，治疗师需要将奥尔夫音乐教学理念的四个方面贯穿其中，即原本性、综合性、参与性和过程取向四个方面，它们之间相互渗透与交织。
第一，在原本性方面，奥尔夫音乐教育重视儿童发展的基本元素，包括肢体发展、语言发展、认知发展、情绪发展、社会行为发展等。音乐活动必须符合儿童的发展阶段，而非以音乐技巧训练为目的，所以在奥尔夫音乐治疗中，治疗师必须充分了解来访者的身心情况，并根据其发展阶段设计相应的治疗活动。
第二，在综合性上，奥尔夫的音乐并非单独存在，而是与律动、舞蹈、语言、歌唱等活动结合。奥尔夫音乐治疗师必须以整体观点了解来访者的问题，如当儿童语言能力不足时，除了考察该儿童语言训练缺乏外，同时也需评估其他原因，如情绪方面的困扰等。
第三，在参与性上，奥尔夫音乐活动的取材是儿童所熟悉的，必须来自儿童的世界和他所处的文化和传统，从而让儿童通过体验发展能力、了解自己。
第四，在过程取向方面上，奥爾夫音乐治疗对过程的强调要重于结果，治疗师必须具有从儿童主动创作或表现中做出准确评估和判断的能力，进而据此制定治疗方案，逐步改善症状，取得良好的成效。
二、奥尔夫音乐治疗的形式
奥尔夫音乐治疗延续了奥尔夫所提倡的“原本性音乐”（elemental music）概念。在奥尔夫看来，原本性音乐是个人自我表达的广泛形式，它是自然发展而成的，不需要特别的或复杂的训练；它建立在个人的诉求或选择上，也是个人经验深刻的表现。需要注意的是，原本性音乐本身并不是音乐，而是强调活动与口语相结合的形式，所使用的材料是由来访者既有的技能以及他在自然环境中自发参与而形成的。因此，奥尔夫音乐治疗既可以使用一切能够使用的媒介，如人声、乐器、活动等，也可以使用不同的表达模式，包括跳舞、诗歌、游戏、动作模仿、表演和美术等[1]。
奥尔夫音乐治疗多采用团体音乐治疗的形式。不同于奥尔夫音乐教学是以音乐教育为首要目标，奥尔夫音乐治疗是以治疗为主要目标，故而其人数不能像奥尔夫音乐教学那样由大班组成，而是依从团体心理咨询的一些要求，8人左右比较合适。人数太多的话容易让团体形成小群体，从而影响团体的凝聚力，不利于治疗的开展；人数太少的话，团体的效果便显现不出来[2]。凝聚力是团体治疗过程中的核心疗效因素，其重要性相当于个体咨询过程中的治疗关系[3]，因此成为奥尔夫音乐治疗团体组件中最受关注的问题。在实践中，团体的大小可以根据儿童年龄的大小和治疗问题有所调动，如儿童年龄越小，组成团体的人数就应该越少，若来访者前来咨询的问题为基本的社交问题时，团体人数可适度增加。此外，团体的规模也受到来访者认知能力的影响，若来访者对基本的口语或非口语指令有理解的困难时，治疗师应做出相应的评估，可依据来访者的状况与需求做最适切的安排与调整，如通过减少团体治疗的成员数、增加助手、对个别认知困难的儿童再额外进行个别治疗或让其仅参与适合他认知能力的那部分阶段等。故而，对参与奥尔夫音乐治疗团体的来访者，咨询师都应该先进行相应的评估，如让儿童对“看我、来这里、坐下、站起来”等基本指令的回应作出评估。奥尔夫音乐治疗不强调团体的同质性，认为团体成员可以期待每个人都帮助他人，也可以接受其他人的帮助，从而在互动关系中促进个人成长。
三、奥尔夫音乐治疗的过程
奥尔夫音乐治疗的实施步骤一般分为治疗前、治疗中和治疗后三个阶段[4]。治疗后阶段是在治疗结束后由治疗师对治疗的效果进行记录、评估和建议，因这一行为是所有心理咨询和治疗共有的且不涉及来访者，故而下文不再详细分析。
（一）治疗前阶段
第一，治疗师应对来访者的背景资料有一个了解，主要查看来访者的临床资料，如过去治疗的记录、评估特别是关于音乐治疗的记录。了解来访者的临床资料可以帮助治疗师根据来访者的具体情况做出准确的评估和制定合理的治疗方案，以便为个人及团体治疗需求选定相适应的环境和目标，并据此判断哪些知觉型态、媒介和活动可以在治疗过程中应用。
第二，治疗师需要营造安全的气氛，界定并调整个人与团体间的活动空间，以便让来访者对治疗产生信心。奥尔夫音乐治疗经常让来治疗的团体成员围成一个圆圈，圆圈中间的空地是团体成员彼此沟通与分享的地方。这对胆怯害羞的儿童来说尤为适用，因为圆圈可让他们获得某种程度的空间自由，对于过于好动的儿童也间接限制了他们活动的空间。此外，治疗师也可以利用粉笔画地、呼拉圈、绳子等方式限定空间，让孩子拥有自己的个人领域。此外，由于环境是一个持续存在的因素，因此房间的选取也很重要，其大小、形状以及周边环境和内部东西的放置都会影响到儿童的参与程度，如房间外马路上车来车往的噪音往往使儿童分心，这些都是治疗师必须要考虑的因素[5]。
第三，感知能力形式的选择。格特鲁德·奥尔夫认为，感知能力是个体针对某人或某事的反应过程，这正是治疗的目的所在，因此“感知能力是音乐治疗的必要条件，没有它的话，所谓的音乐治疗便无从谈起”[5]。奥尔夫音乐治疗认为儿童的发展是一个整体性的发展，它应该兼具听觉、视觉、触觉、肌肉运动知觉、嗅觉、味觉的多元治疗法。治疗师通常会选择一种知觉形式作为主要刺激，其他形式的感知能力可作为增强的辅助功能。
第四，媒介和活动形式的选择。在奥尔夫治疗中，治疗师会根据来访者的知觉能力以及治疗目标而设定合适的媒介和活动的形式，如创造可变空间以有利于律动的进行，或采用人声活动、指令活动、运动性活动、口语活动、美术活动和情意活动等。
第五，材料的选取。奥尔夫音乐治疗之所以要使用材料，其主要目的便是在于激发或辅助即兴创造的顺利进行，所以选择时应该选择儿童熟悉的、有一定实施弹性且符合其能力范围的那些材料。
第六，活动分析。治疗师依据活动内容对儿童的适用程度、儿童所具备的能力以及治疗的目标，将活动分门别类并逐一进行相应的分析。
（二）治疗中阶段
活动具体可分为暖身、激发、关联反应、探索、定型和结束六个步骤。
第一，暖身可强化团体成员的参与程度，通常采用问候歌的形式展开，治疗师以歌唱方式问候儿童，儿童回应唱出来。
第二，暖身后，治疗师运用不同的媒介材料，通过不同知觉形式刺激儿童，以促进儿童的创造反应。激发的目的在于通过对儿童的刺激，而唤醒儿童对某些事物的兴趣，激发本身就是一种儿童展示自我能力的过程，它是儿童成长的一种重要因素，若善加使用可有效改善儿童的行为[5]。
第三，关联反应可分为音乐性关联及内在个人关联两种，前者偏重于外在媒介、活动与材料之结合，后者则是治疗活动中人际的互动形式，如治疗师与团体成员间的互动。
第四，暖身、激发、关联反应三个阶段的活动设计多是治疗师的主动实施，而到了探索阶段，让儿童自我进行尝试性的创作活动，自我决定以哪种方式对咨询师做出回应。这一阶段是奥尔夫音乐治疗中对儿童的影响最为深远的，因此所分配的时间应该最多，咨询师也应尽力鼓励和激发儿童的探索活动。
第五，定型和结束阶段是奥尔夫音乐资料的收尾阶段，治疗师回顾治疗的过程并进行相应的反省，并和儿童进行告别。
参考文献：
[1] Bruscia， K. E. Improvisational models of music therapy[M]. Springfield， IN： Charles C. Thomas， 1987.
[2] 欧文·亚隆， 默林·莱兹克兹. 团体心理治疗理论与实践（第五版） [M]. 李敏， 李鸣译. 北京： 中国轻工业出版社， 2010.
[3] 贾烜， 樊富珉， 鲁小华. 团体心理治疗中凝聚力的概念及测量研究述評[J]. 心理科学， 2013， 36（6）： 1476-1479.
[4] Bitcon， C. H. Alike and difference： the clinical and education use of Orff Schulwerk[M]. Santa Ana， CA： Rosha Press， 1976.
奥尔夫音乐教学理论 第4篇
关键词：奥尔夫音乐,高职学前专业,舞蹈教学
一、奥尔夫音乐的发展历程和课程特点
1. 奥尔夫简介。
奥尔夫的全名是卡尔·奥尔夫, 他非常有创作天赋, 并拥有了很多的音乐作品, 像《卡尔米拿·布拉娜》就出自他的手, 同时他对音乐教育也有着自己的想法, 并编写了《学校音乐教材》这本书, 这本书体现出来的教育理论对当时的社会简直是一个冲击, 此理论也成为了目前社会上最具影响力的音乐教育理论之一。奥尔夫本人非常有才华, 曾经改编了许多的钢琴曲, 自己的作品中也包含了各种曲风。奥尔夫的作品大部分从民间生活和神话故事中寻找灵感, 并愿意将其他领域的艺术与音乐进行结合。奥尔夫曾经自己建立了一个学校, 取名为京特学校, 从这个学校中出来的人们基本成为了下一批音乐师资和从事音乐的专业表演者。奥尔夫本人在这所拥有体操、舞蹈和音乐的学校里从事了教育方面的工作, 并在此期间编写了独创教材《学校儿童音乐教材》, 这本书将他本人的观点淋漓尽致的表达了出来:将音乐通过一些有形的表达方式表现出来;结合音乐和音乐教育, 让两者共同发展。奥尔夫本人不喜欢局限在自己的国家传递自己的想法, 所以他选择去世界各地去讲解和演说, 这种做法又进一步的提升了自己的知名度, 其想法也被更多的人去接受。
2. 奥尔夫音乐在各国的发展历程。
奥尔夫音乐在美国风靡一时, 它的应用遍布了各种领域, 不只是音乐教育, 它使得这一理论受益于老年人、残疾人和幼儿。奥尔夫音乐教育体系在上世纪60年代在美国开始盛行, 迄今为止, 奥尔夫音乐协会的成员遍布美国, 影响力仍然继续升温中。中国改革开放后, 在我国知名的音乐人与奥尔夫先生的交流后, 这股新思潮开始涌入中国人的大脑。由于时代的限制, 当时的中国对于奥尔夫理论并没有足够的应用。而到了近些年, 国人对奥尔夫音乐理论越来越重视, 在国内开设了音乐舞蹈教室, 同时奥尔夫专业委员会参与了我国教育部门组织的“艺术课”标准的讨论和制定。
3. 奥尔夫音乐的课程特点。
具有以人为本的教学理念。奥尔夫音乐的特性脱离不开创作者本人所坚持的信念, 奥尔夫主张增强个人的综合素质, 而不是将每个参与到奥尔夫音乐的人都成为音乐家, 音乐的练就不是一个人要达到的目标, 而是想要成为成功人士所要使用的手段。奥尔夫音乐追求的是各个国家艺术的融合, 同时在传播过程中也体现出了它的包容性。保持原有的音乐教育的特性。每个参与到奥尔夫音乐的人, 不能仅仅是听众, 而是要在享受乐曲的过程中体会到原本的音乐, 即它是舞蹈、语言和音乐的综合体。倾听是学习的首要步骤, 有了倾听才能将最真切的东西放到脑子里, 不懂得倾听的人是不会有进步的, 因为第一步都走错了, 下一步是不会走对的。通过倾听进入脑子里的东西结合自身具备的世界观、价值观、生活背景以及对音乐的感悟就可以产生出一种更新的属于听者本人的音乐。这种感悟对于音乐教育来说是至关重要的, 所以在日常的音乐教育中要充分体现出情感的交流和音乐再创造。对于奥尔夫音乐的倾听者不仅仅要去听奥尔夫音乐的声音, 还要去想着它周边的舞蹈和语言。重视音乐节奏。奥尔夫认为节奏是音乐的基础, 它与人的心理和行为有着不可分割的关系, 人们可以利用这种统一来培养儿童的节奏感, 使他们很快速的接受新鲜事物, 提高学习的乐趣。对于音乐来说, 节奏就是生命, 不同的曲风拥有着不同的节奏, 而曲子之间寻找同类与否的时候, 并不是看音乐的词、配合的舞蹈或者其他的什么, 主要还是去探索两首曲子之间的节奏是否有共同点, 有共同的、相对突出的音乐共同点就会成为划分曲风的重要标准。还有一点需要说明, 就是很多的人爱听外国歌曲, 听不懂他们的语言、模仿不出他们的动作, 但是仅仅听音乐中的节奏就能够感知这首曲子带给所有人的喜怒哀乐, 而这就是节奏所起的作用。强调即兴创作性。引导性的创作是奥尔夫音乐理论中的一个非常重要的内容, 它主要是通过一种即兴的发挥来让受教育者主动的去创作音乐、感知音乐, 同时还能减轻学习的压力, 增强了趣味性。人生活的环境无时不刻的在进行着变化, 感知的事物与上一秒的状态就不一样, 为保证能够实时的保存下来当时的景色和心态, 就需要在第一时间即兴去创作音乐。
二、探究奥尔夫音乐在高职学前专业舞蹈教学中应用的可行性
1. 舞蹈和奥尔夫音乐的本质联系。
舞蹈作为一种艺术表达方式, 它将人的内心和行为进行统一, 最后达到身心舒畅的目的。对于很多人来说, 学习舞蹈并不是要学到一项技能, 而是要在里面体会和感悟艺术的乐趣。音乐也是一样, 它也不是特殊部分的素质的提高, 而是将人类的内心所想表达出来。从这一点可以看出, 两种艺术形式的本原性的表达上面是一致的。
2. 奥尔夫音乐在高职学前专业舞蹈教学的应用。
针对高职学前专业的舞蹈来说, 更应该注重学生的创作能力, 因为此时的学生没有过多理论和经验的条条框框的约束, 他们更可以创作出更加美妙和特别的东西, 同时, 努力去培养这种创作性, 对于学生个人今后的发展也是相当有利的, 而这种创造性的练习和掌握正是奥尔夫音乐教学中所期望的。奥尔夫音乐追求的是一种心灵的解放, 是对个性的追逐, 这就导致它对音乐的教育方式并不像其他学科那样的教条化, 它是从人的本来样子出发来进行人类本原的探索, 这种态度体现了舞蹈教学的本质要求, 两者是可以达到统一发展的。要探究什么是适合高职学前的课程, 首先应该明确受教育的对象特征。高职学前专业的学生将来走上工作岗位后面对的是幼儿, 这就要求我们的课程要以幼儿为主要的研究对象。从幼儿的心智水平和情感能力等等的整体角度来看, 他们基本没有学习的技能, 没有足够的理解能力, 这使得我们的教育研究要呈现出一种整体性的特点, 来激发幼儿对于美学的直觉理解, 最后达到互相沟通思想。对于儿童来说, 一个课程是否有吸引力对于课程的成功有着很大的决定性作用, 这就要求课程需要有趣味性。奥尔夫音乐的融入同样也希望表达任何想法都要从整体性着手, 趣味性也可以从奥尔夫音乐坚持的东西中得到灵感, 就是将说、唱、舞蹈和音乐有机的结合在一起, 同时举行比赛, 来增强他们的竞争意识。
综上所述, 本文以奥尔夫本人和奥尔夫音乐发展背景来展开文章的论述, 深入探讨了舞蹈和奥尔夫音乐的契合性, 并分析了奥尔夫音乐在高职学前专业的舞蹈教学中也可以发挥的作用。
参考文献
[1]曹静.学前教育专业舞蹈教学中奥尔夫教育理念的应用研究[J].音乐大观, 2013, (01) :174.
中班奥尔夫音乐 第5篇
设计意图：
音乐是一门听赏艺术，通过音乐欣赏，让幼儿喜欢听，懂得听，初步学会辨听作品的节奏、速度等，能发展幼儿的听觉和对音乐的听辨能力。因此我选取了奥尔夫音乐《锯木头游戏》，乐曲形象鲜明、突出，便于幼儿分辨音乐的节奏，也能更好的培养孩子对音乐的兴趣。
活动目标：
1、欣赏音乐，根据音乐结合生活创编各种道具的锯、钉、转方法；
2、用各种乐器感应“节奏”，并演奏；
3、在音乐游戏中，乐于与同伴合作表演，感受音乐所带来的快乐。
活动重难点：
重点：通过肢体和道具感应锯、钉、转；
难点：如何引导幼儿通过肢体、乐器感应音乐节奏。
活动准备：
乐器: 蛙鸣筒、打棒、圆舞板、音乐：奥尔夫音乐《锯木头游戏》《奇妙的舞步》
材料：锯子、钉子、螺丝的图片
挂图：奥尔夫故事挂图
活动过程： <一>导入活动
1、音乐游戏《奇妙的舞步》
2、故事引出主题：（出示挂图）森林里要举行选美大赛，狮子国王让小蚂蚁负责搭建舞台，在小动物的帮助下，运来了好多的木头，有长长的，短短的，粗粗的，细细的，可是要怎样才能把这些木头搭成舞台呢？会用到什么样的工具呢？
3、引导幼儿说出锯子、钉子、螺丝。
4、出示图片，让幼儿认识以上三种工具。
<二> 欣赏音乐，创造锯钉转的方法
第一遍欣赏音乐
第二遍听音乐：听一听小蚂蚁先用了哪样工具？
第三遍听音乐：听一听小蚂蚁在音乐的什么地方锯木头了？
1、启发幼儿想象锯木头的动作。教师：小朋友用双手怎样做锯木头的动作，还可以用哪里锯木头呢？
2、如果两个人怎么锯木头呢？（合作）
3、它锯了几次木头？配合音乐在黑板上画出节奏线。
4、配合音乐做动作。
5、启发幼儿尝试创编出钉木头和转木头的动作。教师：木头可以用来锯，那怎样钉？怎样转呢？
6、播放音乐，教师与幼儿一同听音乐做动作。
<三>乐器感应、演奏音乐
1、除了用我们的身体锯木头，还可以用什么呢？（乐器）
2、让小朋友尝试探索各种乐器的声音。
3、现在我们要当小音乐家了，于老师是指挥家，我们一起来演奏音乐吧！
活动延伸：
奥尔夫音乐：在游戏中学习 第6篇
（the Orff Schulwerk）
奥尔夫音乐体系是德国作曲家、音乐教育家卡尔奥尔夫在上世纪50年代创立的。与重视技法的传统音乐教育不同，奥尔夫认为：表达思想和情绪是人类的本能欲望，这种欲望会通过语言、音乐和舞蹈等形式自然地流露。因此，音乐教育的首要任务就是不断启发和提升这种本能的表现力。“诉诸感性，回归人本”是奥尔夫音乐体系的基本理念。
有这样一群孩子：他们从小在游戏中弹琴、哼歌，学习如何用音调高低表达情绪的起伏，并且在书声琴韵里学会了创新与合作；更重要的是，他们不需要家长时时刻刻的监督。这就是目前世界上三大幼儿音乐教育体系之一的“奥尔夫音乐体系”所提倡的学习模式。在这种模式下，乐理知识不再枯燥难懂，学习变成一件简单有趣的事。
奥尔夫音乐在中国
上世纪80年代中期，廖乃雄教授（时任上海音乐学院音乐研究所所长）将奥尔夫儿童音乐舞蹈基础教育模式带入了中国。
此后，国际上早期教育和脑科学的发展带动了早期音乐教育兴起，中国奥尔夫专业委员会与各地的幼教机构合作建立了不少“奥尔夫舞蹈音乐教室”。2008年《奥尔夫音乐亲子教学》的出版，推动了我国0～3岁幼儿早期音乐教育的课程研究。
据我国第一位赴奥尔夫学院深造的区海婴老师介绍，奥尔夫音乐体系包括了国民音乐素养普及教育和专业方向深造。虽然如今奥尔夫音乐教育理念己经扩展到终身教育，但奥尔夫学院仍坚持只接收4～16岁的孩子。目前我们国内的奥尔夫音乐教育，除了在幼儿园开设舞蹈音乐教室外，大部分都集中在针对0～3岁年龄段的早教机构。“三岁以后怎么办？”区海婴认为，目前国内奥尔夫音乐教育的一大问题是缺少教学的延续性。
艺术是为情感表达
艺术是表达人类情感的方式，不同的艺术形式作用于不同的感觉器官。音乐是使用不同的音高、节奏，作用于耳朵；舞蹈则使用人的肢体，在音乐的伴奏下表达情感，作用于视觉。不过这一切最终都会融汇于大脑，引起人的共鸣、思考。奥尔夫教学就是从这点出发的。
对孩子而言，“情感”是个不好体会和把握的概念，这就需要通过课程设计，让他们在各种活动中去感受。孩子们开始感受、了解音乐，才能进一步去表现音乐。这样的音乐，才是发自内心的、有血有肉的的情感表达方式。
用游戏建立宏观艺术概念
奥尔夫音乐体系以节奏作为连接各种艺术表演形式的纽带，将音乐、舞蹈、话剧、美术等科目联系起来，形成一种综合的艺术教学手段。通过不同专业间相互关联、层层递进，从而为孩子建立起宏观的艺术概念，让他们学到艺术结构基础知识。然后，根据孩子的年龄特点和兴趣爱好，以游戏的形式，让孩子在轻松愉快的氛围下感受、领悟和表现人类丰富的情感世界。
孩子们还能从游戏中了解到，为不同的节奏填入不同的音，就能创作出不同的歌曲；选择不同的音，还会构成不同的调：有像太阳一般明亮的大调，也有像月亮一样温柔的小调——它们都是表达不同情感的基本模式。这些音乐基本框架概念的建立，会大大加快孩子以后在音乐学习上的进度。
奥尔夫音乐体系能为艺术专业学习打下良好基础。它着眼于“育人”，因此，还能帮助挖掘和发展孩子的各种潜能。
不宜过早进入专业学习
四五岁左右是孩子创造力萌芽和发展的重要阶段，以艺术手段去培养孩子的创造能力、独立思考能力、自信心、团队协作能力是奥尔夫教育中极其重要的一环。所以，在奥尔夫教学中就设计了各种各样的艺术形式，以诱导和发展这些重要素质，并提供了一个全方位的艺术环境，引导孩子们进入艺术的探索之路。
假如孩子在选择学习乐器之前，能够先进入“接触—— 感受 ——了解”艺术的准备阶段，并且在打好一定基础的同时，能完善进入社会群体生活所需的各种素质，这对往后的学习、生活起到一个很好的铺垫作用。以现代教育发展的眼光来看，这个阶段的设计安排是必需和重要的。
在这个准备阶段中，大人能充分了解孩子的喜好和特长，再引导到他们所喜爱的乐器学习中，这是事半功倍的学习方法。
周晖（深圳，全职妈妈）：整个训练课几乎没有空洞抽象的理论说教。从孩子喜爱的节奏朗诵入手，把孩子带入音乐世界的同时也带给孩子自信心、成就感、创造力、竞争意识及团队意识。
Vitzthum（奥地利，音乐家）：我小时候学钢琴很苦，一半靠兴趣一半靠妈妈打。如何把音乐启蒙做得让孩子喜欢并且容易掌握，奥尔夫是个很好的示范。
江南（杭州，工程师）：二十多年前，四岁的女儿开始学二胡，家里的三个音乐老师都没教会她——指法乐理把她吓坏了，病了一场就再也不肯学。现在小外孙四岁半，周末去奥尔夫学校做游戏、蹦蹦跳跳，玩得很开心。原来音乐还可以这样学。
解析奥尔夫音乐教学法 第7篇
(一) 健全人格的培养
相比较其他的音乐教学法, 奥尔夫音乐教学法更重视健全人格的培养, 音乐只是一个手段, 通过音乐的学习来自身自我修养是关键。音乐教学中还加入了舞蹈、诗歌、美术以及戏剧, 多方面提高孩子的素养, 在音乐的感染下树立正确的人生观和价值观。
(二) 全员参与
天分阻碍了很多孩子学习音乐的道路, 有天分的孩子才能学习音乐这个说法过于片面, 讲授孩子音乐并不是让他们成为音乐家, 只是希望激发他们的兴趣, 陶冶情操。奥尔夫坚持每个孩子都有学习音乐的能力, 让他们在学习的过程中感受到音乐的魅力。奥尔夫音乐教学法采取“玩中学, 学中玩”的教学手段, 将枯燥的音乐理论与实践结合在一起, 将音乐的难度大大降低, 让每个学生都能在很短的时间内掌握学习的技巧, 增强孩子的自信心。
(三) 感知的力量
大部分的音乐教学只是简单地讲解理论知识, 学生的积极性被削弱, 刚刚接触的学生无法在有限的时间里理解和消化老师讲解的内容。奥尔夫强调感知的力量, 首先让孩子自己接触和了解音乐, 激发他们的内在潜能, 当他们掌握基本的技巧之后讲解相关的音乐知识。通过游戏式的教学方式激发孩子的兴趣, 了解“怎么做”之后再学习“为什么”。
二、奥尔夫音乐教学法与传统音乐教学法的差异
(一) 激发兴趣
兴趣奥尔夫音乐教学法的基本出发点, 只有激发孩子的学习兴趣才能让他们真正喜欢上音乐。奥尔夫通过游戏的方式将不同的乐器和音乐结合在一起, 让孩子亲身感受到音乐的魅力, 根据自身的实际情况制定相应的学习计划, 这种教学方式质量和效率更高。传统的音乐教学法忽视了学生的主体位置, 课堂上的大部分时间由老师讲解相关的理论知识, 学生只是被动接受知识, 课堂缺乏生机和活动, 教学效率低下。奥尔夫音乐教学强调音乐与内心的交流, 让孩子从内心里喜欢和接受音乐才达到最终的教学目的, 激发兴趣是两种不同教学方式最大的不同。
(二) 综合性的教学
奥尔夫教学中不仅仅是音乐知识, 还包含语言、美术以及表演等多方面的知识, 从不同的角度来促进孩子的成长。例如在学习《落叶歌》时还是可以画出自己印象中的落叶, 充分发挥学生的想象力和创造力。在听音乐的过程中感受不同乐器发出的声音, 在唱歌的过程中孩子也可以跟随着音乐的节奏作出相应的动作, 增添课堂气氛。一节音乐课并不是简单地学会了一首歌, 更学习了美术、自然以及舞蹈等多方面的知识。传统的音乐教学只是老师根据教学大纲的指导来讲解知识, 老师唱一句学生唱一句, 教学方式单一枯燥, 没有很好地将音乐和其他的学科联系在一起, 过分重视音乐技能的提高, 而忽视了音乐素质的培养, 很难实现孩子的全面发展。要想真正激发学生的学习兴趣, 老师一定要学会利用不同的手段来让学生参与到音乐活动中, 自觉地喜欢上音乐。奥尔夫音乐教学法最大的魅力就是可以通过不同的教学方式让孩子掌握各种不同的知识, 既扩展了学生的知识面, 又提高了学生的积极性。音乐教学中坚持综合的理念, 是传统音乐教学需要学习的地方。
(三) 能力的培养
奥尔夫音乐教学法的能力培养主要表现在两个方面:一方面是重视孩子创造力的培养, 创造力是学生学习音乐的重要条件, 通过自己的理解创造出与众不同的音乐才是现今教学的最终目的。奥尔夫将教学过程置于教学结果之上, 学生在学习中不需要按照老师的要求来, 重要的是参与到学习中, 跟随自己的意愿完成任务。学生在探索的过程中很好地锻炼了自己的创造能力, “主动做”是教学的基本, 教学效果并不是仅仅根据最终的结果判定;另一方面是增强学生的自信心, “相信自己能行”是奥尔夫教学的理念, 在探索的过程中实现自身的价值, 增强自信心, 敢于在众人面前展现自己的才华, 自信心是学生今后学习和生活的强有力的支撑。奥尔夫教学采用分组的形式来培养孩子的团队协作能力, 让内向的孩子也能融入到大家庭中, 在交流的过程中要学会互相尊重, 学会听取他人的意见, 实现自身的健康发展。但是传统的音乐教学法缺乏对孩子创造力和想象力的培养, 大部分的学生在音乐学习中缺乏自信, 不敢在众人面前表演。老师将专业知识和音乐技能作为教学的重点, 填鸭式的教学忽视了学生的主体性, 遏制了学生各方面能力的均衡发展。
三、结语
随着社会的不断进步和发展, 未来需要更多的综合性人才, 现在的教学应该重视学生创新能力的培养, 老师应该树立正确的教学观念, 摒弃错误的教学思想。学生是学习的主体, 将课堂上更多的时间留给学生自主学习和创造, 不能过分重视教学的结果而忽视了教学过程的作用, 让孩子主动学, 才能更好地达到预期的效果。“学中玩、玩中学”是现代音乐教学今后发展的方向, 培养出真正的音乐人才。
参考文献
[1]程敏.奥尔夫音乐教学法在职业教育音乐课中的探究运用[J].大观周刊, 2011, 47.
[2]范小曼.奥尔夫音乐教学法对我国钢琴教育教学的启示[J].艺术科技, 2014, 3.
[3]卢斌.奥尔夫音乐教学法在中学课堂的应用[J].文艺生活·文艺理论, 2013, 6.
奥尔夫音乐教学法的魅力所在 第8篇
现在我国很多地方, 许多幼儿园教育都开始渗透和实施奥尔夫音乐教学法, 可见奥尔夫音乐教学法具有一定影响。2007年9月, 笔者有幸参加了中山市教育局举办的为期三天的“奥尔夫音乐教学法”培训班。通过三天的培训, 我们音乐教师受益匪浅。通过学习, 笔者了解了奥尔夫教学法的突出特点, 深刻认识到奥尔夫教学法的目标和理念, 学到了不少实施目标的具体方法和手段。对比我国的音乐教育, 它从目标上更加突出人的创造精神的培养, 从内容和方法上, 更突出了音乐学科的特殊性和以人为本的原则, 与目前我国素质教育的实质是完全一致的。回到学校后, 本人也将这种集唱、奏、动、听综合教学的音乐教学法运用到课堂教学中, 收到了意想不到的成效。通过实践, 笔者认为奥尔夫教学法魅力无穷:
魅力一:创造性是教学的灵魂
奥尔夫教学法的每一个课例都有即兴创作或创编活动, 小至一些动作, 大至创编音乐剧, 在所有的创编活动中, 要求不能雷同和大家共同合作完成, 所有的人都会全身心地投入, 尔后又为自己创作的成功感到欣慰与自豪。在这次“奥尔夫音乐之旅”的实践中, 台湾来的教授就像变魔术一样, 不停地变换黑板上的节奏卡, 创造新的节奏型, 老师们都害怕自己分散了精神而念错了节奏, 所以全体都集中精神, 全神贯注。所以说人的创造性思维是从小发展起来的, 音乐最能给人以想象的空间, 奥尔夫教学法正是抓住了这大好时机使一个人从小养成创新的思维习惯, 并使创造性能力逐渐得到发展, 这对人的一生将起到多么大的作用啊!
魅力二:实践活动贯穿教学始终
奥尔夫教学法认为每节课不用太多的讲述, 教师主要引导学生去做什么, 接下来就是实践排练与即兴创作, 大家似乎感到每一节课都是在“玩”, 在置身于“玩”的过程中去感知音乐的内涵, 去产生人与人之间的情感上的沟通与联系, 在“玩”中增强合作意识和在群体中的协调能力。在小学第一册第四课《动物说话》一课中, 我把学生们按不同动物对象设计分为三个组, 每组扮演的角色都不一样, 然后在老师的引导下, 集中精神看着黑板上的节奏变化而进行有趣的动物狂欢会。学生们兴致勃勃, 认真地投入到自己的角色中去, 这样无形中就培养了一种集体、团队的合作精神。多年来, 音乐教育一直在研究如何激发学生的学习兴趣, 在这里有了明确、肯定的答案, 那就是参与实践活动, 把教师怎样讲变成让学生怎样去做!
魅力三:趣味性的节奏教学
是什么把音乐、舞蹈、语言等联系到一起来呢?那就是节奏。在我们的音乐教学中最重要的部分、学习音乐最基础的部分就是节奏。节奏是一种富有艺术魅力的、活生生的音乐语言。例如:
在小学一年级第一堂音乐课的节奏教学中, 根据学生和老师互相还不熟悉的特点, 首先让他们进行自我介绍。采用歌曲的第一句做引导提问:你的|名字|叫什|么?然后走到每一位学生面前作提问。学生回答必须用上以下的节奏型, 教师先示范一遍:
三个字名字的回答法:按节奏:××|×××| (我叫|付梓晋) ;
两个字名字的答法是:××|××|;[我叫|聂权];然后将学生分成两组, 两个字的站在左边, 三个字的站在右边, 按节奏××|××|和××|×××|进行同学之间互相介绍和认识。在每个学生按节奏介绍完自己的名字后, 再记住对方同学的名字。如:我叫|聂权|、你叫|黎炜欣|。这时老师把四分音符和八分音符写在黑板上, 在让同学们按“×”念“Ta”和“××”念“Titi”读出来。为了让学生对这两个节奏型加深印象, 让他们用手、脚做律动练习, 亲自体会节奏的强弱特点。在游戏中, 学会了四分音符和八分音符的节奏。这样就给学生留下了深刻的印象。这也正是奥尔夫教学法的宗旨。“在音乐教育中, 音乐只是手段, 教育人才是目的。”
魅力四:从感知到认知, 提高理论认识水平
奥尔夫教学法全面地展示了音乐素质教育的精神。例如, 我们学习了打击乐器的使用, 在教学中通过操作打击乐器, 学生更专心投入音乐中, 表现出强烈的创作欲望和表现欲望;小学生喜欢表演, 他们愿意把听音乐的感受用肢体表现或编成小舞台剧来表演。实践证明:奥尔夫教学法一旦被教师正确使用到教学中就会产生极大的作用, 激励着学生主动学习、求知和探索。
魅力五:非常重视挖掘和培养每一个孩子的创造力
浅谈奥尔夫音乐与国内音乐教育 第9篇
关键词：奥尔夫音乐,国内音乐教育
国外音乐教育经验是我国改革开放的春风中进入中门的, 对于我国音乐教育的改革起到了积极的推动、促进作用。今天我们应该很好的分析和借鉴国外音乐教育体系中对我们有益的成分, 以促进我国音乐教育的深入发展。
当今世界对国民音乐教育和学校音乐教育影响深远的音乐教育体系仍然当属德国的奥尔夫体系、匈牙利的柯达伊体系和瑞士的达尔克罗兹体系。这些体系虽然产生自不同的国家, 不同的文化背景, 在教育内容、教学形式上各有特点, 但是在对音乐教育本质的认识上却是惊人的一致, 那就是始创者都明确提出音乐教育的目的是为了人的全面发展, 为了社会的发展进步。正因为他们代表了进步的教育思想才使他们的教育观念与实践直到今天仍然具有旺盛的生命力。
其中奥尔夫音乐教育体系作为当今世界最著名、影响最广泛的三大音乐教育体系之一, 在世界各大洲、各种肤色的国家中被人们传播着、实践着、乐此不疲。他是在深受达尔克罗兹影响并在此基础上另辟蹊径创造了他的音乐教育理念和全新的教育体系。可以说不知道奥尔夫音乐教育体私法即不知何为二十世纪音乐教育。音乐教育已以进入二十一世纪, 尽管有万千新思想、新方法, 层出不穷, 但奥尔夫的音乐教育理念并不因此黯然失色, 反而越加显示其强大的生命力。这既是一种被称为“原本性的音乐教育”的理念。也有人称为:“钢琴凳上 (老师) 、座位上 (学生们) 解放出来的音乐教育”。
原本性是奥尔夫音乐教育的核心思想, 也是这个体系的突出特点。原本的音乐决不只是单独的音乐, 它是和动作、舞蹈、语言紧密结合在一起的;它是一种人们必须自已参与的音乐, 即:人们不是作为听众, 而是作为演奏者参与其间。它是先于智力的。原本性思想探究的是如何通过音乐教育音乐回归于人的生命。原本性音乐学习注重人对音乐的最基本的感受、体验。这种感受和体验的获得不是依靠外在的知识灌输、技术训练, 而是要通过人们的亲身参与, 自发地、自然地获得。人人都可以在轻松愉快的情绪中, 在没有困难的压力下学习和掌握原本性的音乐, 而且它对任何民族、任何风格的音乐都可以适应。奥尔夫的思想中, 音乐是使人获得情感宣泄的手段、渠道。音乐教育重要的不是“教你学音乐”而是把人人皆原本具的潜能唤醒、诱发出来。
十九世纪末到二十世纪初, 学校音乐课在各国越来越引起人们的忧虑。现实生活中的音乐活生生, 但课堂上是一种完全窒息生灵的, 枯燥乏味的说教, 乐理和低劣的歌曲, 学生们在音乐课上丝毫调动不起兴趣和情感, 更不要说打动心灵。奥尔夫针对这些, 非常明确地提出“音乐是我达到散发心灵力量的手段罢了”。他的原本性音乐教育直接指向心录深处。
人类认知是从“感性到理性”, 这是个很简单的道理, 但教育长期以来被人们当作一种传授前人知识的结晶来操作, 于是在课堂上学知识、学技能。为了快捷, 越来越把那些“金科玉律”, 原则、原理的东西直接灌输给学生, 学生像鸭子一样张着嘴把那些“精华”吞下去, 即完成了成长过程。早在三十年代陶行知先生在把杜威的教育思想介绍进中国, 并根据中国的实际大力推行新教育观念时, 就一针见血指出旧的传统教育是“教学生读死书, 死读书。它消灭学生的生活力、创造力, 它不是教学生动手、用脑, 在教室里只许教师讲, 不许问”。“一个人从小学到大学十年读书结果, 与一个吸食海洛因的家伙无异”。他们肩不能挑、手不能提, 面黄肌瘦, 弱不禁风, 再加以要经过那些月考、学期考、毕业考、升学考等考试, 到了大学毕业出来, 足也瘫了, 手也瘫了, 脑子也用坏了, 身体健康也没有了。在奥尔夫的教学中就反其道而行之:他要学生通过自己亲自参与与音乐活动, 从亲身的体验中长出那些“知识 (概念) ”。那怕是最简单的声音的高低、音量的大小, 必需在音乐中通过亲自参与去体验、去做, 可以用身体的动作把体验声音的高低反映出来, 可以用自己的嗓音去模仿高低, 可以用一个小木棒去尝试敲击各种物体, 找出它们在高低上的区别, 让他们用所给的两个音即兴唱或奏自己设计的音乐, 这些活动都体现了诉诸于感性的原则。通过活动获得经验, 是所有人学习的最主要途径。这就是奥尔夫的先于“智力”的教学。
即兴性原则是奥尔夫教育体系中最突出, 重要的一项原则。奥尔夫认为即兴是最古老、最自然的音乐表现形式, 是情感表露的最直接的形式。即兴活动重视人在“做”的过程中的主动学习以及想象力、独创性的发挥, 因此做不做是关键问题, 而做得好不好不是总是关键问题。重要的是学习过程, 而不仅是结果。“完全从即兴出发的自由教学, 而且永远一个卓越的出发点。”可以说对于少年、到成年、老人, 这种即兴都是有益的。从即兴开始的教育正是真正体现创造性的教学, 它不是把现成的知识、技能先传授给学生, 而是让学生在游戏之中去探索声音, 去尝试用字词、语言、用自己的动作、即兴地做些什么, 用即兴的敲打一些节奏开始自己的音乐体验和学习, 探索式的学习在音乐方面就是以即兴的创作表演作起点的教学方式。即兴创作, 被称为对一个人音乐禁锢的放纵, 奥尔夫音乐教育体系不仅提出了原理, 及一整套关于即兴创作, 即兴演奏的价值、意义, 以及从各个角度研究的理论, 更提供了进行即兴教学行之有效的方法, 甚至可以有教学提纲和评估办法, 使无论孩子还是成人在这些教学活动时, 不但兴趣盎然, 而且心灵得到极大的满足, 他们恐怕最爱的是这类课程了。而教师再也不会认为即兴是神秘不可知的、教不会、也不会教的课程了。即兴成为奥尔夫音乐教育体系最核心、最吸引人的构成部分, 也正是这个体系至今生命力仍长盛不衰的原因:同时在二十一世纪又为人们架起一座桥梁, 难怪在《美国艺术教育国家标准》中在音乐方面列出的每个美国青少年应该知道和能够做什么的九项具体内容中, 除“作曲和改编”外, 专门另立一项“即兴创作”, 而不是包含在作曲改编之中, 是发人深省的。在这一项列出的具体标准中可看到其内容甚至用的词语均是奥尔夫音乐教育体系关于即兴教学的内容和方法。从这一点我们就可看到奥尔夫在当代音乐教育中的地位和价值。
奥尔夫体系所强调的即兴性、灵活性、创造性实际上对教师提出了更高的要求。这正是我国音乐教育中最缺少的方面。深入理解其教育实质就能为我们不同的角度提供借鉴和范例。随着教育改革的发展, 我国音乐的课堂教学在尝试新的组织形式、注重学生的主动投入方面发生了可喜的变化。但是, 教学实践和教师的教学观念, 在深层次上还有待发生实质性的变化。我们常常仍然主要是以教师为中心, 教学设计是从教师的教出发, 视知识的传授, 技能的训练为主要任务。教师更多的是按照教材和教学参考书进行操作。依然以教材为中心去思考问题, 研究的重点放在学生能否掌握教材, 难点如何解决。因此, 上课往往就是执行教案的过程, 教师是主角, 学生是配角, 甚至只是听众。
把课堂教学目标局限于发展学生的认知能力, 是习惯于把原本整体的事物分割为部分的思维方法的表现, 是把认知功能从生命的整体中分割出来, 突出其重要性, 把完整的生命当作了认知体来看待的表现。我们应该认识到教学过程中无论是教师还是学生都是以整个的生命, 而不是以生命的某一个方面投入到教学活动中去的, 因此每一项教学活动都应顾及学生多方面的发展。教学目标应该定在探索、创造充满生命力的教学活动上。必须改变课堂教学只关注实现教案的片面观念, 树立使课堂教学成为师生共同参与、相互作用、共同发展创造力的生命活动。
我们在不断提高对学校音乐教育的认识过程中, 对于国外音乐教育的优秀成果如果能够广泛吸收, 必定将对促进我国音乐教育的发展起到积极作用。更期望适合于我国国情的丰富多彩的音乐教育实践经验和研究成果被介绍到全国各地乃至世界, 从而推动整个音乐教育事业的进一步发展。
参考文献
《走向未来的音乐教育》杨立梅、李妲娜著
《外国儿童音乐教育》尹爱青等编著
奥尔夫音乐教学理论 第10篇
体育舞蹈节奏律动教学是在聆听音乐的同时,以节奏为核心伴以身体运动体验音乐,并将其体验转化为感知与认识,且反作用于理解、处理音乐作品的训练。其目的并非是伴以音乐的舞蹈,或简单的节奏模仿,而是培养将再现艺术作品所必需的诸多音乐要素完全融入至身心,发展音响与身体节奏的通感,从而使其能够直接反应情感的训练。其过程始于聆听音乐及节奏音响,其基础是音乐感觉与肌肉感觉相结合的律动能力。
体育舞蹈节奏律动教学是重要的,也是不可或缺的,但其训练效果是否尽如人意呢? 毋庸讳言,我们有关体育舞蹈节奏律动方面的训练至今仍存在重大不足与缺憾,归结起来,至少有如下几点: 一、过于强调专业音乐学院听觉技能方面的训练,求精,求深,求难,教材教法、教学评价与其一脉相承,忽视体育舞蹈艺术本体特性,造成学用脱节; 二、将体育舞蹈节奏律动教学简单理解为节拍训练,以音乐作品替代口、手势、节拍器,使音乐作品成为呆板僵化,无生命活力的附属伴奏工具; 三、缺乏摒弃技术束缚,注重个性发展、创造性思维的必要手段和专业思想。四、未建立起严谨、严密、严格的考核制度,因而使体育舞蹈节奏律动教学的大方向不明,目的性含糊。在这样一个“变化的旋风越转越快”的时代,我们必须重新审视现状,探寻新的出路。笔者以为,就体育舞蹈节奏律动教学而言,奥尔夫教学理念乃至其教学原则、教学手段颇可借鉴,汇报如下:
一、关于奥尔夫广义的元素性音乐观念
元素性音乐( Elementare music) ,即“回到人的本原”。广义的元素性音乐教育观,将语言、动作、舞蹈、戏剧、音乐溶为一体,而上述种种,潜在的、共通的基本要素是节奏。奥尔夫研究者们借用物质化学中最基本的成分“元素”这一概念,将奥尔夫音乐称为“元素性音乐”,使节奏成为元素性音乐的基础并形成其独特的艺术特色。
体育舞蹈把形象性作为审美特性的基本标志,强调每一动作具线条美和节奏美,且有大小、高低、强弱、快慢、缓急、正侧、主宾、虚实、方圆、奇偶、断续、顿挫、张弛、离合等变化,刚柔相济,动静结合,从而达到悦目、怡神、受教的艺术感染力。
从本质上说,节奏性、对比性、宣泄性、娱乐性正是原始性音乐与原始性舞蹈共通的主要特点,奥尔夫广义的元素性音乐观念的提出对我们是有启发意义的。那么,理解、借鉴奥尔夫思想、教学理念及其元素性音乐,使其作用于我们的体育舞蹈节奏律动教学是值得我们思考并研究的。
二、关于奥尔夫音乐的创造性与即兴性
正如本文开始所谈到的那样,作为一种教学法,“奥尔夫”显然不是一种严密、完整的教学体系,也缺乏严谨、系统的学校音乐教材及训练程序,尤其在纵向结构上比较模糊、单薄,于是,在实施奥尔夫教学中,往往出现与元素性音乐即兴创造特点相悖的做法,———把“奥尔夫所提供的教材与素材当作教科书。
诚然,奥尔夫是写过奥尔夫音乐教材的,但卡尔·奥尔夫从不认为他自编的这套教材可以一成不变的使用。换言之,他提出的只是一种建议,一种模式,提出了一些可能,其主旨是强调教学过程中的创造性和即兴性的。
体育舞蹈学生的特点是活跃,有超出常人的肢体表达能力,对新事物非常敏感,个性、创造性意识也比较强,这一特点,对于我们运用“奥尔夫观念”进行教学是极为有利的。
结合音乐的体育舞蹈,一方面,体育舞蹈的音乐要符合作品的个性,音乐结构要具备整体美,音乐形式要服从于技术动作内容的需要,它要和每一个技术动作、舞姿、形象融为一体。另一方面,也是我们比较欠缺的,即,演员要具备比较高的音乐素质,音乐修养。而我们以往体育舞蹈节奏律动的教学缺乏科学、严谨、严密的教学体系,结构上的层次也不够分明,“舞蹈是舞蹈,音乐是音乐”,极易令学生造成知识割裂,而这一综合艺术品将技巧、舞蹈、造型、音乐诸要素各自孤立,自会形神分裂,恶性循环。而奥尔夫音舞合一,强调创造性及即兴性的做法,极大限度地弥补了这一缺憾。
三、关于奥尔夫教学法的教学过程
这似乎是一个人们谈滥了的话题。人们说,许多传统的教学方法都是注重于教学结果的,奥尔夫教学法却与此相反,注重的是教学过程。笔者对此有不同的理解。笔者以为,没有任何一种教学法不注重结果,而是结果的形式是怎样的。换言之,奥尔夫教学法的教学过程也是奥尔夫教学的结果。奥尔夫的教学过程,重要的是“做”的本身,发挥其想象力和独创性,而“做”出的正是“结果”,只不过“结果”有大的,有小的,有成熟的,有稚嫩的,有可用的,也有不可用的雏型,但,这是作品。
因此,片面强调“结果”本身,便已违背了奥尔夫精神。
过程并不是形式,不是教师与学生们围成一圈教学就是奥尔夫,不是拍拍打打每个人都能参与进来就是奥尔夫,奥尔夫教学法不是一种固定的、封闭性的条条框框,奥尔夫教学过程同样也不是。同样采用这一教学法的不同教师,在具体教学环节上,也有不同,或者是完全不同的,奥尔夫教学过程实质是根据自己的感觉去选择、判断、变通和创新的。从这个意义上讲,奥尔夫教学法不仅仅是针对音乐、舞蹈的教学,而是针对一切应用科学的教学而提出的,奥尔夫精神不是一句空话。
四、关于奥尔夫体系的根本目的
卡尔·奥尔夫教学法强调音乐教育的根本目的不是培养音乐专家,而是提高人的素质。
体育舞蹈学生音乐素质的薄弱是不争的事实,倘再不去强调音乐、音乐节奏、音乐修养,这一新兴的艺术形式的生命力必会是短暂的。
这一点至关重要。
以上是本人理解奥尔夫教学法及奥尔夫教学手段的一些粗浅体会,敬请广大同仁批评指正,不吝赐教。
参考文献
[1]李妲娜,修海林,尹爱青编著.《奥尔夫音乐教育思想与实践》.上海教育出版社,2002.
[2]秦德祥著.《元素性音乐教育》.南京大学出版社,1989.
[3]《秦德祥音乐教育论文选》.中国文联出版社,2001.
奥尔夫教学法的借鉴意义 第11篇
当前小学阅读教学总体上还处于比较传统的模式，比如疑难生词学习，中心思想概括，段落大意总结等几个重要部分的分析等。教师在教学过程中基本上不能脱离教学大纲的要求，尤其是受制于教师参考用书的固有提示和参考。长期以来学生已经形成了一种很固定的思考模式，不论什么样的文章，粗略阅读后习惯性地就想要找到文章的段落划分与中心思想，总是忽略了阅读真正的快乐和体验。笔者通过多年的教学发现小学生在阅读课文的过程中很少或者是意识不到洋溢在文章字里行间的美感。很多学生对于大纲要求的背诵课文可以背得滚瓜烂熟，但要是问他们课文好在哪里，他们大多不知所措，大部分学生会知道文章的思想，但也是基本雷同的，大都逃不出参考用书中概括的内容。长期以来已经形成了这样一种定向思维模式。
奥尔夫这一独创的教学法是针对音乐课堂教学所独创，在音乐课的教学中对全世界的音乐课堂，从小学到大学甚至到更高层次以及各种音乐培训都产生了深刻的影响，奥尔夫完全打破了传统音乐教学中以学习目标和学习结果为重的教学方法，他强调学习的过程，他认为每个学生都有天生的音乐舞蹈的天赋，只不过高低不同，都可以通过各种各样的方式去激发出来，教师要做的工作就是想办法激发学生的这种热情和天性。让他们真正体会学习中的快乐并培养想象力和创造力。
小学阅读中同样也存在上述类似的问题，由于长期以来考试要求和上课方式的影响，学生在阅读中总是抱着一种寻找答案的心态和思路对待阅读，基本上忽略了阅读本身的快乐感，所以他们的阅读兴趣和热情有明显的下降趋势。再加上现代科技的影响，小学生对于电子产品的热衷，对于纸质文章的阅读兴趣更加淡化。面对这样的现状，笔者认为对于小学阅读的传统教学模式亟待转变和改善。那么具体如何将音乐教学中的奥尔夫教学法借鉴和引入阅读中呢，笔者有以下几点建议和思考：
首先，传统的阅读教学总是在学生阅读前提出几个问题，让学生带着问题去阅读，所以阅读文章实际上变成了寻找答案的过程，学生对待文章只是简单急切地要找到回答问题的词句。其他东西基本都是被当成没用的皮毛被忽略。所以笔者认为在学生面对新文章的时候先不要接着提出问题，也不要做对文章太过于具体的提示，只是对文章中的生词给予提示和学习即可。让学生自由地去朗读课文，之后可以让学生自己谈谈对于文章的认识和理解。笔者在课堂中用这样的方式尝试后发现，学生在没有被提醒的情况下阅读文章，他们对于文章的整体认识和关注点是多方面的，结果非常丰富多彩，这主要是由于每个学生的兴趣点和关注点不同所呈现的结果。而且这样阅读之后他们会有各种各样的疑问和想法，分享后也使课堂变得有趣和活跃。当然，从表面上，这样的结果与参考用书所给的提示是不太吻合的，但这样给学生想象的空间，可以很好地培养他们自主思考的能力。可以做到自己发现问题，自己提出问题，自己再进行二次阅读，然后回答自己的问题，充分调动他们的阅读积极性。
其次，笔者认为阅读一定要读出声，中国传统的诗词文章教学都讲究声韵调律，这些正是蕴藏了阅读的巨大美感。所以对于现代的小学阅读也应该借鉴古人的阅读方式，让学生带着韵律大声朗读出来，让文章真正地活起来，从而也可以营造一种课堂的氛围和情景感。
最后，笔者认为对于奥尔夫教学法的运用并不能完全抛弃传统的阅读教学方式，只是在安排上要有所思考。在实际的教学中，可以先让学生进行自由式的阅读，充分发挥他们的想象力进行提问和思考。在这样的基础上，教师结合大纲和参考用书的提示，对学生做出必要的引导，将两者结合起来就会取得很好的教学效果。
浅谈学奥尔夫音乐教学法的启示 第12篇
“奥尔夫音乐教学法”为联邦德国著名音乐家卡尔·奥尔夫所创建。认真研究奥尔夫的音乐教育思想和体系, 我们会得到许多有益的启示。“综合式、即兴式”的音乐, 是奥尔夫强调的一个重要原则。卡尔·奥尔夫指出:学生在学习中必须动脑、动手、动脚, 全身心地感受和表现音乐。于是他发明了一套“元素性”的奥尔夫乐器 (一组很容易掌握的打击乐器) 。同时, 他还充分运用人体各部位可能发出的声音参与演奏, 并冠以“人体乐器”的美称。
二、奥尔夫教学法的内容
1. 奥尔夫音乐教育的基本内容
奥尔夫音乐能紧紧抓住人的心理特征, 尤其是能抓住儿童的心理需求。幼儿, 他们天性纯真、创造力强、想象丰富。他们总能用各种动作来表现他们所听到的音乐。要提高教学质量, 应根据儿童的心理特点, 寓教于乐, 把音乐的学习与舞蹈节奏有机地结合起来, 把音乐转化为游戏、舞蹈, 使之形象化、具体化, 让幼儿通过自身的想象, 把对音乐的各种感觉和运动、唱歌、表演、游戏、舞蹈有机结合, 从而把他们从对传统音乐理解的束缚中解放出来, 让他们既动口、动手、动脚, 也要动脑, 从而快乐地进入音乐世界。
2. 奥尔夫音乐教学法注重开发学生的创造性和参与性
对音乐即兴做出身体动作的反应, 这种即兴表演促进了学生自我表现和创作的欲望, 是培养创造力与参与能力的最简单有效、最好的教学方法, 能为学生创造力的培养以及创造性思维的发展提供一个更加广阔的天地!
三、奥尔夫音乐教学遵循的原理
奥尔夫音乐教学法的原理是:综合性;即兴性;亲自参与、诉诸感性、回归人本;从本土文化出发;从儿童出发等。其中即兴是奥尔夫音乐教育体系最核心、最吸引人的构成部分。
1. 综合性
奥尔夫教学法新颖独特, 从各方面锻炼了儿童的表现力、思维能力以及合作精神、随机性、即兴创作等方面的能力。
2. 创造性 (或者称即兴性)
学生们的生活经验大都没有受太多的社会影响, 因此他们天生对音乐有一定的创造性。他们可以用音乐把一副图画表现出来, 也可以通过简单的乐器即兴演奏音乐, 而让孩子从事艺术家的工作, 用音乐去挖掘、去发挥想像力, 也是奥尔夫音乐的重要内容。在奥尔夫教学中, 一些平时与音乐无关的物品, 例如, 手、脚、筷子等也可以作为一种乐器来参与音乐, 更加显现了奥尔夫音乐的独特魅力。
3. 原本性教学
情商是人们智力发展的重要组成部分, 以往人们没有适合的方法去培养, 而奥尔夫却能很好地调动人们的情商。它通过孩子的视、听、唱, 奏, 能最大限度地调动孩子各个方面的能力, 开发孩子的潜能。
4. 从本土文化的相结合
奥尔夫音乐教育实践所体现的观念与原理, 与其说是一种方法, 不如说是一个原理, 所谓原理, 必须放诸于本土文化才能大发光芒。中国的奥尔夫结合了中国本地的童谣、语言、音乐, 所以音乐更加具有中国的特色, 更易被中国的儿童所接受。奥尔夫音乐在中国的广泛传播, 使中国的奥尔夫音乐具有很强的本土化性质。
5. 从儿童开始学习音乐
音乐并不是只针对成人化的教育, 奥尔夫音乐强调从儿童的音乐教育出发, 体现了原本性的思想观点。音乐更容易被儿童接受, 这是人所共知的。每个孩子都有学习音乐的权利, 而每个孩子都有对艺术的感染力, 所以奥尔夫音乐从儿童出发更加贴合了音乐的这种特点。
我们亲自参与活动, 亲自探索发现和创造音乐艺术, 这更培养了我们的各种能力。奥尔夫音乐教育的先进经验与先进方法, 贴合了中国音乐教育的发展, 我们应该在传播奥尔夫音乐的同时, 吸收其精华, 做到在音乐教育的实践中进行再创新, 真正做到洋为中用、古为中用, 在美育的道路上, 闯出自己的实践路子来, 这样才能为建设有中国特色的社会音乐教育做出贡献, 形成丰富多彩的中国音乐教学法!
参考文献
[1].李妲娜.奥尔夫音乐教育思想与实践[M].上海:上海教育出版社.
