当代音乐艺术论文范文第1篇
摘要：文化不变化是没有进步的，传承是为了发展。我们理性地检视民族地区的多元音乐课程，可以发现其存在着偏狭的音乐课程目标、汉化的音乐课程内容、功利化的课程实施以及师资力量不足等问题。要解决这些问题，就必须树立多元音乐课程理念、复归课程民族文化品性、加强多元音乐课程实施以及重视师资培训等。
关键词：音乐；课程；民族；多元；问题；对策
文献标识码：A
引言
文化不变化是没有进步的，传承是为了发展。但是，“种子资源”一定要保护好，希望不要破坏它，但也不能就此说保护它就不要发展了。学校教育，对民族多元音乐文化的传承和发展起着非常重要的作用。由此，对于民族地区实施的多元音乐课程，旨在培养民族地区学生的多元音乐文化理念和跨文化的交往能力。这里，我们理性地检视民族地区多元音乐课程实施的现状，即可发现它存在的一些问题，以及我们需要做的相应的改进措施。
一、民族地区实施多元音乐课程存在的问题
问题一：褊狭的音乐课程目标
在一些民族地区，多元音乐课程由于缺乏多元音乐文化理念作支撑，存在着目标取向偏狭等现象。
1．文化熔炉的课程目标取向
文化熔炉的课程目标取向认为：每一个民族都有自己的本土文化，文化占主导地位的汉族应当积极吸纳少数民族的文化，并使之融入到一个整合的文化之中。这种整合的文化，就是汉族文化与少数民族文化通过相互影响、相互作用而共同孕育的文化。
由此看出：文化熔炉论从理论上虽然也承认少数民族音乐文化的存在及其价值，但是仅仅把它作为了主流汉族音乐文化发展中的一个变量，否认了其存在的独立性和发展的必要性。而这种文化熔炉观点下的音乐课程目标，也旨在让少数民族学生融入到主流社会，接受和学习以汉族音乐文化为核心的整合音乐文化。为此，学校要为不同文化背景的学生提供相同的音乐课程和共同的音乐教材，课程也要传输共同的音乐知识、技能和核心的音乐文化观念。
这种文化熔炉观点下的音乐课程目标，虽然从表面上看似乎很理想，但由于每一个民族的音乐文化都具有自己的独特境脉，而整合音乐文化无法具体体现每一个民族独特的音乐文化性格，只能截取少数民族音乐文化的一些片段或点滴，来融入到主流汉族音乐文化的模板之中，其实质——仍然是坚持“一元”下的音乐文化。
2．激进的多元音乐文化目标取向
当前少数民族音乐文化的发展遇到了种种阻碍和挫折，其前景不容乐观。一部分有识之士由此感到少数民族自身音乐文化有被淹没乃至于消亡的可能，因而极力主张在多元音乐课程中大力彰显本民族音乐文化。这种观点，对传承、保护和发展民族音乐文化，促进民族音乐文化的繁荣和创新，无疑具有非常重要的意义。但令人遗憾的是，在民族地区多元音乐课程开发的潮流中，封闭、孤立、倒退的激进民族多元音乐文化主义者，也随之而生。他们无视几千年来汉族音乐文化与少数民族音乐文化之间相互影响、相互作用、相互融合的历史，反对少数民族音乐文化与汉族音乐文化进行交往和沟通，要求多元音乐课程传承绝对未受任何汉化影响的、“原汁原味”的、甚至“孤僻”的本民族音乐文化。
著名民族学家费孝通先生在分析、概括我国民族和文化时曾指出：中华民族是“由许许多多分散孤立存在的民族单位，经过接触、混杂、联结和融合，同时也有分裂和消亡，形成一个你来我去，我来你去，我中有你，你中有我，而又各具特色的多元统一体”。由此观念出发，他提出了“中华民族多元一体格局”的概念。可见，尽管少数民族音乐文化有着自己的特色，但它同时又与汉族音乐文化有着割舍不断的渊源和联系。而正是这种千丝万缕的联系和融合，消解了民族之间的音乐文化壁垒，促进了民族音乐文化的吐故纳新，并最终促成了中华民族音乐文化的形成。因此，多元音乐课程也必须要把民族音乐文化置于中华民族音乐文化的背景中，不能仅凸显“差异”而否定“一体”，要在二者之间寻求适当的平衡。而民族地区实施的多元音乐课程，则必须坚持追求“多元一体”的目标。当然，“将教育中激进的多元文化论同提倡共存的多元文化论区别开来，却并非易事”。
问题二：汉化的音乐课程内容
民族地区多元音乐课程内容选择的汉化取向，是长期以来存在的严重问题，至今依然没有得到根本的解决。一些民族地区在实施多元音乐课程时，从汉族文化而不是少数民族文化的视角来选择和确立音乐课程内容。这种以汉族文化为中心的课程选择观，没有充分考虑到各民族音乐文化多元的标准，仍以汉族音乐文化价值观为主导。充其量，只是在坚持汉族音乐文化的价值观、表现(表演)形式、立场观点的前提下，附加了一些描写和介绍少数民族音乐的文化内容(知识)。这种“简单”模式下的多元音乐课程，没有充分考虑到民族地区特有的音乐文化境脉和少数民族学生的心理特点，课程内容严重背离了少数民族学生的现实生活，致使民族音乐文化在课程中长期处于一种“失语”的状态。
而这种汉化了的音乐课程内容，其实质是剥夺了少数民族学生在音乐文化选择上的机会和权利，影响了他们对本民族音乐文化的学习和跨文化交往能力的培养，致使部分少数民族学生觉得音乐课程失去了对本民族音乐文化的亲近感、认同感和自豪感。这种“以汉族音乐文化为背景”的、所谓的多元音乐课程，仅仅是将少数民族音乐文化的内容作为珍稀的收藏、猎奇的点缀，或只是供学生学习的某种文化遗迹，实际上——是否定了少数民族音乐文化在现实生活中的作用，使其丧失了蓬勃的生命活力。
问题三：功利化的课程实施
1．“应试”教育的影响根深蒂固
民族地区的一些学校，因为担心音乐课程的开设会影响学生的学习成绩以及学校的升学率，于是干脆不开设多元音乐课程或仅仅将其列在课程计划上但不去落实和实施。此外，由于办学思想受到片面追求升学率的影响，以及把“应试”当作教育目标和课程目标的背景下，在民族地区的部分学校，音乐课程因不符合“应试”需要而被长期放弃或闲置起来。
2．“短视”的教学观念
民族地区的一些学校，在多元音乐课程的教学过程中，往往只强调知识的传授，把多元音乐课程实施的目的，片面地理解为传递民族音乐文化历史和多元音乐文化理论知识、技能，要求学生接受民族多元音乐文化现成的结论、知识、技能、技巧，而不是对民族多元音乐文化进行思考、诘问、批判和创生。教师在民族多元音乐文化的教学过程中，不关注学生的情感体验与思维创新，剥离了多元音乐文化学习与培养民族亲近感、认同感和自豪感的内在联系。这种“短视”的教学观念，是民族地区多元音乐课程实施中的“痼疾”。
问题四：不足的师资力量
然而，目前民族地区教师多元音乐教育的素养相当缺乏，已成为制约民族地区多元音乐课程实施的“瓶颈”。具体表现在：1．民族地区教师普遍缺乏多元音乐教育的理论知识。
2．民族地区教师普遍缺乏对本民族的音乐历史、音乐文化、音乐语言以及与音乐有关的风俗的了解和认同。并且，对本民族传统音乐文化的认识，往往也是零碎、片面和感性的，缺乏理性的知识和有意识的研究、学习；对本民族传统音乐文化的价值也缺乏正确的评价，甚至简单地把少数民族传统音乐文化与现代音乐文化孤立地对立起来。3．民族地区教师往往还缺乏系统的《民族心理学》和《民族教育学》的理论知识。因此，对少数民族学生的学习心理了解不够，缺乏指导学生学习的具体措施。4．民族地区教师的现代化信息技术知识和素养相对较差，无法适应实施跨文化教育的现代技术需要。
二、民族地区实施多元音乐课程的改进策略
策略一：提升民族文化特色，树立多元音乐课程理念
笔者以为，民族地区实施的多元音乐课程，既要进行少数民族音乐文化传承与创新的教育，又要进行民族团结和音乐文化多元理念的教育。少数民族音乐文化的传承与创新，必须植根于少数民族特有的民族音乐文化之中，必须与民族音乐文化的境脉发生关联。
我国著名的民俗学专家陈勤建认为：“我们民族文化的DNA，存在于民俗、民间文化之中。”由此，民族地区实施的多元音乐课程，通过对民俗、民间音乐文化的挖掘，促使少数民族学生了解、体验和感悟本民族的音乐文化，引发他们积极的思考，进而提升他们的民族认同感、民族自豪感等民族音乐文化素质。而对学生进行民族团结和音乐文化多元理念的教育，旨在通过少数民族音乐文化与汉族音乐文化的相互交叉、融合的历史事实，使少数民族学生认识到本民族音乐文化的传承、发展与进步，必须吸纳其它民族优秀的、先进的音乐文化成分来作为营养。如果本民族的音乐文化完全封闭，不去与其它民族的音乐文化进行交流，就不可能产生丰硕的音乐文化成果，民族音乐文化的生命力也会随之萎缩、衰退。
策略二：复归课程民族文化品性，实现多元音乐课程内容上的更新
由于一些民族地区的多元音乐课程长期以来都是以汉族音乐文化为中心，少数民族音乐文化实际处于课程文化的边缘。这种汉化了的音乐课程，造成了对少数民族音乐文化发展和学生音乐文化选择权利实现的一些消极影响。这种状况，既不适应多元音乐文化时代的发展要求，也有悖于我国“和而不同”的民族文化精神。因此，还原少数民族音乐课程文化主体的地位，意味着民族地区的多元音乐课程可以根据各民族音乐文化的境脉、理想和追求，来对多元音乐课程的教学内容加以选择、内化，进而构建各民族特有的多元音乐课程内容。
民族地区多元音乐课程的实施，是一次深层次的教育变革，它不仅是课程形式的改换，更是课程内容的更新。而实施民族地区多元音乐课程内容的更新，要注意以下几点：1．重视对多元音乐文化的理解和尊重。在认同国家主流音乐文化的基础上，让学生平等地对待和欣赏少数民族的音乐文化，使之通过对多元音乐文化的理解，来拓宽视野，开阔胸襟，提高他们跨文化交往的能力。为此，多元音乐课程应该客观地介绍少数民族音乐文化在中华民族音乐文化发展史上的贡献，以及少数民族音乐文化与汉族音乐文化融合的历史事实。2．注重民族性与国家性相结合。在多元音乐课程的实施中，应鼓励学生使用母语来表现音乐，允许各民族学生用自己的语言来解释属于他们的音乐文化，呈现他们的民族音乐艺术特色。通过对本民族音乐文化的学习，促进学生对“多元一体”的中国文化的思考，从而使学生把对本民族的认同与爱国主义教育结合起来。3．强调多元性与同一性相结合。也就是说，在音乐课程内容的选择上，既要满足少数民族的特殊利益。又要体现国家的根本利益。通过对多元音乐课程的学习，让学生既了解整个社会音乐文化多元的事实，又了解各民族必须共有的文化价值和文化观念；既看到不同民族音乐文化间的差异，又能发现其中隐含的共同的人性、理想和追求。4．少数民族音乐文化的内容应整体融入而不是零星地、破碎地附加在多元音乐课程中。多元音乐课程可以把少数民族音乐文化的内容融入到相关的主题，也可以打破民族音乐文化界限，以社会音乐问题或历史上的音乐事件、音乐故事为线索，探讨汉族、本民族及其它少数民族在音乐文化方面的新观点、新经验和新感受。
策略三：加强多元音乐课程实施，防止实施的功利化
其一，防止一些学校出于追求升学率，把多元音乐课程视为学科课程的“点缀”，或借口多元音乐课程对教师素质、实施条件等要求过高、目前条件不具备等理由，在多元音乐课程实施上设置障碍。要么视而不见，搁置一旁；要么迫于行政压力，不得已而为之。
民族地区多元音乐课程的开发和实施，是一项亟待加强的工作，需要得到政策、资金、设备、师资等方面的支持和保障。因此，各级教育主管部门、学校和教师都要把传承民族多元音乐文化、培养学生跨文化交往能力作为民族地区的办学指导思想之一，积极转变观念，使多元音乐课程尽快成为民族地区的品牌课程、特色课程。
其二，防止多元音乐课程实施中的“短视”行为。传承民族音乐文化知识，固然是民族地区实施多元音乐课程的一项重要内容，但也不应该忽视对民族音乐文化的创新，即对民族音乐文化进行批判、重构和创生。在民族地区实施多元音乐课程，要在学生深入体验的基础上，培养学生的多元音乐文化批判意识，赞赏学生对多元音乐文化具有独特性的、富有个性的理解和表达，鼓励学生对民族音乐文化质疑和超越，从而培养学生对民族音乐文化在学习和理解上的创新能力。
策略四：重视师资培训，增进教师对多元音乐课程的实施能力
教师，是民族地区多元音乐课程实施的关键所在，为了保障多元音乐课程的实施和推进，必须大力加强教师的培训工作。通过培训，使教师：1．树立多元音乐文化的理念，对多元音乐课程具有全面、正确、深刻的认识和理解。2．了解和掌握民族音乐文化，提高民族音乐文化的修养。3．熟悉和掌握多元音乐课程实施的基本程序、操作技能及现代信息技术。4．能满腔热情地投入到多元音乐课程的教学，并心甘情愿地改进自己的教学方式，注重激发学生学习民族音乐文化的热情，学会和学生一起分享民族音乐文化博大的智慧。与学生共同成长。
结语
21世纪，是全球多元音乐文化并存、发展的世纪。在民族地区实施多元音乐课程，既要考虑到对本民族音乐文化的传承、发展与创新，又要考虑怎样保留本民族音乐文化独具的特色。在这样的多元音乐文化视野中，民族地区实施多元音乐课程，就应该在珍惜本民族传统音乐文化的基础上，用开放、豁达、多元的角度去思考各种不同形态、不同层面和不同趣味的民族音乐，以丰富本民族音乐文化的内涵，让民族音乐文化与时代、与国际接轨，朝着更宽广的道路发展。
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当代音乐艺术论文范文第2篇
摘要 通俗古典音乐是当代一个重要的音乐形式。以通俗音乐丰富的表现形式对古典音乐经典曲目进行重新包装和演绎，从而达到两种音乐的完美融合。通俗古典音乐发展的背后是古典文化与通俗文化的交流与融合。本文将从通俗古典音乐的艺术特点和创编手法两个方面对通俗古典音乐所体现的文化融合和表现进行探析。
关键词：通俗音乐 古典音乐 文化融合
引言
通俗古典音乐是当代新兴的音乐形式，是文化融合和音乐发展的必然结果。古典音乐文化底蕴深厚，旋律经典、优美，通俗音乐表达形式丰富，表达手段多样，因此集二者优点于一身的通俗古典音乐有着深厚的文化内涵和丰富的文化表达，是当前音乐发展和文化发展的主要趋势。下面本文将从通俗古典音乐的艺术特点和创编手法两个方面对通俗古典音乐所体现的文化融合和表现进行探析。
一 通俗古典音乐的艺术特点
1 融合两种音乐艺术特点的表达方式
通俗古典音乐是以通俗音乐的表达方式对古典音乐进行重新演绎，因此通俗古典音乐具有融合两种音乐艺术特点的表达方式，这也是通俗古典音乐的基本艺术特点。古典音乐有着悠久的历史和深厚的文化沉积，在漫长的发展岁月中流传下来很多经典的音乐曲目。通俗音乐则是近代发展起来更加贴近人们生活的音乐表现形式，具有当前最广泛的听众基础。因此，融合了两种音乐艺术特点的通俗古典音乐在音乐艺术的表达方式上能够兼两者之长，以更加丰富的表现方式表达音乐中的各个经典。通俗古典音乐让古典音乐通俗化，让通俗音乐经典化。通俗古典音乐可以从通俗音乐中汲取更加丰富的表现形式，更具色彩的舞美效果，更具现代特色的时代气息，同时还可以从古典音乐中挖掘更具文化力量和内涵的音乐内容，从而在艺术表达方式上实现雅俗共赏的表达效果。
《春江花月夜》原本是一首中国古筝独奏曲，在经过现代手段改编后，曲中添加了琵琶、笛子等其它中国民族乐器，成为了一首更具时代气息和古典韵味的中国民乐协奏曲。改编后的音乐由于增加了乐器从而使得音乐表现力得到了加强。此外，改编者还对原音乐节奏和衔接进行了更改，使得音乐更具动感的艺术表现力。通俗古典音乐便是在保留古典音乐主题思想的前提下对音乐进行从音乐内容到表现形式等方面的包装，使得这些古典音乐更加符合现代人的音乐需求和感知变化。当代著名小提琴手陈美便是对古典小提琴演奏进行了大胆的通俗化改革，并首先使用电子小提琴进行演奏，将融合两种音乐艺术特点的通俗古典音乐表达优势表现得淋漓尽致。她改编的《化蝶》既有古典音乐的婉转动人，又有现代音乐的激昂、壮美，将生死缠绵的爱情主题表达得更加彻底。改编后音乐在表现梁山伯与祝英台两人由相识到相爱的过程时曲风秉承中国传统古典音乐的舒缓、悠扬，喜悦、亲切，让听众如醉如痴而在表现两个人无法在一起时又采用电子小提琴激烈的演奏方式，将两个人与命运抗争的悲愤表现得壮烈、激昂。由于融合了古典音乐和通俗音乐的两种表达方式，因此这首改编后的《化蝶》一经推出便受到了音乐爱好者的追捧，其观众群体也包括了不同年龄段的音乐群体。由此可见，将古典音乐和通俗音乐融合而成的通俗古典音乐，在音乐表现方面并没有失去古典音乐的文化底蕴和流行音乐的表现能力，也没有失去两个不同音乐受众群体的观众。不同的音乐爱好者都能在通俗古典音乐中找到自己所钟爱的音乐元素，并且喜爱这种新型艺术的表达方式。
2 对文化的多元化表达
无论古典音乐还是通俗音乐，都是文化的重要表现形式和主要载体。即使单独分析古典音乐或者通俗音乐，不同地域的古典音乐和通俗音乐也都有着文化上的差异，例如，中国的古典音乐和欧洲的古典音乐就有着较大的文化差异，不同国家和地域的通俗音乐也都有着各自鲜明的文化特色。因此，将古典音乐通俗化过程中所进行的通俗古典音乐中可以看到更多对于文化的多元化表达。古典音乐通俗化的发展背后是世界各民族文化互相学习、交流和融合的结果，因此这个过程是对文化进行多元化表达和融合的过程。从层次上看古典音乐和通俗音乐属于不同的文化形态。古典音乐是不同民族传统文化或者古典文化的集中体现，例如，中国的古典文化便体现着中国传统文化中“天人合一”的道家思想。欧洲的古典音乐则体现着欧洲古典文化中对于礼教的规范和对科学的研究。而通俗音乐则表现的是在当前社会发展的状态下，普通大众人们的文化意识形态，即以各种音乐形式和文化形式来表达心中的情感，而不再过分强调表达的形式，打破形式上的束缚，是通俗音乐最主要的文化特征。
通俗古典音乐则是以更加开放、自由的形式对不同文化的表达和致敬。中国年轻歌手李玉刚演唱的《新贵妃醉酒》从名称上看便是一首对古典音乐重新演绎的曲子。演员的服饰也深合中国古典文化的内涵。但在演唱的风格和唱法上，李玉刚则展现了在古典音乐和通俗音乐之间游刃有余的演唱功底。其中，无论是对于歌曲通俗唱法的叙述还是对于歌曲升华时中国传统旦角唱法的演唱，李玉刚都演绎得尽善尽美。这首对于文化多元化表达的古典通俗歌曲一经推出，便深受不同层次音乐爱好者的喜爱。通俗古典音乐的文化魅力可见一斑。美国著名的跨界歌手莎拉·布莱曼便是一位融合古典和通俗两种演唱风格于一体的著名歌手。北京奥运会上她演唱的主题曲《我和你》让全世界人们感受到古典音乐的空灵和现代音乐的激情完美融合的音乐佳作。而在演唱的背后，是莎拉·布莱曼音乐学习过程中对于两个层次的文化进行学习和理解的结果。通俗古典音乐对于文化的表达内涵和表达形式更加丰富和多样，是对文化多元化表达的体现。
二 通俗古典音乐的创编手法
1 编配手法改变
在通俗古典音乐的创编手法中，编配手法改变是其最常用的创编手法。古典音乐虽然在创作的格式上不如通俗音乐那样自由和丰富，但其漫长的积累和沉淀是新兴的通俗音乐所无法相提并论的。古典音乐中经典、优美的旋律举不胜举，并且经过代代相传在人们心中留下了深刻的印象。因此，对于古典音乐中一些旋律的借用变成了通俗古典音乐创编的主要手法。例如，中国的古典音乐《茉莉花》原本是一首江苏民歌，因为其旋律优美，流传甚广，深受广大听众的喜爱，因此被中国乃至世界的众多音乐家重新编配出各种不同版本的《茉莉花》。同样迷人的旋律，因为编配手法的改变而使得音乐在不同的地区散发出不同的色彩。上文所述陈美演奏的《化蝶》从创编手法上看同样是一首用通俗的编配手法对古典音乐进行创编的过程。创编者对这首古典的曲目进行了深入的分析，通过编配手法的改变对曲子中的旋律情感进行加强，尤其在表达两个人在和命运进行抗争的旋律时，通过电子小提琴演奏的编配使得曲子的基调变得格外激昂、壮烈，这是传统旋律中所无法达到的艺术效果和文化效果。对于古典曲目创编手法的改变同样体现着不同文化在音乐表现上的融合。通俗音乐中自由、开放、丰富的创编方式体现着现代流行文化中对于情感表达的自由、开放和丰富。因此，对于古典音乐运用现代文化的创编方式进行重新编辑是现代文化对于古典文化重新解读和演绎的过程。例如，中国的传统音乐中多以单乐器表演为主，这源于中国传统乐器多取材于自然，因此单乐器演奏更能够表达人与自然的和谐关系和意境。而现代文化中多文化的交流与融合已经成为了文化发展的主流趋势和动力，因此人们在对古典音乐重新编配时，自然引入了更多的乐器来表现更加复杂的情感内容和文化内容。此前一些不曾有过的乐器搭配在新时期的通俗古典音乐创编中被全新地组合和搭配在一起。文化的融合为创编方式的融合提供了文化基础和动力。经过创编后的通俗古典音乐在保留原古典音乐文化内涵的基础上又增添了多元化的文化形式。
2 音乐元素的融合
通俗音乐中的音乐元素更加丰富，音乐表现上也更加注重对各种音乐元素的运用。灯光、舞美、音效、服饰等都被十分重视地运用到音乐表演中。在通俗古典音乐中，创作者通过对各种音乐元素恰到好处的改变，将古典与通俗两种音乐完美地融合在一起。如上文所述的莎拉·布莱曼在一场演唱会中为了突出“月光女神”这一主题，设计者用圆形的幕布将舞台四周围起，并通过灯光的变幻营造出一个神秘的宫殿氛围并且根据演唱的曲目而不断变化着场景。在演唱《月光》时，站在舞台中央的身穿黑色纱裙的莎拉的歌声在上空悠悠地回旋，舞台布景随着天籁般的音乐变成了一个广裹的夜空，上面点缀着星光。无不带给人以巨大的视觉冲击力。演唱会灯光的运用可谓是恰到好处地把握了音乐的脉搏，如同人的情绪一般非常好地调节了现场气氛。当音乐的旋律低缓时，灯光也变得暗淡。当莎拉演唱《今夜无人入睡》时，原先一直固定不动月亮形状的天桥这时开始旋起来，此刻身穿一身金光闪闪的演出服的莎拉站在天桥的顶端。当莎拉用她那极具难度的高音唱出歌曲最后一个音符的瞬间，舞台上所有灯光全部聚集在这位女神身上。完美的舞美、灯光和音响效果为这场融合古典和通俗音乐元素的演唱会画上了圆满的句号。一次完整的音乐表演是由各个音乐元素组成的，因此通过不同文化风格、艺术风格和音乐风格的音乐元素组合而成的通俗古典音乐对于音乐和文化的多元化表达起着十分重要的作用。其中古典音乐元素中的旋律和主题是灵魂，而通俗音乐元素中的舞美、灯光、音效等形式是躯体。两者的完美融合必然塑造出具有灵魂，表现充实的音乐文化作品。同时，不同音乐元素的融合也体现着多元化文化的融合，具有更具时代性的文化创作。
3 音乐结构的改变
对古典音乐结构进行大胆的创新和改变，创造出兼具古典音乐和通俗音乐结构的新型音乐是通俗古典音乐发展过程中的重要过程。每一首音乐的创作都源于那个时期特殊的文化背景和创作者的情感状态。在古典音乐发展的漫长岁月中，音乐人对于古典音乐尤其是一些经典音乐曲目只有传承而稍有创新，更不用说改动。代表着文化融合的通俗古典音乐由于丰富了音乐的创作手法，因此便开始了对古典音乐结构改变的创新式设计。例如，现代著名的钢琴演奏家理查德·克莱德曼便善长对古典音乐结构进行创新和改变。在他演奏的贝多芬《命运交响曲》中的《命运》不但承袭了贝多芬的庄严宏伟以及与命运顽强抗争的音乐精神，同时用动感而鲜明的节奏把贝多芬的这首乐曲“摇滚”化了。在演奏的开头，理查德·克莱德曼采用了猛烈的键盘敲击来表达命运所具有的壮烈、激昂等主题属性，之后又改用辽阔的旋律表达了与命运抗争胜利之后的安宁与喜悦。前后音乐结构的巨大反差将贝多芬的名言“如果这是命运，我要扼住命运的喉咙”表现得淋漓尽致。钢琴曲的原结构虽然同样用于表达贝多芬与命运抗争的主题，但强烈之中缺少变化，所以表达的情感虽然强烈却并不丰富。理查德·克莱德曼对这首乐曲结构的改变无论从情感的表现上，还是音乐的变化上都是十分成功的。由于融入了不同的文化内涵所代表的音乐结构，这首改编后的钢琴曲也成为了通俗古典音乐中一个重要的符号被广泛研究。
结语
古典音乐是人类重要的文化遗产。那些经典、优美的旋律是人类千百年来文化和智慧的结晶。以通俗音乐的表达方式对古典音乐进行新的创新和演绎是当代对古典音乐重要的传承方式。通俗古典音乐不仅表现着两种不同音乐形式的融合，也承载着不同文化的交流与融合。本文从通俗古典音乐的艺术特点和创编手法两个方面对通俗古典音乐所体现的文化融合和表现所做的分析为中国通俗音乐的发展和古典音乐的传承起到了积极的推动作用。
参考文献：
[1] 刘华、张邵然：《怎样看待用通俗手法演绎古典音乐》，《科技风》，2008年第10期。
[2] 南政：《声画辉映——古典音乐在电影中的运用》，《美与时代》（下半月），2009年第2期。
[3] 费元洪：《对古典音乐现状的一些思考》，《音乐爱好者》，2006年第2期。
[4] 叶莉红：《古典音乐的通俗化传播》，《新闻知识》，2006年第10期。
[5] 梁丽丽：《“高雅”呼唤“娱乐”——古典音乐走进大众路在何方》，《湖南大众传媒职业技术学院学报》，2007年第1期。
作者简介：崔荣汉，男，1973—，吉林九台人，本科，讲师，研究方向：音乐教育、萨克斯管与单簧管演奏，工作单位：河南艺术职业学院。
当代音乐艺术论文范文第3篇
摘 要：音乐教育在素质教育中的作用是无可非议的，音乐教育是通过音乐教学展开教育活动，从而使音乐艺术的知识技能得以传递和发展的一种形式。中学音乐教育是培养和熏陶学生欣赏音乐艺术不可忽视的阶段，在音乐教学中，必须突出音乐艺术的特点，才能使音乐教育别具一格。
关键词：音乐教育;艺术特点;创造性;感受性
中学音乐教育是培养和熏陶学生欣赏音乐艺术不可忽视的阶段，在音乐教学中，必须突出音乐艺术的特点，才能使音乐教育别具一格。为此，许多音乐教师在音乐教学中尝试了各种改革，使音乐教学出现了百家争鸣、百花齐放的喜人局面。在此，笔者就教学中如何突出音乐教学的艺术特点，谈几点自己的看法。
一、注重审美能力的培养，突出音乐的感受性
音乐教育家达尔克罗兹说：“音乐的本质在于对情感的反应。对音乐的理解与其说是一种智力过程，不如说它是一种情感过程。”因此，在音乐教学中应该注重培养学生的音乐素质，提高他们的审美能力。根据中学生的心理特点，尽管他们对音乐有一些简单的理解和认识，分析能力和欣赏能力日渐增强，但由于他们的年龄和知识水平有限，对音乐的认识还是不够深刻。陈旧的教学模式往往会用一节课开始的十分钟去讲解歌曲所涉及的所有乐理知识，然后在课堂中提出“语文式”的问题分析歌曲的主题思想，这样的音乐课，没有体现音乐艺术的特点，难以激发学生学习的欲望，更谈不上对学生审美能力的培养了。所以，要想提高学生的兴趣，培养他们的审美能力，在音乐教学中应让学生多听、多唱、多动、多思考、多体验，全面调动学生的思维，使他们置身于音乐的殿堂之中，用心去体会音乐的风格和音乐所表达的情感。
如，在教学《军民团结一家亲》时，为了让学生体会舞剧那振奋人心的场景和舞剧音乐的魅力，我从舞剧《红色娘子军》中剪辑下一段视频，在课堂上展示，让学生直观地欣赏到乡亲们慰问红军时，“军爱民，民拥军”的亲切场面。当柔和的《军民团结一家亲》音乐响起时，学生能够体会到歌曲的情绪，情不自禁的随着歌曲哼唱。这种让学生通过视觉、听觉，直观地感受音乐的教学方法把学生的感知过程和体验过程紧密结合，深入浅出地让学生获得了音乐的审美体验。
二、注重学生的积极参与，突出音乐的创造性
音乐教育家柯达依说：“音乐教育首先要通过音乐与身体结合的节奏运动唤起人们的音乐本能，培养学生的音乐感受力和敏捷的反应能力，进而获得体验和表现音乐的能力。”这一理论说明音乐教学要在艺术实践活动中来达到目的的，这样才能激发学生创作音乐的兴趣和表现音乐的能力。在平时教学中，我根据初中生掌握音乐知识的能力和技能水平，由浅入深地提出适合他们的创作要求，学生在刚开始创作时一般先进行节奏填写等练习，经过一段时间的训练后再让他们按照指定的节奏和单音写旋律、发展乐句等，循序渐进的练习，让学生感到学习非常轻松。通过各组的比较、展示，由于好胜心的作用，使学生跃跃欲试的心境油然而生，争先恐后地参与实践活动的良好的教学情境也就随之形成了。
三、注重发掘歌曲情绪，突出音乐的表现力
好的音乐总会跟人的情感产生共鸣，让人或随之快乐或随之忧伤，这种感动人的音乐魅力主要表现在音乐的情绪上。在教学过程中，如果教师过分地强调知识技能的传授和训练，不给学生体会音乐情绪的机会，那么学生会觉得音乐课与数学、语文课没有什么区别，体会不到音乐课的特色，失去创作音乐和享受音乐的兴趣。所以，在音乐课上要以情感人，把教学内容演绎得淋漓尽致，使学生陶醉在音乐之中。教师要认真钻研、发掘教材，在课前准备时，要准确地了解一节课中的激发点，将教材中内容、旋律所要表现的内涵发掘并展现出来，让学生充分地感知和认识音乐，激发他们表现音乐的能力。
四、注重激发学生的兴趣
兴趣是学习的基础，要提高音乐课的质量，重要的是培养学生对音乐学习的兴趣。教学的过程就是教师运用多种教学手段吸引学生的注意力，让他们对所学内容产生兴趣。
中学音乐课应该结合初中生年龄的特点，通过新颖变化的教学手段来培养学生的学习兴趣，让音乐课的内容丰富多彩，使学生情趣盎然地主动参与到学习中。在音乐课上，可以设计一些活动，比如，举行课堂音乐会，让学生有唱、有跳、有演奏，并让他们自己分析音乐，谈谈对音乐的感受和理解，表演的体验等，真正因为有兴趣而主动的思考，而非被动的灌输。
综上所述，广大教育工作者已经非常重视搞好素质教育中的课堂音乐教学，但要让音乐课堂突出音乐艺术的特点，关键还在于优化课堂教学结构，还需要我们不断探索和创新，以寻求让学生感受到与其他科目不同的教学方式，让课堂音乐教学成为真正意义上的音乐艺术课，用音乐教学的独特风格，丰富学生的情感，陶冶学生的情操。
·编辑 鲁翠红
当代音乐艺术论文范文第4篇
【摘 要】本文阐述广西梧州疍家歌的发展现状，分析乡土音乐资源与小学音乐教育融合的必要性，从提高小学音乐教育中乡土音乐的地位、构建新型的乡土音乐教学模式等方面探索乡土音乐资源与小学音乐教育的融合创新。
【关键词】疍家歌 乡土音乐资源 小学音乐教育 融合
乡土传统音乐文化来源于民间，是原生态的艺术文化，是我国的民族瑰宝，它的形成需要特定的社会环境。不同的历史环境下有着不同的音乐文化，这些文化流传下来的更多的是新时代人们对这些精神文明的传承和理解。只有对乡土音乐文化给予充分的重视，才能使其更好地、更原始地保存、传承发展起来。随着音乐文化越来越趋于多元化，学校的音乐教育也应与时俱进。小学阶段是让孩子发现美、鉴赏美、感知美的能力形成的过程，是学习传承乡土音乐的关键时期。本文以广西梧州疍家歌为例，探索乡土音乐资源与小学音乐教育的融合创新。
一、梧州疍家歌介绍与发展现状
中国是一个拥有多彩的乡土音乐资源的文明古国，梧州疍家歌则是广西乡土艺术文化构成的一部分。梧州疍家歌是藤县地区随着元宵歌而兴起的一种独特的水乡民间歌谣，出现于清朝末期，由一代代藤县人口口相传流传至今。疍家歌对浔江地区以及西江流域水上居民的水乡本土音乐和水上渔民生活习俗的研究与传承发展具有重要的参考价值。梧州疍家歌主要分布在太平、蒙江、和平、天平、藤州等浔江、濛江沿岸船家聚居区。疍家歌有着固定的演唱方式，水上船家民间生活、语言非常丰富，用藤县本土白话诉说演唱，朗朗上口，常用夸张、比拟、诙谐的修辞形式。迎亲送友、相互问候、掌舵撑船这些日常生活在藤县老人们的记忆中，都可以歌代言。
梧州疍家歌属于平腔民歌，它的旋律平稳舒缓，以同音作为重复1、2进行为主，旋律偶尔有5度6度音的跳跃，梧州疍家歌2拍子和4拍子是常用的拍子。梧州疍家歌具有吟唱性强的演唱特点。水上船家娶嫁和水路歌过程中所唱的歌谣，速度基本在中速之下。
随着经济的高速发展，生活过得越来越好，渔民上岸了，很多疍家渔民已经脱离水上生活方式，生活习俗渐渐向陆上人靠近，疍家歌却面临着消失的危险。如今，了解疍家歌的人越来越少，只有一部分年龄稍大的长辈会唱，随着他们年纪的增长，传承的缺失，疍家歌可能很快就在时代的潮流中渐渐消失。值得庆幸的是，梧州各个部门特别是文化部门已经意识到了这一危机，并重视起来，为保护梧州疍家歌，梧州的文化部门从2006年就设立机构，安排专员开始收集、整理疍家歌。其中梧州藤县的水上民歌更是在2008年成为了自治区级非物质文化遗产之一。
二、乡土音乐资源与小学音乐教育融合的必要性
要想把优秀民族文化传承下去，需要数代人不懈的努力、保护、传播。梧州疍家歌的保护传承与发展离不开艺术教育，而小学艺术教育是乡土音乐资源传承的重要途径。乡土音乐是老一辈留给我们的宝贵财富，我们必须加强乡土音乐方面的音乐教育，把老一辈留给我们的财富传承给下一代，让乡土音乐开枝散叶。并且，小学生的可塑性较强，从小学开始就对小学生开展乡土音乐教育是最有效的途径。
（一）增强学生自我认同感和民族意识、民族精神培育的需要。“音乐是文化的灵魂，音乐是民族的血脉”，我国是一个拥有56个民族的大家庭，每个民族都有他们独特的音乐元素，这些音乐元素常常与本民族的宗教信仰、风俗习惯、文化思想等有着密切的联系。学习各民族的不同乡土音乐，有助于学生了解各个民族的文化，增强学生对其的认同感，培养学生民族团结的意识。小学生通过欣赏来源于我国各民族的乡土音乐时，逐渐能用自己的体会去感受当地的文化精神，可以增强小学生的民族观念。利用乡土资源和原有的小学教学结合教育，可以增强学生自我认同感和民族意识民族精神。
（二）乡土音乐传承的需要。乡土音乐的传承是源远流长的。音乐传承的分类一般有两类，即无意识传播和有意识传播。民间艺人的艺术表演或者其他活动这样的无意间造成的文化传播就是所谓的无意识传播。而像学校音乐学院之类的教育部门进行的音乐推广就是有意识传播。有意识传播是通过教育手段，利用老师向学生传授知识、启蒙思想来对乡土音乐进行传承。小学生可能并不懂音乐，但在听的过程中可以培养他们的兴趣，还有欣赏音乐的意识，随着小学生年龄的增长，所起到的效果是潜移默化的，小学生还会表达自己在这方面的需求。因此在小学时期培养小学生的音乐能力事半功倍。首先，学校应该重视音乐课程，提供音乐教室以及所需的音乐器材，并上足、上好音乐课。其次，音乐老师也要注重教学方法，鼓励小学生去欣赏乡土音乐，并在课上多放乡土音乐，提高小学生的鉴赏能力，让小学生养成欣赏乡土音乐的良好习惯。
（三）宣传家乡的传统文化，提高学生素养的需要。我国是一个历史悠久的文明古国，各种历史遗留的音乐资源十分丰富，但很多没有受到重视，利用率很低，甚至很多音乐资源随着时间的流逝消失在了历史长河中。2001年中国音乐教育协会会长谢嘉辛写的《寻找家乡的歌》，其中提到“让每一个学生都会唱自己家乡的歌”的命题。因此，学校通过音乐教育让学生进一步了解、认识家乡传统音乐艺术是传承和发展乡土音乐艺术的有效途径。音乐老师应该把乡土音乐带入课堂，并且增加乡土音乐教育在整个音乐教育中的比重，让学生了解来自五湖四海的音乐文化精粹，从而爱上乡土音乐文化，提升民族素质和爱国情操。因此，小学教育需要重视乡土音乐，通过音乐教育将我国的文化传授给学生，利用这种途径提高我国的民族素质。
三、乡土音乐资源与小学音乐教育融合的建议
（一）提高小學音乐教育中乡土音乐的地位。当前，要强化小学乡土音乐教育，就要从建立“以中华文化为根本的音乐教育体系”入手，让乡土传统音乐文化在小学艺术教育中占据主导地位，而不再是局限于个别课程的改革中。
1.充分利用乡土音乐文化资源。音乐课程标准中提出要把民族乡土音乐加入音乐教学，让学生在课堂上能学习到乡土音乐，接受乡土文化艺术的熏陶。当代的音乐教育事业发展的根基很大程度上离不开民族文化，因此，把乡土音乐带入小学音乐教学对教育学生民族乡土文化具有重要作用。
（1）通过各种手段、途径收集并整理当地梧州疍家歌这样的乡土音乐资源，再将其引入小学音乐课堂中，让学生学习自己家乡的音乐，感受到家乡乡土音乐的文化，进而培养学生的兴趣。
（2）积极挖掘梧州疍家歌音乐文化资源。学校可以组织本校音乐教师走出校园观摩，充实自己。例如，造访藤县地区民间艺人，学习疍家歌的演唱表演方式，通过现场观摩和学习，初步掌握一些简单的表演方式和一些道具使用，了解故事表达内容。现场可以拍一些照片和视频，通过音像加深了解和学习。教师通过学习疍家歌的演唱，收集疍家歌音乐的音像、乐谱、资料积累本土音乐知识，提高本土音乐素质，以便更好地用于课堂教学。
2.自己编撰乡土音乐材料。教材是常见的教学工具和文化载体，也是小学音乐教学使用最多的东西，因此教材的编撰至关重要。在当前的小学音乐教材中，民族音乐也是占有一定比重的。但是因为很多因素，一些地区的小学教材使用率偏低，学校不重视音乐课特别在乡土音乐教学这一模块。因此学校或音乐教师必须结合当地的音乐教育的实际情况，创编或改编一些适合自己使用的音乐课本。特别是创编一些含有疍家歌特色的乡土音乐教材，让学生在自己熟悉的音乐环境中学习音乐，学会唱家乡的歌并感受民族音乐的魅力。把原汁原味的乡土音乐彻底落实到音乐课程里，才能更好地使乡土音乐传承发展起来。
（二）构建新型的乡土音乐教学模式。具体如下：
1.“感染熏陶”式教育模式。“感染熏陶”式教学模式，需要老师模拟教学情境，创造出一种氛围来感染学生，让学生在这样的氛围下不知不觉被带入乡土文化中，受到乡土文化的熏陶。这种教学模式容易培养学生的兴趣，产生学习欲望，对学生影响深远。“感染熏陶”式教学模式有一套流程，一般是“情境—感受—興趣”。
例如，制造疍民生产劳作的情境。教师可以将收集的音乐素材和民间艺术家表演的图片和音像制作成多媒体课件，在课堂中给学生观看欣赏。通过整合后的音乐素材声文并茂，更加形象生动逼真，不仅在课堂中能营造出浓郁的疍家文化氛围，还能让学习对自己家乡的音乐更加了解，从而培养学习的兴趣，让学生喜欢上乡土音乐。
2.“引导探究”式教育模式。“引导探究”式教学模式的宗旨是让学生去自主学习，自己探索发现知识，而老师在其中所起的作用是正确引导，给学生指明方向。学生在这种教学模式中多种感官得到充分调动，在自由的空间里积极参与学习，体会学习带来的乐趣和探究创新的快乐。这种教学模式要求教师在给出相应的学习内容后要说出课堂探讨的目标并提出具体的学习要求，学生在探究老师提供的学习材料过程中，也可以通过不同渠道方法自己搜集补充一些研究材料。学生通过研究发现问题、讨论问题、解决问题，不仅能初步掌握相关音乐知识和技能，还可以开阔音乐视野，提高音乐审美能力。
新课程标准中对老师的教学方法有明确要求，要求老师调动学生在课堂上的积极性，自主学习并能组织课堂活动且让学生加入进来。教师应适当引导学生参与到疍家歌的表演中，进行演唱、模仿简单的动作，学生在参与过程中感受到音乐带来的新鲜感，调动学习积极性。加上身体的律动，学生充分体会到疍家歌音乐的艺术魅力，陶醉在疍家歌的气氛中。
3.“融合”式教育模式。“融合”式教育模式需要教师去寻找素材，让音乐教学更贴近生活，融入生活，关键在于培养学生自主学习的好习惯。这里就要注重教师的教学方式，不仅需要教师去讲解解读课本中的歌曲、选段，还要有所创新，调动学生的积极性自主学习、讨论交流。艺术需要广泛的交流来互补不足。
4.进行多角度创编。教师在教学过程中，要积极鼓励学生运用疍家歌的旋律创编新歌词，歌词内容可以从感恩、友情、校园生活等角度创编。学生除了创编新歌词外，还可以创编节奏，制作疍民劳作的道具等。通过多种形式的创编，学生不仅在创编过程中感受成功的喜悦，还有利于激发学生对学习疍家歌的兴趣。
总之，乡土传统音乐文化来源于民间，是原生态的艺术文化，是我国的民族瑰宝，我国的音乐教育事业也离不开乡土音乐教育。当前，我们必须提高对乡土音乐文化的重视程度，加强学校对乡土音乐文化的教育。乡土音乐艺术想要传承、更好地发展，就必须加强乡土音乐资源与小学音乐教育的相融合教育。教育部门和教育者应该采取有力的措施，探讨多样的教学模式，让乡土音乐在小学音乐课堂中活跃起来。通过对乡土音乐的赏识、学习，小学生感受到家乡的历史文化和变化发展，从而激发热爱家乡，热爱祖国的美好情感，让他们记住自己的“根”，学唱家乡的歌。想要我国乡土音乐文化发扬光大，还需要各位音乐教育者共同努力，为弘扬民族音乐找到方法、出路，为民族文化的传承作出贡献。
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【作者简介】全双华（1993— ），女，广西梧州人，广西师范学院音乐舞蹈学院音乐学专业（主修声乐）2017届本科毕业生；黄 玲，女，广西贺州人，广西师范学院音乐舞蹈学院副教授，研究方向：声乐教学研究。
（责编 王 一）
当代音乐艺术论文范文第5篇
二胡是我国最具民族特色的拉弦乐器之一，它的渊源可以追溯到唐代的轧筝或奚琴。从竹片擦奏过渡到用马尾弓子拉奏，由民间艺人的流浪工具发展成当今具有较完整教学体系的专业学科，经历了漫长的历史阶段。中国博大精深的文化底蕴和音乐家们对于二胡艺术孜孜不倦的追求，使得二胡这枝独具魅力的民族乐苑之花根深叶茂，散发着诱人的芳香。二胡音乐的艺术魅力是由多种因素有机地结合而表现出来的，很值得我们探究。在本文中，我想从以下几个方面探讨二胡艺术的魅力所在。
一、音质特色赋予二胡艺术的生命
音乐世界中，各种发声物体都有自己特殊的音色，从而构成了繁复奇妙的音响现象。从音乐表演的角度来看，演奏者都在注重音质的同时追求最美的音色、音质，以使音乐内涵得以充分体现。二胡的音色在很大程度上是由琴的质量来决定的，而二胡特殊的构造决定二胡具有中庸有度的特点，它的音域在人的听觉界限的最中心部位，二胡音乐之所以动人，一个重要的原因就是它的发音圆润甜美，悦耳动听，近似于人的歌唱声音，又长于演奏旋律，以表现音乐中细腻、缠绵、哀戚、柔美闻名于世。这与二胡的音色美有很大关系。
二、民族文化赋予二胡艺术的源泉
二胡艺术作为根植于我国民族文化土壤中的乐苑之花，吸收着民族文化这块肥沃土地的养料逐步发展，并茁壮成长。
二胡两根弦上流淌出的是一种静态美、幽淡美、自然美，并具有丰富的内涵。在艺术表演中不过分写实，重神韵，重意趣，崇尚自然美，是我们中华民族宝贵的审美传统。我国古代乐论中关于琴的论述颇丰，它为我们的民族文化宝库积累了大量财富，特别对二胡这一具有抒情性的乐器，从演奏方法到审美趣味都有很深的影响。琴的演奏能“尚恬淡希声，决糜漫烦响”。乐记中对琴声的感觉效果描述得栩栩如生：“其哀心感者，其声噍以杀，其乐心感者，其声蝉以缓，其喜心感者，其声发以散，其怒心感者，其声和以柔。”音乐创作的灵感来自于各个方面，神灵的崇拜，景物的诱发，心中的激情，现实的冲击，个性的挣脱，结构的探寻等等。众多优秀的二胡题材来自于民间动人的艺术形象赋予作曲家的想象。试想如果没有丰富的文化，独特的情感体验，哪有瑰丽奇美的艺术联想，也一定奏不出优美、扣人心弦的乐曲。而二胡乐曲创作的形象动人，不但受益于我国深厚的文化底蕴，而且在借鉴我国传统民间音乐时充分发挥了灵感。
如陕北“兰花花”的故事在群众中广泛流传，《兰花花》成为群众喜闻乐唱的民歌，此曲塑造兰花花这个农村姑娘纯朴、善良、天真、活泼的形象，以及她敢于向封建势力抗争的坚强性格。
此曲带有浓郁的地方特色与乡土气息，作曲家通过流传于民间的原始片段音乐语言进行加工提炼，创造发展，使其达到新的意境，这也是作曲家深入生活，向民间音乐学习的结果。民间音乐是创作《兰花花》这一具有艺术感染力作品的源泉。
又如：《满江红》，此曲根据岳飞《满江红》词意创作而成，作者将四川扬琴音乐与昆曲巧妙糅合，创作了深情激越、慷慨悲壮的音乐主题，它具有历史题材所需的古朴色彩，充分利用了民间的丰富养料。由于根植于传统文化中而使乐曲的内涵极为厚实丰满，既传统又现代。
三、演奏技巧赋予二胡艺术的表现力
无论作为哪种乐器，艺术的高峰是无止尽的。近百年来二胡演奏技巧的不断发展，极大地丰富了二胡的表现能力。时代的进步，人们对二胡乐器的表现力要求不断提高，范围不断扩大，而组成二胡演奏风格的技巧主要有揉弦、滑音、装饰音、弓法等。通过这些风格性技巧来达到其演奏味道十足的效果。这些也是二胡演奏艺术的重要组成部分。
里姆斯基·科萨柯夫斯基在其《管弦乐法基础》中说：“能使一些音能连贯地进行并把绷紧地弦加以揉动，这种可贵性使弓弦器乐组乐器成为歌唱性和表现力最强的乐器，比乐队的其他乐器更胜一筹。”书中是针对大小提琴而言，其同样适宜中国拉弦乐器。在中国二胡上揉弦也是对其歌唱性的追求，恰如其分地使用揉弦，能使二胡演奏更富歌唱性，增加了乐曲的表现力，突出了乐曲的风格。有人说揉弦是对乐音的一种美化和装饰，言简意赅，恰如其分。
二胡的揉弦分为滚弦、压揉、滑揉三种，一般在内容丰富情绪变化较多的乐曲中揉弦以组合的方式在演奏中应用。在演奏《江南丝竹》这一具有水灵气息的乐曲，若不以小揉弦方式在演奏中应用，则欢畅秀丽的江南风格就不能准确体现。二胡由于没有像小提琴上的纸板，因此揉弦上形成了它独特的压揉技巧。二胡曲《江河水》《听松》中为了表现特定的性格，顿挫的节奏感，以及颤动的内心情感，糅用了压揉技巧，更富感染力。
在《阳光照耀在塔什库尔干》和《葡萄熟了》等新疆风格的旋律中较快频率的滚揉方式恰到好处地表现了引吭高歌，舒展激昂的音乐情绪和载歌载舞的音乐形象，起到了至关重要的作用。在《汉宫秋月》和《二泉映月》中的迟到揉弦恰如其分地将古朴典雅的音乐风格和略带凄凉的音乐情绪真切地表现出来。总之，在丰富多彩的揉弦技巧中，表现特定音乐风格和特殊音乐情绪的揉弦作为重要技巧手段在二胡演奏中起到不可估量的作用。
揉弦给二胡音乐艺术带来了无尽的美，但适当的不揉弦的音响效果却又为二胡音乐带来了此时无声胜有声的效果。乐记中道：“淡静有度，飘扬合节乃妙”。中国的传统绘画也主张不过分写实，而特别强调神似与意趣，重神韵讲虚实。二胡曲《江河水》中间的部分，细听名家的演奏，有好多音是不加揉弦的，以此营造出淡淡的音响，静静的气氛，从而更深刻地表达了对故人的思念情感。因此乐曲中表现的回忆、沉思、梦幻之类的意境用不揉弦演奏可以取得更佳的效果。斯坦尼斯拉夫斯基在《我的艺术生活》中谈到，越是简单，越是困难……这种不揉弦的技巧产生的艺术感染力，被称为二胡的“绝妙的艺术处理”。
在二胡演奏中凡是较为具体地表现喜、怒、哀、乐的情绪时，滑音的应用比较集中，为了适应“色腔”的需要能模拟人声，也能惟妙惟肖地模拟鸡鸣犬叫，姑嫂问答的效果。刘天华的《空山鸟语》正是继承和发展了民间艺术的传统，在二胡的不同把位上，巧妙地运用各种滑音的技巧，生动描绘了空幽山谷中百鸟鸣转，晨光如画的景色，滑音得到了充分的发挥。二胡滑音的模拟性也越来越多地运用于现代作品中。
装饰音作为二胡风格的音乐旋律中经常以辅助性的小音符出现，装饰音的技巧很丰富，有单音、复音、单颤音、复颤音和回音等方式，如《江南丝竹》，作为极富特色的民间音乐，对灵巧俏皮轻快的装饰音运用得得心应手。蒙古族音乐中，浓郁的大小三度颤音和独特的装饰打音在优美的音乐旋律中更加鲜明地将乐曲的风格生动地展现在人们面前，使我们仿佛置身于骏马奔驰的辽阔草原上。
弓法是二胡这种接近人声乐器在表达音乐情绪中轻重缓急和抑扬顿挫的重要手段。除常规的弓法外，“顿挫波弓”“垫弓”“飞跃断弓”和“抛弓”等特殊弓法使二胡乐曲更具神韵，如《二泉映月》中运用顿挫弓，表现了欲言又止，感慨不尽，而且长音的音响上也富内在的动力感，音乐的韵味和感情的内涵也更加准确生动。在蒙古族音乐风格中较大范围和较慢地“垫弓”常常用来连接相同音高的旋律，使之更加宽厚连贯，铿锵有力。在表现急切的情绪中也能加强旋律音的艺术效果。“飞弓”，是表现特殊音乐效果的色彩必弓法。可演奏快速音乐旋律，也可以与滑音等技巧结合，用于渲染气氛或表现某种特定的音乐效果，如模仿马儿奔跑的效果。“抛弓”是极富特色的弓法，常表现乐曲中渐渐高涨的情绪。
二胡的技巧是纷繁复杂的，也赋予了二胡音乐的色彩性和风格性。丰富的技巧更充分地发挥和拓展了二胡的音乐表现力。
四、风格流派赋予二胡艺术的个性
人的生活受着一定的社会关系、经济条件、传统观念、风俗习惯的制约。即使同一时代、同一地区、同一民族，也总是这样或那样地表现着他们各自的独特性。而作为音乐艺术，演奏家的个人风格是在长期艺术创作中，在漫长艰苦的探索研究中逐步形成的并反复出现的。我国二胡流派风格的形成在上世纪50年代初期，是著名音乐史学家杨萌浏先生采录了阿炳的不朽名作《二泉映月》和《听松》等二胡作品的基础上开展过来的。以阿炳为代表的民间艺术音乐家对二胡艺术的发展除有着特殊的贡献之外，还颇具江南风味，并且有着自己独特的演奏手法的江南丝竹乐，最具代表性的是《中花六板》《欢乐颂》《行街》等，这些乐曲的产生和发展，丰富了二胡的曲目和演奏风格。
与民间二胡创作并驾齐驱的是以继承刘天华二胡专业创作特色的二胡学派的二胡创作，如陈振铎的《田园春色》《弓桥泛月》《映山红》《雨后春光》，蒋风之、刘茂北、陆修棠等人的作品可为其代表。如果对一些著名的二胡演奏家仔细加以观察，就会发现每个人都具有自己独特的风格个性。蒋风之先生在二胡艺术上深得刘天华真传，但又不拘于师承。他匠心独运，刻意创作，形成了古朴典雅、深邃细致、内在含蓄、意味隽永的独特风格流派——蒋派风格。这对二胡艺术魅力的影响之深是不言而喻的。
王国潼的演奏运弓刚劲有力，豪壮而有气势，音色圆润深沉，形成自己独特的演奏风格。闵惠芬的演奏充满激情，富有表现音容兼备，具有歌唱性。对乐曲能深入开掘内涵，加以细腻的艺术处理，琴声有感人至深的艺术魅力。具有这种个人独特魅力基础上感动听众的能力是二胡音乐艺术经久不衰的保证。
而在吸取了我国地方戏曲音乐，特别是表现西北人民朴实豪爽的性格和充满活力的精神面貌而创作的作品，如赵震宵与鲁日融合作采用西北人民最喜爱的戏曲秦腔中的若干曲牌和唱腔而创作的《秦腔主题随想曲》，形成了独特的鲁派风格，即秦腔风格。
各种独特的个人流派和地方音乐风格的子系统，构成了中国民族音乐风格的母系统。共性具体存在于个性中，多侧面地体现了中国音乐风格。
五、改革创新赋予二胡艺术的发展
民族音乐家刘天华使二胡乐器登上了大雅之堂，成为艺术院校一门专业学科，刘天华在二胡乐曲创作上的贡献是巨大的。他在不失民族韵味风格和表现内容的前提下，大胆借鉴和吸收了西洋的创作技法。实践证明这是非常可取的。二胡艺术能散发出它的活力，得益于发扬本民族文化的优势，又不失批判的眼光把现代的观念融入到民族文化之中。
上世纪50年代以来，以二胡大师张韶为代表的多名二胡演奏和制作家仍不断地对二胡乐器进行大胆的改革，使得二胡从工艺、音质、音量等方面更加完美。在演奏艺术上既创新又不亦步亦趋的模仿。在演奏中充分揭示作品反映的时代精神。
“我的一切奋斗追求出自于我的信仰，为民族事业奋斗是我的生命的需要。民族音乐是世界艺术的瑰宝，值得我为之献身，离开了这点，我的生命就没有意义了。生命是短暂的，而艺术是永恒的。”这是二胡大师闵惠芬的肺腑之音。由此可见，二胡艺术之树之所以不断地枝繁叶茂，正是因为一代代的二胡艺术家们对民族音乐事业的热爱，不断辛勤耕耘、勇于改革创新的结果。
综上所述，在中国这片土地上，我们的祖先在为我们留下了丰富的文物古迹的同时，又为我们留下了宝贵的音乐遗产，我们相信只要进一步开发利用这些音乐遗产，尊重历史，大胆创新，二胡这枝民族乐苑之花将更具艺术青春的魅力。
（作者单位：连云港市艺术学校）
当代音乐艺术论文范文第6篇
摘要 古筝是一个具有表现力的乐器，一首乐曲只能通过演奏家的表演，才能被赋予鲜活的生命，其表演区就在舞台空间上。因此，古筝的演奏要特别注重它本身特有的舞台艺术美。而古筝演奏时舞台艺术的美感不仅来自于音乐，还包含了表演者本身的舞台形态以及情态给听众带来的艺术享受。
关键词：舞台形态美 舞台情态美 舞台音色美
古筝是一件非常古老的民族乐器，在战国时期的秦国就广为流传，所以又被称为“秦筝”，距今已有着两年多年的历史了，古筝在各个不同地区流传发展，并以各个地方的民间音乐风格为依据，不断吸收地方民间音乐的特色发展，行成不同的古筝流派。随着民族音乐的发展，古筝也成为了人人皆知人人喜爱的一件乐器，越来越多的人开始认识和学习古筝。古筝是一个具有表现力的乐器，一首乐曲只能通过演奏家的表演，才能被赋予鲜活的生命，其表演区就在舞台空间上。因此，古筝的演奏需要特别注重它本身特有的舞台艺术美。而古筝演奏时舞台艺术的美感不仅来自于音乐，还包含了表演者本身的舞台形态以及情态给听众带来的艺术享受。
一 舞台形态美
古筝演奏时的美感不仅仅是来自演奏家的高超水平，视觉上的美感也极为重要。视觉上的美感不仅直接关系到音乐的听觉效应，还通过声音和视觉的融合强化了音乐美感。演奏者准确传神的身姿、手势、指法和演奏时的眼神、形态等视觉效果，对音声的创造和传达，对听众的吸引和领悟都至为重要。而且在流畅的演奏时，演奏者那如诗如画、充满了节奏感和旋律感的身体动作本身就是一曲视觉上的美妙音乐。在演奏时，流动的听觉美感和古筝演奏者表演的视觉美感相得益彰，听觉上的音乐感觉外化为视觉形象，会让听众发现演奏的表演美和所展现的音乐美已经进入了一个出神入化的审美境界。
但古筝在演奏的同时也受到了舞台空间的局限，因此在形态表演上不能像戏剧影视演员一样太过于依靠形体动作，必须是更多的以演奏者本身的音声、神情为主，听众则会更为直接的把演奏者的动作舒展流畅与否纳入演奏是否完美的审查标准。因此，演奏者在演奏时的形体表演必须简静、纯正、质朴、恰当，动作收放自如，准确到位，不能过于追求形体效果而导致其动作过火或过静。演奏者准确传神的身姿、手势、指法和眼神等，对音声形象的创造和传达，对听众吸收和领悟音乐形象都至关重要。如前所言，演奏者表演时那充满了节奏感的身体形态本身就是一首动态的乐曲。当流动的音乐和演奏者的动态美感相得益彰时，这种交相辉映的视听效果就会让古筝表演进入一个美轮美奂的新境界。
演奏者表演时的动态美主要来自于正确的演奏姿势。演奏姿势不仅仅是单纯的形体要求，它更直接的关系到演奏者表演时各种技能是否能正常发挥。当姿势正确时，演奏者的每一个动作都是由全身各个部位互相配合完成的，极其自然协调，演奏浑然天成，对表演起到事半功倍的辅助作用。而错误的姿势则会导致演奏者身体紧绷，毫无意识的运用力量，导致事倍功半甚至影响到具体的演奏效果。因此，古筝表演必须要求做到姿势正确。
古筝演奏的正确姿势应该是：演奏者坐在琴面偏右，上臂垂直，小臂平伸，胸部挺起，眼看琴面；左脚稍前，右脚稍偏后，平放在地上；上半身可因高低音区的变换而有微小的动作变换。演奏者应该养成一个端正而自然的演奏姿势。如果不齐，外观也很难看。演奏时应做到衣冠整齐，身正体恭，神清志朗。这样既可以突出演奏者本身的视觉美感，从而更突出音乐的形象，提高音乐的感染力，又能让演奏者自身能以更良好的身心状态投入到演奏中去。
收器乐表演的先天限制，乐曲演奏时演奏者的神态变化不需要像戏剧演员那样大起大落，夸张强调，而是强调在神情贯注于音乐之中时起伏，在精微细密处显露变化。而听众可以通过仔细聆听、观看和感受演奏者的一举一动，从而在演奏过程中感受到演奏者是如何精神集中的表现乐曲情绪、反映音乐情感变化的。
例如古曲《将军令》，乐曲通过一串密集的音，加上多种指法结合的演奏，描写出古代将军沙场点兵，战场上奋勇杀敌的情节。演奏者的神态既不能始终如一，纹丝不动，也不能阴晴不定，变幻无常，而应该随着音乐的发展进行变化，例如，眼神和面容可以对应曲调等有所变异，身体也不能让人感觉软弱无力，要挺直腰板，如同自己此时此刻就在面对滚滚狼烟。在整个的形体方面应当以轻重缓急、强弱顿挫等形式的节奏感和蕴含其中的韵律变化为基本形态，既形成外在表演形态的形体美，又与整体身心和全部音乐统一为整体美。这首乐曲之意就是要表现出战场那波澜壮阔的场面，因此演奏者在弹到慢板的段落时一定要连贯，从而体现出将军胜券在握的景象。高潮部分面部表情就不能无动于衷了，也要想象自己四周金戈铁马杀声震天。这样的演奏形象更能给听众一种视听合一的欣赏感受。
二 舞台情态美
在器乐舞台表演时，音乐表演中舞台形象的创造即来自表演者通过演奏主动创造，也来自听众的聆听乐曲后结合本身感受进行的创造。听众的感受就是表演效果的直接反应，是检验音乐美表演成败的客观标准。因此，演奏者在表演时不仅仅需要通过形体动作等在听众面前创造音乐形象，还需要通过自身演奏时的情绪变化去调动听众的积极性，让听众主动参与到音乐形象的创造中来。但是也要注意，演奏者不能仅仅满足对音乐情绪的自我陶醉和自我欣赏，还应该将自己的音乐情绪融入到乐曲演奏中，要让乐曲带着自己的情绪，跟乐曲产生共鸣，然后用自己的情绪去感染听众，跟听众交流，眼中有听众，心中有听众，积极调动听众情绪，创造良好的舞台效应。
要与听众互动，演奏者就要调整好自身情绪和乐曲情绪，一方面，用自身情绪吸引听众进入音乐，使之主动创造音乐主体形象；另一方面，用乐曲情绪带动听众丰满音乐主题形象。一个好的演奏者，往往站上舞台就开始把表演与听众进行紧密关联，他会通过自身情绪的变化与听众随时交流，感染听众的情绪。虽然观众不能动手弹琴，但是要让他们也感受到乐曲中的温柔、悲亢、愤怒等复杂感情，这样才能让听众充分体会古筝表演的美感。
有的演奏者在表演时，仅仅只注重跟听众的交流而忽视了演奏本身的乐曲情绪，这其实是舍本逐末的方法。乐曲感染听众的前提是演奏者自身先被乐曲的情绪感染。当演奏者和乐曲情绪协调一致时，就在创造音乐美，就是面向听众与其心心相印，紧密交流，这时听众就容易投入到音乐中受到感染，并当场表现自身的情感反应。听众良好的反应与演奏者的情绪形成情感辐射，从而又推动演奏者的表演，升华表演之美。如此交互作用、彼此推动、台上台下，音乐表演的创造者和接受者，彼此情绪直接碰撞，更能让听众陶醉难忘。
演奏者表演时要始终抓准听众情感回应的火候，进行良好互动，要鼓励其表达自己的情绪。在乐曲和演奏者情绪的感染下，听众会情不自禁的对表演作出评判，例如，有的观众在表演后甚至表演尚未结束时鼓掌叫好，要求再来一次等。这种正面的情感回应会极大鼓励演奏者，使其积极性和自信心倍增。而这种良好的互动会让演奏者发现能引起听众主动交流、引发听众情绪共鸣的契合点。音乐表演和剧场效应交互辉映，演奏者和听众的情绪也更为一致，在互相碰撞中，古筝演奏的创造力及其功能的发挥就会不断得到升华。
乐曲《秦桑曲》这首曲子改编自诗人李白的《春思》：“燕草如碧丝，秦桑低绿枝。当君怀归日，是妾断肠时！春风不相识，何事入罗帏？”乐曲继承了诗歌里的眷恋之意，描述了深情的女子思念家乡、思念亲人，盼望早日与家人团聚的迫切心情。在演奏者弹奏时应注意通过自身情绪的变化，在曲调的委婉、缠绵、激情之中表现出深埋在曲调里的委婉中有哀怨、激动中有抒情的起伏，从而更好地把这种情绪带给听众、与听众产生互动，让听众能在欣赏这首曲子的同时更深的体会琢磨音乐蕴含的美。
三 舞台音色美
虽然舞台形态、舞台情态都能让听众体会到古筝演奏的美感，虽然古筝演奏的美感需要演奏者的身体形态、感情投入来烘托、来传达，但是听众感受到的音乐形象美，主要还是来自演奏者指尖弹出的动人旋律。
一首乐曲的演奏实质上就是创造美、表演美，这种表演美来自演奏者的形态、演奏者的一颦一笑，但主要表现在古筝的声音美上。对于演奏者来说，将古筝的音色弹纯弹明亮是使声音产生美感的关键之一。好的音色为优美的乐曲锦上添花，劣质的音色却遮掩了曲子的光彩，破坏了乐曲本身的流畅，弹奏起来很不舒服，听众听着也很难受。
古筝的音色特点为：高音区清脆明亮，中音区悠扬柔和，低音区浑厚深沉。但演奏时对音色的要求很简单，就是“纯净”。这是一个通用标准，也是一个很难达到的音色标准。要解决这个问题，弦上的击弦点和指甲的触弦点都要求准确。如果指甲的触弦点太前或太后都容易触及相邻的音，而且会造成音色太薄或太厚。古筝音色的圆润度很大程度上是取决于指尖与琴弦相互作用的一瞬间，在这个瞬间里会产生指尖对弦的作用力和琴弦对指尖的反弹力，所以需要对指尖有良好的控制才能弹出圆润的音色。
在实际演奏中，根据演奏手法的区别，音色的变化也是多样而灵活的，有时纯净、流畅、活跃；有时细腻、典雅、圆润；有时明亮、豪迈、刚劲。熟练地掌握演奏手法，根据乐曲需要灵活地变换音色，对于提高音乐演奏水平起着至关重要的作用。
演奏古筝乐曲时，感情的投入多少也是影响音色的重要因素之一。对于抒情委婉的乐段，如果演奏者用心去感受，就会知道音色绝对不能弹的太强；反之，悲壮而很有激情的乐段，就需要演奏者加大力度来表演，使乐曲听起来更有鼓动性。为了能更好地把握住一首乐曲音色的强弱，演奏者必须要熟悉自己演奏的乐曲。演奏一首乐曲其实就是对乐曲进行二度创作，所以在情绪、强弱、节奏等要素上必须依据原作的要求，从乐曲的声音到乐曲的感情到乐曲的意义，通过自己的感悟，加上实际操作、表演，创作出自己心目中恰如其分的声音形象来。熟悉与感悟作曲家的原作，实际上就是对艺术创作过程中的艺术感受进行积累和再创造，掌握原作的演奏手法，体验蕴涵于乐曲中的感情，熟悉作品里的社会背景，再结合自己的生活感受进行融合重铸，最后成型为脑海中的音乐形象，再通过自己的构思和分解重组音乐，就已经成为了打上演奏者个人烙印的，或者说是由演奏者创作出来的崭新音乐形象了。
古筝演奏和歌唱家有相似之处，都是通过声音来表达乐曲中的感情和作曲家、演奏者的内心感受。音乐以声音塑造情感形象，虽然目的是使身心愉悦，却须注重于创造音声之形，才能达到让听众心有所感的目的。古筝演奏必须创造有形之声，演奏者在二度创作中就是要以自身的淬炼，把曲谱上无形之声化为听众心中的有形之声。演奏家对同一乐曲的反复演奏，虽然每次都有新创造，都有新变化，但音乐之形、之情、之神还是基本稳定的，万变不离其宗，还是需要植根音乐本身的演奏，才能表达出乐曲的内涵。
古筝的曲目千变万化，但是在舞台表演时只要做到形态、情态、音色几个方面的统一协调，就能够创造出良好的舞台效果，让听众得到真正的艺术享受。
总之，从事古筝演奏以后，知音解意是懂得创造表演美的最重要一步。在对原作的知音、明趣、解意进行了充满自我独创性的艺术再造之后，最为重要的便是具体表现，也就是实际演奏，从事表演创造了。乐曲之间情、趣、意等一切内容和形式的要素全都统一于乐音运动的声音美之中，乐曲演奏的表演美创造自然也就集中于声音美之上。虽然声音难以造型，但特有的旋律线、音色、节奏、轻重、高低、粗细等的变化，自然而然地会经由演奏者的演奏，通过声音使之在听众的心中呈现出鲜明而动人的形象。
参考文献：
[1] 曹永安、李汴：《河南板头筝简介》，《曹东扶筝曲集》，人民音乐出版社，1981年版。
[2] 曹永安、李汴：《几种独特技巧介绍和定音、演奏符号说明》，《曹东扶筝曲集》，人民音乐出版社，1981年版。
