中国绘画作品欣赏1的教案（精选13篇）

中国绘画作品欣赏1的教案 第1篇

《中国绘画作品欣赏》教案

舞美政治组 潘 登

一、教学三维目标：

1、知识与技能：（1）、让学生掌握中国绘画作品的特点；

（2）、让学生了解绘画与历史背景的关系；（3）、让学生了解中国的绘画进程。

2、过程与方法：（1）、通过运用多媒体教学，让学生直观地欣赏到中国画的特点，开阔眼界，丰富绘画知识。（2）、通过启发式教学，让学生学会动脑筋思考问题，学会如何分析和鉴赏一幅绘画作品。

3、情感态度与价值观：（1）、让学生在绘画欣赏的过程中，增强审美能力和判断是非的能力；（2）、让学生在上课过程中，教育学生树立正确的价值观，提升审美品位。

二、教学重点：

1、中国画的分类与特点是基本掌握部分；

2、我国唐朝时的绘画作品及画家风格;

3、我国宋朝时的绘画作品及画家风格。

三、教学难点：

1、我国绘画作品的时代特点;

2、绘画与各个历史阶段的关系；

3、绘画与各民族历史审美习惯的关系。

四、教学过程：

（一）、中国画的特征： 复习原有知识。中国画的分类：

1、按材料、工具、技法的不同，可分为：中国画、油画、版画、水彩画、水粉画等；

2、按内容的不同，可分为：人物画、风景画、静物画、动物画等；

3、按形式不同，可分为：宣传画、连环画、漫画、年画、壁画、主题画、插图等。

（二）、唐朝以前：

宗教题材占主要位置，以帛画壁画为主，尤以南北朝和南梁为盛。代表作：汉朝跳丸画像砖，长沙马王堆汉墓帛画东晋顾恺之的“女史箴图”等；

播放图片。

（三）、唐朝：

画家众多，题材广泛，形式多样，技巧成熟，造型富丽健康。代表作：周昉的“簪花仕女图”、吴道子的“送子天王图”、阎立本的“步辇图”等。

启发学生：

1、唐代为什么会产生很多大诗人大画家？诗圣是谁，画圣又是谁？他们分别生活在什么朝代？

2、唐朝时很多画家爱华牡丹，谁知道当时的牡丹比喻的谁？为什么？

3、为什么唐朝绘画作品很多？跟当时的社会、经济有什么关系？ 播放图片。

（四）、唐到两宋：

封建割据严重，社会动荡，民不聊生，绘画发展缓慢。代表画家有关同、荆浩、董源等，以山水画为主。播放图片。

（五）、北宋：

画院形成，空前发展。工笔和山水都有发展，代表有：张择端的“清明上河图”、顾宏中的“韩熙载夜宴图”等。

启发学生：

1、北宋的都城是现在的哪里？有谁去过？有什么特色？

2、谁知道北宋哪个皇帝喜欢绘画？他这种行为对当时的社会产生什么影响？

3、《水浒传》的主题曲“好汉歌”描绘的哪个朝代末年的史实？谁会唱好汉歌？

教师作结。

播放图片。讲解每幅画的内容与故事。

（六）、元代：

文人画占主要地位，确定了中国画“诗情画意”的特点。以赵孟頫为代表。

提问：大家回想元代历史，是谁建立的元朝？哪个少数民族？ 播放图片并讲解。

（七）、明代：

绘画贡献甚微，经济发展缓慢，以模仿古人为主。

启发学生：为什么明代的绘画发展缓慢？执政的是什么人？ 播放图片并讲解。

（八）、清代：

临古之风有增无减。启发学生探讨：

为什么绘画不发展？是什么阻碍了绘画的发展？

讲清朝翰林大学士徐俊的故事：只因闲时吟了两句诗“清风不识字，何必乱翻书”，被当作反臣，斩首示众，清朝一批文人接连被斩，这就是清朝历史上有名的文字狱。

让学生分析清朝绘画发展缓慢的原因。代表人物有，清初四僧：弘仁、髡残、朱耷、石涛，以郑板桥为首的“扬州八怪”画派。民间绘画开始发展，苏州桃花坞和天津杨柳青年画很有名气。

（九）、近代：

1、五四前：革新的人物画取代了旧的文人画，以任熊、仁颐的人物画为代表。

2、五四后：随着马克思主义的传入和中国共产党的诞生，人们的思想发生了转变，出现了许多新的画风。以徐悲鸿、齐白石、黄宾虹、高劍父、陈半丁、张大千、刘海粟等为代表。反映这个时代的主题。

播放图片，“三毛流浪记”等，并讲解。总结中国画的特点：

1、以笔墨、线条为手段；

2、书画结合，意境第一；

3、与特定的历史阶段密不可分。

回顾：

思考题：

1、中国古代绘画的兴盛是在哪个朝代？为什么会在这个朝代？

2、一幅绘画作品能不能换成别的朝代？为什么不能？

中国绘画作品欣赏1的教案 第2篇

教学目的：

1、了解中外绘画作品的历史、种类，感受其艺术特色，认识其文化价值。

2、培养欣赏美术作品的能力，能用简单的美术术语评述绘画作品，感悟中国绘画民族特色的造型构成美感以及国外有名的画作。学习、了解中外绘画作品的表现形式和创作方法，为创作表现打基础。

3、培养学生探究中外绘画艺术审美特点的兴趣。

教学重点：

欣赏中外绘画作品，感受中外绘画艺术的特点和独特的魅力，引导学生认识中国与外国绘画作品形式与内容、题材与主题的关系。

教学难点：

引导学生用简单的美术专业术语评述作品。

教学过程：

一、组织教学，导入新课。

师：你认识哪些画种？从书中或一些资料中辨认。

二、讲授新知，共同欣赏。

1、教师介绍中外绘画作品种类，引导学生从形式上区分辨别画种类型。提问：我们为什么喜欢优秀的作品？欣赏美术作品有什么意义？

2、师生共同欣赏课本范图。

3、教师引导学生以欣赏感受、评论交流为主线，逐步展开欣赏学习活动。

4、鼓励学生运用视觉语言，从画面的主题、表现的事物、画面的构成形式，笔墨颜色设置等多种因素，去欣赏、感受、认识作品。

三、课堂小结。

中国绘画作品欣赏1的教案 第3篇

1 古代绘画与茶文化关系概述

据学者考证,我国第一幅将茶入画的作品是唐朝的《调琴啜茗图卷》,作者为唐代著名画家周昉,原画现藏于美国纳尔逊美术馆,反映的是皇宫内院女子们喝茶弹琴的闲暇生活。唐朝时期以茶事活动为内容的绘画还不多见,现存世者更是寥寥。从宋代开始,随着茶文化与市井文化的融合及经济的繁荣,与茶有关的绘画慢慢多了起来,至后来的元明清发展到鼎盛阶段。

“境由心造”,古代绘画中的茶事题材所营造的意境,需要画家拥有一颗内涵丰富、素养深厚的心,这是茶画创作的必要条件。古代绘画中的茶事题材,往往是画技与茶道相互依偎、相得益彰。一幅好的茶画,构图、层次、画技的选择虽然很关键,但更关键的是把绘画中的物体、人物等物象赋予一定的文化内涵,这才是一副真正茶画的绘画基础。

由此而言,中国古代绘画中的茶事题材,一般是由两方面组成的,第一是人物景象,第二是物体景象。人物景象指的就是画中的人物身份、打扮、行为、品格等,是一种人文环境上的描绘。我国古代绘画,多以僧人、文人、隐士构成这种人文环境,这也是古代画家在绘画茶事活动时约定俗成的“规则”。究其原因,不难发现,僧是禅的象征,与茶道精神十分契合。文人则代表了中国的传统文化,特别是儒家思想。而隐士则象征着那种超脱悠然的道家文化,是“天人合一”思想的具体表现。所以,这些人物都有一定的文化符号和文化特质。如明代文人张源就曾在笔记中做出分析:品茶者宜少不宜多,人多就喧哗吵闹,一喧哗就会失去雅趣。

物体景象指的是画家对饮茶环境的描绘。从大的说,是山峰树林、清泉小溪,是茶屋茶亭、庙宇道观,从小的说,是古琴、棋盘、茶壶茶灶,是梅兰松菊、蕉叶荷花等等。这些物象都承载了一定的文化内涵,并非随意而画。譬如说,松树和菊花象征着高洁与洒脱,象征着与世无争的出世心态,往往会与隐士共同出现。而棋盘则象征着智慧与思考,往往会与僧人道人一同出现,寓意着他们看破了世间万物、看穿了红尘种种。在绘画技巧上,中国古代绘画讲究留白,这是一种简约之美,茶画的最高境界,就是用最少的笔墨,去勾勒出一个无限大的精神空间。画中的每一个人物和物体,都要相得益彰,为画家想表现的精神去服务,达到以少取胜的目的。

2 古代绘画茶事题材的“得味”境界

中国人对茶的利用虽然很早,但是一开始却只是将其作为一种“草药”。一直到汉末之后,才把其当作一种饮料。随着发展,我国的饮茶者越来越注重煎茶之法,以及对茶水、茶具、茶叶的选择和利用。时至今日,仍有一些人把茶叶的味道当成追求。这种对味道的追求,也体现在古代绘画对茶事题材描绘中。下面笔者结合几幅中国古代绘画进行分析和阐述。

现存于台北故宫博物院的唐代画家阎立本的《萧翼赚兰亭图》,描绘了唐太宗派遣萧翼骗取兰亭序的故事。故事很精彩,人物性格的描绘也惟妙惟肖,但是画中对唐朝煎茶的方法和礼仪也值得我们注意研究。在这幅图的左下角,有一个老年仆人和一名童子在煎茶,从图中明显可以看出,老仆手中所持的是一把唐代的“茶夹子”,专门用来搅动茶汤的。从这个细节可以看出唐朝人在煎茶时与现在不同,会通过工具来搅动茶汤,以达到茶汤口味的均匀和茶味入水的目的。而旁边的童子,则鞠躬弯腰,毕恭毕敬地端着托盘,等待着老仆来分茶。这展现出唐朝人的礼仪要求。另外,旁边的矮桌上,放着一些茶碗、茶罐等器具,让我们看到了那个时候人们煎茶的方法、饮茶的工具以及待客的礼仪等。

宋朝宫廷画家刘松年在他的《撵茶图》中,描写了宋朝饮茶的全过程,具有很高的史料价值。图中左下方一位仆人坐在一个低矮板凳上,面前的案几上放着一个圆形的小碾子,他正在聚精会神地转动碾子来磨茶,旁边放着筛茶和存茶的罗和盒。他的上方是另一位仆人,正站在一个高桌子旁边,手提瓶子来泡茶,桌子上放着茶盏、茶筅等物品,且摆放有序,毫无杂乱之感。画面的右侧,是三位饮茶人,一位僧人和两位文人。其中僧人正在泼墨写作,另外两人全神贯注地观看。这幅绘画充分描绘了宋代文人们饮茶的场景,一方面把当时饮茶的步骤、工具、技巧描述得淋漓尽致,另一方面也把当时文人的品味和爱好展现了出来。其中值得一提的是图中的茶筅,这是唐宋时期一种调茶的工具,与今天的汤勺作用优点类似。茶筅多用竹木制成,在煎茶时搅动茶汤让茶粉均匀分布在汤中。之后再冲入凉水,再快速地用茶筅搅动茶汤,直到茶汤泛起泡沫。宋朝人对此的最高标准是:泡沫要浮于汤面,茶汤颜色越白越好,泡沫停留的时间越长越好,这是当时对茶技高低判断的一个重要标准,无论是在贵族之家,还是在民间,经常用这种技巧来斗茶取乐。

说到“斗茶”,这是宋元时期十分盛行的一种饮茶方式。特别在民间,斗茶久盛不衰。元朝画家赵孟頫在其绘画《斗茶图》中,就生动描绘了元朝底层老百姓的斗茶场景。图中共有四人,分布于图中的上下左右,他们的目光集中点在图的中间,从构图的美学层面讲十分协调。从图中四人的穿衣打扮来看,为四名茶贩,每个人身上都带着茶炉、茶壶、茶盏等饮茶工具。此四人正在树下斗茶。左上方一人一手持壶,一手端杯,显然是在展现自己的斗茶技术。另外三个人正在一旁,一边高谈阔论,一边等着品鉴倒茶之人的茶技高低。从中我们一方面可以看到当时人们对斗茶的喜爱,另一方面我们也能看到宋元时期底层茶贩在穿衣打扮、茶炉茶壶等工具上的选择和携带。

3 古代绘画茶事题材的“得韵”和“得道”境界

茶文化的出现和发展,让饮茶者不再拘泥于“得味”的层面,而是朝着饮茶的环境选择、饮茶形式等氛围以及哲学、思想等精神层面发展。下面就古代绘画中的茶事题材来进行简要的分析和阐述。

以《韩熙载夜宴图》为例,这幅名画描绘的是五代时期上层阶级的夜生活:品茶听琴。画面的右侧,有一长案几,上面放着精美的茶壶、茶点等,主人坐在榻上,而客人有的坐着,有的站着。他们的目光都聚焦在画面左侧,一位女性正在弹琴,姿势优美、服装华丽。这幅画展现出古人在“得茶韵”方面对背景音乐的重视。在茶事活动中,配上相应的音乐,一方面能体现出品茗者特别是主人的品位和高贵,另一方面优美的音乐能够感染品茗者的心情,让他们更好地品味到茶的韵味。

在古人眼中,不同的饮茶环境,应当选配不同的音乐。《韩熙载夜宴》中展现的是贵族家庭生活,而古琴弹奏出来的音乐也必然能烘托出这种富足的生活。而其它一些古代绘画中的茶事题材,很多都是描绘饮茶者于山水之中饮茶弹琴的场景,配以笛子、古筝等丝竹类乐器,其简约而清澈的音乐,与这种自然环境相得益彰,能营造出一种天人合一、超脱淡然的环境。比如明朝著名文人唐寅的《事茗图》,则描绘了文人墨客在山水之间游玩饮茶的场景,图中有青山绿水,有小溪古树和茅屋几间。屋内,有人正在一边饮茶一边读书,屋外,有茶童在点火煎茶。而远处的小溪板桥上,有朋友正在趋步前往,后面跟着一位怀抱古筝的书童。这幅图画动静相宜,既让我们看到了主人品茶的悠然自得,又让人展开联想:两位朋友见面后,必然会一边品茗,一边用古筝弹奏曲子,在山水之中,有茶、有曲、有友人,令人心向往之。

在“得韵”的基础上,我国的饮茶者特别是文人,更是将其与我国的传统文化和佛教、道教等宗教思想相结合,上升到了一种哲学和精神的领域。明代画家文征明的《茶具十咏图》,就是其中的一个典型代表。这幅图画为上下卷轴,图上方是苍天和空山,往下便是群山丛林,最下面是一间朴素的草堂,里面坐着一位隐士,正望着远方的青山绿水,神态中有无限的思考。旁边的草屋里,一位书童正在点火煎茶。应当说,从这幅图的构图风格和对风景和人物的描绘来看,充分体现出了古人饮茶时对“天人合一”境界的追求。他们向往大自然,也试图把自己与大自然融为一体,去除尘世间的嘈杂和烦恼,让内心变得安静祥和、深沉空灵,从而能够用另外一种角度,剥去红尘的外表,看到世间万物的真相,最终达到“道”的高度。《茶具十咏图》只是其中一个代表,像仇英的《松间煮茗图》、董诰的《付竹炉煮茶图》等古代绘画,都通过茶事题材的描绘,展现出古人在饮茶时对精神世界的追求。

摘要：中国茶文化在千余年的发展历程中,不断与我国的传统文化和思想碰撞融合,不仅体现在建筑、景观等物质方面,更呈现在书法、绘画、诗歌等精神层面。我国古代绘画作品中所展现出来的茶事活动,用精湛高超的画技,让我们可以从直观上看到古人的饮茶习俗和文化。可以说,那些描绘古代茶事题材的古画,不仅具有极高的艺术和历史价值,更有着独一无二的研究价值。

关键词：古代绘画,茶事活动,茶文化,中国传统文化

参考文献

[1]刘昭瑞.中国古代饮茶艺术[M].陕西:陕西人民出版社,2002.

中国绘画之理解和欣赏 第4篇

要对中国艺术，重要部门之一的绘画求一正确之认识，则先要确定中国艺术在世界文化史及艺术史上所处的地位和所起的作用。近日所见某西人所作世界艺术史中论及中国绘画，其观点不免有失之偏颇者，择其要义可类为三：（一）以中国艺术乃东方艺术之一部，而整个东方艺术乃世界艺术活动之支流而非主潮；（二）以中国只有古代美术而无现代美术；（三）仅就中国美术与西方美术之影响立论，以为中国美术尽可给西方艺术以刺激之外在力量。窃谓具有此种任一偏见，吾人可断言其对世界文化史之认识未臻健全，自更难论中国绘画之理解和欣赏。

余以为，认识中国绘画主要之点有二：一曰以全世界全人类的文化眼光衡量之，二曰以中华民族本身的立场及中国绘画自身的观点理解之。何为全世界全人类的文化眼光？简言之，即杂多之统一是也。全人类所居之地区不同，人种不同，生活习惯不同，艺术之创造亦不同。然正因此种种差异始得形成世界文化丰富之内容和广博的部门、多样的特色。盖缺一不可。故一种艺术品之价值莫不在其民族性亦莫不在其世界性。舍民族性而言世界性则失之空洞；舍世界性而言民族性，则其本身心非真具有民族性者。唯其是民族的才是世界的。吾人欲寻求一纯粹世界性之艺术品必不可得。反之，欲寻求一纯粹民族性之艺术品亦必失败。夫一良好之艺术品必为民族的而同时即亦具有国际的价值者也。中国绘画之工具内容皆与西方不同，此纯为一民族性的表现。但正因其不同，故中国艺术为世界艺术中重要不可缺之有机构成部分。何为中华民族本身的立场及中国绘画自身的观点？简言之，即是社会经济生活对艺术之需要和影响。中华民族之历史悠久，具绘画之历史亦源远流长，未有中断。至今仍方兴未艾，且因人类文化之进步，日益给其他国家艺术以更有力之影响。故就中国绘画之发展言，其自身形成一部首尾一贯、条例分明之绘画传统。而自绘画发展之原因论：乃以全中华民族社会经济生活之需要为基础，内容亦直接或间接的反映中华民族之社会或经济生活。是以中国绘画必将随中华民族之本身成长而发扬光大，应无疑义。

中国绘画之起源乃自发的，与中华民族之形成同时出现。其发展和变迁自成一完整之源流和系统。而此系统并非孤立，乃全人类文化系统之一部分。中国绘画与西欧之绘画固有共同及其相异之处，但其同为人类文化活动最高之结晶则一也。

中国绘画和它采用的工具，材料有密切之关系，但如以中国绘画遭受工具材料之限制殆属大误，盖任何类之工具或材料皆有其特长及其限度也。中国当晋唐之前，文化及科学之发展已达一极高之水准，并非不能采用或发明类似西欧油绘之绘具。其时之漆器、木器等油绘装饰可为旁证。中国绘画所以用毛笔、水墨等之基本原因，在于民族特性的表现和选取。在万千画家漫长的试验和经验中，中华民族发现了此种工具，最为全体人民所爱好且最足以表现民族之特性（其间亦或有一二例外，如宋徽宗画鸟，曾用漆点晴）。吾人不妨言之，中华民族存在一日，可断言中国绘画必不致趋于沦亡。

今请进而就中国绘画之内容及特色试加分析，绘画之本身乃是一视觉的或造型的艺术，故其中一切问题皆可从之入手。中国从晋以来便注意画的“神”和“气质”，但此种目的还是要靠形方可传达出来。不过因此可知中国绘画之形不是目的，而是一种表现方法，故中国绘画开始以来即从未流于完全为形似而形似的摄影主义及自然主义。吾人所画之对象乃三度空间之实物，而所成之图画却只是一纸。故绘画本身即是了解为一种表现而非再现。在此一点上，中国绘画实开西欧廿世纪新兴画派之先河，且中国绘画之表现又不同于西欧之表现派，因中国绘画之所表现者和所选取之对象相关者小，而其主要之表现在于绘画的本身。分析之可得而言：

（一）形体方面，中国绘画对物之生气和变化注意精到，故在重量、深度方面间或不及。一般言之，中国绘画之形洗练而单纯，力避繁复及凝滞，因此文人画或写意画在中国绘画中极为重要。中华民族之平易天真的处世态度，中庸的见地和闲雅之风度，皆可由此领略一二；又中国绘画除以形象物外，对于形自身的美好及其在画面上所起的装饰作用也十分重视。

（二）色彩方面，淡远重于华丽，且有的纯用水墨，象征之意味极浓。晋唐时代固有用极华丽极浓重之色者，然仍以装饰之意味为重。

（三）构图方面，最足以见中国绘画之表现精神，甚极致者，人或以为不近情理。但如表现之目的圆满，则又何以拘于透视及比例之标准乎？故中国之山水，森林尽处突见极高之山，地平线处之远景亦可十分清晰，且中国绘画多为条幅式。人或以为不合双目之视图，但不知其别开生面处恰恰在此。

（四）笔墨方面，用笔（即线条）构成中国画最主要之表现方法，盖毛笔及水墨易得流畅之线条。中国绘画线条之美全在其本身负有双重意义，既可用之以衬托形体、其本身又极优美生动，亦自可察其高度之艺术性。且有时后者更重于前者。用墨则烟云变化，气象万千，墨和色完全结合。所得之结果较为圆浑厚重。中国绘画与西欧之水彩画最大之分野在此。

（五）因中国绘画重笔墨，故画上可落款题诗，并加盖印章—每一措置皆为画面之有机体。如此不仅不致于破坏画面之统一，且因印章书法本身乃中国艺术之重要部门，故三者更可相得益彰、互相衬托成一和谐完整之艺术品。

（六）中国绘画，与其以为是对实写生之结果，则不如以之为画者主观精神之表现。故和画者本身之精神人品密切相关。以其为画者人格之代表亦未尝不可。征之画史，比比皆然。是以中国绘画之印象除画本身之效果外，更可感到作者的性格。

综上所述，可知中国绘画比之西欧注重表现者多于再现，且以绘画之本身为表现之目的，故更接近于纯粹之绘画。此皆中华民族之特性所使然也。中华民族向重人品及修养，忠厚勤劳，平易天真，发而为绘画，乃成为人类文化史上之奇葩。

中国现时代绘画不可否认地受了西欧绘画很大的影响，但其优良之传统仍保存不坠。本文所介举三家，不过以之代表一般成就及趋向而已：（一）徐悲鸿先生：受西洋画熏陶甚深，故重视比例及透视，且所作线条坚实有力，颇足以表现对象之浑厚沉重，但又不凝滞，故画面仍富于生气及动作。（二）张书旂先生：用色极华丽鲜艳，用笔秀劲有力，间或画背景及天空，而使画面成一完整之有机品。（三）拙作：则力求奔放生动，使笔与墨溶合，墨与色溶合，而使画面有一种雄浑的意味及飞扬之气质，整个的感觉则仍是一种复杂而强烈的现代感觉。

总之，中国绘画以意为主。面对一完美之中国画，如能神会其意，则一切工具及画法之不同皆可忘怀。因而深信，其内容、其精神虽与西欧之巨制不同，但同为人类文化成就最高且最完美之结晶，则并无二致。此予所欲一再申述者也。

按：本文写于1947年，为驳斥某西人《世界艺术史》论及中国绘画之偏颇观点而作，阐述了对中国绘画理解的两个要点：一曰以全世界全人类的文化眼光衡量之，二曰以中华民族本身的立场及中国绘画自身的观点理解之。1948年1月以中英文对照的形式发表于金陵大学《国际文化》第1卷第1期。9月18、25日，连载于《国立中央大学校刊》复第52、53期。需要说明的是，据张圣时回忆，该文最初由张氏起草，后由傅氏修订完稿（见张圣时《回忆抱石师》，见傅抱石纪念馆编《其命唯新—傅抱石百年诞辰文集》，河南美术出版社，2004年7月版，第53页）。从现有材料推测，张氏起草时先应根据傅抱石口述并稽考了傅抱石的某些旧作综合而成，最后由傅抱石进一步修改而成。该文的行文风格完全呈现出傅抱石作风，贴切地反映了傅抱石关于中西绘画之区别的思想观点。因此，该文是研究傅抱石绘画思想不可或缺的重要文献资料。由于历史的原因，叶宗镐先生在编辑《傅抱石美术文集》时未能搜集而无法收录。65年后的今天，我们再读此文，依然能体会到傅抱石的真知灼见。万新华记于辛卯仲冬。

中国绘画作品欣赏 (二) 第5篇

（二）教学目的：

１、了解作品的人物神态和艺术表现形式。

２、使学生在思想上获得教益的同时，审美能力得到提高。

教学重点：

指导学生欣赏、分析作品内容。教学难点：

指导学生体会作品的艺术感染力。

教学准备： １、课件 ２、多媒体

教学过程：

一、师生谈话，导人课题：

教师： 中国绘画作品分类就题材而言，有风景画、静物画、人物画等等。这节课我们来欣赏绘画作品中的人物形象也就是人物画。(板书课题)

二、欣赏作品：

（一）油画 《贫农的儿子》 中華勵志網]为您提供学习资料|作者：蔡亮(板书)１、介绍作品内容：

教师：你知道什么是“贫农”吗？(学生回答)“贫农”是指在旧中国被地主、官僚压迫剥削的贫穷的农民。

教师：从画面上人物的衣着特点看，同学们知道作品表现的年代吗？(学生欣赏投影画面，回答问题)教师：作品表现的是1934年至1936年红军进行二万五千里长征的年代。

那是1933年10月，蒋介石向中国共产党中央革命根据地发动了第五次大规模的反革命进攻。当时的领导人是王明(板书)，硬要红军跟敌人死打硬拼，结果红军死伤很多，为了保存红军实力，1934年10月中共中央和中央红军被迫离开革命根据地，开始长征。队伍到了贵州省的遵义城，党中央开了一个大会，取消了王明的领导资格，确立了毛泽东的领导地位。所以画面上表现的是毛泽东和两个贫农的儿子以及红军队伍。

学生通过课件看图片，对人物的动态和表情发表自己的看法。(举手发言)２、分析作品的艺术特色：

教师：同学们知道这幅作品美在哪里吗？

(1)、人物神情、动态刻画细腻真切：贫农的儿子神态恳切，体现了要求参军的迫切心情；毛泽东笑容满面，流露出爱护和欢迎的神，清；红军队伍由近到远步伐整齐，精神抖擞。(2)、色彩沉着、协调：作品色彩的蓝灰色为主。身穿蓝灰色军装的红军队伍，蓝灰色的天空显得阴沉，说明长征路上会有很多风险。

(3)、仰视构图：画面上的地平线位置较低，人物形象高大。中间是毛泽东和贫农的儿子，左边是红军队伍，画面重点突出。

（二）中国画 《童年》 作者 王盛烈 １、作品表现的背景：改革开放初期。

２、作品表现的内容：一群活泼可爱、天真无邪的小学生。

３、师生分析作品风格与特色（服饰、神态、动作、构图等）。

（三）中国画(悄悄话》 中華勵志網]为您提供学习资料|作者：王有政

1、作品内容分析：

提问：仔细观察，作品中的环境背景、人物穿着，说明爷孙俩是哪个地方的人?作品中的爷

孙俩在干什么?你能说说他们在说什么吗?(学生回答)教师：作品表现了陕北农家的生活小景，从背景上的窑洞、枣树和老大爷头上系的白毛巾上可以看出陕北农民的生活特征。

老大爷在编筐，系着红领巾的小孙女背着书包，手上拿着成绩通知书，兴冲冲地靠在爷爷身上，对着爷爷的耳朵，告诉爷爷她考试得了多少分。从她和爷爷的表情上可以看出，一定是好成绩，作品充满朴实、温馨、甜蜜的气氛。

2、分析作品的艺术特色：

(1)、通过对比产生美：

一老一小，老的慈祥可亲，小的天真可爱。

画人物用墨浓，用线具体仔细，特别是人物面部线条生动自然，越看越觉得美。画背景用墨淡，用笔用线简洁，衬托了人物形象，而且有立体感。(2)、人物神态美：

爷爷停下手中的活，身子偏向孙女，侧耳细听。小孙女偏头伸颈对着爷爷的耳朵高兴地说什么。一只胖乎乎的小手搭在爷爷的肩膀上，胸脯靠着爷爷的背侧，重心都落在爷爷身上。另一只手拿着通知书背在后面像飞起来的小鸟翅膀。

（四）水印木刻 《蒲公英》 中華勵志網]为您提供学习资料|作者：吴凡

1、介绍作品内容：

学生欣赏作品，讲述画面内容。

教师：作品通过一个割草的小女孩吹蒲公英这一生活小景，引起人们对幸福生活的联想。蒲公英是一种生命力很强的草本植物，种子藏在绒絮里，飞到哪就在哪里生根。割草的小女孩吹着蒲公英，看着它们随风飘向远方，心中也许有着一种向往吧!

2、介绍作品表现形式：

作者用水的形式表现出一种国画的趣味，有一种淡雅的美。水印木刻：在特制的木板上用木刻刀刻出画面形象后，再用水调和颜料拓印在宣纸上的作品。3.分析作品构图特点：

以大片的空白衬托朴实可爱的小女孩，给人以想象的余地。

（五）水印木刻 《和平》 作者 方国雄

（六）中国工笔画 《小伙伴》 作者 陈白一 １、作品内容：《和平》、《小伙伴》都是表现富有生活气息的儿童题材作品。２、作品的表现形式。３、作者介绍。

三、小结：

１、作品的表现形式：

写意画粗犷、豪放，又称泼墨画；工笔画整洁、细腻；兼工带写的中国画，比写意画法工，比工笔画法粗放。

中国绘画作品欣赏1的教案 第6篇

这幅画描绘的是一棵栽种在盆子里面的兰花的模样，兰花一枝独秀，用它屹立的身姿站在了画面的左下角，兰花的枝头盛开着一朵鲜艳的兰花花朵，下面有一朵兰花是含苞待放的，右边描绘了一株竹子的模样，竹子的顶部也开着花朵，，它伸长着手臂，像是要伸手过来拥抱兰花一样，画作的顶部是作者为这幅画所做的题词与署名。

蒋风白 兰竹

这幅画描绘了一盆坐立在陶瓷盆里面的兰竹的模样，兰花一整棵是站立的姿态，它的顶部盛开了茂盛的兰花花朵，，底部生长着杂草，中间的一簇竹子还没有长大，它小小地挨着兰花植株，像是在依靠着它一同成长一样，，右边开出了一朵小花，像是刚刚生长出来的模样，还很嫩绿，画作顶部是作者写下的对画作的寄语与题词。

蒋风白 兰竹

这幅画描绘了兰花与竹子的模样，画作的底部有一簇杂草，中间部分有一簇竹子，竹子的枝条很修长，在画作妖娆地生长着，竹子的后方有一些兰花，它们绽放着美丽的花朵，画作的左上方也有一簇竹子，是开在半山上的，竹子的叶子很茂盛，它张开着叶子的手掌，一个个描绘上浓墨，显得强壮而有力，画作的右边有诗人的题词与印章。

中国绘画作品欣赏1的教案 第7篇

活动目标：

1、学画不同动态的蛇，练习先深后浅或先浅后深两种色重叠涂的方法。

2、通过活动，发展幼儿的想象力和表现能力。

3、教育幼儿有保护动物的意识。

活动准备：

1、各种动态蛇的图片。

2、教师范例一份。

3、绘画工具：记号笔、水彩笔、油画棒、水彩颜料、绘画纸等。

活动过程：

1、欣赏故事，引起兴趣。

大树上有一个鸟窝，鸟妈妈在里面下了许多鸟蛋。有一天，一群蛇发现鸟妈妈出去了。它们想去偷吃鸟蛋。于是，有的蛇快速地爬进鸟窝吃蛋;有的速度稍慢的蛇正在往上爬;还有爬不动的蛇在树下，翘着头，直流口水

2、教师出示范例，帮助幼儿理解故事内容。

“在作品中，有哪些动态的蛇?它们在干什么?绘画时，怎样表现这些动态?”

这些蛇的颜色有什么特点?怎样涂色才有这种效果?(组织幼儿讨论。)

小结：作品中，有多种动态的蛇，有的画得大些，有的画得小些蛇身上的颜色也很特别，先涂深色后涂浅色或先涂浅色后涂深色两种颜色重叠涂或间隔涂的方法，教师边讲边示范。

你想画什么动态的`蛇?给它涂上怎样的颜色?(组织幼儿讨论。)

3、幼儿按要求作画，教师巡回指导。

鼓励幼儿根据自己的经验大胆表现蛇的不同动态。

蛇要画得有大有小，有疏有密，不断丰富画面。

鼓励幼儿画出画面情景。

利用今天学的涂色方法涂色。

4、欣赏与评价。

中国绘画作品欣赏1的教案 第8篇

一

画家作为绘画的创作主体, 运用绘画语言表达他对世界的看法和认识, 传达自己的审美理想与追求。画家的创作既具有画家个人的追求与向往, 但同时他的创作又具有时代性、民族性、文化性的显著特征。

首先, 任何画家的创作是不能脱离时代的创作, 总是带有其所在时代的显著特点。其绘画是融个体与时代, 合个性与规律为一体的绘画;其作品通过个体的视角与语言, 反映着时代的风貌和精神。因为绘画既是某一时代社会生活的反映, 又是某一社会生活的一个方面。所以每一位绘画工作者, 要善于把握时代的脉搏, 要体验具有时代显著特色的审美精神, 要积极通过自己的绘画去反映时代性的审美需求。这样才能无愧于时代, 才可能创作出具有时代性的经典绘画。[1]

其次, 每位画家的创作, 所体现出的精神追求, 都是民族精神追求的一种折射。作为生活于同一地域、使用同一语言、具有共同经济生活的民族共同体的一员, 在生活中自然养成了本民族的文化心理素质和审美意识, 在创作中必然要用自己民族的感觉方式、思维方式和审美眼光去观察反映事物, 必然会选取本民族钟爱的题材, 使用本民族独特的绘画语言, 这就使他的作品形成本民族特有的个性和风采, 具备迥异于其他民族的风格特色。如中国画有两种方式体现黑白关系, 一是留空, 一是以水为白。这完全是以形象的描绘激发观看者想象力去丰富画面“空”和“白”的一种表现形式, 与西方绘画存在着本质性的差异。这种把墨的凝聚与水的浸染看成是画面的实体部分与空虚部分的绘画语言, 是中国画所特有的、带有显著民族性的绘画语言。正因为如此, 水与墨在中国画中具有十分重要的作用, 要想画好墨色, 必须先懂用水, 只有认识了水, 墨色才能活起来, 黑与白的关系才能得到很好的处理, 作品才会白而不空, 黑而不死。

另外, 画家的创作, 不仅仅是简单绘画行为, 他的绘画作品同样是在创造文化, 因为绘画具有文化性。绘画既是整个民族文化的有机组成部分, 有着文化的一般特点;同时又具有绘画自身的特殊性。它除了体现某些政治、宗教、道德、世俗的观念以外, 还是一种审美性的文化创造, 它具有超越时代和空间限制的永恒的价值与追求。如宋代赵佶的《芙蓉锦鸡图》、《桃鸠图》等作品, 取景生动、刻画入微、线条细腻、色彩华丽, 不仅引领了宣和画院的画风, 更给南宋绘画以巨大的影响。我们今天欣赏宋代花鸟画的美轮美奂, 是因为它既反映了宋代花鸟画的特点, 同时它又成为超越宋代绘画的审美文化的一部分, 具有了跨时代的审美文化特点。

二

作为高校的美术教育工作者, 不仅要知道绘画创作的基本规律, 而且要善于把握这种规律, 在教书育人以及绘画实践中去践行绘画规律。实际上, 绘画作为一种艺术创作活动, 它虽是以艺术家个体为中心所进行的, 但其活动既遵循绘画艺术创作的普遍规律, 又会呈现画家的自主性、独特性。所以, 要创造出富有时代特色, 风格鲜明的、具有经典性的绘画, 高校美术教育工作者就需处理好几方面的问题。

第一, 科学绘画观的选择。不同的绘画理念、不同的态度、方法形成了不同的绘画观, 这往往使画家创作呈现出不同的特色、具有不同的品格。如长安画派, 画家群起, 他们虽然多画乡土题材, 风格淳朴, 但却有不同的艺术基点与风格个性, 形成每个个体的差异。要成为绘画风格鲜明, 又能代表时代的绘画工作者, 画家就必须有自己的追求, 有自己对绘画的理解, 有自己独特的绘画语言, 形成符合绘画规律的正确的独特的绘画观。要如此, 就需要画家把握时代脉搏, 深入生活, 在实践中汲取创作灵感, 领会时代精神的本质, 文艺才能具有蓬勃的生命力, 才能产生巨大的感召力。可以说, 关注时代精神、把握时代主题和审美理想, 是画家创造出具有时代价值、体现时代精神的绘画的根本前提。

第二, 个性化表现方式的把握。绘画需要个性化的表达, 但个性化表达绝非远离民众的率性而为。画家的个性只有与时代性、与民众的审美需求结合, 其作品才能成为既具有个性又有普遍代表性的佳作。为此要处理好自我表现与深刻反映现实的统一, 要把个性表达与为民众代言统一起来, 要将自我的创作与民众普遍欣赏结合起来。画家要跳出两耳不闻窗外事的个人小圈子, 深入民众生活, 关心民众需求, 把创作的根基植入民众生活之中, 以个性化的风格, 表达民众的意愿、心声和理想, 创作出民众喜爱的、具有画家特色的、能代表时代风貌的作品。如周昉的工笔画艺术性很高, 高在能“移其神似”, 能表现出“性情言笑之姿”, 达到气韵生动的境界。[2](219)其绘画代表那个时代人物画的最高成就。又如元末的黄公望在《画山水诀》已称:“近代作画, 多宗董源李成二家, 笔法树石各不相似, 学者当尽心焉。”[3]

第三, 继承与创新关系的把握。一切有理想有抱负的画家, 都要大力发扬创新精神, 积极开拓绘画的新天地。在绘画的题材、内容、风格、形式方面都可以创新。但这种创新, 绝不是割裂传统与优秀历史的空中楼阁, 而是合理继承基础上的创新。这种创新, 也绝不是排斥外来绘画的闭目塞听, 而是广泛借鉴各国绘画有益元素的一种创新。而一味地坚持纯粹的民族性, 排斥吸收外来优秀元素, 与一味国际化而割断既往的绘画传统的想法与做法, 都是要避免的。事实上, 各个民族的绘画作品, 不管出自何种民族, 只要体现了人类公认的审美趣味和价值准则, 都会在全世界进步人类中产生强烈共鸣, 受到各民族的普遍欢迎。而绘画的普遍性又寓于个别性之中, 取消民族特色和用一种模式去代替、统一其他民族的绘画, 也就从根本上取消了世界绘画。历史已证明, 优秀的经典画作, 一定是博采众长基础上的创作, 也是富有创造性的、最具民族性、最为民众喜爱的画作。

第四, 美术教育与美术创作的关系。美术教育通过教师对绘画历史的讲授、对绘画基本规律的总结以及绘画基本技法的传授, 使学生将绘画史转化为学生的基本知识、使之掌握绘画的基本技能, 把握绘画的基本规律, 并在学习中继承, 在继承中带来新的创造。所以, 教师首先要处理好美术教育与美术创造的关系。在客观总结并尊重绘画规律的基础上, 逐步形成自己独特的风格, 创作出能体现时代审美特征、具有鲜明个性风格的绘画作品。

三

在确立了科学的绘画观的基础上, 在尊重绘画规律的前提下, 如何实施绘画教育, 以增强学生绘画学习的积极性、有效性、创造性。我以为高校的中国画教育要进行各种改革与尝试。

第一, 尊重不同派别的艺术主张, 鼓励各种绘画教育的实践活动。改革开放使文化呈现出多元化的状态, 在此社会语境中, 人们感受到了各种不同文化的色彩与影响, 对中国画的不同派别也表现出博大的胸怀。中国画教育工作者充分尊重不同流派的艺术主张与艺术实践, 同样鼓励学生根据自己的兴趣和特长, 选择适合自己的学习对象与创作路子。如笔墨教学的路子有多种:一是尊重画家的感受与认识, 并同时运用笔墨将之表现出来。石涛就持这一观点, 并对之作了很好的阐释:“画受墨, 墨受笔, 笔受腕, 腕受新, 如天之造生, 地之造成。此其所以受也。”二是在临摹中渐次展开自己的创造性, 如清代四王就在尊古、学古的基础上, 通过临、摹、仿、抚等方式, 展开自己的创造。三是以临摹为途径, 待笔墨不断丰富后, 再进行绘画的创作, 黄宾虹就持此观点。他认为:“学画必取多收藏, 多临摹、多记录。古人成名, 莫不如此。”学习者的个体存在差异, 就可以让他们按照自己的特点, 选择适合自己的路子来学习。[2](256)

第二, 注重规律的指导作用, 加强绘画所需的各种修养。中国文化有一种表现形式是以“神、意、气”为核心的, 这一类文化形态体现在绘画上就是写形状物而又崇尚不为形累, 以写意作为自己的追求与目的, 以传神、造境、写趣为理想, 所画之物不过是绘画者“澄怀味道”的载体, 其目的是要“中得心源”。所以写意画就不仅仅是简单写意, 其中的写是画家的心态与技法, 意是画家的修养与体悟, 二者合而成就写意画。所以, 加强绘画者的各类修养, 提升其内在的审美趣味与内心修炼, 是非常必要和重要的。

第三, 加强各院校师生绘画的交流与展览。绘画的创作, 虽是画家个体的精神劳动, 但其创作需要社会的认可与接受, 这可为画家进行深层次的、不断的创作带来很好的氛围, 从而使画家创作充满激情与热情。而目前的状态是院校各自为阵, 师生之间绘画交流与展览不足, 各不同院校之间的师生创作展也显得不够。所以, 加强各院校师生之间、各院校之间的交流是必要的, 也是有益的。这就是要画家们加强彼此之间的交流, 不断切磋、长足发展。

总之, 创造时代的经典性绘画, 是时代的呼唤, 是繁荣社会主义先进文化的需要, 也是建设社会主义和谐文化的需要。每一位高校绘画教育工作者, 要把握时代脉搏, 把握艺术规律, 不负时代的要求, 创造优秀的经典型绘画。

参考文献

[1]姜怡翔.创造时代的经典绘画[N].人民日报, 2010.

[2]薛永年, 王胜利.第三届中国美术·长安论坛文集[M].西安:陕西出版集团, 2009.

齐白石的中国风绘画作品 第9篇

这幅画画出了一个鸡笼和两只小鸟的故事，鸡笼的门敞开着，一只小鸡已经出了笼子，另一只小鸡正探望着身子，也表现出想走出笼子的姿态。

齐白石册页小品

中国绘画艺术欣赏感想 第10篇

这学期有幸聆听“中国古代绘画艺术欣赏”，是我对绘画的理解从原始社会开始走过秦汉魏晋直至明清都有了系统的学习。从形形色色的雕刻到惟妙惟肖的各类图画，是我体会到了中国绘画的风格与内涵。

绘画可以说是人类文明的开始，在原始社会时期文字还未出现，但是人类已经开始用画来记录自己的所得所获了。虽然最初的线条很僵硬很晦涩，但是对现实事物的一种形象的描述了，以至于后来发明的文字也是与实物可以对应的。可以说文明的开始是人类对绘画的开始，也可以说人类对美好事物的追求成就了文明的发展。这个可以从各种生活的器具上的图纹看出，随着人类的发展，从石器时代走入了青铜时代，伴着陶瓷的发明是人类的生活质量得以进步，物质的发展往往与精神的进步相携而行，青铜器上的雕刻花纹，陶瓷上的印花等等都代表当时人类的精神追求，在落后的时代，人类的现实生活收到限制，但是，想象力的丰富是这个时代的绘画作品充满了神奇色彩，这也象征着人类对美好世界的向往，比如飞天，比如龙凤呈祥。

慢慢的简单的平面图已经满足不了人类对美的表达就出现了各种浮雕、雕刻等艺术形式，将印在平面的东西立体起来。兵马俑可以是我们对古代的雕刻有个很好的认识。人类在想象力的飞翔的时候也没忘欣赏周围的美好，丹青、朱砂、墨水简简单单的颜色中描绘了一幅幅缤纷的风景画人物画：对大山巍峨连绵的敬仰，对松柏山竹的欣赏，对流水人家的眷恋，对湖波河流的涟漪，对飞鸟虫鱼的喜爱等等。寥寥几笔，简单几色就可以勾勒出一份意境。说到意境，中国人很是注重的，比如宴请亲朋好友会置办赏花宴，所以在绘画中也可以很明显的感到这一点。

不仅是色彩的调和，古人对形象迥异也是很注重的，兵马俑中每个士兵都不一样，从发饰、脸型、服饰、配饰等都有区别，还比如《出行图》中各个马匹的高低胖瘦，毛的疏密都不一样。就算是一排树也会有不一样的树干树叶等。千万片树叶中无一相同，使绘画的更加丰富，表达的意境更加真实。同时，同事物表现不一样的姿态形象也就体现了绘画功底的高低。绘画大家们的笔下的各个事物形象很是鲜明。

中国人对于圆形很是热爱，圆象征着团圆圆满，寄予了一种对生活美满的一种期望，对亲人团聚和美的一种愿望，所以，中国很多作品的的外形是圆形的。同时，文人的傲骨对方形很是喜欢，方形代表着公正刚正坚强，所以，鼎的设计等都是方形为主。这样的思想在绘画的线条上也是有一定体现，圆润的线条体现了柔和，刚劲有力的体现了巍峨。

中国的美术，无论建筑、雕刻、绘画、工艺，创作上固各有伟大的贡献，理论上更是发世界所未发。东晋有顾恺之的《论画》，南齐的谢赫的《六法论》。当第四五世纪，即有如此完善的绘画理论，可说是惊人的成功。如顾恺之说的：“凡画人最难次山水，次狗马，台榭一完器耳，难成而易好，不待迁想妙得也。”王微说：“目有所极，故所见不周；于是乎以一管之笔，拟太虚之体；以判躯之状，画寸眸之明”是何等的透彻合理呵！本来美术不像科学，不一定读熟了理论才去制作，也不一定有理论便有作品。但是世界美术史家们，常常贬人而誉已。我以为这些精湛的论著，是值得特笔大书，任他们存着怎样的偏见，也绝不能稍稍摇动。

对于外国的绚丽的油画，简单的素描，中国充满墨香的国画却是从另外一方面对事物进行了阐述。外国的印象派强调光和影的协调，注重色彩的对比，强调视觉的真实，却忽略了对象本身所表达的意境，他们喜欢画太阳就是一轮太阳，画瓶子就是光影下瓶子的真实反映。而中国的绘画不仅是画食物本身，更重要是表达一种思想。他们的绘画，是“色彩”和“面”的结合；中国的绘画是“线条”和“点”的交响乐。过惯了都市文明的他们，现在也需要枯淡清冲的刺激，在绘画上，已有相当的证明。不过以欣赏的趣味或能力如何，所以有的欢喜唐宋的谨严，有的欢喜元人的淡逸。

中华民族美术的进展，恰像一条弯弯曲曲的线，这条线，随美术的部门而曲折不同，同时随民族意识的强弱而曲折不同。我们要推究它曲折的痕迹，推究何以盛何以衰的原因，做今后民族美术建设的参考。美术是一面社会的镜子，它的发生，成长，或是灭亡，都有它背后的一切做主人，使它不得不顺着而同一步骤，同一进退。前面说过，中国美术发达最早的是工艺，如玉器、铜器等，在三代已有精致的作品。因为朝廷设了玉府，召了许多琢玉的人从事研究制作，铜器也定有制度，形式大小等等，都有一定的标准。在这统一的机构指导之下，所以呈露当时代工艺极盛的时期。以后秦汉承继三代有组织的宏规，遂蔚成中华民族独立的伟大的美丽轮廓，造型的样式上，也愈见复杂，一一合于生活的需要了。绘画也可以用此种在统一下始得发展的方式来证明它的盛衰。绘画上黄金时代的唐宋，在唐有玄宗的好艺，育成吴道子李思训阎氏兄弟（立德立本）许多凌铄古今的大画家，山水画之勃兴，佛像画之转变，这不都是玄宗的功劳么？宋代更是值得我们崇仰，徽宗皇帝，他不但扩充翰林图画院的机构，并且高等官吏都要考一考绘画，当时的文臣武臣，有几个不能伸纸挥洒的呢？基于这种原因，一直到南宋中期的绘画，人材之多，发达之速，元明清固然不能及，即两晋六朝又哪能相提并论？其次雕刻，隋唐佛教造像之盛，梁武帝的优崇佛寺，是我们不能忘记的。至于最近的清代康雍乾三朝，不是朝廷的奖进，那中国美术史可以划明代为最后的一个阶段。现在我们所资为最丰富最可靠的美术参考资料，大部分是这三朝的成绩。

中国的绘画之所以是一门博大精深的艺术，就寓意着它丰富的内容，独特的韵味，在现代照片四处可以留下的时候，反而是一张国画更能体现身临其境的心情。画是艺术，同时也是对美好的追求。

中国绘画艺术欣赏

文艺复兴时期绘画欣赏教案 第11篇

一、课题：文艺复兴时期的绘画欣赏

二、教材：南阳师范学院公共艺术教研室美术欣赏资料，第三章外国绘画作品欣赏，第一节文艺复兴时期的绘画

三、教学对象：高中生

四、课时：1课时

五、教学目标：欣赏课是通过美术欣赏知识的传授，使学生学会对美术作品的欣赏进而培养学生欣赏美、发现美、创造美的能力。根据高中学生心里、智力发展水平及当前美术教学实际情况确定：

1、认知目标：认识和了解文艺复兴时期绘画的艺术观念与风格。了解其在西方绘画中的重要地位，能够掌握欣赏外国绘画作品的基本知识。

2、能力目标：培养学生对西方绘画的欣赏能力和评价能力。

3、情感目标：使学生能够了解文艺复兴时期美术对西方绘画艺术的重要贡献，学习艺术巨匠们勤奋、刻苦、专研的精神。感受文艺复兴时期绘画的形式美感。

六、教学重点：通过对达芬奇等人绘画作品的欣赏，了解文艺复兴时期绘画的总体风格和造型特点进而掌握这一时期审美观点的变迁。

七、教学难点：如何培养学生的欣赏能力。

八、教学准备：课件，学生课前收集资料（文艺复兴时期巨匠的资料、代表作等），有助于他们更好的欣赏作品。

九、教学过程：

（一）导入新课：播放视频，课前渲染，提问导入。

同学们，现在让我们在一段美妙的歌声中来欣赏一个短片。打开课件，播放一组文艺复兴时期绘画作品的视频。

问：同学们，你们熟悉这些作品吗？它们是什么时期的？刚刚听到的是一首哪个国家的什么歌曲?（有《蒙娜丽莎》《春》等；文艺复兴时期；意大利-帕瓦罗蒂-《我的太阳》）

刚才我们随着美妙的歌声，欣赏了意大利文艺复兴时期的部分作品，我们的思绪又回到自由浪漫艺术文明著称的意大利，而最早发源于意大利的文艺复兴运动是以复兴古代希腊、罗马的文化为名，揭开序幕的，是以人文主义为旗帜的一场深刻的思想解放运动。它对西方绘画艺术乃至整个美术领域，都产生了巨大的影响，现在就让我们一同去欣赏这一时期的绘画作品，去感受这些作品的思想内核。

在欣赏之前，请问：欧洲文艺复兴时期著名的画家有哪些？（达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、波提切利、提香、扬帆爱克、勃鲁盖尔、乔尔乔涅、丢勒、荷尔拜因等。）

（二）讲授新课：

单机课件，出示课题——文艺复兴时期的绘画。

1、我们想要知道文艺复兴时期绘画有些什么特点，有必要先了解一下中世纪的生活特点，来看一段中世纪西欧的社会生活的视频。单机课件，播放视频——《中世纪西欧的社会生活》片段。

通过视频，我们简单了解中世纪人们的生活，请问你们印象最深的是什么？（中世纪的欧洲是一个基督教神学无处不在的宗教世界。人们的生活很多是和宗教密切相关的。）清学生用几个词语概括中世纪人们生活的特点，教师小结。（宗教、刻板、冷漠、沉郁、麻木、灵魂等）。中世纪的社会生活决定了这一时期的绘画特点，接下来我们在可以通过和文艺复兴时期绘画比较来进行了解。

2、文艺复兴运动大致可分为哪几个阶段？代表画家有哪些？（初期：乔托、波提切利等；盛期：文艺复兴三杰；威尼斯画派：提香、乔尔乔内等。）

A、单机课件，让学生欣赏波提切利的《春》，简述这幅画的画面，内容。

问：这幅画描绘着什么？画家的绘画特点是什么？（描绘春天和爱情的油画，春天象征着青春，而爱情又是青春的主题；他的绘画作品线条优美，色彩富丽，造型典雅并富有诗意。波提切利一生未婚，可能一直拥有一种完美的女性理想，因而他笔下的女性形象以其优雅的形象和高贵的姿态在美术史上成为一种典范。）

欣赏波提切利的其他作品。

B、欣赏达芬奇的《蒙娜丽莎》，讨论一下这幅画的艺术成就。（西方绘画中描绘女性的作品，至今为止还很难说有哪一幅能超过《蒙娜丽莎》的成就。不只它本身给人以无比的魅力，就是关于它的创作过程和以后的经历，也有着各式各样非常富有传奇色彩的传说。它是法国鲁浮宫中唯一有着特殊保卫措施的作品，凡是到鲁浮宫的参观者，时间再紧也绝不会放弃欣赏它的机会。这幅肖像作品一反以前人物画那种刻板、冷涩的构图和呆板的表情模式，给予被描绘人物生理和心理两方面的活力，奠定了人文主义肖像画的不朽地位。

《蒙娜丽莎》的艺术成就不仅仅表现在她那神秘的微笑和轻松的姿态上，更重要的是它是完美绘画技法的产物。达·芬奇总结了自文艺复兴以来许多艺术家的经验，在这幅画中将明暗、透视、解剖以及构图等绘画技法完美地结合在一起，达到了那个时代的高峰。达·芬奇还运用“薄雾法”来增强画面的空间距离与柔和光线，使人物形象更加饱满，使整个画面的氛围更加和谐，给人以某种梦幻般的朦胧感。）

C、欣赏这时期其他画家的作品，并简述他们的艺术特点。（拉斐尔《雅典学院》等）

3、意大利文艺复兴运动的影响波及欧洲，在它的带动下，欧洲各国也相继出现了具有本民族特色的文艺复兴美术，它们和意大利一起对欧洲绘画的发展做出了巨大的贡献，其中最主要的地区和国家有哪些，代表画家有谁？（尼德兰和德国；扬·凡·爱克、包西、勃吕盖尔、丢勒、荷尔拜因等。）A、欣赏他们的作品。

（三）新课小结：我们通过对几位艺术家的作品欣赏与分析，感受到了人文主义的思想内核，我们已经了解了文艺复兴时期绘画的特点。

文艺复兴时期的绘画为什么会有这么高的成就？——从思想内容、表现形式、材料技法三个方面来看——

1、思想内容的突破：人文主义的出现、宗教题材世俗化；

2、表现形式上：重视描写人的创造方法，透视法的发明、解剖学的运用；

3、材料技法的改进：从蛋彩画、湿壁画到油画——因为这三个方面的原因，文艺复兴时期的绘画思想获得解放、写实能力提高——由此我们可以得出文艺复兴时期绘画的两个主要特征：

1、文艺复兴时期的绘画以其活泼、健康、旺盛的人文精神，冲击着刻板、冷漠而沉郁的宗教灵魂。

中国绘画作品欣赏1的教案 第12篇

承办单位:北京时代美术馆、中国民生银行

协办单位:人民美术出版社、北京昱擎天国际艺术品物流公司展览地点:北京时代美术馆35层、36层展厅

展览时间:2010年12月1日12月8日

参展艺术家:艾轩、杨飞云、王沂东、陈衍宁、徐芒耀、何多苓、刘孔喜、尚丁、袁正阳、郭润文、王宏剑、朝戈、张利、龙力游、夏星、李士进、王玉琦、徐唯辛、郑艺、翁伟、忻东旺、庞茂琨、冷军、殷雄、石良、李贵君、张义波、朱春林、王少伦

巡展地点:

山东美术馆2011年1月8日1月22日西安美术馆2011年1月29日2月28日

这次由中国油画院、北京时代美术馆、民生银私人银行等多家单位策划的“国写实画派小幅绘画作品展”在京与观众见面, 此次展览以小幅绘画作品为主, 每位艺术家将展出10件左右作品, 展品总数量约250件。所有展出作品尺寸均不超过1米X1米, 除油画外还包括了大量的素描、速写和课堂、野外写生作品, 从油画棒到色粉笔, 从水彩到油彩, 从纸上到布上, 本次展览的展品几乎囊括了所有架上绘画材质。除此之外, 作品的创作年代跨度也很大, 从上世纪80年代直到2010年, 时间跨度达40年之久, 而写实画派的画家中年纪最长者不过60岁。

中国绘画艺术欣赏课程感想 第13篇

学号：ZY1621128 专业：软件工程

中国绘画艺术欣赏课程感想

“美术”一听到这个词就会给人一种美的感受，我的整个心情也变得豁然开朗，这或许是我个人的原因吧！我小时候就比较喜欢美术，但这种喜欢并不意味着我对美术有非常深刻的理解。我只知道美术会给人美的享受，让人完全沉浸在其中。当然了，前提是你喜欢它。原本以为美术就是指画家的画作。比如像那些水墨画、水彩画、油画和素描等。直到上了中国绘画艺术欣赏课，听了老师的讲解，我才从这个狭隘的概念中走了出来，真正走进了美术的世界，也才真正认识到了美术的博大和内容之丰富。美术一词被我所理解，也正是上了中国绘画艺术欣赏课以后。下面我就来谈谈对美术鉴赏课的感想：

通过这次人文专题课程——中国绘画艺术欣赏几次课的学习，虽然时间并不长，但是对于自己来说还是有一定的收获的。虽然之前并没有任何绘画艺术知识的学习，但是绘画艺术作为从古至今的一种艺术形式，作为承载人类社会与自然社会灿烂文化的艺术载体，是具有非常重要的意义与价值。作为一个从小画画就不好的工科女来讲，当时选这门课程时的确也不清楚这门课程到底是讲些什么内容，对自己的知识体系是否会有所提升，不过在我完成这几次课程之后，对于中国古代绘画艺术有了一个大体的认识，填补了之前这方面知识的空白。同时，之所以为欣赏课程，我想并不是要我们深入地去研究去理解中国古代绘画艺术，只要能对于古人的绘画艺术、绘画形式以及画家想传达的绘画思想有一个大体的认识就可以了。在欣赏和学习的过程中，提高自己的艺术欣赏能力，陶冶自己的情操，这些对于我们这样一直接受理性教育的工科生来说，提高自己的艺术欣赏能力绝对算是一种感性教育，更是对自己创造性思维的另一种激发与培养的方式。

课程中，老师利用五次课程分别介绍了中国近古五大时期的美术绘画艺术，分别是：原始社会至秦汉时期、魏晋南北朝时期、隋唐五代时期、宋辽金元时期和明清时期。每一个时期，都有各自不同的绘画艺术形式与特点，也体现了不同时期社会生活与人们意识的不同形态。在这五个时期里，我对于唐代时期的绘画艺术是最感兴趣的。

唐朝作为中国古代国力最为强势，社会生活最为安定，思想最为开放的朝代，也随之孕育出了繁盛的唐代艺术形式，而其中的绘画艺术也是中国封建绘画的鼎盛时期。唐代的历史也是我了解最多的一个朝代，唐代国力强盛，文化繁荣，唐太宗“柔怀万国”，贞观之治为邻近列国所仰慕。由于唐代具有对各种文化艺术兼容并蓄的非凡气度，儒、释、道“三教”并立，诗文、乐舞、书法、绘画以及文论莫不昌盛。唐代的绘画作为盛唐气象的重要组成部份，为中国美术史留下了璀璨的一笔，绘画名家辈出，见于史册者就达二百余人。唐代张彦远在《历代名画记》中评价初盛唐的作品是“灿烂而求备”，指绘画精神、美学追求、艺术表现和包括构图、造型、笔墨、色彩等技术因素在内的完美统一，这也是对整个唐代绘画风貌的概括。

中国传统绘画中的各个门类，在这个时期都以独立的姿态立于画坛。通过课程和文献了解，唐代的绘画已经分人物、山水、花鸟等科，技法可分工笔和写意。国画传统的核心是“意境”，“形神兼备”、“气韵生动”都是意境的内涵素质，其艺术魅力就是画已尽而意不止，笔虽止，但意无穷。不单单在于用笔，技法，更重要的在于作者要表达的思想境界。画家们的艺术审美思想和审美取向，皆取源于以儒释道为代表的传统文化。唐代绘画折射着儒释道思想的精髓，追求“天人合一”之境。佛、道理论不仅为绘画艺术提供了一个超越时空的广阔的创造空间，而且直接促进画者思想境界的提升。儒家在于对社会理想人格的塑造，在把绘画作为修身养性的手段的同时，指出其“成教化、助人伦”的道德教化作用。唐代张璪总结的“外师造化，中得心源”一直为后人所奉行，指出绘画是一种心灵化的艺术，造化和心源的凝合。唐代的画论、画史著作亦显示了唐代美学理论的深度，与当朝绘画创作一道共同谱写了大唐绘画的辉煌乐章，完善了民族绘画体系。

唐代的诸多著名画家中，我最喜欢的一位是阎立本，可能是因为我和他同姓，所以在看他的画作时，总有一种亲切感。阎立本以人物肖像画著名。他的作品用线劲健坚实，显示出刚劲的铁线描，有丰富的表现力，古雅的设色沉着而又变化，在人物塑造上不仅重视形貌的描写，而且十分着意人物心理与细节的刻画，造型准确生动，因而被誉为“丹青神化”而为“天下取则”，在绘画史上具有重要地位。他画的《凌烟阁二十四功臣图》，由唐太宗亲自为每一位功臣写了赞语。他还画了唐太宗肖像《太宗真容》、《唐太宗纳谏图》等。他画的《步辇图》，描绘了贞观十五年唐太宗会见吐蕃使禄东赞的重大历史事件，唐太宗雍容大度有气魄，禄东赞的谦卑有礼又自信的神态皆刻画的生动传神，气氛隆重而融洽。歌颂了唐太宗的英明睿智，记录了汉、蕃两族的友好。他画的《职贡图》描绘了南洋的婆利国、罗刹二国的使节前来朝贡，途中又与林邑国结队，全幅共二十七人，画中人马各自成组，由右往左前行。描绘出初唐时“万国来朝、百蛮朝贡”的情景。

人物画是以人物形象为主体的绘画之通称，在唐代绘画中仍占主要地位，大体分为道释画、肖像画、仕女画、风俗画、历史故事画等，取得了极高的成就，无论是吴道子、阎立本、周昉、张萱还是带有西域画风的尉迟乙僧等，均对后世产生了重大的影响。唐代道释画兴盛，重要人物画家皆擅佛道壁画，当时宫殿、衙署、厅堂、寺观、石窟都有壁画装饰，气势恢宏，色彩灿烂，塑造的佛道故事中佛、菩萨、神仙等栩栩如生的形象，飞天凌空飞舞，表现天国世界的美好，画面的繁复与盛大既给人敬畏与向往，又给人以美感与享受。壁画艺术水平也非常高超，外型描画准确而生动。唐代卷轴画也开始兴起，并因便于创作、收藏、观赏而逐渐流行。