当代农民画民间艺术论文范文第1篇

摘 要：中国当代陶瓷艺术发展中出现了不可忽视的“卡通”潮流，这一现象是在各种内外复杂因素影响下形成的，需要立足本土文化才能实现健康发展。

关键词：当代陶瓷艺术；“卡通”现象；成因；文化思考

1 引言

自步入新世纪以来，市场经济的迅猛发展，都市文化和青年文化的兴起与更新，使中国当代陶瓷艺术加快了其文化转型的步伐，而在这一文化转型的浪潮中，“卡通”潮流无疑是值得关注的重要现象之一。这主要由中国陶瓷艺术新生力量主导的陶瓷艺术“卡通”现象而影响的，但由于其体现了当代年轻人的思维方式和审美文化，既是一种流行文化，也标示着中国陶瓷艺术未来的发展方向之一，因而值得深入探索与思考。

2 当代陶瓷艺术“卡通”现象概述

近年来，随着创意陶瓷艺术的快速发展，陶瓷艺术“卡通”现象日渐增多，蔚然成风。从事“卡通”陶瓷艺术创作的大多为年轻一代陶艺家，他们并没有形成统一的艺术流派，也从未在艺术理论上进行铺垫，但却成为不可忽视的重要现象。这些大多数为80后甚至90后的年轻陶艺家，所创作的“卡通”陶瓷艺术，或雕塑、或彩绘等来表现漫画卡通形象，表达着完全不同长辈的审美趣味与气质。

“卡通”化陶瓷艺术作品具有鲜明的个性特征，承载着年轻一代的美好理想，简单、亲切而充满童真。“卡通”陶瓷艺术绝大多数为人物和动物题材，许多取材于中外各种动漫和儿童读物，也有不少是陶瓷艺术创作者的独特创造，人物形象多夸张变形，有趣可爱，既有颇具时尚感的形象，亦有如中国戏曲、民间玩偶类同的充满乡土气息的形象，具有一种虚拟的游戏场景。

虽然“卡通”陶瓷艺术作品从表面上主要追求一种天真愉悦的童趣，但实际上其含义绝不止于幼稚的视觉快感，更不是对儿童生活的追忆，而是同时在表达着创作者的迷惘、痛苦、压抑等个人情绪，充满了叛逆精神，因而其实际思想内涵远比人们想象得要丰富。“卡通”陶瓷艺术作品普遍色彩明快、造型单纯、气氛热烈、充满活力，抛却了使命、责任等具有沉重感的字眼，具有脱离现实世界强烈的浪漫主义色彩。

“卡通”陶瓷艺术作品兴起时间不长，尚处在早期探索阶段，具有明显的实验性特征。“卡通”陶瓷艺术并没有明确的未来发展方向，这是因为每一个“卡通”陶瓷艺术创作者表达的均是其个人的卡通体验，具有显著的个人化特征，是完全意义上的向内视角。不过，虽无明确发展方向，但从整体而言，“卡通”陶瓷艺术更多追随的是包括欧美、日韩等在内的西方动漫艺术发展方向，缺少必要的原创性基础。

“卡通”陶瓷艺术虽然已经颇为兴盛，但与创作热形成强烈反差的是学术冷，几乎没有专家学者关注到这一现象的存在，使之长期处于“非主流”的尴尬地位，这显然非常不利于“卡通”陶瓷艺术身份的定位和未来的发展，也不利于青年一代陶瓷艺术创作者的成长。

3 当代陶瓷艺术“卡通”现象成因分析

上世纪80年代改革开放以后，卡通漫画开始在中国少年儿童中风行，中国的“新人类”以及“新新人类”或曰“卡通一代”开始出现。这批主体为70末至90后的“卡通一代”的成长年代浸润于卡通漫画流行时代，“卡通”成为其精神生活的重要组成部分。近年来，“卡通”一代已经成长并活跃于陶瓷艺术舞台，其在部分作品中引入卡通形象，以此来追忆和寄托自身的“卡通”情结，从而成为当代“卡通”陶瓷艺术的主要创作群体。创作群体的形成是当代陶瓷艺术“卡通”现象形成的最关键因素。

“卡通一代”所成长的环境从总体上来说是稳定和谐的，与前代相比，没有经历过多少严酷的社会政治、经济、文化环境，伴随着各类西方动画片、电脑游戏成长，因而也缺乏如父辈般的政治责任感和使命感，并且厌弃世俗道德束缚，被称为长不大的一代或者是拒绝成熟的一代，其内心充满童真童趣，不大关注或无力表达重大主题，而是将更多的艺术创意视野专注于社会流行时尚当中，这其中即包括卡通动漫，这实际上也代表了中国当代整个社会审美倾向的转变，创作审美趣味的社会转型亦成为当代陶瓷艺术“卡通”现象形成的主要动因之一。

青年是社会消费的重要群体，而传统陶瓷艺术高、大、上的形象以及价格使许多年轻一代敬而远之，而以卡通形象示人的陶瓷艺术作品则给年轻一代带来亲切之感，易形成打动其心弦的魅力，而相对低廉的价格亦使年轻一代能够负担消费。因此“卡通”陶瓷艺术作品具有无限的市场开发前景，市场化和商品化无疑也是促使陶瓷艺术“卡通”现象形成的重要因素。

上世纪80年代，传统文化处于极度缺失的状态，这也使得新时期青少年在传统文化修养上相对缺乏，使之不需要背负任何传统包袱，思想超前，思维活跃，极易接受新事物，而卡通所承载的文化非常广泛多元，大多来自于西方，易于为青年陶瓷艺术创作者所接受并将作为作品的文化表达方式之一。因而，传统文化缺失和多元文化发展潮流亦是陶瓷艺术“卡通”现象形成的内因之一。

4 当代陶瓷艺术“卡通”现象的文化思考

当代陶瓷艺术出现的“卡通”现象不是偶然的，它与艺术全球化潮流息息相关。在艺术全球化下，中国陶瓷艺术创作者正从传统的文化与家庭背景下走出来，开始关注自我、解释自我并希望改变和重塑自我，其思维结构正在发生质的变化。年轻一代的陶艺创作者尤其如此，他们通过虚幻的卡通人物，承载的是对未来的种种想象，而卡通形象本身也往往寄托了其对自身形象精神重塑。因而，当代陶瓷艺术“卡通”现象的兴起，绝不是在题材上微不足道的改变，实际上是中国陶瓷艺术文化转型的开端，呈现的是一种陶瓷艺术中前所未有的、全新的文化观念。

由于当代中国陶瓷艺术“卡通”现象的兴起是受艺术全球化和西方“卡通”的影响下而形成的，因而我们不得不考虑到由此而带来的文化“殖民”问题。尽管当代中国陶瓷艺术主流对此现象视而不见，或者故意加以冷落，但这种不正视更加剧了问题的严重性和复杂性。具有原创精神的中国“卡通”人物完全无力抵挡西方“卡通”的文化倾销，这就使得当代“卡通”化陶瓷艺术不可避免地反映了西方文化趣味与价值观，成为西方文化殖民的一部分。

面对西方的文化入侵，当代中国陶瓷艺术家从未停止过对艺术本土化的固守与追求，年轻陶瓷艺术家亦同样如此，因而，在得不到应有关注的情况下，当代中国陶瓷艺术“卡通”现象中出现的文化殖民问题仍需要通过年轻陶瓷艺术家自身的努力来加以解决。在当代“卡通”陶瓷艺术作品中，已有相当一部分直接引入了大量中国传统文化符号，显现出明显的本土文化意识的觉醒，在这样一批陶瓷艺术创作者的努力下，许多作品已经呈现出独具特色的中国风。当然，希望这样的本土文化符号并非是年轻陶艺家反观传统的文化猎奇现象，不是用来借以寻求国际陶艺界承认的装饰性符号。

只有立足于本土文化，反映当代中国社会现象，中国当代的“卡通”陶瓷艺术才能够真正寻求到属于自身的语言文化体系，摆脱自说自话的窘境，并实现与其他陶瓷艺术类型的文化融合、交流，按照自身的文化轨迹向前发展。

5 结语

当代陶瓷艺术的“卡通”现象在各大陶瓷艺术区的创意作品中日益显眼，成为创意陶瓷艺术的显著文化标志之一，也是文化全球化的反映之一，而这一现象至今仍未引起中国陶瓷艺术界的足够关注，但无论如何，它作为一种中国当代陶瓷艺术新生力量正在崛起的重要现象之一，已经成为当代陶瓷艺术中一股新的潮流，而这一潮流的未来走向则取决于年轻一代陶瓷艺术家进一步的文化变革，而我们希望这一变革所带来的是推动中国陶瓷艺术发展的积极意义而不是反之。

参考文献

[1] 马钦忠.卡通一代与消费文化[M].长沙：湖南美术出版社，2002. [2] 黄一翰.卡通一代及未来艺术[M].西北美术，2001（02）.

[3] 戴维斯，陈琳娜.现代陶瓷设计的新元素——陶瓷卡通造型[J].

中国陶瓷，2014（01）.

[4] 杨科明，唐娇.谈卡通形象在陶瓷饰品设计中的现状及创新[J].

当代农民画民间艺术论文范文第2篇

【摘 要】新媒体技术改变了艺术传播的方式，艺术传播媒介逐渐从传统媒体转向自媒体。近年来，基于城市空间下的地域性艺术自媒体对所属城市的文化艺术推广与形象建设、艺术家创作交流与市民审美生活等方面起到非常积极的作用。本文以微信公众号“苏州艺术志”为对象，通过对公众号在传播内容、形式与效果等方面的调查，分析苏州市艺术活动现状和市民对艺术传播的接受行为。另外，本文从加强艺术机构与自媒体平台的整合传播、平衡学术性与大众化、丰富传播内容与形式的多样性方面对地域性艺术类自媒体的发展提出初步对策与建议。

【关键词】苏州艺术志;艺术自媒体;城市;艺术传播

【基金项目】本文为2017年苏州市社会科学基金项目“新媒体环境下苏州艺术传播研究”（项目编号：2017LX016）阶段性成果。

艺术传播不仅深刻影响着艺术自身的发展，同时也推动艺术家群体所属城市的文化及形象建设，随着传播技术的革命，新的传播媒介的兴起，这种紧密性愈加明显。近年来出现很多依托地方城市艺术资源的地域性艺术自媒体，比如苏州的“苏州艺术志”，这种地域性艺术自媒体在移动互联网端的传播所带来的社会效应对于所属城市的艺术家、市民、城市文化形象等方面的影响具有非常积极的作用。

一、地域性艺术自媒体推动城市文化内涵的建设

地域性是城市文化最典型的特征，地域性差异明显的城市文化或者说特色鲜明的城市文化对城市的生存发展是非常重要的。[1]依托地方资源的艺术自媒体与当地城市的文化艺术传统以及当代公共文化艺术活动紧密结合，广泛的与市民建立起快捷有效的互动，将城市的文化艺术通过移动互联网广泛、即时传播至大众，同时借助受众的转发对外扩大影响力。这种具有城市文化差异性的自媒体艺术传播能构建出所属城市的文化特色，促进城市精神内涵发展，给予市民城市文化认同感与归属感。与传统的艺术传播媒介不同的是，新媒介环境下的艺术传播活动从线下转向线上，艺术品的呈现形态也由实地实物转为网络图像，更重要的是新媒介通过对场景的重构削弱了有形地点与社会地点之间曾经非常密切的联系。[2]因此，地域性的艺术自媒体能更即时广泛地传播城市的艺术文化讯息，更有效的将城市空间下的艺术家、艺术机构与普通市民联系起来，同时推动市民审美水平的提高。地域性的艺术自媒体平台所构建出的艺术空间、知识场域，对提升城市文化品牌形象、丰富市民审美生活、提升艺术家创作水平、增强城市竞争力，有非常积极的意义。

“苏州艺术志”公众号始建于2015年2月28日，是以与苏州城市相关的各艺术资讯活动、艺术家、艺术品、工艺类非遗传承等为主要传播对象的艺术类专业自媒体平台。其内容多来自原创和采编，涉猎艺术领域多个层面，采选的信息紧跟热点，通常编选与市民生活相关，关注度较高的展览活动、艺术家、作品以及苏州市传统工艺美术相关资讯。同时还与苏州各美术馆、博物馆等保持合作，积极联合苏州各大美术馆、美术学院、传媒企业共同举办艺术展。经过3年来的努力拥有了较为固定的受众群，且受众达到了一定的粘度，已成为苏州文化艺术新媒体领域的中坚。

二、“苏州艺术志”的运营模式与推文分析

“苏州艺术志”公众号分为每日内容推送和另外三个大版块。每日推送版块的推送内容包括苏州本土艺术品艺术家介绍、艺术展讯的通告、作品征集的信息以及苏州近日的文化艺术热点，内容扎实有独创性且扣住热点和受众需求。另外三大版块分别是栏目、艺邻里和微店。艺邻里版块贴近民生，标题大多充满趣味，可读性很强，对受众的专业性和艺术鉴赏力的要求不高，接近民生的内容面向更为广大的受众。而微店版块是公众号的艺术市场衍生版块，作为纯艺术的自媒体平台，受众范围较小，无法达到社会媒体类公众号的粉丝量，商业运作广告收入少，微店版块试图结合文创产品开发，面向文化艺术市场。三大版块中的栏目板块下设美术、工艺、视界和展讯四个小版块，是公众号的主要版块结构。

美术版块：所有的文章内容皆为原创，文字十分精炼典雅，内容结构简洁明了，文章配的图片也十分合题，整体风格统一，以典雅清淡为主，深受苏州艺术家及爱好者的青睐。

工艺版块：主要是推送相关工艺美术师和产品的介绍，文章依旧为原创，配图精致，展示效果不错，对于工艺类型丰富且技艺精湛的苏州工艺美术作品及工艺美术家的传播推广起到了很好的作用。

视界版块：该版块主要以摄影作品的介绍欣赏和相关摄影征集活动为主，其还和一些固定的企业或工作室达成合作。

展讯版块：以介绍苏州籍艺术家的展览为主，对于推广苏州艺术家有积极作用。

“苏州艺术志”推文的内容大多由他们的工作团队自己采编，由团队成员对各个艺术家进行实地采访，将采编回来的信息整合，根据公众号中的栏目设置分别投放，满足不同受众的需求。同时与众多美术馆、博物馆等艺术机构保持合作，获取最新的艺术资讯，在帮助其他机构宣传的同时也将自己的公众号推广出去。因此相较于一些其他同类公众号直接转发信息，该公众号的独创性很强，例如“艺邻里”里面的内容都是实地采访与线下人物跟踪记录采访相结合，展讯栏目中的资讯主要通过和苏州各家美术馆、博物馆以及艺术家合作，获取展讯的实时信息，并加以推广。对于受众用户的管理，该公众号采用把关注平台的受众拉入交流群“艺术志后院”，并在群里定期抽奖发福利的方法，和受众进行良性的互动，以增加受众粘度。

从上述分析可以看出“苏州艺术志”在平台的结构设计上科学合理，各栏目版块条理清晰，而最主要的是在内容上下足功夫。“苏州艺术志”的推送内容紧扣城市的文化艺术，定位精准，寻找能与市民建立互通感的信息与表达方式，详实且具有独创性，能契合市民審美的需求，同时公众号为本地艺术家和艺术机构建立起了推广平台，因此“苏州艺术志”这种运作专业、定位精准、风格鲜明的运营模式深受市民的喜爱，成为苏州艺术传播的主要媒体。

一个城市中具代表性的艺术专业自媒体平台的推送文章能一定程度上反映出这个城市艺术活动现状及发展空间，同时也能看到新媒体平台上的艺术传播对这个城市市民的审美鉴赏和艺术消费生活的影响。由此，笔者以公众号“苏州艺术志”在2018年5月所推送的有效文章为统计样本进行调查，来分析其中的文章主题类型以及接受度等数据。

从统计分析结果来看，该公众号2018年5月推送的有效内容达到50篇，包含了展讯、艺术家、音乐、摄影等10类文章，基本将5月份苏州具一定影响力、较高艺术价值的资讯涵盖在内，同时推介了一些艺术家和艺术作品。推文中以画展资讯最多，有18篇，占据了总量的36%，体现出苏州近年来的艺术家创作的活跃度，以及展览机构与艺术家的合作增多。如图1：

在上述类型分析的基础上，笔者对文章的阅读量作进一步统计，以期分析公众号的传播效果和受众对于苏州各艺术门类的喜好度和接受度。从统计数据来看阅读量最大的文章是：“静中：流连网师园20载，风景每天都不同”，达到了10678次，可以看出名家的知名度与艺术创作水准对于传播效果的影响度。阅读量在6000至7000次的有2篇（金鸡湖双年展、灵湖村水墨邀请展）内容均为展讯的推文;阅读量在5000至6000的共4篇，其中有3篇是展讯类（江南名仕尺牍展、苏州大学艺术学院毕业设计展、曾小俊艺术展）;另外阅读量在4000至5000的文章共有8篇，其中有4篇是展讯类文章。各类作品展览的资讯的阅读量总体上高于其他推文，在5月份所有阅读量达到4000+的15篇推文中有9篇，占比60%。

“苏州艺术志”的受众主要为一些从事文化艺术相关工作、具有一定艺术鉴赏力或平日喜爱并关注艺术的人。在以上15篇阅读量达4000+的文章中均体现出了名家的知名度、科技和创新、热点和审美偏好这些共性，不难发现，受众更倾向于关注个性化、现代化、富有创新、知名度高、内容详实的作品。根据以上数据分析，“苏州艺术志”公众号艺术传播中各类作品展出的信息是其最主要的传播内容。“苏州艺术志”公众号在一个月内推送了18篇展讯文章，其中体现出了苏州文化艺术创作及成果展出市场的繁荣和艺术家、艺术机构的活跃度，另外展讯阅读量之高，也说明苏州市民对艺术展览的关注度，艺术展览对市民具有较高的吸引力。苏州的艺术家、艺术机构、艺术工作政务、艺术作品、艺术展演等信息通过“苏州艺术志”自媒体平台的传播得到了极大的推广，潜移默化中提高了人们的艺术鉴赏水平，也提供艺术交流的机会。

三、市民对自媒体平台上艺术传播的内容偏好

针对苏州的自媒体平台艺术传播的现状，笔者对受众对于传播的内容偏好做了初步问卷调查，以期了解受众更偏好接受哪些艺术类型。在调查受众对微信平台的推文中哪类信息感兴趣时，我们发现美食、旅游、新闻类的推文最受关注，但艺术类的推文受关注的程度也很高，达到了40.58%。这说明苏州市民具有较好的艺术审美能力，对艺术人文的欣赏及消费层次较高（如图2）。

另外，苏州的艺术门类丰富，对于受众偏好于哪一类也做了数据分析，根据结果可以看到（图3），传统工艺与绘画更受市民喜欢，从中也可以看出苏州的工艺美术的发达，与市民生活联系的紧密。自媒体平台上对传统工艺美术的传播，可以让更多人了解到这些手艺背后的故事，感受传统工艺的美，更好地推广和发展苏州的工艺美术。

四、地域性艺术类自媒体的发展对策

当下艺术在自媒体环境下的传播纷繁多样，对于艺术家、市民、城市文化形象等方面的提升影响非常显著，但也有不足之处。比如内容的同质化、深度不够，描述性议题过多、传播主体与市民互动不够，存在疏离感等。所以对于地域性艺术自媒体来讲，其艺术传播不能只局限于艺术家群体、艺术机构之间的传播，更多的是要让市民大众参与进来，整体提升市民的文化生活层次和艺术审美素养，进而塑造地域性城市文化品牌形象。

（一）加强艺术专业机构与社会自媒体机构的整合传播

自媒体具有更丰富的表达手段，更精准的圈层定位以及更即时便捷的互动特性，但是因其公众号的影响力有限，除去强关系下对艺术信息关注度高的受众群外，主动订阅的用户较少，因此虽然很多城市中的艺术机构运营自己的自媒体平台，但是都很难达到较好的传播效果。所以，城市艺术类自媒体应积极与艺术机构进行整合传播，以艺术机构为艺术资讯的主要“生产”者，以艺术类自媒体为主要的传播平台，从而更即时地传播更丰富的艺术讯息。

（二）协调艺术传播的专业学术性与大众生活化的关系，提升艺术传播的沟通策略

艺术传播不能只在艺术家或者投资收藏者之间进行，而是要渗透进普通大众市民之中。通常大众的审美水平不高，阅读方式碎片化，过于学术性的内容无法抓住普通受众，但如果将艺术与生活结合，让艺术走进大众的生活，将能更好地达到传播效果。比如“深度苏州CITYSUZHOU”微信公众号9月的一篇艺术资讯推送文章：《姚建萍：我用苏绣，讲述中国故事》，将工艺美术与大众结合起来，让大众走进艺术，具有亲和力、感染力，获得了非常积极的受众反馈。过度的追求学术性会降低用户的粘度，原因在于普通受众在专业上的层次较低，无法参与进来，但是片面的追求艺术的商业化和生活化又容易导致艺术的低俗化，所以如何平衡两者之间的关系尤为重要。另外以苏州各类艺术资讯为例来分析，传播的内容中各类展览信息居多，大部分为描述性的议题，很难吸引受众，可以在沟通策略上改进，避免单一的文字叙述，利用新媒体技术，更多使用图像、视频、音频等手段提高受众的关注度。

注释：

[1]梁笑梅.非物质文化遗产的艺术传播与城市文化格调的提升——以重庆大型交响音诗画《清明》为例[J].艺术百家，2010（03）：76-79.

[2]约书亚·梅罗维茨.消失的地域：電子媒介对社会行为的影响[M].肖志军译.北京：清华大学出版社，2002：8.

（作者：苏州大学传媒学院讲师）

责编：周蕾

当代农民画民间艺术论文范文第3篇

摘 要：随着社会的发展，陶瓷艺术也在不断更新，陶瓷作品花样也越来越多，然而，在这些作品中能够独树一帜的少之又少。为了改善这种状况，我们开始在陶瓷艺术中加入不同种的材料语言。本文主要研究综合材料在当代陶瓷艺术创造中的应用，从材料自身开始加强对陶瓷艺术的认识，了解其自身的审美价值。综合材料的应用大大减少了陶瓷艺术中的单一性，使陶瓷作品更加完满和丰富。

关键词：综合材料；当代陶瓷艺术；创作；应用

1 前言

21世纪是一个快速发展的时代，在这样的一个时代中最显著的特征就是各个学科互相渗透从而衍生出新的“学科”与空间，在这个衍生的空间里，我们可以发展新的事物与产品。这些就是时代发展的特征，它们深深地影响着我们生活的方式。在这个社会中，所有的事物已经不再单一，它们都是各种各样的东西组合而成。比如说，水果的嫁接，现在很多水果产品都是通过不同的植物进行嫁接而成；将人们日常生活的产品与电结合起来，从而形成各种各样的电器产品，如电被褥、电饭煲。学科的结合也很常见，心理学与消费学结合起来就是消费心理学，心理学与色彩学的结合被称为色彩心理学，最为常见的一种综合产品当属计算机，计算机本身就是由各个学科知识综合出来的产品。

由此可见，科学的发展离不开综合性，同样，艺术的发展也需要综合性。常言道：“社会的发展离不开创造。”而我们的创造，其实就是材料的综合，它可以判断一个整体构成因素的比例，最大程度发挥有效构成因素的作用。想要产生一个新的事物，一个新的产品，最好的方式就是将构成材料进行很好的综合，这是最有效的办法，同时也是人类智慧的表现。

2 综合材料在当代陶瓷艺术创作中的应用

（1） 陶瓷材料应用各个材料的必然性

随着社会的发展以及科技革命的改革，陶瓷艺术也跟着不断发展，与传统的技术相比，现在的陶瓷技术已经可以很好地突破空间与地域的限制，开始朝向多元化发展。传统的陶瓷艺术使用的材料比较单一，只有泥土一种材料，而现在的陶艺家们选择原材料的种类开始逐渐增多，他们不单单采用泥土这种单一的材料，开始发掘其他材料与陶瓷组合，比如说，金、木、石、铜、钢、铁、银等，这种组合材料制作的陶瓷具备更好的表现力。每一种材料在陶瓷艺术中所起的作用都不相同，陶艺家们能够认识到各个材料的作用并将其添加到陶瓷艺术中，足以说明他们开始认识到各种材料在陶艺中的重要性，了解想要转换陶瓷的形象还可以通过改变材料进行。陶艺家们这种想法的转变大大激发了其审美的心理，同时还体现了工业文明的发展，为综合材料与陶瓷艺术结合起来提供充分的条件。

（2）在创作过程中综合材料的突破

材料，对于一个陶艺家来说就是制作一个产品的基本因素，它承接陶艺家的意念。陶瓷产品在制作过程中加入了陶艺家的意念。因此，陶瓷产品的原材料不论是人工的还是天然的，都已经失去了其自身的意义，所成型的陶瓷产品已经具备新的意义。美国有一位大师，他的一生都奉献给艺术的创新，他放弃了单纯使用一种材料的方法，将多种材料结合起来，或刷，或贴，或拼，或印，从而创造出不同于其他人的艺术作品，他的每一个作品都具备独特的风格，他就是美国知名艺术大师劳森伯格。艺术的创造，可以从改变材料做起。以前，人们认为陶瓷原材料只有一种，那就是泥土。因此，无论陶艺家们如何改进陶瓷技术都无法更进一步。现在，陶艺家们意识到，陶瓷制作改进不应该只从技术上更新，还可以创新陶瓷材料，认识到这一点之后，陶艺家们开始注重材料的运用，他们不再单一地使用泥土，开始在泥土中加入塑料、石材、金属、木材、玻璃、水泥、纤维等，将这些材料综合运用起来，从而为整个陶瓷市场带来一个新的面貌。以前，陶艺家们不重视的黄泥巴、三合土、匣钵土也可以广泛用于陶瓷制作中，并逐渐成为制作陶瓷的好材料。综合材料的出现，为陶瓷创作带来了一个全新的面貌。

（3） 综合材料在当代陶瓷艺术创作中的具体应用

综合材料，顾名思义就是将各个不同语言的材料综合起来。因此，不同的综合材料都具备其自身特有的肌理、色彩、质感。材料的不同组合方法决定了最终形成的陶瓷产品具备不同的视觉效应。因此，我们在制作陶瓷产品过程中可以寻找不同的综合材料，使综合材料可以和现代陶瓷艺术创作有机地融合到一起。艺术品的构成元素不应该单一，我们可以在其中加入坚硬的铁元素，温暖的木质元素，透明的玻璃元素，哪怕我们仅仅加入木质元素这一种，木质品种的不同，所构成的艺术品也不相同。然而，在陶瓷艺术创作过程中加入综合材料并不是说可以任意添加材料，我们 选择材料的时候一定注意其中的关联性。比如说，我们可以在陶瓷产品中加入木质品，但是此结合过程不可以随机选择，为了更好地体现二者的对比性，我们可以将木质品通过合适手法加工后再融合到陶瓷品中。不同的综合材料，加入到陶瓷创作中的效果也不相同。因此，在陶瓷创作中加入综合材料可以在很大程度上突破传统创作中的局限性，扩大陶艺家的思维，丰富陶艺家的想象力，从而创作出具备不同特征的产品。当然，陶艺家们在创作过程中并不是盲目地去选择材料，他们对综合材料的运用具有一定的特征。具体运用表现为以下几方面：

第一，天然材质的运用。各种不同的物质组成了我们生活的世界，因此我们的世界是一个物质的世界，这里的物质很明显是天然形成的。天然岩石经过风沙侵蚀以及地壳运动之后在自身内部结构不变的同时，外形部分有所变化。经过长时间的风沙洗礼，它们会形成更适应自然的特征。如何使这种天然材料与陶瓷艺术创作结合起来是我们急需解决的问题，天然材料经过环境琢磨已经具备一定意义，在与陶瓷品结合时需要从不同的肌理、质感、色泽中找到切合点。在选择材料的时候需要找到其关联性，比如说木质的选择，木质与陶瓷结合的时候可以进行一定的雕琢，表现出木质肌理与陶瓷质感的对比性，从而让作品具备更强的深度。第二，人工材质的运用。在天然材质的基础上对其进行一定的加工，从而生产出另一种不同的物质就是人工材质，比如说我们可以通过一定技术从矿石中提炼出金属，对提炼出的金属进行一定的化学、物理加工，或者是对其施加复合材料，从而使其具备双重性质。所形成的物质有其天然的一面，也有人工的一面，正因如此，人们才能更好地发挥想象力，从中感悟到自然与现实的双重力量。总而言之，如何在陶瓷创作中加入综合材料源于陶艺家的构思，不同的构思，不同的材质，不同的工艺，最终形成的陶瓷产品也将大不相同，在陶瓷创作中，综合材料的应用有着不容小觑的作用。

3 结语

在陶艺创作中加入综合材料已经是大势所趋，虽然每个陶艺作品对于综合材料的运用手法都大不相同，但是这并不能阻止综合材料与陶瓷艺术的融合，通过研究综合材料在当代陶瓷艺术创作中的应用，使陶艺家们可以在未知的领域积极探索，寻找更好的方式方法，打造更完美的作品。

参考文献

[1] 张琪.首届中国陶瓷艺术大论文现代类一等奖浅析陶瓷在环境

艺术中的运用[J].陶瓷科学与艺术，2011（1）.

[2] 周瑶.初探陶瓷材料在城市街道景观中应用的潜在发展趋势

[J].城市建设理论研究（电子版），2011（25）.

[3] 王莎莎，刘文华.浅谈综合材料在现代陶瓷艺术中的应用 [J].美

与时代（中旬），2011（9）.

当代农民画民间艺术论文范文第4篇

我认为，当代艺术的世界，是属于自己的，草间弥生就是极具自我艺术作品的艺术家。她的艺术作品的出现，改变了固有艺术的表现形式，在画面表现上，空间表现上，更具有延展性，延续性，观众看到她的作品，充满无限的联想，没有办法确定，她到底是在缔造真实的世界还是科幻的世界。但是她的作品实际就是无限放大生命的艺术力量，她用圆点来表示生命的无限循环，生命延续的无限力量。每一幅的圆点，她在不断的重复，影响了当代的波普艺术，也成为了波普艺术的代表人物之一。

草间弥生的成名作品是在1966年的作品《无限的爱》，她用了许多的小圆灯泡和大面镜子制作出无限反射的空间装置，极具延续性的装置艺术。观赏她的艺术作品不能用常规的艺术思考方式思考，她的思维里就像是一张巨大的网，无限的粘连，无限的扩大，在她织出来的网里弥漫。

(波普艺术的力量在我的感觉中就是延续的整体，无限的光的折射，晃动的视觉是我们生活里释放压力，表现自我的途径。)

在草间弥生的影响力，无数当代艺术家在延续，在突破，在波普艺术里的影像下创造更具有延续性的作品，我在草间弥生的作品中，用摄像机无限循环晃动镜头来拍下世界。世界的本质到底是什么?草间弥生在用生命解释，我们在用生命去理解。在艺术的世界里放肆，潇洒的在展示着。

草间弥生小的时候童年生活并不幸福，她口中的世界，反而遭到母亲的厌恶，在我看来是一种害怕，不知道该去怎么面对女儿说的让她不理解的话。但是她从未责怪过，随后，她去了美国，在美国的这片沃土上，群弥。在美国人的眼里，日本的女性，都是娇小的，都是温室里的花朵一般。26岁的草间弥生，她的勇气，她的执着，在她的作品里有着强烈的反应，她不会英语，穷困潦倒，相貌不出众，就是夹着自己的作品穿梭在画廊间。

她的爱人的去世对她的精神世界又加重了打击，她关闭自己，惩罚自己，在之后从东京第二次折回纽约后，1959年，18个月之后，在纽约参加第10街布拉塔美术馆的一次年轻艺术家群展，她的圆点艺术从此广受关注。我认为，草间弥生不是第二个安迪沃霍尔，她的装置艺术，雕塑艺术，在与安迪沃霍爾并驾齐驱。

草间弥生，神秘科幻我认为这两个词，可以形容她的世界，她是孤独的个体，自己在路上，无穷无尽的圆点以及条纹，艳丽的花朵的重叠，不断的延续着她生命的力量，不断的挣扎着属于自己的艺术世界，重复性的圆点也许是对于草间弥生的与其被当作是一个枢纽，换句话说这是她对世界的对话。

很多人归类草间弥生是现代波普艺术家，包含了女权主义、极简主义、超现实主义、原生艺术。她说过：“若不是为了艺术，我应该很早就自杀了。”“活到如今，我愈发感到没时间攀登各个艺术领域的高峰了，我现在不能浪费哪怕一分钟。”“我如今的创作热情比此生任何时候都强烈。通过艺术我明白了生死，以及世界上绵延存活的众生;作为人类，通过创作，我不断学习爱与和平的真谛，宇宙万物的奥秘，我迫不及待要把这些都展现在画布上，可以说，我每天都冒着生命危险在创作。”我把它们归类为草间弥生对艺术的告白，生命的延续与中断，她想把她的精彩都付诸在作品创作上，也许她是神，她在用自己的力量去诠释着假如没有她还有圆点的世界的存在。她常常说自己是现代版的爱丽丝，或多或少，观者会觉得她的艺术作品都是幻想，都是自己的假想敌，她装饰性的南瓜系列已经成为经典。在当代艺术世界里，圆点成为了草间弥生的艺术象征，可以说她的圆点我认为是无孔不入的，就像是水，一直在流淌，而圆点艺术就是从她的血液里流淌出来带给我们。延续，可能不只是草间弥生想要表达，每一个当代艺术家本身也存在对自己创作延续的执着，也许包括以后的我。在草间弥生的过去直到现在，她的波普艺术，她的圆点，她的条纹，她的狰狞的表情，她的精神病式的开放状态都是在这个世界喘息着，告诉她自己，我活着。我是可以交流的，我是艺术的本身，我是草间弥生。

艺术是生活上层本质提升的一种延续，草间弥生给了自己延续，用圆点的力量给了世界的延续。在自我中创作自我，在自我中释放着自我。

作者简介：范琼予(1992)，女，汉族 黑龙江人，硕士，大连工业大学。研究方向：环境雕塑。

当代农民画民间艺术论文范文第5篇

一、中国木雕艺术有博大精深艺术资源, 当下木雕艺术创作的深度与广度取决于艺术家对传统的理解与利用

艺术的传统的学习方法大概分下面两种形式:

首先, 传统的学习要中规中矩, 心到手到, 强调手段与目的的统一。临摹优秀的传统艺术是通道, 临摹阅历变得丰富, 让内涵更为充实。

传统的木雕之难不是在对物体的精雕细刻上, 也不仅仅停留在对层次对把握上以及图案寓意的选择上, 而是在线条的锤炼上。线条是人的精神、性格的载体。要让线条达到这种艺术境界, 非经一生的历练是难以达到的。临摹是创作的基础, 今天的创作基础的部分就是临摹, 没有临摹的基础就无从谈创作。

其次, 以学习传统的手段进行艺术创作。学习传统也会深受到传统的束缚, 但也不能与传统的高峰比肩而立。

当代艺术在多文化的背景下, 各种思潮汹涌而来, 艺术家们不可避免的都以不同的态度卷入历史的洪流。可以说, 受信息科技的影响, 当代艺术创作的思想观念比以往任何一个时代都要多, 那么, 在这样一个历史环境下, 艺术家们要创作出优秀的艺术作品就必须超越突变带来的喧嚣, 就必须保持内心的安静, 重视传统, 但又不迷信古人, 把学习传统作为理解与把握艺术本源的过程, 我们批判盲目的学习传统, 但也不提倡脱离艺术本源的创新。

二、20世纪后随着封建社会的没落和民主科学的兴起, 中国传统木雕其功能悄然发生了变化

依托“85新潮”历练了西方现代艺术各种思潮流派的绘画已经远远地走在了前面, 经历了90年代的中国当代木雕艺术创作的最突出的特点是对雕塑传统形式和观念做了比较大的突破, 更多的雕塑家表现出对地域性文化的认同, 以及传统雕塑叙事方式与自我感受和冥想之间对应关系的兴趣, 在作品的形态上和材料上更多地倾向于对固有方式的推进和有限度地改造, 呈现出明确的当代视觉经验和意义。当然, 我们不割断历史, 把当代木雕的创作点建立在具有几千年历史传统木雕这一“巨人的肩膀”上, 使当代木雕艺术实现在文化语境中的蜕变, 那么当代木雕就永远被庇护在强大的传统木雕羽翼之下, 无法获得当代艺术品格的同时也会失去当代艺术应有的高度或深度。

如同近现代文明最终因为外来文明而来到中国, 当代木雕艺术也是在外来文化影响, 借助外力突破已经是历史的事实, 但是, 不可否认它同时也带上了后殖民色彩, 这也是传统阵营对当代艺术最辛辣的讽刺。因此, 当代木雕艺术创作应该有勇气正视这个历史事实, 要有不留恋特定年代的观念, 相信那只是历史完成自己对逻辑所出现的一个手段而已。我们要用积极的态度去发现历史中蕴藏着现代性因素, 过去的并不是完全衰老, 沉淀在历史文化土壤里的也有当代的种子, 关键是要有对现代性体悟的深刻眼光。以其古代, 完成现代, 并不是以古为新的老套, 而是建立在对传统与现代关系的深刻洞察基础之上。

在当代木雕艺术创作中, 第一要义是强调木雕的观念性。虽然我们并不反对装置和观念艺术利用木质材料资源, 淡化传统木雕实用性与装饰性, 但它属于另一范畴、另一本质。因此, 可以清晰的界定, 它们的创作与木雕创作不属于同一种类, 更或者说, 同种不同类。中国木雕艺术有它自身的观念性, 这一特性经过了几千年的历史发展沉淀具有成熟的特点和特有的东方精神。第二要义是关于空间的认识, 这一认识与木雕的固有的表现形式关系紧密相关。自古以来, 中国木雕艺术发展都与建筑环境有着紧密的联系, 建筑的发展促使着木雕艺术语言与之相融合, 使得建筑与雕塑之间有了越来越多的联系。

三、当代的木雕艺术创作在全球化的语境

下接受着考验因为无论是传统型的雕塑还是当代型的雕塑, 都面论着机遇和挑战, 我们必须更新创作观念, 同时进行多元性、创造性、时代性的木雕创作, 才有中国木雕艺术的新的辉煌

新的创作理念大致有以下几个方面:

1) 明确木雕艺术创作是属于雕塑艺术创作范畴, 传统的木雕艺术已经逐渐失去了它的文化生态和实用价值, 它的存在与发展只能依靠其艺术本质和功能。所以我们要呼吁原创力与创新精神, 那种过分强调木雕艺术的实用性和装饰性, 忽视其艺术创作的规律性和时代性是不可取的。

2) 传统的木雕艺术作品的形式因为受环境的影响, 主要体现在梁、栋、隔断、家具、摆件等表现方式, 当代的木雕艺术不仅要适应当代环境的需要, 更要符合当代艺术的审美要求和标准, 强调木雕艺术的创造性, 强调作品观念的唯一性, 拓展木质材料的表现力、感染力与震撼力。

3) 构建有效的木雕创作理论, 强化艺术评论, 梳理木雕艺术创作的发展历程。关于我国雕塑创作的理论不多, 而关于木雕艺术创作的理论少之又少, 有往往侧重于古代的门、窗、栋、梁、隔断、家具等的阐述。当代木雕艺术创作理论虽然在雕塑史、美学等诸方面有了长足的进展, 但当代的木雕艺术从理念到艺术创作技巧等诸方面的研究还是显得欠缺。

4) 今后艺术创作的主力军, 应该是高等院校专业训练出来的人才, 高等院校与专业化的训练是保证未来木雕艺术发展的基础, 这主要是因为以专业艺术院校为代表, 凸显艺术创作和理论能力的培养, 他们即具有开阔地艺术视野, 又有传统文化知识修养, 因此将当代木雕艺术摆在博大精深的文化传统背景下进行艺术创作, 才能更好地体现木雕艺术的纯然状态, 并维持其命脉。

5) 重视当代木雕艺术在当代生活中的艺术装饰的实用性, 允许并提倡材料之间的融合。当代社会科技的发展为我们提供了丰富的材料, 当代艺术可以使用石、纤维、塑料、金属等不同的材料来制造与装置木雕艺术作品。

6) 重视木雕艺术的前瞻性、现代性与世界性, 弘扬中国文化, 让木雕艺术在世界上大展风采, 除了积极的进行国际交流工作以外, 更重要的是中国当代木雕艺术创作要更具有现代性、时尚感和艺术魅力。我们不需要迎合西方人的艺术观念与审美习惯, 但我们完全可以借鉴和应用视觉科学与当代艺术的规范和智慧来丰富木雕创作。作为当代人, 艺术家最重要的是自身的艺术觉醒。人们也不愿再满足于陈旧的艺术语言。西方人曼.科.希勒布雷希特在《现代派艺术心理》中说:“现代艺术是一种自我意识的结果, 是一条通往本来面貌的艺术。”我们毕竟是当代人, 艺术的创作一定要表达出当代人的人格精神和情感世界, 当代木雕艺术的审美价值与形式特征都要建立在这基础之上。提倡多元激荡、兼容并包、和而不同、开放的创作理念, 欢迎不同的艺术流派、不同的创作风格、不同的艺术取向, 不论是当代的、后现代的、传统的非传统的木雕创作, 都应该让它们并行不悖的发挥到极致。

摘要：好的美术的概念不再强调工艺品的特定性能, 而开始强调美术作品所蕴含的创造力的价值, 并且开始鼓励美术的个人化。上世纪80年代后, 中国木雕艺术创作不在被传统所束缚, 专业艺术家的个人创作力得以蓬勃发展, 尽管每个美术家的创造力是独一无二和个人的, 但是, 不可否认的是, 创作者和他或她所处的文化生活和时代背景对他们的作品具有特定的意义, 众多因素为每个人提供了内容形式和素材来创作艺术作品。

关键词：工艺品,木雕艺术,创作

参考文献

[1] 陈霞艳.木雕艺术与中国传统文化研究山[J]科技与企业2013.

[2] [英]汤姆福赖恩著, 杜小鹏译, 《古典与现代艺术书系列人体雕塑》, 中国建筑工业出版社.

[3] 焦兴涛著《新具象雕塑》, 重庆出版集团.

当代农民画民间艺术论文范文第6篇

热点报道

第24届全国摄影艺术展览南海开幕

5月1日，2012第24届全国摄影艺术展览开幕式在广东南海39度空间艺术创意社区举行。中国文联党组成员、书记处书记李前光，中国摄协主席、分党组书记王瑶等出席了开幕式。开幕式由中国摄协分党组成员、秘书长高琴和南海的易坤共同主持。

南海是“中国照相机之父”邹伯奇的故乡，有着深厚的摄影文化底蕴和群众基础。此次国展落户美丽的南海，不但为第24届国展增添了浓郁的岭南色彩，也对南海当地的摄影文化发展起到了促进作用。开幕式当天，南海挥去了连日来的阴雨天气，迎来难得的晴天，为开幕式献上了一份厚礼。

中国摄影家协会主席、分党组书记王瑶在开幕式上代表中国摄协对来自全国各地的摄影人表示了热烈的欢迎，并对长期以来对中国摄协工作和中国摄影事业给予关心和支持的摄影人表示诚挚的感谢。本届国展开幕恰逢南海“2013珠三角休闲文化节”举办，王瑶主席表示全国摄影艺术展览和休闲文化节的联袂上演，不仅搭建了一个让广大群众了解摄影艺术、发现美丽中国、感受魅力南海的平台，也进一步实现了摄影艺术深入群众、扎根基层的惠民理念，是给基层送文化的具体举措，具的独特意义。

开幕式上，53名获奖作者受邀出席，9家团体会员代表和8家获得特别贡献奖的单位代表也来到现场，一同见证了第24届国展开幕式。同时，《2012（第24届）全国摄影艺术展览作品集》及《美丽南海》作品集举行了首发仪式。

本届国展首展的100多幅作品，是从7万余件，总计11万余幅来稿中遴选出来的，展览的作品题材涵盖面广，各类别具有代表性的优秀作品均有所展出，是摄影专业水准与发展趋势的一次集中体现。

同时，为了提高国展的专业性和学术氛围，给广大摄影人提供一个互相交流和学习的机会，中国摄协特别邀请了本届国展纪录类评委李洁军、艺术类评委周梅生、商业类评委汤辉和多媒体类评委宋婧到现场以分类讲座的方式和影友进行面对面的沟通交流，为影友就本届国展以及在摄影艺术创作等方面的困惑给予释义和解读。

国展创办于1957年，是中国摄影家协会也是中国摄影界最具影响力的品牌活动之一。历经24届，国展一直在不断地探索和完善。本届国展又添新亮点，增设多媒体类别。

作为一种新兴的艺术传播形式，同时也是数字摄影时代影像发展的方向，多媒体在国内还尚未形成规模，相应的评判标准也在积极探索中。本届国展多媒体类的增设也恰恰说明了国展一直在与时俱进，其前瞻性也得到了业界的认可。希望通过本届国展多媒体这一门类的设置，对中国多媒体的发展起到了一个良好导向的作用，更好地推动多媒体在中国的发展。

读图时代的到来，人们越来越习惯透过影像语言去解读世界，摄影也发展成为大众化的艺术行为。国展巨大的来稿量说明摄影在中国的群众基础和发展势头是很值得欣慰的。但同时从国展稿件的质量来看，作者的创作水平还是参差不齐的。在众多稿件中虽不乏创意新颖、思路清晰、拍摄精良的优秀作品，但题材扎堆、概念模糊、表现手法雷同的问题也偶有存在。

历经56年，国展见证了中国摄影的发展，也见证了一代代中国摄影人的成长，发掘更多更优秀的摄影人和摄影作品也一直是国展义不容辞的职责。通过国展，可以看到当下摄影人在创作思维和表达方式上不断进步，社会责任感逐渐增强。虽然国展并不能完全体现当今中国摄影的整体水平，但是透过国展我们可以看出摄影在中国具有强劲的发展势头，摄影人的创作水平也在迅速提高。

国展仍在不断探索、大胆创新，力求更好地服务中国摄影界，我们期待国展可以成为一项具有国际影响力的摄影盛事，为世界呈现出不同凡响的中国视觉盛宴。

事件

李俊获2013三影堂摄影奖

2013年4月13日，第五届三影堂摄影奖在北京草场地艺术区三影堂摄影艺术中心揭晓， 李俊获得2013三影堂摄影奖，并获得8万元奖金，杜艳芳获得了资生堂年度女性摄影师奖。

李俊2006年毕业于中央美术学院摄影与数码媒体工作室，目前是成都一所艺术院校的摄影教师。 李俊的获奖作品《无常时》创作长达四年，拍摄了一些日常用品在灰尘中留下的痕迹。他说，他的作品受意大利画家乔治·莫兰迪 （Giorgio Morandi） 的启发，探讨的是存在与缺席，也隐喻了当代中国的消费，让人想到早期的古典摄影工艺。杜艳芳2011年毕业于中央美术学院摄影系，现工作生活于北京。其获奖作品为《家乡—白杜谣》，是一组中国传统水墨绘画与摄影相结合的作品，这组作品在本刊2012年第4期“拍与画”专题中曾经介绍过。

2013三影堂摄影奖一共有504位投稿人，其中共有28位摄影师入围并参加第五届三影堂摄影奖的评选。名为《实相：2013 年度第五届三影堂摄影奖作品展》的展览也在当天推出，展出了包括两名最终获奖在内的28位入选摄影师的作品，展览持续到6月9日。

多伦多摄影节： 摄影延伸“视野”

每年一度的加拿大多伦多接触摄影节（Contact）在5月1日至31日举办， 今年的主题为“视野”（Field of Vision），以10个摄影和影像装置展来研究摄影如何延伸我们的视野，同时也回溯了摄影这个媒介的历史和呈现了摄影当下的走向。

最近一段时间在各种展览上经常出现的萨尔加多的新作《创世纪》（Genesis）又在该摄影节展出，作品中人迹罕至的自然景观和原始文化的族群在自然空间上延伸了我们的视野。还有不少展览在探究摄影在当代的技术背景下如何塑造和影响我们对当下世界的理解，检视了摄影的各种社会功能和摄影介入社会的方式。比如，加拿大多媒体艺术家安德鲁·怀特（Andrew Wright）既通过针孔相机这样的传统摄影方式，也通过苹果手机的拍摄功能，来探索知觉的特性和摄影的带来的视觉的可能性；荷兰多媒体艺术家埃瑞克·卡瑟斯（Erik Kessels）把24小时传到社交网站Flickr上的100万张照片打印堆积到展厅，让观者对当下网络带来的影像泛滥有了直观感受；“丰业银行摄影奖”2012年的得主是已经去世的加拿大摄影师阿尔诺·马格斯（Arnaud Maggs，1926 – 2012），他从1980年代开始，把普通人和诸多艺术明星以及他自己作为拍摄对象，展览时把同一个人的几十甚至上百幅尺幅相同、各种角度的肖像以网格状并置，通过面孔检视身份，探究我们的视觉经验。

据主办方称，从1997年创办至今，该摄影节每年的观众已达180万人，是世界第一大的摄影活动。 是否是“第一”还未可知，但是综观这10个展览，从历史照片到当代影像，从平面影像到装置，无不紧扣摄影延伸“视野”的主题，同时显示出策展者对摄影走向充分的理解和把握。

第一届东京国际摄影节

第一届东京国际摄影节（Kyotographie）于2013年4月13日至5月6举行。11个展览中，除了日本老摄影家细江英公和非洲老摄影家马里克·西迪彼（Malick Sidibé）的展览外，还有大西清右卫门十六世（Onishi Seiwemon XVI）、高谷史郎（Shiro Takatani）等几位影像装置艺术家的展览，外加法国收藏家Christian Polak收藏的日本老照片展，旅行家尼古拉·布维耶（1929–1998）拍摄的日本等展览。参展者大多来自日本和法语国家。除了热闹，看不出策展者的意图所在。不知道为何，诸多极具才华、各有特色的日本摄影家的影像资源为何没有为策展者所用。

普林斯上诉成功

2011年3月，以挪用照片来进行创作而闻名美国艺术家理查德·普林斯（Richard Prince）因挪用了法国摄影师帕特里克·卡瑞奥（Patrick Cariou）2000年出版的《是的，罗斯塔》（Yes Rosta）一书中的30幅照片，而被卡瑞奥告上法庭，结果纽约地方法院判决普林斯以及其代理高古轩画廊败诉。但是今年4月，美国第二巡回上诉法院推翻了地方法院的判决。

上次的判决中，地方法院的法官认为使用原作的核心是让这种使用聚焦于原作品或者其历史环境；如果只是居于侵权者所宣称的对原作品进行了较大程度或不同的艺术使用就被认为是合法的，在现实操作中对原作品的合法与不合法的使用之间就无法判定。而上诉法院的法官认为，在评论、新闻报道、教学等中使用其他人的作品的确如此，但是法律并不要求挪用作品必须追溯到原作的使用，只要改变原作之后有“新的表达、意义或信息”就可以视为合理使用。上诉法院认为30幅照片中的25幅与原作相比具有完全不同的性质和意义，且要求地方法院用比以前更宽泛的标准重新审理剩余5幅是否侵权。

据路透社的报道，地方法院的判决曾经遭到惠特尼美术馆、《美国艺术》杂志等艺术机构的质疑，认为其以“危险”的方式背离了对版权的标准分析。这次上诉法院的裁决获得了不少艺术界人士赞许。力挺普利斯的安迪·沃霍尔基金会律师安东尼·法尔宗（Anthony Falzone）认为，这项裁决是 “普林斯和整个现代艺术流派的一个巨大胜利，这意味着艺术家可以将现有图像融入其艺术创作的广阔空间”。

展览

安迪·沃霍尔：十五分钟的永恒

时间：2013.4.29—7.28 地点：上海当代艺术博物馆

这是亚洲迄今为止最大型的安迪·沃霍尔回顾展，所有展品皆来自美国匹兹堡安迪·沃霍尔美术馆，展览跨越安迪·沃霍尔从20世纪40年代至80年代的艺术生涯，按不同时期分为四个部分，共展出绘画、摄影、丝网印刷、素描以及雕塑等各类作品共400多件，代表作品包括：《金宝汤罐》（Campbell’s Soup Can，1961年）、《伊丽莎白·泰勒》（Silver Liz，1963年）、《杰奎琳》（Jackie，1964年）、《玛丽莲·梦露》（Marilyn Monroe，1967年）、《自画像》（Self-Portrait，1986年）等。即使已经辞世26年，美国当代艺术家安迪·沃霍尔对当代艺术辐射出的影响力仍然难有人能及。摄影始终在沃霍尔的创作中扮演重要的角色，他曾在日记中写道：“我告诉他们我不相信艺术，我只相信摄影。”

1970年代沃霍尔就曾说：“未来，每个人都能当上15分钟的名人”，预测大众媒体时代的到来。该展由此得名。

该展已在新加坡和中国香港展出， 8月底还将巡展至北京，并于2014年到达东京，共历时27个月。

焦点：埃德·拉斯查

时间：2013.4.29—9.29 地点：洛杉矶/盖蒂博物馆

美国艺术家埃德·拉斯查（Ed Ruscha）入选《时代》周刊2013年世界100位最具影响力人物榜，理由是“半个世纪以来，埃德·拉斯查一直是美国艺术中装扮天真的幽默者，为我们以为我们所知道的东西提出聪明的谜语”。

埃德·拉斯查于1956年从家乡俄克拉荷马州来到西部大都会洛杉矶，进入乔伊纳德艺术学院（Chouinard Art Institute）学习设计专业。纵观其超过50年的职业生涯，他的创作涉及绘画、摄影、版画、素描和电影等视觉艺术领域，作品主题集中于探索都会景观、城市建筑和汽车文化。摄影一直是埃德·拉斯查的艺术实践核心，他于1963年开始拍摄内容丰富的洛杉矶街道图片档案，其中的一些照片在同一时间或几年后，又成为他运用其他艺术媒体进行创作的原始素材。例如，标准汽车加油站的照片，后来变化为其著名的抽象绘画艺术代表作，不但在传播媒体上广为流传，而且成为美国当代美术经典之作。如此同一题材的两种媒介变体作品让拉斯查同时于美国当代摄影和美术领域享有经典地位，实属不凡。

拉斯查于1960年代和1970年代创作的图书项目，被视为其摄影发展的核心成果，同时显示出他的拍照观念和出于都市景观的兴趣而做的类型分析。少为人知的是他拉斯查还不断致力于拍摄其第二故乡城市洛杉矶的各个交通要道，使用与日落大道相同的行车拍照方法，巡游拍摄了洛杉矶市区的几条主街要道，如威希尔大道（Wilshire）、好莱坞大道（Hollywood）、塞包韦达大道（Sepulveda）和洛杉矶区段的太平洋海岸公路（PCH）。并且还拍摄到唐人街、银湖和其他街区的较小的道路景观，以数百万次曝光遍及洛杉矶的40条大街小道。

此展囊括了致使埃德·拉斯查声名鹊起的几个摄影图书项目的代表作原始照片，其中有：《二十六个加油站》（Twentysix Gasoline Stations）、《一些洛杉矶的公寓》（Some Los Angeles Apartments）、1966年创作的《日落大道热点地段的每幢建筑物》（Every Building on the Sunset Strip）、1974年创作的《太平洋海岸公路》（Pacific Coast Highway）。（王瑞）

“纵目Ⅲ”成都纵目摄影双年展

时间：2013.5.18—6.30 地点：成都/ 梵木艺术馆

展览集合阿斗、陈春林、单飞鸣、冯立等28位活跃于当下国内摄影界的年轻摄影师的作品，力图跨地域对中国当代摄影艺术的文化脉络进行纵深式的展示和呈现。展览期间还有一场特邀嘉宾阮义忠的主题演讲交流会和四场参展艺术家主题演讲交流会。

第二届“祖国颂-金秋影友摄影作品联展”

时间：2013.5.8 地点：北京/中国人民革命军事博物馆