电影与音乐的交响（精选7篇）

电影与音乐的交响 第1篇

(一) 交响编舞法的由来

要清楚什么是交响编舞法, 那必须先知道什么是交响乐。我们都知道音乐有四大要素, 即节奏、旋律、和声、音响, 一首乐曲都少不了这四大要素。也就是说音乐是以乐音为主, 通过一系列的织体不断变化 (节奏、节拍、速度、音色、音区、旋律、和声等等) 以各种不同的组合方式来对人感情的抒发和客观事物的描写。那什么是交响乐?其实对交响的概念说法不一, 交响音乐不是一种特定的体裁名称, 而是一类器乐体裁的总称。这类体裁由大型的管弦乐队演奏;音乐内涵深刻, 具有戏剧性、史诗性、悲剧性、英雄性, 或者音乐格调庄重, 具有叙事性、描写性、抒情性、风俗性等;有较严谨的结构和丰富的表现手段的共同特征。按照一般的说法, 交响音乐主要是指交响曲、协奏曲、乐队组曲、序曲和交响诗五种体裁。但其范畴也时常扩展到一些各具特色的管弦乐曲, 如交响乐队演奏的幻想曲、随想曲、狂想曲、叙事曲、进行曲、变奏曲和舞曲等。古典交响曲有着四乐章的结构, 那么交响编舞就是根据交响音乐的结构而进行舞蹈编创的。

(二) 借鉴运用交响逻辑思维

交响编舞法应当“借鉴交响乐的思维逻辑”, 而不是直接运用交响乐的逻辑思维和方法。在音乐中, 动机是指最小的、具有主体同一性的结构单位, 至少由一个弱拍和一个重拍构成。一个旋律或主题往往有几个动机 (即一个主导动机和几个副动机) 构成, 所以动机本身不需要完整。在交响编舞中也有主导造型动机 (过去有人称之为核心动作或主题动作) 和副动机。比如伊凡诺夫在《天鹅湖》二幕中采用了两个基本动机——temps live arabesque和pas colleu跑步, 而这两个动机是在群鹅出场时不断重复展示出来, 可以说整个《天鹅湖》二幕的所有舞蹈 (四小鹅, 三大天鹅, 群鹅, 王子与奥杰塔的双人舞等) 都包含着这两个动机, 并以他们特有的舞蹈动机为基础进行发展形成各自的主题。巴兰钦在他创作的《主题变奏曲》中也运用了同样的手法。而在舞剧《爱情的传说》中两位主人翁施林公主和青年画家费尔哈德私奔后编导格里戈罗维奇安排了一个极其精彩的大型交响舞蹈场面——追逐。他运用类似交响乐中常用的主题贯穿与交叉和复调手法, 以时空交错的形式把巴奴皇后亲自率领王国队伍的情景多层次、立体化的展现在观众面前, 并在舞台上同时出现六个舞蹈“声部”。他们各自都是从自己的动机基础上发展起来的“声部”, 这些“声部”又是以复调的形式交织在一起 (单独陈述、结构严谨、起伏跌宕、有声有色) , 成为当代交响芭蕾舞剧中一个精彩片断。其实“借鉴交响乐的思维逻辑”就是把交响乐中的结构形式与舞蹈编导技法结合起来, 把“听觉”结构变成“视觉”结构。

(三) 以舞蹈特有规律为主

交响编舞法必须“以舞蹈特有的规律为主”。也就是说交响舞蹈创作应该从音乐出发, 但同时要保持舞蹈特有的“独立自主权”。舞蹈在尊重音乐的同时, 又不能成为音乐的附属品。实际上我们根本不可能 (也不需要) 用人体来复制音乐, 音乐和舞蹈毕竟是两门不同的艺术, 各自都有自己特有的规律。音乐是时间的艺术, 它瞬息万变, 来去莫测;而舞蹈是时间和空间的艺术, 它不可能对音乐的每一细微的变化 (如转调) 机械的做出敏锐的反映。在西方有些编导曾经尝试完全“忠实”地表现音乐, 结果都以失败告终。我们可以尽情的欣赏米开朗琪罗和齐白石的画, 但任何大文学家都无法用文字来表达其中的奥妙。同样, 用人体的舞蹈语言来复制音乐也是徒劳无功的, 在舞剧和其他舞蹈节目中舞蹈应占主导地位而不能与音乐平分秋色、抹杀或消弱舞蹈的本体意识, 忽略甚至抛开舞蹈特有的规律都会导致不堪设想的严重后果。

(四) 力求达到音乐与舞蹈的高度统一

交响编舞法是一种“力求达到音乐与舞蹈高度统一的舞蹈编舞方法”。首先, 舞蹈必须要体现出音乐的形象, 展开过程中带有实质性的感情因素。这要求舞蹈编导要反复聆听音乐、深刻理解音乐, 包括它的结构, 织体, 风格, 情绪, 内涵, 甚至作曲特征及创作背景等。不仅要从宏观上把握音乐, 而且也要从微观上尽可能贴切并细腻的处理好音乐与舞蹈之间的关系。其次, 暗示了舞蹈创作要与交响曲一样达到一定的思想深度, 切勿机械、形式主义的仿效音乐结构, 变为“纯”的动作组合式的舞蹈。最后, 交响编舞法它只是诸类编舞法中的一种, 它不能排斥或替代其他的创作方法与手法。这一观点必须要求舞蹈编导深刻理解、读懂音乐, 不仅要把握好音乐, 还要细腻处理好两者之间的关系。编导必须要把握好音乐的主题, 因为它直接决定着人物的对比关系, 只有深入主题和理解音乐内部的结构关系, 才能通过动作表现出音乐戏剧化的层次关系, 舞蹈动作才能随音乐变化而变化。我们不但要捕捉音乐的主题, 还要根据主题不断锤炼相等值的舞蹈动作语言, 才能不影响以后变奏动作的发展。交响编舞法运用的结构应当与音乐结构的一致, 交响编舞法强调的就是一切符合音乐, 它不会像现在的国标舞, 动作速度慢要更慢, 而快要更快, 有明显的对比性, 只要不要脱离实际和音乐;也更不会像现代舞那样故意去打破原有的音乐结构, 去挖掘一种新的舞蹈内涵和思想。现在编导为了使舞蹈动作编排得生动, 要有对比性, 时间对比上如快与慢, 空间上如左右与前后, 速度上力度大小与收缩, 这样对比性的动作, 好像是情绪变化的起伏, 使舞蹈语言生动起来。交响编舞法不主张这样地去增加舞蹈的生动性, 它的生动性在于动作织体与音乐的紧密结合而呈现出具有音乐的文化内涵和思想。这就是交响编舞技法的特殊性, 一定是在循规中进行的。交响编舞技法强调剧情与音乐情感也需统一。人们常说“音乐是舞蹈的灵魂”, 其实我并不认同这句话, 如果说音乐是舞蹈的灵魂, 那么舞蹈中的一切舞蹈编创手法和表现手法都只不过是为了更好的去表现音乐而已, 哪里来的内心感触?就算有, 那也只是作曲家把自己的情感传递给了舞蹈编导, 而并不是真正的舞编自己内心的情感冲动。我们到现在为止, 大量的舞蹈并不只是为了再现音乐而做的, 它们的中心也不是围绕如何更好把音乐表现出来, 它们有着自己的中心, 有自己服务的对象。话又说回来, 舞蹈作品的中心如果不是音乐的话, 那舞蹈编创手法和众多表现手法也不是为空空奇谈了?所以说音乐的情感和舞蹈的剧情他们的关系是相互渗透、相互影响的, 交响编舞法就遵循了这一规律, 到目前为止没有人能逆其道行之。

足球与音乐的交响 第2篇

范加尔来拜仁两年，喜忧参半，上个赛季的双冠王外加冠军联赛亚军的成绩还算亮眼，这可不是任何一个教练都能在带队第一个赛季就做到的。去年的冠军联赛决赛，国际米兰龟缩在自己的半场打防反，让范加尔错失了荣膺三冠王的美妙时刻。可本赛季的范加尔，怎一个悲字了得，看看拜仁的成绩，根本就不像支豪门球队，没有战术性可言，再加上球员伤病不断，荷兰人也只能感叹：巧妇难为无米之炊!其实，责任也不能全怪在范老头身上，不然拜仁董事会也不会将解雇理由归结为战略上的分歧。

本赛季，论绝对实力，拜仁仍然是德甲老大，只不过出来混，迟早是要还的，拜仁总是利用自己德甲老大的势力将巴拉克等其他球队的非卖品挖到自己阵中，现在的窘境也许能说明一点；拜仁连本带利都还了。

不过“德甲好莱坞”不是一天建成的。豪门的风骨犹存，中国人“物极必反”的定律是非常管用的，在联赛三连败之后。拜仁的气势上来了，联赛已经两连胜，紧紧追赶美因茨和汉诺威96，为下赛季的冠军联赛资格努力，输给国米那场比赛只能说是纯属意外。

你知道吗，有这么个乐队，平均每三年发行一张专辑，低调得连狗仔都找不到他们的身影，更可怕的是1997年到现在发行的六张专辑每一张都拿了冠军，他们的巡演永远给人冷冰冰的感觉。今年的新专辑刚一发行就有部分曲目遭禁，可就在受限制的情况下依然登上排行榜冠军的宝座，你也许会问，这是什么乐队?不好意思，这样的神人确实存在，这就是德国最著名的重金属乐队战车(Rammstein)。

一看这名字就知道是德国出品，他们在众多乐迷心中最霸气的一点，是乐队从不唱英文歌，可即使这样，他们还是走向了全世界。作为全世界工业金属摇滚界的教父级乐队，很难想象这几位“大叔”能够把“工业”的感觉融入到音乐中去，他们的音乐风格实际上是德国电子音乐的一种，电子音乐总是富有强劲的节奏和浓重的鼓点，让人听起来那么点“躁动”的感觉。不过战车的音乐听起来是牢牢被压在桌子上的感觉，俗称“鸭梨很大”。用电吉他伴奏的音乐背景非常有气势，但是节奏却一点都不强劲，甚至比大多数的流行歌曲还要慢，很多人都用“摇滚交响乐”来形容他们的音乐，因为他们的喧嚣中带着宁静。

就像本赛季拜仁创造了史上最差联赛开局一样，2011年，战车乐队在音乐之路上遇到了挫折，由于他们在新专辑插图中加入了一些“少儿不宜”的画面，当然，喜欢他们的乐迷都明白有时候专辑内页是为了提升音乐的质感，并且在摇滚领域，极端的表现形式不足为奇。但是作为一个为大多数乐迷追捧的摇滚界领袖级乐队，有时候并不是自己想做什么就能做什么的。必须考虑这张专辑可能带来的不良后果。

这个打击让几位大叔大感不满，因为他们两年多的心血就这样白费了，不过稍令他们欣慰的是，尽管这张专辑今后不再公开发行，但是在上市的这段时间依然登上了排行榜的冠军宝座，于是，他们也创造了一个不大不小的奇迹——德国音乐史上第一张被禁的冠军专辑。

谱写文字美与音乐美的交响曲 第3篇

一、 追古溯今, “语”“音”相生

中国的传统文学向来就与音乐融为一体。我国最早的诗歌总集《诗经》, 其韵味十足的诗词, 便是用来吟诵唱咏的。之后的唐诗、宋词、元曲, 无一例外。甚至于现代的流行音乐, 也是词和曲的完美结合。

二、多彩嵌入, 借“音”绘“文”

小学教育阶段, 文学和音乐摇身一变, 成为“ 语文”“音乐”两门课程。语文培养学生的人文素养;音乐则着重培养学生的音乐欣赏表现能力。两者同为对学生的“美育”。但相对于音乐课程中劳逸结合、活泼生动的风格, “咬文嚼字、单调枯燥”的语文课程就略显逊色。因此在语文课程中, 倘若能调动学生“有意注意”和“无意注意”的共同参与, 无疑能调节精神紧张, 促进劳逸结合。基于语文课程的文本特点, 音乐元素的有效嵌入, 就是一种不错的方法。如吟咏、歌唱、添加背景音乐等, 这样不仅能放松学生的脑细胞, 调节课堂情绪, 还能在一定程度上活化语文课堂。下面以中高年级语文课文为例, 谈谈几种音乐渗透的手法。

1. 扣住课文标题, 先声夺人。课堂的导入犹如行文之初笔, 若能先声夺人, 激发学生的学习兴趣, 学习必然事半功倍。在教学《白杨》时, 上课伊始, 老师便播放了阎维文的《小白杨》, 歌曲一下子便把学生吸引住了, 甚至有对歌曲熟悉的学生跟着哼了起来。一曲过后, 再问:你从这歌里听出了什么?便知学生很容易地感受到了歌中对白杨树和边疆战士的赞叹。或许相对于文字, 简单直白的唱, 更易于学生感悟和品味。出此一招, 课文的导入便水到渠成了。

2. 借用故事背景, 渲染气氛。基于对于文本的解读, 抓住故事背景或作者的感情基调, 选择适当的背景音乐, 也可以起到“润物细无声”的作用。全国著名特级教师王崧舟正是这方面的高手。他总能借助巧妙的背景音乐结合跌宕起伏的语调, 引导学生进行回环复杂的诵读, 展现其诗味语文的魅力。教学古诗词《长相思》时, 王老师亦引用了两段背景音乐, 一段是《琵琶语》, 一段是《怆》。古典音乐的晦涩幽怨, 正是对于思乡之情的最好激发。当然, 无论是一篇感情深厚的文章, 还是一首蕴意深沉的古诗词, 总会有一首适合的歌曲来烘托它。但语文课堂必须“以文为主”, 音乐的嵌入必须是在对文本的深刻解读和对课堂的精妙预设基础上进行的。

3. 结合文本内容, 烘托情感。音乐有时也可以直接嵌入到文本之中, 如人教版六上《伯牙绝弦》这样一篇文言文, 讲述了一对知音的故事, 其中“高山流水”也是大家所熟悉的一曲古琴。让学生静心听一听这样的乐曲, 再结合文章的内容, 对其理解课文肯定大有裨益。更有甚者, 《草原》作者老舍说:“那里的天比别处的更可爱, 空气是那么清新, 天空是那么明朗, 使我总想高歌一曲, 表示我满心的愉快。”教学这一课, 学生上台唱一曲《草原之歌》未尝不可。

抓住文本内容中与音乐关联的契合点, 运用适当的音乐元素, 扣紧文学与音乐的联系, 相得益彰。适合的音乐嵌入, 对于学生理解文本, 体会情感总有着意想不到的效果。

三、巧借“音”力, 涵养“文”彩

提升学生的语文素养, 就是着重提升学生的“听说读写”能力。而适合的音乐元素的嵌入, 对于提升学生的语文素养也有着明显的效果。

1. 在音乐背景中练“语”。“配乐朗读”是最常见的音乐助手。平时学生单纯的朗读要略显单调, 如果有了合适的音乐背景, 其朗读的效果便能立竿见影。特别是诵读古诗时, 如教学《送孟浩然之广陵》, 加以一曲《送别》与之配合, 那种相离相惜的友情便能如行云流水一般, 渗入心田。乐曲的感染, 让学生的朗读更加声情并茂。音乐之美, 有助于学生更加完整生动地理解文章, 使其感受到语文学习不再是枯燥的文字讲解, 而是感情的投入、艺术的享受。

2. 在音乐背景中习“文”。音乐嵌入语文课程不仅能提升学生的口语水平、阅读理解能力, 还有助于学生动笔能力的提高。在写作时, 精神需要高度集中, 大脑需要不断地回忆、选择、联系、创造。灵感是佳作产生的源泉, 情绪激动恰恰是灵感激发的条件之一。而在音乐背景的带动下, 情绪好似被挑起的波澜, 能够较好地激发学生的写作热情, 展开想象力的翅膀。如教学《自己的花是让别人看的》时, 让学生执笔书写季老先生梦中的花海家乡, 配之以班得瑞的《花船》, 舒缓的音乐让学生沉醉其中。一时半刻之后, 大多数学生笔尖流动, 酣畅淋漓地完成了一篇篇“花梦”。

四、“音”“语”相形, 把握“文”“本”

作为感情最丰富的艺术形式, 音乐存在的意义在于激发人的美感体验。而语文作为文学形式的表现, 综合了德智美育, 给人以人文关怀。在语文课程中, 嵌入适当的音乐, 更有助于渲染氛围, 引导学生诵读课文, 书写文字, 感悟语文的音乐美和人性美。

电影与音乐的交响 第4篇

四周都是葡萄酒庄，不时有鸟叫虫鸣，在普罗旺斯璀璨的星空下，聆听全球顶尖钢琴家的演奏会是什么感受？每年夏天，来自全世界的九十多位才华横溢的钢琴家，在这充满绿意的佛罗航城堡公园里浪漫登场，各显身手，有近十万的乐迷前往聆听，它就是著名的拉罗克·昂迪荣国际钢琴节。

音乐节的总监名叫雷内·马丁，很多钢琴家都是他的好朋友，中国钢琴家朱晓玫、陈萨、郎朗、李云迪、王羽佳等都曾受邀演出。这里没有高楼大厦，都是小酒馆，音乐家和游客同住一家酒店，一起聊天交流。接下来，就让我们跟随青年钢琴家、可爱的钢琴公主陈萨的脚步，去那里走一走。

其实知道这个钢琴节已经很长时间了，也听说很多我崇拜和欣赏的艺术家都去那边演出过，所以觉得这个音乐节很值得去看一看。2012年8月，我终于有机会来到了普罗旺斯。

从机场过去，沿途的景色很优美，车慢慢进入更多有丛林的地方，穿过几个小森林就到了酒店。当时比较晚了，酒店老板和老板娘还在忙碌地招待客人，我想这些客人也许就是来听音乐节的吧。我住的酒店离公园很近，大概步行五分钟就到了，而那个传说中非常神秘、在照片上看起来非常现代的碗型剧院就在这个公园里。

第二天我早早起床，用过早餐后就迫不及待地去剧院了。到了之后，果不其然，这个剧院非常现代，有很多不规则的白色立体小木块对声音进行不同的反射。但我还不知道音响效果如何，因为之前我参加过的一些户外音乐节都需要加一点麦克风，但这里不用。开始演奏了，我觉得这儿的确和音乐厅的氛围很不一样，因为在郊外，远离城市，大家心情和状态都很放松。在演奏过程中，有时不可避免地会听到一些自然界的声音，比如蟋蟀叫、狗叫等，在这时就变成了一种行为艺术。

说到曲目，考虑到户外的氛围，我挑选了贝多芬的两首奏鸣曲《悲怆》和《黎明》，中间用一首中国作品和拉威尔的《水之嬉戏》隔开，最后是肖邦的两首夜曲。弹到《黎明》的第三乐章时，那一瞬间，音乐里表现的从黑暗中睁开眼睛的一种无形的东西与当时凉风习习吹到我皮肤上所碰撞出的奇妙感觉，我到现在依然印象深刻。

在户外与自然界的交流让我觉得很不同寻常。在音乐厅里演奏时，总是觉得你在追求离你音乐理念越来越近、越来越完美的过程，但是在户外好像没有必要完全朝着这么一个方向，很多东西都让它顺其自然地发生。和着傍晚的余晖，大家都沉浸在音乐和自然中……演奏完，观众都非常热情，这样的演奏体验让我很难忘。

维罗纳歌剧节

走过了森林、湖畔和乡间，我们从古文明智慧中汲取养料和灵感。现在我们来到了世界文化遗产、由古罗马斗兽场改建的维罗纳圆形歌剧场里，感受世界上最大的露天歌剧节——意大利维罗纳歌剧节。在这个有四十四层阶梯、可容纳三万人的古罗马剧场里，音响效果及视觉感受让所有观众都叹为观止，每年的六月至九月在这里举行的维罗纳歌剧节，成为了全世界歌剧迷最期待和兴奋的节日。

当今世界乐坛的歌剧明星、受到多明戈大师青睐的中国女高音和慧，近年来一直受邀在维罗纳歌剧节的开幕演出中担任主角，她被西方媒体誉为意大利二十世纪七十年代杰出的阿依达扮演者玛利亚·基亚拉的继承人。下面，让我们来听听和慧对维罗纳歌剧节的亲身体验。

1999年我第一次来到维罗纳，当时就在想何时能站在这个舞台上。结果过了四年，我圆梦了，开始站在维罗纳演出了，从2005年开始，每一年我都会在维罗纳歌剧节演出。

这样一个浸有两千年历史的斗兽场的通道全部都是用石头铺成的，包括歌剧院外观的墙也全是石子铺成的，过了这个通道就到了舞台的侧幕。音乐会一般要到天快黑，夏天要到晚九点以后才开始。每次开演之前，由一个人拿着锣敲三声，演出就开始了，这也是一个特色，主要是怕下雨，用它来驱雨。我的化妆间很小，一出舞台就看到，哇，三万多观众，每个人都拿着一支小蜡烛，感觉都在真心期盼着这场精彩的演出。面对全世界最大的露天剧场，对于所有的歌唱家来说都是很激动人心的时刻。那年的开幕演出由丹尼尔·奥伦指挥，他曾在上海指挥上海歌剧院与萨尔茨堡歌剧院联合制作的《波西米亚人》，他在维罗纳二十八年了，指挥得激情四射，我们的《阿依达》在他的带领下每一年都是凯旋！

去年维罗纳的《阿依达》首演通过了3D的现场直播，七十家影院直播，十九个国家电视转播，引用的是1913年的版本。到了第二幕的时候，合唱队加乐队加舞蹈演员，整个舞台上几百人在一起演出，宏大的场面非常出效果。我记得演到凯旋的时候，天上的飞机飞过去，一个很大很圆的月亮挂在天上，就像天然的布景一样。

维罗纳的音响效果很不错，这么多年来一直都不用话筒，它有天然的音响。我们排练的时候，台下如果空无一人的话，扔一个硬币都能听得清楚。

每年维罗纳歌剧院最害怕的是下雨，一下雨就不得不停下来。有一次演《阿依达》碰到下雨，观众一直等，几万人站着等雨停。很多人等的时候就在雨里唱歌，连卖冷饮、卖节目单的都是用唱的声音去说。雨停了我们又接着演，结束的时候已经是半夜两点多了。我记得第四幕我出来的时候，没有一个人走掉，观众对于歌剧的热情确实让人很感动。

罗马采石场歌剧节

奥地利布尔根兰州的圣玛格丽滕地区有一座著名的罗马采石场，是奥地利境内至今仍在运行的最古老的采石场之一。自二十世纪六十年代起，这个天然的大舞台每五年都会举办演出，而1996年以后，这里又成为了露天剧场，因每年夏季的古典歌剧演出而声名远扬。刘雪枫先生曾经现场观摩过罗马采石场歌剧节，让我们来听听他的感受。

2005年秋天，当时已经错过了演出的季节，我特意要求我的朋友绕道去摩尔比什附近看一看。在GPS导航的时候，突然出现一个很高的地方，我们都觉得很奇怪，心想这是不是古罗马采石场啊？时间一晃到了2007年，车行驶在夜间的山路上，看到一个灯火通明的地方，我当时真不敢相信自己的眼睛，怎么在这么荒芜的地方会出现这么一个感觉有布景的场地？走近之后，里面传来熟悉的《卡门》的音乐，这时我才恍然大悟，想起自己两年前曾来过这个地方。那时我就下了决心，有机会一定要到这个地方好好看一看。

时间到了2012年，我终于如愿来到这里。迎面是一个很大的坑，你可以看到采石场的全景，人在上面显得如此渺小。舞台是依着山势搭建的，舞台边缘都是裸露的石头，杂草丛生。观众席呈坡面扇形，外面的人看不到，沿坡是一望无际的葡萄园。剧院外面还有一个小剧院，每年都会为儿童举行简版的专场。我走到转弯的地方看到儿童剧场的时候已经很惊讶了，等到发现真正的大剧场时，我的相机就停不下来了。《卡门》在这里上演的频率最高，几幕之间的变化也很多，它非常好地利用了山势，比如唐豪塞的妻子米卡艾拉来找他的时候，是从中间的山坡一步步爬下来的。而斗牛士那幕里有马上的枪刺手、斗牛士的卫队，完全把马德里的斗牛场搬过来了。在这里看歌剧，舞台的界限完全被打破。很多人问，看了半天到底乐队在哪儿啊？有人告诉我们，在远处山的背后，乐队通过监控录像来看舞台这边的情况。演出还采用了多媒体的布景，演完足足放了十几分钟的烟火，变化无穷，可以说这样的演出，你是从头high到尾。

从森林、湖泊、乡村到古迹，我们体验了一次湖光山色的音乐之旅。中国的户外交响音乐会才刚刚起步，包括上海夏季音乐节、辰山草地广播音乐会、北京长城音乐节等，都有一个探索和改进的过程。当户外音乐会成为我们与大自然交流的媒介时，存于我们心中的感动随时会被点燃，而它带给我们的思考也是不言而喻的。

电影与音乐的交响 第5篇

一、柏拉图式恋爱

1876年12月,鲁宾斯坦演奏着《暴风雨》,梅克夫人焦急地询问这首曲子的创作者,鲁宾斯坦介绍了柴可夫斯基的状况,有意让梅克夫人资助这位贫寒的音乐家。而梅克夫人对鲁宾斯坦说:“我对于你刚才说到的这个年轻人的一切,有很大的兴趣。但是你也不必替他说那么多的好话。你没有说之前,他的音乐早已说过了。”柴科夫斯基与梅克夫人从此建立长达十三年的通信并成为彼此的精神支柱。

柴可夫斯基为梅克夫人谱写《第四交响曲》并命名为《我们的交响曲》,在给梅克夫人的信中说道:“我认为这部交响乐与众不同,他是我目前为止写得最好的一部交响乐。它是属于您的!”

柏拉图式爱情终在一天被尘封。梅克夫人由于家里变故和经济萧条寄给柴可夫斯基一封绝交信,信中说道她即将破产,无法继续资助柴可夫斯基,并写道:“别忘记我,有时也得想起我”来终止和柴可夫斯基的通信往来。柴可夫斯基再也没有得到她的片纸只字,直到将死的时候,他还发着呓语,唤着梅克夫人的名字!

二、不二情书《我们的交响乐》

“至于音乐本身,我知道您一定会喜欢;我写的时候,心里总是想着您。我朦胧地觉得,世界上没有第二个人能最亲密的探索我的灵魂,音乐作品的献词,从没有比这更有神圣的意义。它不仅说出了我,而且还说出了您;这部交响乐不是我的,而是我们的。”在柴可夫斯基写给梅克夫人的信中,不仅表现出对梅克夫人的热情和感激,还有渴望用音乐表述感情的心声。我们试图与柴可夫斯基走得更近,感受他用音符情深意切的表达。

第一乐章序曲是整部交响乐的胚胎,称之为《命运之神》。他曾在信中写道:“这是命运,命运的力量阻止我们实现幸福的愿望。”这或许是对他和梅克夫人未来的预言和猜测,更是一种对梅克夫人无法言语的情感体现。中段旋律柔和舒服、木管抒情地在铺垫、旋律甜美而柔和仿佛甜蜜而柔和的梦渐渐出现。

第二乐章像是在感叹年轻时代的回忆,然而知道这些回忆已经永远一去不复返了,又是多么悲伤。沉浸在温暖宁静的情绪中,我们所听到的是缓缓道来的心灵独白,是情感的无限倾诉。

第三乐章是拥有独特的幻想色彩谐谑曲。心灵是空洞的,想象已经脱了缰,绘画一些离奇的图案。交响曲第三乐章里仿佛作者脱离现实,静观激流人生。

第四乐章是柴可夫斯基向梅克夫人表达他对人生情感的态度。在第四乐章的终曲选了一首歌,名叫《一棵白桦树立在田野中》。这首歌曲和古老的异教仪式有着直接关系。每逢到悼亡节,少女们扎上白桦树圈,绕着白桦树边跳轮舞边大声唱歌。仪式本身和歌曲内容都有丰富的涵义,寓意着占卜未来,恳求命运。关于白桦树的歌在第四交响曲的结尾出现,并不是作为民间优秀范例,而是交响曲中孤独主人公的音乐感受。在创作《第四交响曲》期间,正是柴可夫斯基身陷感情泥潭的一段时间,和安东尼娜短暂的婚姻使他无比痛苦,在与梅克夫人的信中柴可夫斯基写道:“我和这种感情斗争,不中用;我知道她不值得我爱,但是对于我这放纵的感情,又有什么办法呢?讨厌不是每日剧增,不是每时剧增,而是每分钟剧增——一点一滴地逐渐变成一个巨大的、凶恶的憎恨,我憎恨于我是从所未有的,而且我也不认为我可能有。”痛苦的婚姻生活使他接近精神崩溃,梅克夫人与他的通信缓解了他对当时不幸生活的惧怕和无奈,并且始终作为引路人和贴心的朋友为柴可夫斯基指引方向。

恰如海涅所说;“话语停止的地方,就是音乐的开始。”《第四交响曲》的各种不同的音乐素材中贯穿着一个完整的思想,它将这些音乐素材融合到一起,构建了庞大的、有很大容量的形式,容纳了丰富的内容。表现了柴可夫斯基内心的独白和永远真挚的感情和渴望生活、幸福和自由的、又不疲倦的意志以及对梅克夫人的浓浓爱恋和感激。

三、结语

在漫长的岁月里柴可夫斯基与梅克夫人始终保持着信件的交流,这是精神的爱恋,他们知道只有当心灵摒绝肉体,向往真理、追求真爱的时候,思想才是最纯洁的、高尚无比的。当岁月流逝所有的情感都被尘封,我们不禁为他们纯洁的爱情惋惜。时至今日每次听到《我们的交响乐》,我们依然能感受到他们之间柏拉图式的超脱爱恋。

摘要：柴可夫斯基是当代最伟大的音乐家之一,他与梅克夫人的旷世奇情广为人知。一封用音符谱写的情书——《第四交响曲》流露出柴可夫斯基对梅克夫人真挚的情感。本文试从《第四交响曲》中体会柴可夫斯基对梅克夫人的浓浓深情及作品的深刻含义。

关键词：柴可夫斯基,梅克夫人,第四交响曲

参考文献

[1]库宁.柴可夫斯基传[M].河南:海燕出版社,2001:173.

[2]C.波汶、B.冯·梅克.我的音乐生活[M].北京:三联书店,1998:125.

[3]温蒂·汤普森.音乐家[M].太原:希望出版社,2009:136.

电影与音乐的交响 第6篇

关键词：音乐鉴赏,审美感知,审美情感,音乐的耳朵,1812年序曲

【对课标和教材的理解】

《1812年序曲》是湘版《高中音乐鉴赏》第一单元第二课《培养音乐的耳朵》的第二课时。这是一部气势恢宏、叙事性强、音响效果非同一般的交响音乐作品。作曲家柴可夫斯基以1812年俄法战争为历史背景, 音乐主题设计有明确的指向性, 音乐主题之间此消彼长, 表现了战斗的激烈, 有着强烈的表达性。

古人曰:“七弦为益友, 两耳是知音。”鉴赏音乐的关键是学会聆听。因此, 在高中音乐鉴赏课程第一单元中有个重要的教学目标, 即通过鉴赏《山林之歌》和《1812年序曲》, 在获得审美体验的同时, 使学生从实际的音响感受上理解艾伦﹒科普兰对音乐欣赏情态的论述:“我们全是在三种不同的阶段上倾听音乐的 (1) 美感阶段, (2) 表达阶段, (3) 纯音乐阶段。”从而积累鉴赏音乐的经验, 探究欣赏音乐的策略和途径, 达到培养音乐的耳朵的目的, 并为以后的鉴赏学习打下良好的基础。

教会学生聆听, 绝不是简单地听上一两遍就可以奏效的, 一定要有目标、有内容、有方法、有步骤地去听。首先是听什么。要具体到听哪一个乐段、主题;听其音色、和声效果还是听调式调性的转换等。其次是怎么听。是完整听还是选择片段听, 反复听还是比较听等。再者是听到什么程度, 达到什么效果。如听后能哼唱出主题旋律, 辨别出乐器的音色, 感受到作品风格, 想象出乐描绘的形象等。只有这样, 才能培养主体的审美感知和审美情感, 才能有效地培养学生“音乐的耳朵”。

对刚步入高中的学生来讲, 音乐鉴赏的相关知识和基本技能还未初步形成, 猛然鉴赏篇幅长、结构复杂、主题众多的交响序曲, 对其耐心、专注力、感受力、分辨力、记忆力都是一个挑战。

根据新课程的理念, 结合教材要求、学生实际鉴赏水平以及音乐作品特点, 教者设计了“审美直觉审美体验审美升华”的教学过程, 并细化出三个具体的、操作性强的“培养音乐的耳朵”的途径, 并采取倾听、体验、比较、探究等多种有效方法, 有重点、分步骤地带领学生, 从局部到整体, 循序渐进地感知、分辨、记忆、联想、想象, 走进音乐情境, 充分领略俄罗斯这部保家卫国的壮丽史诗, 去理解科普兰“在表达阶段上’倾听音乐”的含义, 培养学生良好的聆听习惯。

【教学过程】

一、导入: (2′)

板书“聽”, 引导学生用“耳”聆听, 用“心”感悟, 才能培养音乐的耳朵。书写课题, 宣布内容。

二、新授内容 (42′)

(一) 课前布置学生搜集整理关于1812年俄法战争的材料, 课上交流。

(二) 学生设计音乐主题:

1. 教师提问:如果你是音乐家, 你将根据这段历史故事设计那些音乐主题?

2. 学生进行讨论、回答、交流。

3. 教师导入:下面我们就听听柴可夫斯基如何运用音乐主题来叙事, 并表达他的民族立场和民族情感, 同时我们也通过聆听主题, 培养自己音乐的耳朵。

(三) 培养音乐的耳朵途径之一:听主题, 感知音乐形象 (板书) 。

1. 听战斗主题:

(1) 播放“战斗主题”, 请学生谈感受。

(2) 老师分析旋律、节奏、速度的特点, 帮助学生理解音乐表现要素的作用。

2. 听法军主题:学生听赏音乐片段, 说出音乐形象。

3. 听俄罗斯军民Ⅰ (思乡主题) :

(1) 播放“思乡主题”, 学生体检感受弦乐柔美音色和内在深切的思乡情感;

(2) 学生试唱“思乡主题”, 体会旋律的宽广优美以及蕴涵的强烈的爱国情感。

4. 听俄罗斯军民Ⅱ (舞蹈主题) :

(1) 听“舞蹈主题”, 学生说出它在旋律、情绪、音色等方面与“思乡主题”的不同;

(2) 用轻巧的顿音带领同学唱“舞蹈主题”, 体会木器组灵巧轻快的音色表现出的乐观主义精神。

5. 探究与理解:

(1) 请学生用比较的方法说出“战斗、法军”主题与俄军民ⅠⅡ主题的不同:有鲜明的对比性。

(2) 探究:面对强大的法国敌人, 作曲家为什么不选择创作更为强烈主题, 来试图压倒对方, 而选择了温柔的或是欢快的具有民间风格的曲调?

(3) 学生讨论交流、老师启发:从形式上看, 俄军民ⅠⅡ的优美与轻快与紧张的战斗主题、傲慢的法军主题形成鲜明对比, 使得音乐形象更丰富;从内容上看, 正是强烈的思乡之情 (即爱国情怀) 和乐观的革命主义精神最终成为俄国人民取得伟大胜利的力量源泉。

(四) 培养音乐的耳朵途径之二:听乐器, 感受音响色彩 (板书) 。

1. 学生快速阅读P22“相关链接”, 说出作品的音响特点。老师补充, 丰富的音响效果也是本曲的特点和听点。

2. 第一组对比鉴赏:“众赞歌主题”。

(1) 提问:“众赞歌主题”出现过两次, 每次使用不同乐器表现。第一次出现在“序奏”的开始, 由弦乐器表现, 说说它描述了怎样的场景?

(2) 学生感受弦乐群的音色和丰富的表现力, 想象俄国人民祈祷和平与安宁的场景。

(3) 播放“尾声”部分出现“众赞歌主题”, 提问:由什么乐器演奏, 表现了什么?

(4) 体会并交流:乐队、钟声、礼炮和鸣, 气势宏大, 表现出对俄军民的赞颂。

3. 第二组对比鉴赏:“俄国骑兵”主题。

(1) 提问:“俄国骑兵”第一次出现在“序奏”的第3段, 第二次出现在“尾声”, 每次出现使用的是什么乐器?表现怎样的场景?

(2) 播放, 学生听赏、分辨并回答:第一次用法国号, 高亢嘹亮, 展现了俄国骑兵骁勇善战的形象;第二次由整个管弦乐队演奏, 表现了俄军辉煌凯旋的场景。

(五) 培养音乐的耳朵途径之三:听整体, 走进音乐情境 (板书) 。

1. 本环节导入:刚才我们认识了作品的6个主题和配器音色。下面一起了解作品的结构, 边简介边板书, 完成曲式结构图, 使学生初步认识奏鸣曲式结构与内容表现的关系。

2. 朗读并理解:培养音乐的耳朵的第三个途径就是“听整体, 走进音乐情境”, 继续板书:环境情景 (板书) , 学生如何从“教室环境”走进“1812年俄法战争”的情境, 不妨先用心地朗读科普兰的话:“只有当你成为更自觉的、更有意识的聆听者不仅在听, 而且在听某些事物的时候你才能加深对音乐的理解。”

3. 引导学生鉴赏全曲:不仅在听, 而且能随着音乐, 跨越时空, 走进200年前俄国那场惊心动魄的抗击侵略的人民战争。

三、课堂小结 (1′)

强化认识, 培养习惯:聆听音乐, 用耳倾听, 用心领悟, 切不可一蹴而就, 要贵在坚持。

【教学反思】

《培养音乐的耳朵第二课时〈1812年序曲〉》一课, 在庄严、恢弘的交响音乐中再现了200年前俄罗斯人民英勇抗击拿破仑侵略的伟大战争, 师生在“审美直觉审美体验审美升华”过程中展开了情感丰富的教学活动, 为学生发现美、欣赏美、评价美、创造美构建了一个充满激情平台, 为培养学生“音乐的耳朵”开辟了一条充满兴趣和信心的途径, 更为教师创造性地开展教学活动积累了经验。

以前我上这一课, 或听别的老师上, 或看到的一些教学设计, 存在两个不容忽视的问题。

第一, 只把鉴赏《1812年序曲》作为唯一的教学目标, 没有关注到作品是湘版《高中音乐鉴赏》第一单元第二课《培养音乐的耳朵》的第二课时, 教材编者的意图是通过对《1812年序曲》的欣赏, 培养学生听赏音乐正确的方法和良好的聆听习惯, 这是本课的重点也是难点。

第二, 有些设计虽然把视线投向“培养学生音乐的耳朵上”, 但是在教学过程中, 也只先并列式地欣赏6个主题, 最后把全曲听一下。过程设计中没有具体的培养途径、方法指导, 学生听赏的注意力不够集中, 缺少兴奋点, 因而“培养学生音乐的耳朵”的教学目标和重点无法落实, 成为一句空话。

经过反思, 我转变教学设计思路, 重新制定三维目标, 给自己提出4个问题:

1.我要带学生到哪里去 (目标或目的地) ?答案是:“培养他们音乐的耳朵”。

2.乘什么车去?答案是:乘着《1812年序曲》去。

3.走那条路或是经历哪些阶段?答案是:三条途径也是三个阶段“听主题, 感知音乐形象”;“听乐器, 感受音响色彩”;“听整体, 走进音乐情境”。

4.过程中有什么好的方法?答案是:直觉、感知、比较、记忆、联想、想象、探究

我的答案就是应对问题的策略。我决定不去制作多媒体课件, 放弃视觉的辅助功能 (有时视觉性的课件也是对听觉的干扰) , 带领学生, 将所有注意力投向音乐本身。

带着新的教学设计走进课堂, 我有着前所未有的活用教材、驾驭课堂、引导学生的自信, 我发现:

1.学生听赏的专注力大大提高。

2.学生的音乐分辨力和记忆力也在进步, 他们能迅速地、清晰地分辨出6个主题形象。

3.在欣赏中, 他们开始学会自觉运用“比较”方法分析音乐。

4.他们凭借音响, 沉浸在富有个性的联想和想象中, 表情尽是“满足感”。总而言之, 三个途径的设计, 有效方法的运用, 让学生的听觉的兴奋点达到了高潮。因为不再是“听见某种声音”, 而是“听到某些事物”, 所以学生会充满信心与激情, 音乐的兴趣也在这样的成功和激情中得到提高。

参考文献

[1]艾伦.科普兰.怎样欣赏音乐.北京:人民音乐出版社, 1984.12, 第1版.

[2]谢嘉幸, 郁文武.音乐教育与教学法.高等教育出版社, 2006.10, 第2版.

[3]高萩保治.音乐学科教学法概论.北京:人民音乐出版社, 2006.5, 第1版.

[4]高中音乐鉴赏.湖南文艺出版社, 2006:83-85.

[5]音乐鉴赏教师用书.湖南文艺出版社, 2004.8, 第1版.

电影与音乐的交响 第7篇

“异语创作”的作品是指“用A国语言描写B国文化,从而产生的一种特殊类型的跨国文学作品或跨文化文学作品。”[1]在全球化的浪潮中,伴随着电影工业的蓬勃发展,异语创作也成为了电影文学的重要部分。近年来,有关中国内容的异语创作电影不断涌现,例如以中国民间传说或文化符号为题材的《花木兰》、《功夫熊猫》等,根据华裔作家畅销书改编的《喜福会》、《雪花秘扇》等,还有将外国文学作品进行本土化演绎的《一个陌生女人的来信(2004)》、《危险关系(2012)》等。而此类影片中最具艺术价值及国际影响力的当属1987年意大利导演贝纳多·贝托鲁奇拍摄的《末代皇帝》。

《末代皇帝》描绘了中国末代皇帝爱新觉罗·溥仪跌宕起伏的传奇人生。影片故事背景发生在20世纪的中国,但电影中上至皇帝,下至囚徒,几乎所有中国人都说着流利的英语对白。异语创作可谓是电影《末代皇帝》一大特色。作为中国历史人物的传记电影,该影片的角色在文化背景上有别于华裔文学,又不同于《图兰朵》、《功夫熊猫》、《卧虎藏龙》等电影因题材空间而能纵情发挥西方编导的主体性。实际上,西方世界也有着一批异语创作的历史人物传记电影,如讲述德国富商拯救犹太人的电影《辛德勒的名单》、法国末代皇后玛丽 . 安东尼的《绝代艳后(2006)》、俄国近代大文豪列夫 . 托尔斯泰的《最后一站》,但由于西方文化的同源性及白种人的银幕形象,演员们说着类似于欧美普通话的英语在观众看来也并无明显违和感。因此,面对东西方世界的文化鸿沟,《末代皇帝》采用英语对白着实是一次冒险的尝试。不过,该片最终获得了第60届奥斯卡金像奖最佳影片、最佳改编剧本等九项大奖,在中国的豆瓣、时光等大众影评网站也保持了多年来名列前茅的好评度,如此瞩目的成就更使得本片的异语创作值得探究。

二、凸显中国意象的英语对白

由于电影主创人员的西方背景,影片采用英语对白或许是无意识的选择。不难想象,对于这样一部英文讲述的传统中国历史人物传记片,电影对白将包含了许多文化负载词,即“那些在其原始意义或概念之上,蕴含丰富文化内涵的词语。”[2]处理这些中国特色文化负载词的方式势必会影响西方观众是否欣赏这部电影。在这部影片的对白中,这些文化负载词的英文表述大多都保留了汉语原有的文化意象。例如:

(一)I am the Grand Empress Dowager. And I have livedhere for a long, long time. And they call me the Old Buddha…The only man who can live here is the emperor. But theemperor is on high, riding the dragon now. He died today.

(我是至高无上的慈禧太后,我在这里住了好久好久了,他们都叫我老佛爷……皇帝是唯一能住在宫里的男人,但他现在已经乘龙升天,他今天驾崩了。)

电影中年幼的溥仪初见居高堂之上慈禧太后时,阴森诡谲之气充斥着银幕。慈禧阴阳怪气地说了以上这段话。英文“Old Buddha”再现了汉语中“老佛爷”的意象。在传统的东方,人们对象征权威的佛像顶礼膜拜,“the Old Buddha”也意味着尊贵和长寿。而本该慈眉善目的佛相却和慈禧太后的狰狞面目形成了强烈反差,这将对西方观众形成特殊的感染力。此后,慈禧太后还提到先帝“on high riding the dragon(乘龙升天)”。据传华夏民族的祖先黄帝乘龙仙逝,“龙”也成为了整个民族的图腾并被赋予了浓重的中国政治色彩。中国人很容易明白这个说法是皇帝去世的委婉语,但对于西方观众却未必如此。因此,电影借慈禧之口,接着台词“onhigh riding the dragon”之后补充了“he died today”的注解,在诠释文化负载词时做到了“形”与“义”的统一。这样的对白设计也向西方观众传达了溥仪入宫封帝的原因和令人惶恐的氛围。

再例如洞房花烛夜的一幕,溥仪向新婚的婉容皇后抱怨了对包办婚姻的不满,并透露了出走西方的计划。婉容透过红艳艳的盖头表达了愿意同往的心声,并让溥仪看完她的脸后再决定。她说:

(二)It is the emperor who must remove the kai t’ou.

(我的盖头应由皇帝来掀。)

“Kai t’ou”一词位于句末的突出位置,指代的是“盖头”。盖头并不存在于西式婚姻,它属于独特的中国意象,因此直接音译是顺应中国文化的处理。通过镜头,西方观众也能直观感受到盖头的形象 : 盖头的大红色也是东方世界的主色调,寓意美满 ; 它遮住了素未谋面的美丽新娘,伴随着庄重的仪式,富有神秘的东方色彩。

虽然掀开盖头的溥仪惊叹于婉容的美貌,但在进一步的亲密过程中,聪明的婉容于缠绵中敏锐地觉察到少年溥仪并未真正做好准备,于是她面带娇羞地说:

(三)If Your Majesty thinks it is old fashioned to makethe rain and the wind with a stranger, we can be like a moderncouple, to begin with.

(如果皇上觉得和一个陌生人做云雨之事过时的话,我们可以开始做一对现代夫妻。)

英语中并不存在“make the rain and the wind”的习语,但这可以看作是中国成语“云雨之事”的直译,而且英文表达采用“rain”和“wind”的意象组合更为押韵。这两个意象和人的欲望一样,均是自然的力量,同时又流露了东方隐晦的性文化。西方观众能透过这种形象而含蓄的语言和婉容欲说还羞的神态联想到淋漓尽致的情爱场面。

影片中凸显中国意象的英语表达不胜枚举。如果仅从孤立的文字上看,这类对文化负载词的直入式英文翻译是典型的中式英语。通常情况下中式英语并不符合英语表达习惯的,西方受众会看得云里雾里。然而在电影语境中,银幕上的形、色、声、光与观众的文化背景形成互文性。配合着剧情的发展,人物的言行举止,画面的冲击力,形形色色的中国元素像万花筒般呈现。最终这种中式英语对白不仅可以被西方观众理解,更别有一番风味。

三、规避西洋腔调的汉语配音

《末代皇帝》英文对白的汉语翻译属于“无根回译”,这种回译“只是文化上的返回,对白语言上不存在以原文为根据的回译。”[3]换言之,该影片的汉语对白可以算作是隐形的真正原文。因此,“在回译过程中无论译者选择哪种翻译方法,都要使语言选择尽量顺应译语语境而不是源语语境,从而实现译文语言地道、流畅的目标。”[4]北京电影制片厂1987年的汉译配音版就体现了这样的翻译要求,单从片中“gentlemen(君子)”、“Majesty’mother(额娘)”、“Mr. Jonston(庄士敦师傅)”等称呼的汉译就可见一斑。除了汉化的特定表达之外,片中台词翻译的文风也很好地适应了汉语语境,以下文为例:

(四)The forbidden City had become a theater withoutan audience. So why did the actors remain on the stage? It wasonly to steal the scenery piece by piece.

(整座皇宫已成了一座没有听众的戏园子,为什么唱戏的还不肯下台呢?无非是惦记着这些行头罢了。)

当溥仪回忆当年皇宫凋敝,盗案不断,自己作为傀儡皇帝的凄凉处境时,发出了如上感慨。这段英语对白中“theater”的比方,不禁让人想到莎士比亚的《皆大欢喜(As You Like It)》中的诗句:“All the world 's astage, and all the men and women merely players(整个世界是一个舞台,所有的男女都只是演员)”。针对这种富有西方古典戏剧腔调的对白,汉语配音却作了归化翻译:英语中“theater”被译为“戏园子”,于是中国观众脑海中浮现的是中国的传统戏台而不是西方的歌剧院;译文中出现的“唱戏的”、“惦记”、“行头”皆具有北京话的口语色彩,结合北影版配音所采用的盛行于中国大陆的播音腔,非常契合溥仪的身份和故事的背景。

除了翻译技巧层面的功夫,影片的汉语配音还纠正了英语对白中存在的文化误读。片中当初来乍到的洋太师庄士敦给溥仪上第一堂课时,看到了书房墙上的一段书法,溥仪是这样复述书法内容的:

( 五)I know that you know that l know that you knowthat. That is a dialog between Confucius and Chuang Tzu.

溥仪介绍说这是一段孔子与庄子之间的对话。其实历史上孔子和庄子的生活年代相差了一两百年,他们的直接对话显然是缪传。而这段连续套用回环修辞的对话内容更像是故弄玄虚的文字游戏,令人难以捉摸。无论这样的英语台词是由于编剧的偶然失误或是有意操纵,回译时都需尽可能还原隐形的汉语原文,否则只能做删译处理。好在接着庄士敦附和了一句“Concerningrespect, your Majesty(皇上说的这段话意思是相互理解)”,溥仪默契地点头。根据庄士敦提供的解释以及溥仪英文对白的内容和修辞特点,译者揣摩出此处最恰当的句子应该是:

(子非鱼焉知鱼之乐;子非我,安知我不知鱼之乐。)

此外,电影配音还有其自身特点。“在翻译时,译者既需要考虑语言内容的翻译,还要考虑在原版影片中出现的语言外的因素,如演员的动作、面部表情和口型等因素。”[5]在这段话的配音中可以看到,溥仪的演员说“know”时与配音中的“乐”口型巧妙地重合。又由于话语时长的关系,况且配音面向的观众是中国人,汉语配音中并未补充这句话源于庄子与惠子的对话。所以如此处理的汉语配音是非常合适的。

总体而言,电影的汉语配音虽有各方面的限制,但该片的配音避免了洋腔洋调,做到了声形统一。这样不仅顺应了中国观众的接受心理,甚至能给观众带来汉语配音是原文对白的文本错觉。可以说,电影《末代皇帝》汉语配音翻译成功地向中国观众复现了这样一段风云迭起的中国历史故事。

四、中西共赏的影坛佳话

爱新觉罗·溥仪身处的20世纪是西方文明扩张,英语逐步确立语言霸权地位的20世纪。又由于20世纪的历史政治格局,我们不难发现大量的英语电影存在以“西方至上”意识形态和价值取向扭曲甚至妖魔化中国形象。就现代西方观众而言,他们可以接受电影中说着英语对白的中国人,但却难以接触到展现中国魅力的英语对白。电影《末代皇帝》存在大量具有中国特色的英语对白,充满了东方色彩的异国情调。其中虽存在些许文化误读,但对白的整体设计既满足了西方世界对中国文化的好奇心,也有利于中国文化走向世界。

另一方面,电影的汉语配音立足于中国观众的语言习惯和文化背景,而且通过翻译调整的故事内容符合中国人对历史的认知,让中国观众对这部电影倍感亲切。当然,电影地道的汉语配音并不影响表达导演贝纳多·贝托鲁奇的特有情怀,反而更能引导中国观众入戏。导演选取以人为本的存在主义视角,运用西方电影特有的蒙太奇风格,巧妙地光线组合,传神的配乐以及饱含情感的人物镜头特写,对中国观众原本熟悉的人物、场景、故事进行了陌生化处理。由此能触使中国观众逐渐抛开长期形成的意识形态批判思维,重新审视这段熟悉而陌生的历史。大银幕上的爱新觉罗 . 溥仪对中国观众而言也不再是一个刻板的政治符号,而是一个有血有肉、有灵魂温度的鲜活人物。

电影《末代皇帝》能在世界范围内获得好评有多方面的因素。从跨文化研究的角度来看,电影优秀的异语创作对白和无根回译是激发中外观众审美共鸣的必要条件。而归根结底,异语创作电影的成功不只是得益于正确的翻译策略,还需依托尊重人性的创作视角,才能使不同语言的文化摆脱语言的桎梏,达到深层次的融合。这种文化融合的缩影正如电影中庄士敦先生与溥仪在码头惜别时的情景:一组中国乐师使用五花八门的民族乐器演奏出苏格兰的民歌《友谊天长地久》,那旋律是前所未有的优美动听。它冲破了东西世界的篱墙,也冲破了时空的云烟,荡气回肠地直达每个被大银幕照亮的灵魂。

摘要：异语创作电影属于跨文化创作的影视作品。首次将异语创作研究引入电影批评领域,以讲述中国故事的英语电影《末代皇帝》为例,从文化翻译的角度分析该片的英语对白设计及汉语回译特点,探讨该片能被中西共赏的缘由,期望为拍摄中国内容的异语创作电影提供参考。