安徽省企业歌曲创作（精选9篇）
安徽省企业歌曲创作 第1篇
企业歌曲创作
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优秀的企业歌曲，是现代化企业不可或缺的名片。一首优秀的企业歌曲会给企业带来无穷的凝聚力和号召力，从而为企业在激列的竞争环境中增加动力，为员工在企业工作中增添活力，使员工更加忠诚于自己的企业。汇鼎企业歌曲创作中心就是这样的一个歌曲制作基地。
1、创作企业歌曲是激发员工斗志的一项新的举措。它能够代表企业的创业精神，发展理念，时刻激励企业所有成员不断创业，励精图强。
2、企业歌曲能够缩短员工之间的距离，锻炼团队精神。尤其对于新加入的企业成员,能在第一时间让他们了解企业文化，感受企业内涵。
3、企业歌曲可以传播企业美誉。一首朗朗上口、易于传唱的企业歌曲，能够使企业立足于社会最前端。
4、企业歌曲能够使企业成员之间加深友谊，加快熟悉工作岗位职能，增强企业的凝聚力。
5、在现代社会企业歌曲成为了一种新思维，新的竞争模式，更好的拉近员工距离，创造更多的经济价值。进入21世纪以来，随着中国加入 WTO，企业的发展进入了新的时代，中国企业在面临机遇的同时，也将经受着社会的考验。一个企业如果想立于不败之地，除了企业产品本身外，其形象、知名度也占有主导地位。例如对于一个国家来说，科技水平和艺术修养，决定了该国未来的发展前景；对于企业也同样如此，一个优秀的企业品牌不仅仅代表着企业的发展高度，更重要的是企业理念和企业文化。
人们早已领略了可口可乐、摩托罗拉、雀巢、西门子、丰田、爱立信等国际知名企业为我们带来的高品质的企业音乐文化，其企业歌曲早已在人们心中根深蒂固。这些企业领导者们为企业歌曲投入了巨额资金，且带来的影响是全世界人们对其企业形象的称赞和认可，其潜在商业价值是不可估量的。
企业歌曲即企业歌、厂歌、公司司歌则更像一个企业形象标志，是一种用音律来传递企业形象的形式，如同国歌一样。对企业而言，企业主题歌就是企业精髓所在，一首优秀的企业歌曲会给企业带来无穷的凝聚力和号召力，从而为企业在激烈的竞争环境中增加动力。企业歌曲发展到今天，其含义已经不单向的称为企业所作的歌，它还包括公司歌、社区歌、校歌、俱乐部歌、队歌等等。随着社会的进步，越来越多的企业认同“企业歌曲”，因为企业歌曲不仅仅是为了符合规范管理的需要，还可以体现一个企业或行业的精神面貌，挖掘其文化底蕴。对内可以振奋员工精神、鼓舞员工斗志，对外可以提高企业的知名度、提升企业的形象。这是企业对文化方面建设不可忽视的重要组成部分，所以，企业歌曲对企业的发展是不容忽视的。
一个成功的企业，若想要在将来有所成就，就应树立一个好品牌、好形象。大多数企业的做法是做广告。单并不是所有的广告在打出之后都能取得好的收益。
一首好的歌曲，可唱活一个企业精神。一首好的企业歌曲会为企业形象策划和推广带来很好的启示。杭州汇鼎企业歌曲创作中心作为企业歌曲制作的领头羊，创作的歌曲最大限度地宣传了企业文化、企业精神、企业知名度，是想了解企业的人乐意看到的。如您的企业有此意向，可以跟我们联系，我们欢迎您的莅临。
安徽省企业歌曲创作 第2篇
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创作企业歌曲是一项新的举措，现代社会在要求企业文化水平高的基础上还要有自己的企业形象，北京企业歌曲作为企业歌曲的领先者，带动了北京地区企业的发展。
一首好的企业歌曲，能激励员工士气，提升团队意识，增强凝聚力和员工归属感，形象展示企业员工的时代风采，进一步弘扬企业精神，反映员工对企业的深厚感情、期盼企业更好发展的美好愿望；
一首好的企业歌曲，有助于创建更有特色更有效能的企业文化，实现可持续稳健和谐发展；
一首好的企业歌曲，能将企业的历史、文化、环境、位置、产品、宗旨、理念、口号、徽标、成就、目标等软、硬环境形象地展示给听众；能扩大企业影响力，展示企业的魅力及企业家人格魅力，能进一步扩大企业知名度，树立更好的企业形象，营造良好的外围发展环境，增强综合竞争力。这是企业歌曲对企业的发展起到的积极作用。
除了对企业起到的作用，企业歌曲还有它很好的未来形势，现在越来越多的大企业选择了企业歌曲而废弃了广告，除了企业要承担大量的广告费用之外，还要为企业形象能不能够得到认可而烦恼。
企业歌曲的营造能提高企业的向心力和凝聚力，激发职工的积极性和创造精神，提高企业经济效益。而最为塑造与锤炼企业文化的一种极其有效的途径，企业歌曲类音乐（如企业主题歌，产品演示曲，企业峰会/高端论坛主题歌，城市主题歌，企业主题歌等）以精神的（感情的）、文化的手段诠释了“以文教化”和“以文化成”的内涵。
民间歌曲创作泛议 第3篇
一
民歌往往是人们触景生情, 有感而发的口头创作, 即母曲。它通过口传心授的传承方式传播发展。再加上口头传播与听觉记忆相结合流传到其它地方。因此, 民歌创作的口头性是区别创作歌曲的主要标志之一。
民歌一般很难找到原创者, 因为它往往是“一人草就, 集体完成”, 参与音乐创作的每个人都曾受到社会和地区传统音乐熏陶, 并按照约定俗成的音乐习俗和操纵方式进行音乐活动, 因此民歌是该社会人民群众的共同财富。
民歌通过口头流传到其它地方, 必然会因个人审美、体会、习惯的不同和地域、语言、历史的差异出现变异, 这种变异实则是一种创新。比如一首《茉莉花》在江南、东北、华北、西南等地就派生出几百种变体。当然无论怎样“代代相传、代代相变”, 都能保存原始民歌的骨架和主题。
二
民歌与地域的关系是一个古老的课题。早在周代就已把民歌按地区划为“十五国风”。不同地域的民歌大有差异, 这主要是由于地理方位、地形地貌、地理资源、城乡差异等因素的不同, 形成了不同的生产方式和生活方式, 继而创造出相应的音乐, 如内蒙悠远委婉的长调属“牧业区音乐”, 泼辣火热的东北民歌属“农耕区音乐”。
56个民族的民歌风格各异, 主要是由于各民族赖以生存的经济环境和文化环境各有不同, 因而各民族民歌都体现着各民族不同的气质、性格和精神风貌。此外, 语言的民族性也是形成各民族民歌风格迥异的根本因素之一。首先, 语言的字调和语调, 会对歌唱的音高定位和行腔去向产生影响。同时, 句中有规律地出现重音, 也会对民歌的节拍、节奏形态的构成产生制约和影响。总之, 一个民族的语言表述所含的节拍和节奏因素, 与该民族民歌节拍和节奏形态的构成, 有较密切的联系。
三
民族民间音乐是音乐创作的源泉。任何一个民族的专业音乐创作, 都要在民族民间音乐的基础上去领会、继承和发扬固有的民族性品格, 这样它才可能真正在音乐构建中表现出令人神往的民族神韵和民族精神。因为民歌是人民群众的集体财富, 是民族精神的集中体现, 符合人们的审美情趣, 因而, 只有深植于民族音乐沃土的创作, 才能在群众中间产生共鸣, 生命力才会顽强。古今中外许多脍炙人口的名曲都采自民歌。如:柴科夫斯基在乡下写《女妖》伴奏谱时, 突然从窗外飘来一阵悠美的歌声, 原来是一个油漆匠一边干活一边哼唱, 于是立刻记下曲谱, 将其收集在《俄罗斯民歌五十首》里, 后来又将它作为《D大调第一弦乐四重奏》第二乐章的主题, 命名为“如歌的行板”。再有, 莫扎特的《星光灿烂》是将法国的民歌《小星星》进行十三次变奏改编而成的。普契尼还把中国民歌《茉莉花》的曲调作为歌剧《图兰多特》第一幕中的女声合唱曲。《蝴蝶夫人》 也采用了大量的日本音调。中国的许多歌曲更是如此:《小白菜》发展为《北风吹》、《捡麦杆》发展为《红头绳》、《十大姐》发展为《小河淌水》……就连通俗歌曲《大中国》, 也采用了东北秧歌调 [ 满堂红 ] 和《茉莉花》的曲调。
安徽省企业歌曲创作 第4篇
在此次学习和实践过程中，我充分感受到该书的几个显著特点：
一、结构新颖，内容充实
该书在结构编排方面有着自身非常独到之处。作者依据初学者的心理特征和领悟能力，由浅入深，由简到繁，从“学习作曲应该具备哪些条件”和“怎样选择歌词”谈起，循循善诱地带你跨入歌曲创作的门槛。全书包括主题的写作、旋律的发展、歌曲的结构形式、怎样处理好词曲关系、前奏、间奏与尾聲的作用、高潮的安排、乃至衬词的运用以及声部的划分与音域等章节，并用一批新歌谱例引证，详尽而脉络清晰地阐述了初学作曲者所必须掌握的知识和技法，使初学者能较快地掌握歌曲创作的方法要领。通过学习书中引用的各种不同风格、不同题材内容的歌曲，学习者还能充分、完整地了解各个民族、各个地区、各个时代及外国歌曲的精品之作，从而扩大音乐视野，丰富音乐素养，提高音乐素质。
二、通俗易懂，朴实自然
此书的语言通俗易懂。作者通俗简洁地破解歌曲创作中一个个精深的艺术理论，将颇为“神秘”的歌曲创作比作像打乒乓球、下象棋那样的平常，大大地消除了音乐爱好者对歌曲创作的畏难情绪，使更多的读者对此敢于学，乐于学。作者还用他睿智的手法，旁征博引，用亲切温和的语言，把音乐创作原理诠释得简明清晰、丰富生动，把你带进一个绚丽多彩、奇妙无比的音乐殿堂，让人流连忘返、乐此不疲。
三、使用广泛，实用性强
随着国家经济建设的不断加速,我国社会主义的文艺事业也有了更大发展。相比而言，群众音乐文化及群众歌曲创作的发展相对却仍显缓慢，主要表现在创作队伍在缩小、年龄结构偏大，处于青黄不接的境地；作品数量也呈减少趋势，质量上乘，群众喜欢听的佳曲较为鲜见。
有关方面也曾做过一项中小学音乐教材教学的调查，结果显示，目前许多爱好音乐的中小学生不喜欢上音乐课，主要原因是教材上的歌曲“不好听”。在注重创造少年儿童和谐发展的今天，少年儿童歌曲创作的问题应得到更大的重视。
在工作接触中，我发现有不少青少年非常爱好歌曲创作，热衷于学习和掌握歌曲创作的基本技法，迫切需要能引导他们入门的教材。
面对广大广大歌曲创作爱好者和中小学音乐教师的需求，面对广大少年儿童对少儿歌曲的渴望，龚耀年先生的《歌曲创作入门》的出版，无疑能雪中送炭。不论在歌曲创作实践中，还是在中小学音乐教学中，此书都能起到重要的指导作用。
汇鼎企业歌曲创作中心 第5篇
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汇鼎企业歌曲创作中心，是中国目前最大最专业最具实力的企业歌曲创作基地，由CCTV中央电视台音乐创作组、浙江卫视编辑部、杭州明珠电视台、浙江省音乐家协会等单位优秀人才联合创办的专业音乐创作中心。
汇鼎企业歌曲有三个创作组：
1、专业创作组：由专业音乐制作人组成。
2、省级创作组：由电视台音乐制作组和音乐家协会老师组成。
3、名人创作组：由中国知名作曲家和词作家组成。
制作作品分类有企业歌曲、公司歌曲、广告歌曲、校歌、院歌、厂歌、司歌、形象歌曲、医院歌曲、银行歌曲、集团歌曲、电视剧主题歌、电视剧片尾歌、电视剧插曲、电视栏目主题歌，等等系列原创歌曲制作。
汇鼎是目前中国最大、最专业的企业歌曲创作机构，后面都由电视台专业制作老师组成，有着强大的音乐创作研发团队和制作团队。可以说，只要您在电视上能看到的，能听到的，我们老师都能制作出来，根据客户需求随时创作到贵公司满意为止。为了确保证作品品质。汇鼎企业歌曲的十大作用：统一思想，增加全员凝聚力；催人奋进，提高团队执行力和战斗力;建立企业形象标志，升华企业品牌形象；让全员轻松深刻记忆企业重要理念、宗旨、文化；可以取代广告，为企业节省大量广告费用；一次性投资，终身受益；引起社会关注，快速传播企业文化；将企业行为转化轻松愉悦的艺术传播；可潜移默化，为企业增加无形财富；增加员工敬业心、责任心、感恩的心。
安徽省企业歌曲创作 第6篇
在词曲作家并不熟悉企业的情况下，企业应详尽地为歌曲创作人员提供企业文化的相关资料，甚至亲临企业进行深入实地了解采风，有助于更贴切生动地反映企业的精神面貌与人文气息。创作在原则上应具备以下三点：
时代性：在市场经济日异月新的变化中，企业歌曲的张力应适应时代的需要，传统的老套模式已不能在适应现今社会的需要。歌曲都具有时代性，一首企业歌曲反引号的是企业某一段时间内取得的辉煌或是展望，只有反映时代性的歌曲也才具有更强的生命力。
传唱性：企业歌曲应简单通俗、上口易记，便于传唱。注重简单明了、易懂传唱。
意义性：无论歌曲还是旋律，企业歌曲都应该体现一种积极向上的情绪。通过歌曲反应企业的目标、追求、精神、作风等企业文虎的主要内容。
企业歌曲——Boss的眼光体现
电视剧《亮剑》里李云龙说过这么一句话：一个军队的领导人的性格和气质将直接决定军队的优良传统。同理，一个企业的领导人的高瞻远瞩也直接影响到企业的发展。一个成功的企业，必须树立良好的品牌形象。纵观一些大型的企业，已将歌曲作为公司的形象推广手段，并取得了较好的效果，如五粮液集团《香醉人间五千年》、康美药业《康美之恋》等。
一首好的曲子，可唱活一个企业、一座城市。企业歌曲作为企业文化的一个重要组成部分及宣传促销的形象载体，现在已为众多企业所重视和采用。一首好的企业歌曲无疑会为企业形象的策划和推广带来好的启示！
企业歌曲创作流程
歌曲的创造先词或者先曲没有固定的模式，先词后曲或先曲后词都能达到创作的目的。但通常情况下，企业会更注重词的内容，这也就成为歌曲创作的关键。企业可能邀请词作家进行歌词创作，也有可能又企业领导亲自撰写或在员工中征集出色的歌词作品，也增大了创作的参与面，拓宽了歌词内容的来源。无论采取通过什么渠道，歌词能否充分反映企业文化，能否经得起时间的考验，都将在很大程度上决定这企业之歌的创作成功与否。歌词完成后进行谱曲工作，这是一项专业性很强的创作性艺术工程，它需要高超的创作技巧与激情灵感。总体上，企业歌曲的创作到制作都又一定的程序，具体可依循以下步骤：
1、构思策划阶段：
针对企业从官方网站及各类社会新闻报道等渠道进行全面的深入了解，收集创作资料。
2、歌曲创作阶段：
第一阶段：执笔作词作曲，企业负责人进行第一次试听并进行相关合理调整；
第二阶段：词曲部分定稿，制作人开始进行编曲工作，完成词曲伴奏;
第三阶段：词、曲、伴奏定稿，歌手进棚进行歌曲录制。
3、录音制作阶段：
企业可安排工作人员到录音棚进行监棚工作，录制完成后由混音师进行混音，得出最终成品。
4、加工音像制品：
将上述歌曲按要求加工生产成音带、CD等音像制品。
5、宣传推广阶段：
按合同约定对歌曲安排各大媒体相关推广。
6、后期服务：
半年内针对该歌曲进行免费剪辑等音频工作(含彩铃剪辑、集团铃声剪辑等)。
备注：
MV制作：如企业有制作音乐电视作品的需要，我们可以组织专业导演、摄像师拍摄制作音乐电视（MTV）或歌曲专题片。以真是的画面感升华企业歌曲的价值。
企业歌曲的创作价值
企业歌曲的创作，要体现企业的精神面貌，歌词的内容要表现出企业的风气、特点、经营理念，要能够展现企业的风采。歌曲既要符合优美动听的基本音乐要求，又要富有企业特色，包括企业的行业特色、企业的历史特色以及企业所在地的地区特色等等。企业歌曲还必须具有易学易唱、琅琅上口的特点，以及鲜明的时代特色。
随着社会的进步，越来越多的企业走进“企业歌”，因为企业歌曲不仅是为了适应规范管理的需要，还可以彰显一个企业或行业的精神风貌，使其富有文化底蕴。对内可以振奋精神、鼓舞斗志、增强企业凝聚力，对外可以显示企业的活力、提升企业的形象。这是企业文化建设不可忽视的重要组成部分，所以，企业歌曲对企业的好处是显而易见的。
企业歌曲对比企业广告是宣传效应
企业广告一般以夸大产品质量和性能来提高企业及产品的知名度，接受度与可信度已大打折扣。
校园歌曲创作漫谈 第7篇
编者的话：《校园歌曲创作漫谈》一文是本刊前任主编，国家一级作曲韩贵森老师撰写的。曾在有关报刊上发表过，是作者长期从事校园歌曲教学、创作、编辑等实践活动的心得体会。现在为了更好地促进校园歌曲创作与繁荣，本刊特再次刊出，供交流参考。
引言
“校园歌曲”这个名称于二十世纪八十年代初由台湾传入大陆，之后便被人们广泛接受和采用。全国许多音乐报刊纷纷开辟“校园歌曲”专栏，国内还出现了以刊发中小学、大中专学生演唱的校园歌曲新作品为主的《校园歌声》杂志。1993年文化部少儿司、国家教委基教司、中央电视台、团中央少年部、全国少儿艺委会还联合发起了“校园歌曲首次征集评奖活动”，获奖入选的30首歌曲如《装扮蓝色的地球》(陈镒康词，侯小声曲)、《国旗颂》(佟文西词，龚耀年曲)、《唱不完的欢乐歌》(肖树文词，韩贵森曲)、《老师最理解我》(李严词，傅馨曲)等至今仍在全国许多学校传唱。
近年来，为了适应跨世纪素质教育的需要，让孩子唱自己的歌，让青少年获得健康向上的精神食粮，各种类型的校园歌曲征集活动不断开展，“校园歌曲热”是改革开放以来我国出现的一种特有的文化现象，为了推动校园歌曲创作实践活动的进一步开展，需要用相关的文艺理论来加以总结，笔者作为专门从事“校园歌曲”编辑出版的音乐工作者，常常不能不思考许多问题，比如什么是校园歌曲?校园歌曲有哪些基本特征，它与别的歌曲有什么区别和联系?它在创作上有哪些特有的技法和要求……
下面，我想就上述一些问题谈一些粗浅的意见，与读者朋友、老师们、同学们共同切磋，抛砖引玉，以期引起广泛关注。
校园歌曲的界说
什么是校园歌曲?这是创作者、演唱者、欣赏者、编辑出版者以及教学者等应首先弄清楚的问题，为此笔者查阅了一些词典书刊，关于对“校园歌曲”的解释大约有以下几点：
1、《中外著名歌曲欣赏》(安徽人民出版社出版)一书的解释是“70年代中期以来，台湾青年学生对社会上矫揉造作的流行歌曲很不满。一些音乐素养较好的大学生，自己写词谱曲，歌词大部分是描述青年人的生活，抒发自己的理想，寄托自己的情思。曲调一般较简朴，深受青年学生的欢迎。由于这类歌曲是从学校流传到社会上的，所以人们称之为校园歌曲”。
2、《音乐知识词典》(甘肃人民出版社)则直接解释道：“校园歌曲就是指台湾青年学生们自己创作、编写、演唱和伴奏的歌曲。”同时还说明“这个名称由台湾杂志社1978年4月首先创用，以后也称‘校园民谣’、‘现代民歌’、‘乐府民风’以及‘创作歌谣’等”。
3、《亲情真情――关于当前少儿歌曲创作的思考》(《中国音乐教育》95年第六期)一文认为“校园歌曲一般指适合大、中、小学生演唱的歌曲”。
以上这些解释的优点是：①前两种能帮助人们了解“校园歌曲”这个名称产生的背景以及此类歌曲的一般特点。②第三种指明了校园歌曲的对象是大、中、小学生，并强调要“适合大、中、小学生演唱”。但由于我们所指的“校园歌曲”已远远超出了“台湾”“青年学生”“70年代创作”等范围，因而前两种解释显得特别“狭义”。而这些解释实际上都不是严格意义上的“下定义”(界说)。逻辑学原理告诉我们：概念所反映的对象的特有属性叫概念的内涵，以判断形式出现揭示概念内涵的方法叫“定义”(或界说)。上述各种解释并没有明确地揭示出“校园歌曲”这个概念的内涵，因此它的外延也让人产生了一些疑问：
第一，如果以“学生创作、从学校唱到社会，人们都如此称之”作为定义概念来给“校园歌曲”下定义，就会给人造成一种误解，那就是其他专业、业余词曲作者创作的，如1993年“中国校园歌曲”征评入选的作品(如《校园的风》、《上学歌》等)就不能称之为“校园歌曲”了，因为作者不是学生，也不是从学校唱到社会上去的，而且如果这个“定义”成立的话，还会误解为凡校园里的人写的和唱的歌曲就是“校园歌曲”了。
第二，如果以“表现了青年人的生活、思想感情、曲调简朴”来下定义，似乎可以让人认为这类歌曲就是“校园歌曲”了，但这里仍有一个逻辑问题，因为青年人包括的范围很广，除了校园青年外，还有农村青年、部队青年，以及工厂机关青年等，显然“校园歌曲”不可能表现所有“青年人的生活、思想感情”，如果真如此，那么表现少儿学生“生活、思想感情”的歌曲岂不统统不算“校园歌曲”了吗!显然仅仅以某个年龄段歌曲的特点来界说校园歌曲也是不准确的。
第三，如果“校园歌曲就是指台湾青年学生70年代中期以来创作的那些歌曲”，那么这种时间、地域、群体的限制会使“校园歌曲”这个词语的涵盖变得非常的狭小，这与中国校园歌曲创作演唱的实际情况相距太远。事实上我国校园歌曲创作演唱等实践活动并非只存在于台湾，也并非70年代才开始，只不过以往没有使用“校园歌曲”这个名称罢了。早在20世纪初叶，我国从“学堂乐歌”起就开始了“校园歌曲”的创作和演唱活动，从沈心工的《体操――兵操》(1902年)到李淑同的《春游》，从聂耳的《毕业歌》到贺绿汀的《清流》，从周郁辉、寄明的《中国少年先锋队队歌》到乔羽、刘炽的《让我们荡起双桨》等等，这些地地道道的学校歌曲如果按上述狭义的解释就不算“校园歌曲”了。而对我国“学校歌曲”与“校园歌曲”两个名称实际已互相通用的情况，需要对“校园歌曲”有一个广义的解释。
第四，以“适合大、中、小学生演唱”作“校园歌曲”的内涵，较前面几种解释有了一定合理性，但也有不妥之处。因为许多优秀的革命歌曲、军营歌曲、乡村歌曲、工矿歌曲，通俗歌曲也都适合学生演唱，如《太阳出来喜洋洋》和《游击队歌》就曾做过小学和初中的音乐教材，而前者是乡村题材的四川民歌，后者则为革命歌曲。《三大纪律八项注意》也适合学生，也适合工人、农民、士兵等演唱。《祝你平安》、《爱的奉献》、《弯弯的月亮》等也非常适合大中学生演唱，但它们则是优秀通俗歌曲。因此以是否适合学生演唱，作为下定义的依据也不理想。
那么究竟什么是校园歌曲呢?
我认为要界说“校园歌曲”这个概念，应该重温一下逻辑学的一些知识，即：“概念是人们在实践中，对一类对象撇开其非特有的属性，抽出其特有属性概括而成。特有属性为一类对象所共有，反映着一类对象的本质。”(引自《中学语文教师手册》逻辑部分――上海教育出版社出版)
“校园歌曲”有很多属性，但为“校园歌曲”所共有的，反映着这一类对象的本质的不是“校园里的人写的唱的”“表现青年人生活思想情感”等等，而“校园歌曲”的特有属性应该是：反映校园生活，主要表现校园里的学生(或老师)的生活
思想感情并与教育密切联系，其内容和艺术表现形式(词曲等)与不同年龄段学生的特点相适应。为什么这些才是校园歌曲的属性呢?理由如下：
(一)一切文学艺术都是社会生活的反映，毫无疑问，歌曲艺术也必然是社会生活的反映。由于社会生活方方面面，歌曲所直接描写、歌唱的生活现象――题材也就具有多样性。校园歌曲所主要反映的生活显然不可能是军营生活、乡村生活、企业生活等，而是学校范围里的生活。
(二)校园歌曲所表现的主要对象――学生是一个包含了儿童、少年、青年的群体，由于年龄层次的差异，他们在生理、心理上有着各自的特点。其思维方式，接受能力，兴趣爱好等均有明显的不同。“校园歌曲”在具体的创作中就不能不考虑学生群体的年龄特点，其作品的内容和艺术表现形式(如歌词语言表达，旋律的音调，节奏、音域、调式、调性等)也就必须与各年龄段学生的特点相适应。如为小学一年级学生创作的歌曲《上学歌》，表现了刚入学的孩子好学上进、愉快舒心的思想情感。歌词通俗明白、曲调简洁明快、音域一个八度内、五声宫调式，特别上口，每当孩子们唱着“太阳天空照，花儿对我笑，小鸟说早早早，你为什么背上小书包……”时，就会着迷和动情。但是中学的少年儿童们却对这首歌不屑一顾，让他们唱会被认为是贬低和不尊重，同理《长大后我就成了你》，歌词含义深刻，音域达十二度，曲调婉转动听，是一首特别受大中学生欢迎的优秀的抒情性校园歌曲，若拿去教低年级小学生唱，他们难以理解，也唱不下来。
其他成人歌曲，虽然也要考虑各自的特点，但就歌曲要适应不同年龄段特征的要求来说均没有象“校园歌曲”那样强烈。一首《咱们工人有力量》的工人歌曲各种年龄层次的工人都能唱。一首《我是一个兵》的军营歌曲，新老战士都爱唱。《在希望的田野上》这首农村题材的抒情歌曲更为农民群众所喜爱。而校园歌曲却难以做到让幼儿学生、儿童学生、少年学生、青年学生都能接受。所以说“歌曲的内容和艺术表现形式要与不同年龄段学生的特点相适应”也就成了校园歌曲的另一个“特有属性”。近年来全国许多“校园歌曲征集评比”活动均要求在作品上注明适合哪一个年龄段(小学、初中、高中、大学等)，就是考虑到了“校园歌曲”的这个“特有属性”。
另外，由于教师与校园、与教育、与学生密不可分，我认为把“教师歌曲”划分到“校园歌曲”的范围内比较合适。(当然也可能有别的划分法)。
以上分析得知了“校园歌曲”这个概念的内涵(特有属性)，根据逻辑学界说(下定义)的方法，于是可以给“校园歌曲”下这样的定义：
校园歌曲就是指反映校园生活，主要表现学校学生(或教师)的生活思想感情并与教育密切联系，其作品内容和艺术表现形式与不同年龄段学生的特点相适应的歌曲作品。这是歌曲体裁的一种。
这里还须说明的是，由于我国绝大多数的儿童和青少年均在学校受教育，反映他们的思想感情，实际上一般也就反映了幼儿园、小学、初中、高中(中专职校)等校园里的学生的思想感情，具有了“校园”“教育”“年龄适应性”等特点。因此大多数儿童歌曲、青少年歌曲实际上就是校园歌曲。比如郭沫若、马思聪的《中国少年儿童队队歌》、管桦、李群的《快乐的节日》、李幼容、寄明的《少年少年祖国的春天》等。但又不能说一切少儿歌曲都是校园歌曲，例如电影《少年犯》的插曲《心声》，表现的是少年罪犯思恋亲人并决心重新做人的思想感情，也具有极强的教育意义，但与普通学校里的少年则有本质区别，虽然是首好歌曲，但却不是校园歌曲。又如电视剧《济公》的插曲虽然用童声伴唱，但这与校园生活没有什么直接的联系，故也不能称之为“校园歌曲”。总之“校园歌曲”中可包含少儿歌曲，但少儿歌曲不等于就是“校园歌曲”。
高一音乐 中国创作歌曲教案 第8篇
一． 教学目的
1． 个了解中国创作歌曲的几时期 2． 中国创作歌曲不同时期的时代风格 二． 教学重点、难点
1．1927年大革命失败后与新中国成立后创作歌曲的时代特点
2．引导学生从歌词、旋律、节奏、音阶等基本要素入手探索两个不同时期《毕业歌》和《祝酒歌》的时代特点
三．教学过程 1．导入
⑴聆听《北京欢迎你》《祝酒歌》《毕业歌》
⑵三首歌曲从时间上有看有什么特点（奥运、新中国成立、抗战不同时期不同的历史）
⑶三首歌曲与《茉莉花》有何区别（都为中国歌曲、一个中国创作歌曲一个中国民歌）
2中国创造歌曲的几个时期（简述）
早期歌曲出现；维新变法运动时期西洋曲调填词；五四运动时期艺术、学校、儿童歌曲；1927年大革命失败后工农红军革命歌曲；抗日救亡运动时期的歌曲；新中国成立后革命化、民族化、群众化歌曲。
3． 对比分析大革命失败后与新中国成立后的歌曲风格特点
⑴欣赏《毕业歌》《祝酒歌》
⑵从节奏、音乐结构、歌词进行对比分析 4探索性
《毕业歌》第一、二段领唱完成，第三段全体完成与齐唱全曲在表达歌曲中心上有何不同。（音乐结构、旋律）
《祝酒歌》全体齐唱与男女领唱中间段合唱不同效果。（节奏、速度、音阶）4． 总结
从节奏、旋律、音乐结构等因素；独唱、齐唱、合唱等歌唱形式感受歌曲的风格特点 5． 练习
创作关于原创歌曲的一些心得 第9篇
感性是创作的源泉,理性的技巧是服务和协助!这样的句子很漂亮，但是不实用.我的感觉是天赋和理论都是不能偏废，在创作中，灵感先于理论到达，但是不能说明灵感比理论更有分量。好比你选择一个女朋友，长相是门槛，但是并不是最重要的，性格可能才是你最终选定的最重要因素（当然是在长相符合你的标准的情况下)
创作也是这样，灵感或者说感性的东西就是一个门槛，没有这个门槛什么也别谈，但是过了这个门槛就要看大家的功力的深厚了，这个功力是日积月累的音乐鉴赏，听力和理论各方面的沉淀。有人有很好的动机，很好的感情，很好的灵感，但是没有办法继续完和这个灵感同样出色的余下部分的创作，说明他
还是个业余创作家，理论沉淀还跟不上。而真正的艺术创作家总是可以抓住一个小小的动机把它发展的非常感人和出色。
实际上大家对理论有些误解，喜欢把它书本化，其实它恰恰就是发挥听觉的艺术一把利器，把最好听的音符给挖掘了出来。而很多时候，这些音符光凭一腔热情是找不到的。所谓的音乐大师哪个不是高深的理论大师，他们是天赋和深厚基础的完美结合。
过于强调天赋和灵感很容易让人对理论产生排斥，觉得凭自己的小聪明不需要特别用到什么理论也可以写出不错的作品。但实际上仔细听过这些作品以后，发现艺术性还是不够，走的路子比较野（当然有人会说比较自由），但是长此以往，很容易走入死胡同，创作生命不够长久。在国内，能谈的上创作生命长久的音乐人少之又少，为什么？都是灵感突发类型的，总有江郎才尽的一天。而如果有个深厚的音乐沉淀情况就不一样，一个小小的灵感可以充分扩展成一首完整的曲子，不需特别的再灵感突发把余下部分完成，否则会是相当累的。
我很欣赏国外的流行乐创作是百花齐放的，既有学院派的（比如很多电影插曲），也有很多野路子的（比如摇滚类的）。但即使是野路子的创作者也是有着深厚音乐沉淀的，只是风格不同于学院派的套路而已。但是他们通通都是理论的大师，加上他们的音乐创作理念比较受听众的认可，所以出名，而且可以水平不降低的一张接一张出专辑，这种现象跟国内是两回事。
总而言之，感觉国内流行乐还是轻理论，踏踏实实学习的人少，想马上写好歌出名的人多。跟学术界一样，浮夸。
一家之言，或许有偏颇，但是是我的切身感受.当然我也见过理论基础很深厚的（他扒谱而且是Jazz类作品，只听一遍就直接在白纸上写出和声和根音）但是他写的歌不太好听，确切的说，不难听，但是也没什么出彩的地方。你不能说他没天赋，他的吉他弹的非常有味道，配器也很牛b，录音技术很好，家里有一套价格不菲的专业设备，他本人的经历也不能不说很坎坷。但是在创作上，确实感觉少了点什么。由此个案，我觉得创作的天赋和学习音乐演奏技巧的天赋还是有所区分的。也就是说，演奏家和创作家还是不同的，不要认为自己演奏的东西又多又好，而创作出的东西就一定好。复制和新建文件毕竟是两个不同的功能键。另外一点，创作需不需要有亲身体验的问题。很多人认为写的东西一定要有亲身经历，真情实感才能写出动人的作品。但是听过《梁祝》作者陈刚的讲座之后，发现其实是一种没必要的担心。他在创作《梁祝》的以前根本就没谈过恋爱，他在写《苗岭的早晨》和《阳光照耀着塔什库而干》的时候正好是他被关牛棚，人生当中最黑暗的时候。他说他写的就是他心目当中的爱情，心中所幻想的太阳。不一定要去过新疆，才能写新疆的作品。
当然去过更好，可以让思路更加广阔。但是写不写的出感人的作品，还是要看作曲者是否本身是个很感性的人，他能不能够天才可以抓住主题中最吸引人的部分，还有就是他的音乐沉淀了，包括作曲理论和音乐鉴赏力积累各方面的综合素质。
其他听的更多的都是欧美的甚至是日韩的流行歌曲。究其原因，个人觉得是国内的创作层次太单一而且比较低，我们国家音乐学院内对真正意义上的流行音乐的创作研究实际是个空白。看看学院派这些写歌的，谷建芬，徐沛东等等写的都不是现代感的流行音乐，而是我们所称之的通俗歌曲，走的是中年人的路线。而真正创作年轻人流行音乐的又基本是土八路出身，街头流浪歌手转身变成了作曲家，仅仅创作了几首歌以后就消声匿迹，让人感觉江郎才尽，最明显的就是李春波，郑钧一类的。
而真正学院派出身，有着正统音乐沉淀比如汪锋、窦唯类的还算是出成果比较多的，创作生命也相对长久一些，但可惜他们又不是专门学习作曲理论的，只是学习传统音乐的时候业余搞搞摇滚什么的，总不能达到登峰造极的地步。总而言之，中国是学习作曲的不创作流行，创作流行的不是专业作曲家。虽然这么一竿子打死有失偏颇，但是这样的现象还是普遍存在的。这不能不说的我们国家音乐学府里面的一个疏漏，让我们的听众不得不去崇洋甚至是哈韩哈日。
说了这么多，其实目的还是集中在一点，就是希望现在正在从事流行歌曲创作的朋友们可以认清我们国家流行音乐创作水平不高的现实和原因，从提高自身的音乐修养和音乐理论着手，走出一条正统的大道来，把我们的流行乐从民间拉回学院，这样我们的音乐就复兴有望了.艺术家需要从生活体验中寻找灵感，这是没错的，但是灵感的得出还是建立在你懂得音乐的前提下。很难想象一个五音不全的人可以写歌。如果不懂音乐，还谈什么创作灵感呢。懂的越多，灵感的范围和自由度越大，信手拈来的可能性越大。文学家去体验生活，起码他也懂得写字，懂得修辞，懂得如何去调解文字的节奏和韵律。一个农民，他生活体验多吧，即使是他懂得写字，他写出来的能叫文学吗？
一个艺术创作者，首先是掌握了这些创作工具的，然后通过体验生活，寻找灵感，最终在他艺术积累和生活积累的两相作用下写出艺术作品的。
你所举出的例子beyond开始不会写谱，但是他们肯定是从模仿开始的，他们模仿什么？当然是模仿他们经常听到的那些音乐，吸取那些音乐元素，这不就是学习理论嘛。千万不要把理论书本化，认为理论就是乐理，就是在表现在文字上的。理论是表现在耳朵里的，和灵感一样表现在骨子里面，这样看来，听着音乐cd也就是学习理论，因为cd上很多类似的套路在你的创作中都会派上用场，它不会限制你的风格，只会帮助你形成自己的风格，因为你用的技巧是根据你所听到的杂糅而成的.还有一点，体验生活到底是体验到了什么。我有一些看法，实际上体验的对象并不重要，重要的是你的世界观变了。通过体验，你更加的感性，更加容易的进入感性的状态，让自己的情感更细腻，更容易抓住你需要的那种感觉。这正是可以帮助你达到真正的艺术所需要的那种极致，完美。这样，一个没有经历过战争的艺术家可以去写关于反战的作品，只要他的体会可以达到厌恶战争的程度。没经历过爱情的人可以写爱情，只要他的对爱情的渴望可以细腻到那个程度.音乐中感性和理性哪个占第一位的问题有点象唯心和唯物主义关于物质和精神哪个第一的争论。似乎公说公有理，婆说婆有理。其实这是事物不可割裂的两个方面。一个音乐作品在一定的框架内形成，在这个框架内有着自己的思想。拿开框架谈思想或者离开思想去搭框架都是毫无意义的。去强调任何一方的重要性都是正确的观点。但是需要警告的是，不可以轻视任何一方，如果你忽略了对感性或者理性任何一方的培养，它必将成为创作当中的瓶颈。照理说，我对这两方面的发言应该是平均用力的，但是我没有这么做。我特别强调理论是基于现在某些普遍现象的考虑。这些现象需要解释一下，大家就自然明白我的用意了.从我的亲身经历出发。我教吉他，教过不少学生，上的大都是初级的内容。大家知道，初级当中学习乐理的重要性和练习弹奏的重要性是一样的，双方应该平均用力。但是如果给定一定时间的练习时间让学生自己去练，绝大多数学生一定是选择练习弹奏吉他，而不是视唱练耳这样的音乐内功的练习。以至于到了最后，会弹出声音的人多（而且弹的还不难听），会调弦会识谱的人少。这是为什么呢？因为懒惰二字。他们的懒惰不在手上，而是在脑上。学习乐理及听音的基本功显然更象是一种脑力劳动。当他们将时间用来练习弹奏时，实际上是不想动脑筋（尽管他们可能意识到学习乐理和视唱练耳可以使他们事半功倍）。所以如果我不做特别的强调，或者是同一性的强调双方的重要性，导致的结果很可能就象以上我说的这种情况，到最后不懂音乐只懂弹奏。于是我每次都会把乐理和视唱练耳提高到超过练习弹奏的高度上来，要求他们全力重视（当然我不会担心他们不练习弹奏）
实际上大家也会发现类似的现象，很多人弹奏吉他运指如飞，但是却合不上拍子，弹的没有音乐的感觉，所谓的脑子跟不上手就是这样。他们对于技巧的练习并不缺乏，甚至是饶有兴趣。但是他们却厌恶乐理，即使知道这样不对，他们也不愿意花大力气来改观。这就是我所说的脑子上的懒惰。
联系到创作音乐上来，很多人自诩为有天赋，有感觉，有经历等等一切的感性元素。强调感性是主要的，理性是次要的或者是辅助的。我看到的却是另一层意思，是他们想避开缺乏理论基础的现实。其实天赋和感觉是摆在那里的，烙在你身上的，有多少就是多少，生活体验也是随着时间的推移就慢慢沉淀下来的，不需要特别费力的去学习。反而是音乐内功这种东西，不静下心来，没有学习的精神和毅力就不会进步的东西是最难于突破的。那么我不强调这些动脑的，和毅力有关的东西还能强调什么呢？
大家不要把音乐看成是简单的发挥自己才华（客观）的工具，它也是你学习精神（主观能动性）的一种体现。如果你能写的出真正的艺术作品，那不仅是你天赋的体现，更加是你努力学习音乐的结果。音乐不是投机，是踏踏实实的学习。
最后要说的是，大家听着自己喜欢的音乐，感叹这样的音乐真正是感性的作品，可以如此的打动自己。但是请不要忘记作者在写这首作品以前做的大量的理性准备工作，他们都是经过辛勤的脑力劳动，听磁带，扒谱，学习，体会等等之后，才结合自己的个人经历写出这么一首动人的作品的。有谁见过天赋很高，但是音乐内功差的人写出很动人的作品吗？这不难推理出，音乐创作的水平和音乐修养的水平是成正比的。天赋再高，体验再多的人，如果他不继续补充音乐内功，也很快陨落下去。
总结我的观点，感性和理性对于音乐都是重要，但是需要特别强调理性，因为它是真正的音乐家和音乐投机分子的分水岭.从中外音乐的各种对比来强调音乐当中的理性:首先要褒扬我们国家的文化，博大精深。但是很多文化到了如今，很多人都不明白是怎么形成的，到底是依据一个什么样的道理，遵循什么样的规则。最明显的例子莫过于易经，易经对于人类认知世界的价值早已得到众多中外专家的认可。但是两千多年前的古人为什么可以比现在的人更懂得世界呢？他们有没有什么规律留下让我们去重新推算一遍，从而可以了解古人的想法呢？很遗憾，没有。中国的文化是重感性，轻理论的。很多时候只要用出来是对的就可以了，而这些方法具体是怎么推导出来的似乎并不是很重要.转移到中国传统音乐上来，也是这样。很久以前，就有专家分析说民乐不善于总结，没有形成理论体系，这一定程度限制了民乐的进一步发展。不能说民乐达到的程度不高，但是相对于西方音乐严谨的结构和逻辑，民乐总体来说是比较写意的，比较感性的。其实民乐和西洋乐追求的境界根本就是不一样的，两者的统一必定是十分困难的一件工程。小弟自问没有能力做到，所以现在只能就民乐讲民乐，就西洋乐讲西洋乐。
如果是在大唐盛世，全世界以中国文化为主流，今天我们就要大谈感性。但是很遗憾，现在我们听到和进行创作的音乐都是以西方古典乐为基础的衍生类型。主流是西方乐，我们就不得不认真研究西方乐的结构，这对于我们讨论的题目才是有意义的。
有一种不成文的说法：“巴赫的音乐包含了音乐所有的可能性”。巴赫的音乐就是西方乐的基础，欧洲音乐之父的称号也就是这样得来的。不知道，大家研究过巴赫的音乐没有。我研究的不多，但是我知道巴赫是根据一个个小小的动机，利用各种算法和理论进行移调，变奏，倒映等等。从而把一个只有短短半分钟的主题发展成一个长达十几分钟甚至半个钟头以上的完整曲子。这些曲子不会让人觉得单调，反而是趣味横生，精巧的不可言语，发挥到了听觉效果的极致，而且同样甚至更好的表达作者的情绪。
由巴赫音乐为基础发展起来的西方乐都是强调理论的，讲求结构，织体，和声等等。学习西方音乐，首先要了解的就是一系列的作曲技巧。现代西方流行乐其实也离不开这个大体的框架。虽说现代乐的鼻祖是由黑人的blues演变而来，但是西方作曲家们在参透黑人音乐的精髓后，加入了传统的作曲技巧（当然也根据需要改变了一些理论体系），因为他们的骨子里还是西方音乐的。
我们现在所听到和了解到的现代流行音乐就是西方作曲思路和杂糅各种民族的表达方式（比如blues）的结合体.举个例子，都说Eric Clapton的blues弹的好，但是除了那些绚丽的solo，你是否曾经注意过Clapton的作曲套路，他从前奏开始到发展，到高潮，再返回原来的主题到底用了多少次转调？这些复杂的作曲套路在我们国家的流行乐当中还是个稀罕物品。中国的流行乐不要说多次转调，能有一次转调就说明作曲者水平很高了，而且通常还不是在高潮，而是在bridge过渡部分转到原调的关系大小调上面去。Clapton所有精彩的感性的solo都是建立在这样一个复杂的和声进程的基础上。而我们崇拜Clapton的那些琴友大都只看到了那些精彩的solo，而忽略了他理论方面的基础和沉淀。
类似这样的例子可以在其他任何一个高水平的西方流行乐当中找到。只要你的音乐听力各基础够好，你应该可以听出西方乐和中国流行乐之间的档次差距在什么地方。只要你注意到了中西方流行乐中的各种细节对比，你也可以发现我们国内作曲人创作的思路是多么简单、贫乏和粗糙.下面抽空来谈谈感性，我对感性的理解主要有两点:
第一，我在前面已经讲过，只有感性的人才能写出好作品，而这个作品的主题是什么并不重要。大家知道艺术是来源于生活，高于生活的，这很对。比如我们看精彩的电视剧，大都是情节曲折，浪漫，奇巧的构思。这样被我们称作戏剧性，影视作品或者一切的表演艺术都是讲求戏剧性的，这样才能称之为生活的典型。
但是实际生活中，这样的情节是不太可能出现的，哪有那么巧的事情，哪有那么浪漫的爱情，哪有那么单纯或者坏的人。生活就是平平淡淡，偶尔一点小波浪，不太可能象电视那么夸张（不排除极个别巧合）。音乐也是这样，它所表现的情绪都是人类情感的极致。正因为它表现了最极致的东西，才会感动听众，让听众感受到音乐的震撼。但是音乐的作者本身的生活却不都是这么极致，他们都是普普通通的人。但是他们与平常人不同的是，他们善于抓住这种极致的感觉，这与他们感性的性格是分不开的。
他们比普通人更容易体会到感情上微妙的东西，也是经历各种事情以后的自然结果。这也就是通常所说的生活体验。艺术家需要去体验生活，是为了培养他们更加细腻的情感，而不是单纯的叫他们到生活当中去寻找主题或者素材来进行创作。不要以为只有失恋的人才配写失恋的歌曲，如果他音乐内功不深，听上去还不是真正意义上的好音乐。一个感情细腻到可以似乎身临其境的体验到失恋痛苦的，但是从来没失恋过的音乐家同样也是可以写出好作品的。
如果我的这个看法成立的话，这就可以给创作者很大的创作空间。许多非现实的题材都可以拿来创作。金庸写武侠他怎么去体验生活？重回古代去了解那些血雨腥风吗？显然不可能。他只能凭自己已有的经历，情感和认知观去写他从来没经历过的事情了。大量的艺术作品其实就是在作者不曾体验的情况下诞生的。我不同意把理论书本化，同样也不同意把体验和感性局限化.第二，什么样的人写什么样的歌
这个道理很简单，学生唱清纯的歌，愤青唱极端的歌，穷人唱大众的歌，富人唱小资的歌。但是经常在我们身边会发生角色错位，让人看着好笑。举个例子，不少上了大学的懂点摇滚和音乐知识的都想搞乐队，而且唱得都是愤青的歌。其实他们穿的好，吃的好，又不是没有女朋友，生活的这么好干吗唱这么愤怒的歌。原因无非有两点，一是想出风头，赶时髦，表明自己很先锋。二是因为他们平时就是喜欢听这样的音乐，也希望可以做这样的音乐。但是他们忘记了自己的思想和感受没达到愤怒的地步，在这么安逸的情况下还唱这么痛苦的歌是不是有点勉为其难。
要知道，喜欢归喜欢，但是创作音乐的时候还是要做回自己，以自己经历和感性程度作为基础，结合作曲技巧来创作。不要一味主观的追求某种风格，忽视了自身的“阶级地位”。假装深沉或者假装清纯都是令人作呕的.在实际的高水平创作中，是很讲求动机、思路以及各种手法的运用的,先来讲讲流行歌曲的动机:
动机是什么？动机就是你想写歌的那个原因。比如你偶然哼到一小段好的旋律，爱不释手，想把它扩充完整成为一首歌，那么这段旋律就是你的动机。动机带有很大的感性成分，是你的天赋你的感受也是你的运气，但是同时也是建立在你的音乐内功基础上的。如果你听得少，缺乏音乐修养，那么这个动机的水平也是可想而知的，说句难听的：“狗嘴里蹦不出象牙”。很多时候，评价某一首歌，只要听听开头第一句就心中有数了，是骡子是马都是动机惹的祸.这里需要特别提到的是动机的形式。中国人是典型的旋律主义者，甚至更甚的歌词主义者。动机往往是随口哼到的一句旋律或者是歌词，不是说这样不好，只是形式太过于单一。我的很多老外友人向我指出大部分中国人听的音乐都没什么节奏，我告诉他们这个是中国文化性质决定的，大部分人听到大音量，节奏劲爆的音乐就头疼。写曲子的人很多也是这样，动机当中是不考虑节奏的，这就造成我们的音乐总是缺乏力度，靡靡之音泛滥。
所以我们亟需丰富创作动机的形式和内容，除了旋律和节奏可以成为动机，漂亮的和声进程，甚至是伴奏当中某个riff或者小片断都可以成为动机。国外很多流行乐曲走的是复调路线，伴奏是一个线性旋律，在这个伴奏旋律上再重新组织歌曲的旋律，而且节奏往往是错开的，互为填空式的。两条旋律相交织，生动而鲜活，妙趣横生，很容易抓住听众的耳朵。关于以上的这些内容都需要大家有一双发现的眼睛，要善于总结，慢慢的在创作当中体会.下面来谈谈有了动机以后的思路问题
思路是什么？就是你下一步该怎么办，是个导向问题。旋律怎么走，情绪怎么上升都不应该是拍拍脑袋瞎撞出来的，要有个计划。可能计划这个词比较严重，我的意思是要设定一个方向的意思。但是以什么为导向是一个很值得讨论的问题.很久以前，就有人讨论过是先写歌词还是先写旋律，这个“先”就是导向问题。哪个先上呢？其实问问国外专业作曲人，他们会告诉你和弦是最应该先上的（当然这不是绝对的，而是大多数人惯用的）。词先上有词先上的好处，旋律先上也有旋律先上的特点，和弦先上之所以被大多数作曲人采用是基于它的好处更多。建立在和弦上的旋律更容易获得深刻的内涵，弹古典吉他的人都知道约翰威廉姆斯和他的卡伐蒂娜这首名曲，看看这首曲子的旋律，非常简单，但是在各种色彩和声的衬托下却显得分外的清新脱俗。这就是和弦为导向的功劳，可以让平淡的旋律熠熠生辉而且充满个性。而以旋律为导向会让自己总是走到自己熟悉的旋律当中去，大部分国内歌曲听上去很雷同，就是旋律导向的结果。
为了让歌曲有个好的和弦导向，这需要学习，要多积累经验和套路，这可以从扒谱当中获得，也可以从书本当中获得，或者互为补充，理论与实践相结合。这是一个长期任务，如果你缺乏对音乐的持久兴趣和善于学习和总结的方法，这将是困扰你终生的难题.如果你已经具备一定水平的和弦导向能力，那我们再回来看看我们的作曲计划：
作曲的方式或者结构不是一成不变的，可以是很多组合。我下面所提出的这个计划实际上是本人比较推崇的一种方式，同时本人认为也是比较标准化或者说国际化的方式。因为我不是科班出身，完全是自己的感受，所以讲的可能会有漏洞，希望有更专业的朋友可以替我补充。
大体上有这么几个点要控制一下：
第一，开头第一句唱词和旋律非常重要.大家知道很多演唱会上经典的歌曲第一句话一经唱出就能博得满堂彩，就是因为第一句话集中了你的动机，也就是这首曲子的精华，让听众马上进入状态，被带入你的情绪。所以第一句话要设计的个性十足，歌唱性很强，这个全靠你的驾驭音乐的能力了。有个好的开头，会让听众对你充满期待。
第二，开展部分要设计一定的低潮，如果你理论水平够高的话，这个低潮应该是个无调式的.这个地方是被所有国内作曲家忽视的角落，我们暂且可以称为高潮以前的蛰伏或者过渡阶段。举个例子，Tears in Heaven当中唱到I must be strong，and carry on，cause i know„„就是这么一个无调式的东西，充满了半音和变数，游离于动机和高潮之外，是个很好的感情过渡，同时也是让你发挥个性的大好时机，因为这里的旋律是绝对不会和其他歌曲雷同的。大量的国外歌曲存在这个部分，大家可以自己去发现.当然这个部分并不是特别重要，你可以不需要也没关系，但是由于从来没人提过，所以我专门强调一下.第三，高潮要设计的简单而上口，要把整个气氛拔起来，必要的时候要进行转调处理.好的歌曲在唱过一遍就会让人印象深刻，为什么？因为你记住其中的某句话，而这句话通常就是高潮。大家很轻易的就可以哼出，回味，引起共鸣。可以这么说，要“毕其功于一役”，高潮的成功就是全曲的成功（在中国肯定是这样）。设计的时候和声不要太复杂，要简单而直接，词也要异常上口。为了体现和发展部不一样的气氛，转调也是常用的手法。怎么转？？？好好学习理论，多多体会体会吧
第四，有的歌曲会加入一个bridge，也是一个过渡性质的，这里基本都是跟做原调不一样的调式处理.比如羽泉的《最美》当中的“走在街中人们都在看我„„与你相随”部分就是这样一个bridge，转调技巧是必需的。这个部分在国外流行歌曲中大量出现，也是中国人比较容易忽视的地方。
