音乐与人生范文（精选12篇）
音乐与人生 第1篇
一、《声无哀乐论》中的音乐审美观
《声无哀乐论》是嵇康音乐审美观的精髓, 是中国古代乐论在纯理论形态方面的最高。《声无哀乐论》采用清谈辩难的形式, 以“秦客”与“东野主人”八个回合的辩难组成。他以为“天地合德, 万物资生, 寒暑代往, 五丢成, 章为五色, 发为五音”, 音乐是由自然之道, 由天地的元气所产生, 因独立于天地之间, 有“自然之理”而与人的主观意志无关。认为音乐的自然之理有以下几点来论证:
(一) “和声无象、音声无常”。
同一首乐曲不同的人或同一人异时异地而闻, 都会流露不同的感情, 由此认为“声”并不表现一定的感情 (无象) , 它与感情之间没有必然的联系 (无常) 。但他也并不否认存在听“声”而动情的现象, 但认为“哀乐自以事先于心, 但因和声而自显发”, 就是说, 此情并非产生于听“声”之后, 而是人们由于其他原因先已产生于内心, 只是接触到和谐的乐曲以后才显露出来罢了, 所以他说:“和声之感人心, 亦尤酒醴之发人情, ”认为声和酒一样, 只能触发已经形成于内心的哀乐之情, 而不能使人产生哀乐, 因此也和酒一样本身并无哀乐。
(二) 音声有自然之和而无系于人情。
意思是“声”并不表现哀乐之情, 当然也没有哀乐之情, 当然也没有哀乐之别, 而只有大小, 单复, 高卑, 舒疾, 猛静, 善恶的不同, 无论是大是小, 是单是复, 是高是卑, “声”都是和谐的, 都是具有“和”的特性, 这种特性来自天地自然, 为音乐自身所具有, 不会因人的哀乐, 爱憎而改变, 也就是说, 和谐是“声”的不因外界条件而改变的特性, 是音乐的“自然之理”, 所以称之为“自然之和”。
(三) “声音以来和为体”。
这种平和的心情充实与于内部就会有平和的气氛表现于外部, 于是就产生了平和的音乐, 所谓“平和”就是哀乐正等, 就是没有或哀或乐的倾向, 也就是没有哀乐。“主人”认为, 在理想的时代, 天下清静无为, 人心就自然平和, 没有什么哀, 也就无所谓乐, 平和而无哀乐本来既是“道”的特性, 也应该是音乐的本质特性, 又是“道”赋予人的自然情性, 也应该是音乐的本质特性, 也应该是音乐的本质特性, 又是“道”赋予人的自然情性, 也应该是音乐的本质特性, 单是“宫商集比”、“八音会谐”, 和则和矣, 却还可能是坏的音乐, 故曰“声音以平和为体”。
(四) “躁静者, 声之功”。
在“主人”看人, “声”既有或舒或疾的区别, 人们听“声”后就会有或躁或静的反应, 但因这“声”只是平和, 并无哀乐, 所以“随曲之情尽于和域, 安得安乐于其间”, 正常情况下, 人们听“声”后的心情都进入平和的境界而并不出现哀乐, 如果听“声”而出现哀乐, 则是因为听“声”之前已有哀乐在心, 心情并不平和, 所以他说“躁静者, 声之功”、“声音之体尽于舒疾, 情之应声亦止于躁静”, 认为音乐只能引起人的躁静之应, 而不能唤起相应的感情。
(五) “声”能使人“欢放而欲惬”。
“主人”说“众声挹, 故心役于众理;五音会, 故欢放而欲惬”, 这是认为乐曲能以丰富的音调吸引人们, 使人心随曲调的舒疾, 高卑而起伏变化, 从中得到美的享受, 感到心满意足, 欢欣愉悦。这说明他否认“声”能使人产生哀乐, 却充分肯定“声”能给人快感与美感。
二、嵇康的人生理想
嵇康曾在《与山巨源绝交书》中自述其志趣, 说“今但愿守陋巷, 教养子孙, 时与亲旧叙阔, 陈说平生, 浊酒一杯, 弹琴一曲, 志愿毕矣。嵇康以此为自己的志趣, 其原因为如下几点:
《与山巨源绝交书》说, 他喜欢“报琴行吟, 弋钓草野”而一旦做官, 便有“吏卒守之, 不得妄动”, 失去“抱琴行吟, 弋钓草野”的乐趣, 使人不堪忍受。他“纵逸来久, 情意全傲散, ――又读《庄》、《老》, 重增其放, 故使荣进之心日颓, 任实之情转笃。次由禽鹿少见训育则服从教制, 长而见羁则狂顾顿缨, 赴蹈汤火, 虽饰以金镳, 飨以嘉肴, 逾思长林而志在丰草也”。由此可见, 他和庄子一样少私寡欲, 淡薄名利, 不愿忍受礼教束缚, 而以自由为人生第一要义, 这种追求自由的人生理想是他“浊酒一杯, 弹琴一曲, 志愿毕矣的根本原因。嵇康的诗文中有许多谈及其追求的理想境界, 如:目送归鸿, 手挥五弦。俯仰自得, 游心太玄。 (《兄弟才公穆入军赠诗十九首》) 。
琴诗自乐, 远游可珍。含道独往, 弃智遗身。寂乎无累, 何求于人。长寄灵岳, 怡志养神。 (同上之十六) 。
岂若翔区外, 餐琼漱朝霞, 遗物弃鄙累, 逍遥游太和。结友集灵岳, 弹琴登清歌。 (《答二离三首》之二) 。
(流咏) 兰池, 和声激朗。操缦清商, 游心太玄。 (《酒会诗七首》之四) 。
弦超子野, 叹过绵驹。流咏太素, 俯赞玄虚 (《杂诗》) 。
凌扶摇兮憩瀛洲。要列子兮为好仇。餐沆瀣兮带朝霞, 眇翩翩兮薄天游。齐万物兮超自得, 委性命兮任去留。激清响兮赴会, 何弦歌之绸缪。
这一境界的特征是:其境则“则鸿”、“兰油”――远离尘器, 归于自然, 其人则“遗物”、“弃智遗身”、“寂乎无累, 何求于人”, “齐万物兮超自得, 委性命兮任去留”, 超越世俗, 超越自我, 其意则“翔区外”, “薄天游”, “憩瀛洲”, “含道独往”, “俯抑自得, 游心太玄”, “逍遥游太和”与道为一, 逍遥自由。超越世俗, 超越自我的人由无离尘嚣的自然之境体验到宇宙的生命, 宇宙的和谐, 因而悟道:得“道”, 与“道”为一, 这种自由的境界, 审美的境界, 就是嵇康所追求的理想境界。而达到这种境界的途径则是“手挥五弦”“琴诗自乐”、“操缦清商”、“弦歌绸缪”, 是艺术, 尤其是音乐, 这是因为嵇康深知身处逆境, 唯有艺术才能使人摆脱现实的束缚, 求得精神的自由。《声无哀乐论》说“宫商集比, 声音和谐, 此人心之至愿, 情欲之所钟”, “声音和比, 此感人之最深者也”。《琴赋序》说:“滋味有厌, 而此不倦, 处穷独而不闷者, 莫近于音声色。《琴赋》认为琴诚可感荡心志, 而发池函情, 可以导养神气, 宣和情志, 还认为音乐更能使人进入与道为一, 无限自由的理想境界, 即“越名教而任自然”, 这既是嵇康审美观人生态度的充分坦露, 也是其音乐审美观与其实际人生态度相互一致的有力证明。
“越名教而任自然”就是嵇康人生理想的精华之所在, 反对名教的束缚, 追求人性的解放, 个性的自由, 这表现出人的觉醒, 合乎历史的趋势, 但这在几千年封建社会中无疑是“空谷足音”是黑暗王国中的一线光明。嵇康生性刚烈, 狂放不羁、德意忘形, 慷慨任气, 敢言他人之不曾言、不敢言, 是封建名教的叛逆者, 勇于追求自由的革命者, “越名教而任自然”便是他背叛传统礼乐思想, 批判礼乐思想的檄文!
嵇康离今天已有1700多年了, 那些庸碌之辈已纷纷化为尘埃, 而嵇康“目送挥鸿, 手挥五弦”的潇洒身影永远立于历史的时空!
参考文献
[1]中央音乐学院学报 (季刊) 1995年第4期, (试释《声无哀乐论》之“声”) ;
[2]中央音乐学院学报 (季刊) 1994年第3期, 《嵇康音乐审美主体观发微》;
[3]中国音乐学院古代乐论课程讲义;
[4]《中国音乐美学史资料注译》;
音乐与人生作文 第2篇
人生的路途不都是平坦的，其间也有坎坷和曲折，犹如音乐的旋律，有时轻快明朗，有时跌宕起伏，有时悠扬委婉。
闲暇时，偶尔翻翻自己的抽屉，里面大多是我收集的音乐磁带。如今，它已成为我的“私有财产”。每拿起一盘带子，我的思绪就会被尘封在脑海里的记忆牵引。
在一排排四四方方的磁带中，我看到一盘已悄然褪色的带子。于是，我怀着激动的心情小心翼翼地将它抽出来。噢!原来是郑智化的《星星点灯》。“星星点灯，照亮我的前程”郑智化发自肺腑的歌声，久久地荡漾在我的心际。人生是精彩的，因为有了多难的命运而显得光辉灿烂。厄运非但不能使生活的强者黯然失色，反而更能体现人生的`价值。
贝多芬，一位举世闻名的音乐大师。他的“扼住命运的喉咙”已成为不少学子的格言警句。《命运交响曲》的每一个音符，都融入了贝多芬的满腔热情。他凭着惊人的毅力，完成了一部又一部卓越的钢琴曲。贝多芬，正是用音乐奏出了人生的华美乐章。
《星星点灯》，照亮多难的人生，使得人生光辉灿烂;《命运交响曲》，每一个音符都叩击出人生的铿锵
伯牙摔琴，因为没有第二个钟子期来欣赏他的《高山》和《流水》;“渐离击悲筑”，因为好友荆轲再也不会与他击筑高歌;西楚霸王项羽悲壮慷慨地唱道：“力拔山兮气盖世，时不利兮骓不逝。骓不逝兮可奈何?”将一代英雄的悲剧命运，表现得淋漓尽致。
人生如歌，或空灵，或清新，或悲壮。
拥有音乐的人生，不失为一种幸福。歌者唱出内心想表达的感情，听者因为不同的经历，也有不同的感受。当一首歌赢得了众人的共鸣后，这位歌者无疑是成功的。人生，难免会潮起潮落，可是，谁能说这样的人生不壮观不美丽呢?
还未踏入社会的我们，才刚刚奏响人生的序曲，美好的未来还需要靠我们去创造。
音乐能纯洁人的心灵，升华人的灵魂。在舒缓低沉的音乐中，我们学会了成熟;在清新明快的乐曲中，我们懂得了进取;在热烈奔放的乐章中，我们拥有了激情。
这，就是音乐的力量。
李岚清兰州讲授“音乐与人生” 第3篇
李岚清对音乐美育教育情有独钟。近年来，他以年过七旬的高龄，先后在全国20多个省市的40多所高校举办了“音乐·艺术·人生”的讲座，在广大师生中引起强烈反响，成为音乐教育界一道亮丽的风景线。他大力倡导和推动的美育教育也已被写入我国的教育方针，纳入了素质教育的范畴。
在讲座中，李岚清同志从介绍自己的退休生活方式开始，逐渐谈到他对音乐的种种感悟，进而谈到音乐普及和音乐美育教育的重要性。他不断列举一些经典音乐作为例证，详细介绍音乐家的身世及乐曲创作的历史背景，融入自己对音乐深刻的理解，并运用多媒体、动漫进行声像演示，或通过演员的演唱、交响乐团的演奏直接再现音乐形象。他时而打着拍子，时而合着音乐节拍引吭高歌，完全沉浸在音乐之中。他演讲的方式吸引了每一位观众。他为教育事业发挥余热和为音乐普及不遗余力的精神、对音乐的挚爱和对讲座全身心的投入更是令观众深深感动。
音乐与人生 第4篇
《将军族》是陈映真的早期作品,也是最具代表性的作品。其中所蕴含的乡土文学气息以及对于当时社会所产生的效应与影响力都非常巨大。小说主要叙述了一个发生在台湾社会最底层的悲惨爱情故事。故事中的主人公并没有提到真实的姓名,与鲁迅先生惯用的手法一样,选择用其他词代替了真名。其中文中男女主人的名字是根据外貌与身体特征命名的。一个叫“三角脸”,一个叫“小瘦丫头”。“三角脸”是大陆来台的退伍老兵,孑然一身的他主要在乐队里吹小喇叭。而“小瘦丫头”是台湾本土人民,她出生在一个台湾贫苦人家,因为生活贫苦,家里把她卖到青楼当妓女,但她坚决“卖笑不卖身”,在被对方强制时勇敢逃脱,但家里实在困难,她也必须坚持下来,否则家里将用仅剩几亩的土地来抵押偿还。于是不得已跑到了“康乐队”跳跳舞或者演个小丑。这两个人便在这里相遇了,在一天夜里,“三角脸”讲了一个小猴子的故事,这个故事深深地影响了“小瘦丫头”。同时“小瘦丫头”的泪水也再次唤醒了“三角脸”早已麻痹的内心。两者的情愫不断加深。到后来,为了帮助“小瘦丫头”脱离乐团,重拾自由,“三角脸”把自己仅有的三万元退役金留给她后离开。在之后的生活中辗转流浪,让他体会到“一个卖给人的人的滋味”。与此同时,赎身后的“小瘦丫头”也并未脱离苦海,反而再次变成了妓女,还被弄瞎了左眼。两人在之后的五年中受尽当时黑暗社会的欺凌。但缘分注定使他们在一次出殡的丧乐演出中再度相逢。两者相互由于身子的不干净而愧对对方。为了纯洁的结合,他们放弃了生命,自尽于田野。用死亡摆脱了“悲惨、羞耻和破败”,找到了最终的归宿,并终于在他们死后回归“大将军”般的尊严与崇高地位,但他们在全文中仍是底层的悲惨小人物,将军只是如同泡沫般梦幻且虚无缥缈的存在。这只不过是陈映真对他们的肯定与赞扬。但透过这种主观情感的指引,文中处处充斥着对当时社会黑暗现实的鞭挞以及对小人物辛酸生活的无奈。
全文的情节一波三折,从素不相识到互生情愫,再到辗转漂泊,最后归于宁静。这一整个过程都极具音乐性。首先,全文情节一直以一种波浪式前进,这一点与音乐上的旋律是非常吻合的。再则,小猴子的故事是两者的关系发生转折的重要体现,也是全文最典型的转折点,这种类似小猴子的故事的感染人的能力很大程度上取决于其受听程度,而受听程度与本身文字中所蕴含的音乐性是息息相关的。换句话说,“小瘦丫头”受故事的感动而流下的泪水很大程度是由于故事的基本乐调与其心灵深处的那种旋律达成共鸣而形成的。之后这个泪水也震撼到了“三角脸”的内心,从而发生了后续的故事......文中其他的转折点也是如此,配合文字中所蕴含的音乐感,使文章更能感染人、更自然的推进。由此可见,全文在情节的转折点中都渗入了音乐性,使情节的推进不至于太过突兀,而文字上的音乐性也更能吸引读者逐渐深入阅读。可以说全文就是一首歌曲,一首批判黑暗现实与同情底层人民的曲子。
全文除了整体上呈现一种音乐性状态,在文章中各处也提出了一些具体的曲名,这些音乐对于主人公的描摹和氛围渲染上也体现出不可忽视的重要作用。
举例来说,刚开始在男女主人公相遇的时候,“小瘦丫头”让“三角脸”唱一首歌给他听。“三角脸”唱了一首耳熟能详的歌谣“王老七,养小鸡,叽咯叽咯叽……”这是一首大家再熟悉不过的儿童歌谣,但当饱经沧桑的“三角脸”唱出来时,强烈的时间差距不由得凸现出来,就如同文章中说的那样“真正的开始觉得老,还正是那个晚上呢”。除了显示出“三角脸”的苍老特质,同时利用儿歌的韵律特点来继续推进情节,如“小瘦丫头”也随着这首歌谣的单纯音律特质而变得愉悦起来等。童谣的音律简单,更容易让读者回归童年,将主人公带出文章的原有环境氛围,拉近读者与主人公心灵之间的距离。
除了这段的歌谣外,在文末也有一首具有代表性的歌曲对于人物与环境的塑造起到了不可忽视的作用,那便是文末的《王者进行曲》。光闻其名就可以感受到曲子中所蕴含的雄浑气息。正因为此曲具有雄浑悲壮的特点,放在结尾处与文章结尾趋于统一,将悲壮之情提升到极致。曲风中的沉重特质隐喻了陈映真对于类似男女主人公这一类社会底层人民的无限同情以及对于黑暗现实的批判。而曲名中的王者一词也蕴含了对于这种精神的结合、纯真的爱情的高度赞美。
此外,这篇文章的叙事手法上也颇具特点,这篇文章充分借鉴了西方意识流的写法,以人物意识和活动逻辑安排小说的段落次序,逐层将意识渗透到每一个画面之中,使意识与现实完美的联系在一起,在这种紧密联合的过程中,音乐起到了一种过渡性的作用。从开篇以萨克斯曲《荒城之月》开场到中间《游子吟》再到最后的《王者进行曲》将故事主题脉络梳理清晰,避免由于意识与现实的反复转换而使得文章内容混乱、层次错杂。
其次,音乐意识建构在整个时空体系中,渗透出未直接表述的主题内质。文章开篇的音乐与当时阳光下的丧礼紧密结合。送走逝者的同时,仍活着的人仍自由着,充满着朝气。这种矛盾的意向表述在文章中还有许多,如太阳与月亮、生与死的对比。曲子混合着后人悲痛欲绝的哭声,在灿烂的阳光下交织在一起,象征着人一生的悲与喜,而男女主人公的合拢之后的所有后续表述,又和此情此景有何不同。他们人生就如此景此乐一样,在数不清的悲喜交织中走向终结。开篇音乐隐喻全文的主题叙述框架。包含主人公一生的经历并暗示命运的走向。
在文章结尾,《王者进行曲》的设置也极为巧妙,使得文章的叙述包含张力。“滑稽的尊严”配合雄壮的曲子,将陈映真对于当时社会辛酸的感悟全部彰显出来,歪曲无法得到修正的无奈也在此处得到投射。无尽的幻象在这强烈的震撼下破灭。现实主义得到升华和体现,小人物所带来的感情洪流也在音乐中得到最崇高的升华。而这种矛盾的凸显与音乐密切联系,叙事与主旨表达的文本构建和谐统一。
全文通过音乐的衬托,音乐主旨的隐喻表达,以及音乐与情节上的矛盾彰显将陈映真的现实主义情怀深深植根于台湾的土地之中。
摘要：陈映真的小说代表了台湾文学界的最高成就,而《将军族》是陈映真的成名作,也是其代表作。在《将军族》一文中多次提及音乐。这种音乐意识无时无刻不渗透出陈映真文笔之中的乡土意识和现实主义批判精神。本文将从音乐的角度出发,通过音乐与情节、音乐与人物、音乐与叙述等多个角度去解读陈映真的《将军族》。
关键词：音乐,叙事,描摹,乡土,归宿
参考文献
[1]陈映真.陈映真文集[M].北京:中国友谊公司出版社,1998.
[2]万维伟.回归精神乐园——《将军族》人物解答[J].电影文学,2009(10).
音乐与人生心得体会 第5篇
在第三次选课调整的的阴差阳错之下，我幸运的选上了119/120的“音乐与人生”课。当时看到立即生成的课程表时，心情特别的激动。自从上大学以来，本来怀着一颗文艺女青年并且学过吉他的我，却被一顶顶“工科女”“土木女汉子”的帽子压得抬不起头来。繁重的课业和社团活动也让我原本打算在大学培养兴趣爱好的希望渐渐落空，辛苦从家乡背来的吉他也蒙上了灰尘。我真的很怀念以前的音乐课，那些能跟同学们一起欣赏、讨论音乐的时光。所以当我发现自己能重温音乐课的记忆时，我是真的非常开心。如今这门为我带来太多太多回忆与感动的课程已接近尾声，我打算用这篇文笔并不太优美，辞藻也缺乏华丽的文章，记录自己最真实的体会与情感。
其实刚开始上课时我感到惊讶且惭愧，我发现自称音乐发烧友的自己缺乏很多基本的乐理知识。老师像魔术师一般为我们介绍了各种各样的乐器，音域，音色等等的相关内容。虽然没能将它们一一牢记，但以后在面对这一个个名词时我想我不会陌生了。
说到让我感触最深的内容，其实有很多，挑几个最震撼我的讲讲。第一个应该就是宋祖英老师的《望月》。在这之前我喜欢的民歌唱法的音乐很少，比如谭晶老师的《桃花谣》和《远情》。总觉得流行音乐才能跟得上潮流，民歌是长辈们才会喜欢的。后来当我欣赏了这首歌曲后，真心被那满满的思念打动了。月亮作为古今文人骚客竞相歌咏的意象，一直以其清丽皎洁，高冷渺远被人们寄托了许多愁绪，哀思，与思念之情。这首歌曲先是唱主人公望月思人，最后表达了对所思之人深深地爱意与期盼。当我看到MV中宋祖英老师那被月辉映亮的双眼似乎望的比遥远更远，修长的背影被月光拉的更长，独自伫立在银光环绕的渡口，对着月亮吟唱着自己的情感。我突然明白了，其实思念一个人并不一定会是一件痛苦的事，如果我们找到了思念可以寄托的地方，那么或许思念也能成为一种幸福，因为我们的心灵被充满着，而不是空虚无依，我们有着企盼，就会有勇气。想一个人不要放在嘴边，要放在心里，藏在眼里，这份爱的如此深沉的热忱，相比即便是海角天涯的阻隔，铜钱铁壁的壁垒也能打破融化吧
第二个是小提琴协奏曲《梁祝》。在古今中外的艺术文学史上：梁祝，宝黛，罗密欧与朱丽叶„„我们永远不乏那些相爱却不能相守的苦命鸳鸯，爱情悲剧比比皆是。鲁迅先生曾说过：“悲剧是将人生的有价值的东西毁灭给人看。”而这首《梁祝》无疑将这个故事中的悲剧色彩渲染到了新的浓度。曲子刚开始放的时候很悠扬，我仿佛听到了鸟语莺歌，溪水潺潺，终于被父母获准的祝英台高高兴兴去学堂念书，这恐怕是她长大以来最兴奋的时候。后来她在人生最美的路上遇上了最重要的人——梁山伯。在小提琴悠长细腻的低吟和长笛缠绵婉转的引领下，他们相识相知，结拜兄弟。其中我最喜欢在主旋律之前小提琴忽然的拔高，感觉自己的心也跟着提了起来。我明白了，这就是情愫在萌动，那种不可名状的感情就像一颗小小的种子，撒在了二人的心里。并且在偷偷的抽丝发芽，所以小提琴的旋律才会突然拔高，或许他们自己都没有察觉到这种情感的滋长，所以小提琴的旋律再次回落，如同那被深埋在心中感受。接下来，曲风再次回归到中国传统喜乐的风格上欢快热闹，带着些俏皮的味道，相比是两人在同窗这四年所经历的不少快乐和趣事，幸福的小点滴。这时候，爱情已长成了茁壮的小苗，虽然没有说破，但是他们的心早就紧紧相依。天下没有不散的筵席，相爱的两个人最终迎来了不舍得别离，这时候分别用大、小提琴来代表梁山伯与祝英台。小提琴细长的音色仿佛哭泣的英台，大提琴丝绒般的低唱如同笨拙安慰却难掩黯然的山伯。整个旋律回归充满哀伤的低沉。然后强劲的锣鼓和管乐器的加入，给整个带来了浓烈的波涛冲击，甚至有一种山雨欲来的恐怖之感，仿佛在预告后面的不祥。这时候，小提琴音调再次拔高，这次不再是情感的滋长，而是对父母之命，媒妁之言的字字泣血的控诉与抗拒，是英台在追求自己的爱情，试图像争取去读书一样争取与所爱之人双宿双飞。可惜，她失败了。再下来，便是两人最后的惜别。当你得知面前的爱人以后将再也无法相见，你会怎样？他们互相用哭哑的的嗓子诉说着爱意，重复着誓言，可是泪水洗不掉现实的残忍，突然曲风急转而下，锣鼓的敲打告示着悲剧的发生：梁山伯病逝了。这时候的小提琴已不再悠扬婉转，而是凄厉尖锐，快速的切割出涕泣抽噎般的声调。如果说刚开始还只是哀伤的低泣，后面越发的加快的旋律则说明已变成了带着愤怒与倔强的决绝。对于英台这种至情至性的泼辣女子，敢爱敢恨，与爱人的生离死别已让她心如死灰。“哀大莫过于心死”，她宁愿死也不愿意苟且地活着。终于在一声锣鼓重响之下，英台投入了坟墓。这时候我一直充盈在眼里的泪水也终于落了下来，一份爱，要有多深，才能抵御对死亡的恐惧。幸好老师当时关闭了灯，我失态的表情并没有被别人注意。后来我自己回去看了动画版的《梁祝》，还是哭到不行。就像何韵诗在《痴情司》里面唱的那样：“今生若无权惦念，迟一点，天上见。”有的爱情的存在，并不是因最后长相厮守而弥足珍贵，或许有的相遇注定要以悲剧收场。但那又怎样？在最美好的时间用力的爱过，也是一种美好。只不过这份爱太悲壮悲怆，我们只能不断地唏嘘流泪，期翼自己的爱情宁可平淡无奇也别险象环生。有一句话：“我们都爱上了别人的爱情。”我觉得说的很对。不过我也觉得，就像曲子的结尾，重归主旋律后，情感既不悲伤，也不是欢乐。而是一种淡淡的明快。如同我们终将回归的生活，恬静平淡，有悲伤，也有小幸福。或许那些所有人，在经历了高低起伏后，我们都能找到生活的本真，内心的本我。
这些就是在“音乐与人生”课上给我感触最深的两部分，我把那些旋律放在心里，在我孤独落寞，懊恼忧愁时重温于脑海。让心灵重归鲜活，让自己站起来拍拍灰尘，大声说：“明天，你好！”
土木专业
与二十二位钢琴家对话音乐与人生等 第6篇
与二十二位钢琴家对话音乐与人生
作者：（法）夏代尔/著 卢晓等译
出版社：安徽教育出版社
本书作者已经70岁高龄，他访问了22位现代有成就的、但我们还并不太熟悉的钢琴演奏家和教育家。他采访的重点放在对钢琴家对这个专业的经历和看法上。绝大多数钢琴家都表示，如果让他们重新选择，他们还会选择这个职业，因为这是一项最完美的事业。
三只耳朵听音乐
作者：陈钢
出版社：百花文艺出版社
作家爬格子，作曲家爬五线谱。我爬了几十年的五线谱，长歌短吟，驰骋万里；但在逢遇“弦外之音”想要抒发时，却又觉得五线谱不够用了。那就得另找几张稿纸来爬格子。不过，对于我来说，“格子”如同“六线谱”——一张加了线的五线谱；行文也宛似作曲，即在文学中寻找音乐的对应。
怎样当好琴童家长
作者：李虻 姚兰
出版社：人民音乐出版社
这本小册子虽不是学琴大全，但也许能帮助家长排忧解难。本书对于乐理知识的介绍注重实用性，一是琴童家长的启蒙，使其粗知孩子学琴所必须掌握的基本乐理知识；二是当做参考手册使用，让孩子在学琴过程中对涉及的术语、符号及一些基本的原理有据可查。
音乐影响了我的写作
作者：余华
出版社：上海文艺出版社
音乐的叙述和文学的叙述有时候是如此的相似，音乐中的强弱和渐强渐弱，如同文学中的浓淡之分；音乐中的和声，就像文学中多层次的对话和描写；音乐中的华彩段，就像文学中富丽堂皇的排比句。不同的是，文学的道路仿佛是在地上延续，而音乐的道路更像是在空中伸展。
杨雪霏：北纬四十度
《北纬四十度》对杨雪霏来说是一张具有开拓性的作品辑，不仅包含中国著名的乐曲，还有以她童年回忆中的歌谣改编的全新作品。其中也有恩里克·格拉纳多斯、伊萨克·阿尔贝尼斯、弗朗西斯科·塔雷加这些音乐大师创作的西班牙名曲。
神思者：20周年纪念精选集
四部作第一部
1988年，深浦昭彦和腾木由加莉两位艺术家组成了S.E.N.S.神思者。这支纯音乐组合至今共发表了38张专辑。2008年迎来出道20周年的神思者以团体名S.E.N.S（Sound声音.Earth地球.Nature自然.Spirit灵魂.）作为主题，发布了精选专辑四部作。在以“声音”为主题的第一部中，收录了中日合拍电影《凤凰》的主题音乐等共15首代表曲目。
席琳狄翁白金经典专辑
SONY BMG全新发行,收录多首佳作：《BECAUSE YOU LOVED ME》（米歇尔菲佛著名电影《战地春声》主题曲）,《IMMORTALITY》（联合老牌组合THE BEE GEES全力打造），《I HATE YOU THEN I LOVE YOU》（与已故男高音帕瓦罗蒂倾情对唱）等等。
校园民谣
民间音乐家孙文明的艺术人生 第7篇
一、解放前艰辛曲折的流浪生涯与学艺之路
1928年农历四月十六, 孙文明 (又名潘旨望) 出生在浙江省上虞县一户贫穷的裁缝家庭, 外祖父和父亲都已做奉帮裁缝为生, 四岁的孙文明因患天花不幸双目失明, 十二岁时母亲孙大凤也不幸患病逝世, 后父亲再娶, 继母的漠不关心与冷落, 迫使孙文明随哥哥一同离乡背井开始了颠沛流离的流浪生活。
为了糊口, 无依无靠的他只得随俗择业算命。1944年他漂泊到苏南南淳县一带, 为了学艺糊口, 他开始了艰辛的拜师学艺之路。心灵手巧的他在流浪苏南各地的途中四处求教, 潜心研究, 博采众长。在一朋友的资助下购得二胡一把, 开始向当地一京剧戏班琴师学琴。先学得了《孟姜女》《梳妆台》《四川调》三首民歌, 随后又从京剧票友孔庆飞那里学习演奏京胡, 学得了京剧唱腔音乐和不少曲牌。后又经人介绍和秦师傅学习江南丝竹“三六”的加花及减字变奏手法。他还学习演奏过四胡, 1949年, 流浪至南京, 又向街头歌女学得了不少的民歌小调, 同时又向广东籍人士学习粤曲。[1]十年坎坷流浪的学艺生涯, 孙文明凭着耳听心记遍访方圆百里的琴道行家, 学会了大量的民间乐曲, 从京剧曲牌板腔、锡滩曲调、弹词开篇到江南丝竹、广东音乐等无不精通, 能演奏的曲目多达一百六七十首, 二胡的演奏技艺也日臻完善。
二、解放后的民间音乐家的创作之路
孙文明短暂的一生横跨了新旧两个社会, 解放前凄惨的流浪生活、艰辛的学艺生涯练就了他高超的琴艺, 对于各种民间音乐的潜心钻研也为他提供了丰富的音乐创作素材。解放后, 在政府和各级部门的重视关怀下, 民间艺人的地位得以提高并加以保护和扶持, 从此终于结束了长达十四年四处漂泊的流浪生活。然而依靠拉琴招揽算命生意得来的微薄收入并不能改变经济上的窘迫, 从最初在街边卖艺到后来游走于江南的城镇茶室专职演奏, 这是他职业生涯的一大转机, 相对稳定的收入和生活状态也使他更专心于二胡演奏技艺的研究。
1951年春他结合弹词开篇及江南丝竹“梅花三六”的音调为基础, 即兴发展而成, 创作出他的第一首二胡处女作《弹乐》。之所以以此命名按照作者的解释即为弹弹乐乐、十分欢快之意。[2]弹词开篇是相对于长篇唱本的一种只说不唱的独立短篇形式, 其作用在于试唱、润嗓, 在开演前安定听众。作为江南丝竹“八大名曲”之一的《三六》则常用于民间喜庆场合上, 其音乐积极向上, 情绪明朗欢快。[3]这两种流行于同一地区的不同乐种都视为茶馆文化。
1952年, 孙文明入赘上海奉贤县南桥镇潘家, 并改名为潘旨望, 建国之初生活上的安定使其创作欲望也愈发强烈, 在这一年的冬天, 酝酿已久以倾诉自己流浪生涯的《流波曲》和具有特殊音韵风味的《四方曲》两首作品创作完成。正如作者所述:“《流波曲》表现了过去流落他乡的困苦生活”。是其前半生的真实写照, 如泣如诉、委婉动人的音调, 向人们展现了一位“衣衫褴褛、头戴墨镜、身背二胡、手持竹竿, 贫困交加的流浪盲艺人”[4]为了生存奔波于街头巷尾、茶馆酒楼, 饱尝人世间的辛酸苦楚, 身处旧社会受压迫、受歧视的最底层穷苦百姓的形象。与另一位伟大的盲艺人阿炳的《二泉映月》有异曲同工之妙。1956、1957年, 这两首曲子连同1953年创作的《志愿军胜利归来》被选送参加了“江苏省民间音乐舞蹈汇演”和在北京举办的“全国民间音乐舞蹈汇演”上大获成功, 受到了音乐界人士的很高评价。
在国家提倡艺术创作要“百花齐放、百家争鸣”的方针政策影响下, 笔耕不辍, 1957年春创作了《人静安心》, 借以表达作者在党和人民的关怀下艺术受到重视的感奋之情。此时在茶馆的演出很受当地听众的欢迎, 为了答谢大家的厚爱还特意创作了一首开场乐曲《送听》, 此曲旋律流畅活泼、色彩鲜明, 热闹非凡。同年10月, 在无锡演出时又创作了《夜静箫声》, 在二胡上模仿出洞箫的圆润音色, 这在二胡的演奏上有事一大胆尝试。1960年, 在二胡演奏家、音乐教育家王乙先生的建议下, 他受聘于上海音乐学院民乐系授课, 培养了一批优秀的二胡音乐人才, 这一时期还创作了《春秋会》和《昼夜红》。1961年9月任教约满后, 他回到了奉献潘家。随着家道中落、丧子的巨大打击肺病加重, 于1962年12月13日病逝, 终年仅有三十四岁。
孙文明短暂的一生, 尝尽人间冷暖, 身体上的残疾和生活上的挫折并没有被压垮, 也正是在这种恶劣的生活环境下激发了他超凡的坚毅果敢、乐观向上的积极追求, 以其坚忍不拔的毅力、勤奋好学、博采众长, 全身心投入到音乐的演奏与写作当中。他对待音乐的执着, 对民族音乐事业的无限热爱, 对音乐教育事业的勤勤恳恳, 不遗余力的为培养新一代二胡人才呕心沥血, 非常值得我们学习和借鉴。
参考文献
[1] (香港) 周皓, 无赣伯著.《卓越的民间音乐家孙文明》[J].《人民音乐》.
[2]何洪禄编著.《中国音乐通史》[G].河南音乐出版社2003年8月第187页.
[3]袁静芳编著.《民族器乐》[G].人民音乐出版社, 1987年3月第292页.
新疆图瓦人生计生活中的音乐 第8篇
一、图瓦人的生计生活
解放前, 阿尔泰乌梁海人大多居住在山高蔽日、林深草茂的森林地带。寒冬腊月, 积雪数尺, 数月不化, 每年的封雪期长达5个月以上。夏天则云雾弥漫, 有时还阴雨绵绵, 雷电交加。阿尔泰山地自古就是各个狩猎、游牧部族狩猎的好地方。因此, 狩猎这种生产方式在阿尔泰乌梁海人解放前的生产活动中占据着相当重要的地位, 特别是操图瓦语的阿尔泰乌梁海人, 即今天的图瓦人, 他们的生活资料主要靠它而获得。总体说来, 图瓦人千百年来以狩猎和放牧来维持自身及延续后代的生计需要, 来补给对食物的需求, 他们的生活里不离开这些古老的生计方式, 也离不开在狩猎放牧中遇到的各种飞禽走兽的身影。即便他们不在狩猎放牧, 也会在茶余饭后叙述着各自的有趣经历, 可以说狩猎放牧几乎就是他们整个生活的缩影。佛德 (Forde) 也曾说过“环境既是规定也是提供了一个可供文化发展的范围, 影响所及的包括一个社会先前存在着的事物与发展的倾向, 以及外来的新观念与新事物。”1
二、生计生活中的音乐
在图瓦人的生计中, 存在着与音乐的一定的联系, 比如在他们的狩猎时会用楚吾尔来引诱猎物、狩猎过后庆祝上有音乐歌舞等娱乐活动、在传授给年轻人的猎经讲述中也会掺杂着用音乐来叙述的方式等等。应该说, 图瓦人的这些音乐事项与其生活生存的环境密不可分。他们从这样的生计方式中获取资源, 使用资源, 使其群体能够继续繁衍生存下来, 并将其文化依托在这种生计中不断开花结果。
在田野调查中, 两位老人为笔者唱了这首歌, 内容与图瓦人的生计方式有着密切的关联。先将歌词记录2如下:
结合歌词的原文与译文, 可以看出这两首歌曲的歌词基本相同, 但是顺序有所变化:
两首歌曲的歌词都采用了比兴的手法, 上句叙述出生态中的各种动物的生活地点, 下句则引出所要抒发的思想感情, 每一句头韵基本一致, 押韵较为规整。
腾得力克老人告诉笔者:“这是一首将打猎中熟知的各种动物联系到一起编写的一首民歌, 我和克兹力布拜唱的就是同一首歌。真正的图瓦民歌。我们认为只要是词一样, 就是同一首歌。在我们的理解中, 与民歌相对应的我们叫wusungara’, wuzun’是长的意思, gara’是黑的意思, 合起来就是长黑’。听起来与蒙古族的长调似乎很相似, 但是蒙古族的长调要长得多, 跟我们的不一样。”
众所周知, “长调”是蒙古族典型的一种音乐体裁, 又称之为“乌日汀哆”。“长调民歌曲调往往悠扬、节奏自由、字少腔长、速度较慢、结构较大, 带有浓郁的草原气息。”3从长调的定义来看, 我们可以得知, 这是与蒙古族的生活生态环境分不开的, “一个民族的生计方式是与其所处的自然环境在长期的磨合中达成了高度的耦合, 并与该民族的其他文化融合为社会事实。”4蒙古族作为马背上的强族, 正是用着特有的具有悠长气息的长调来抒发内心情感, 在精神层面上与大自然进行交流。而图瓦人却与蒙古人不一样, 他们生活的阿勒泰山区拥有众多的原始森林, 天然的生态环境为许多飞禽走兽提供了生活的空间。狩猎放牧 (请注意并不是“游牧”) , 用兽皮换取生活用品成为一直以来主要的生计方式, 倪志书在《新疆之蒙族》一文中写道阿尔泰乌梁海部“十之六游牧, 十之四狩猎, 所猎细毛牲畜, 产量甚丰”5, 可见他们这种生产活动的历史悠久性一直延续到解放前夕。因此, 笔者认为, 在图瓦社会, 长调这种音乐体裁是否存在, 依然是个需要研究的问题。但是目前获得的资料说明, 由于生计特点, 长调在这里没有多大的生存空间。
三、结语
图瓦的民歌就是对他们生活世界的一种记忆, 图瓦人将这些生活环境中的动物牢牢地刻录在自己的脑海中, 一代又一代地传下来。狩猎游牧, 与自然界的交流使他们精神世界得到了丰富和升华, 他们不光光只是简单地歌唱, 而是将这些留存下来的图瓦民歌当作了图瓦文化中的一种重要符号在传递。
图瓦人用乐器和歌曲来表达自然之声和内心的景致, 而这些山河的唱悦之声又映衬着图瓦人对家对生活化境的情感。他们在山的符号、水的符号、湖的符号前静静聆听, 互相诉说, 他们内心的信仰告诉了我们:这种做法并没有停留在交际层面上, 它是心境与自然交流的精神层面的升华, 族群记忆中的民歌音乐并没有因为外界的干预 (改教的影响) 而变异。他们在狩猎采集的古老旧制中生活着, 虽然他们也受着游牧文化圈的影响, 并在生活中多多少少地接受了一点, 但是他们并没有像纯粹的游牧民族那样更多地关注手中控制的牲畜, 而是专注于自己的狩猎传统, 游牧理所应当地成为了他们的副业了。他们袭来的生计方式与其生存环境之间形成了一种会为依存和互为制约的耦合关系, 也就是说图瓦的生计方式的形成在很大程度上依赖于该族群所处的自然环境与社会环境。因此, 聪明的图瓦人塑造出了自己特有的文化音乐符号阿勒泰山区图瓦人的音乐。
摘要：自古, 图瓦人就生活在优美如画的仙境中, 因此很多歌曲的歌词与他们的生活环境、生计有着密不可分的关联。他们喜欢起兴的手法表达自己的情感, 常用的有大自然的动物名称、植物名称, 自己生活地区的地名等等, 因此这些音乐可以为考察图瓦人文化与生计的关系提供重要的参考价值。
关键词：图瓦人,阿尔泰山区,传统音乐,生计
参考文献
[1]郭蕴华:《阿勒泰乌梁海“德瓦人”的历史变迁》[J], 《喀什师范学院学报》, 1988年第一期。
[2]喀纳斯志编纂委员会编, 喀纳斯志[M], 乌鲁木齐:新疆人民出版社, 2006。
[3]南快莫德格:《新疆图瓦人社会文化田野调查与研究》[M], 民族出版社, 2009年12月第一版。
[4]喀纳斯管理委员会牵头编写, 暂定书名:《人类滑雪最早起源地--中国·新疆·阿勒泰》[z] (出版时间不详) 。
音乐多面手刘质平的人生旋律 第9篇
关键词：刘质平,音乐,多面手,人生旋律
五四运动时期,我国文化艺术界掀起了一波又一波探索新知识、探求新思想的高潮。广大文艺界人士组建社团、兴办学校、出版刊物,促成了一种社会新风尚的形成。中国近代最早的音乐专业机构和音乐社团就是在这一时期逐步兴起的,同时还涌现出了一批为中国近现代音乐事业发展鞠躬尽瘁的优秀音乐艺术家,刘质平即是其中的一位杰出代表[1]71。
一、恩师提携从艺路,坚忍不拔铸丰碑
刘质平(1894—1978),字季武,浙江海宁人。刘质平家祖祖辈辈都是贫农出身,其父目不识丁,二十多岁入清军当兵混饭吃,后来当上了海宁城防的一名小官,刘家的经济条件由此明显好转。刘质平从小就深知小小家业来之不易,非常珍惜到学堂读书的机会,学习非常刻苦。刘质平七岁时,父亲不幸离世,刘家人的生活再次面临困难,幸而母亲接过重担,坚持送刘质平继续到学堂读书。刘质平年龄虽小,但乖巧懂事,在努力学习之余还帮助母亲和家人分担家庭重任。1912年秋,刘质平在学堂老师鼓励下报考了浙江两级师范学校。该校在江浙一带颇有名气,考试入学的难度也不小。但刘质平凭借其过人的才智、出色的学识顺利考入该校初级师范专业。入校后不久,一位具有传奇色彩的音乐家教师改变了刘质平一生的命运,此人名叫李叔同。在李叔同眼中,刘质平的音乐才华与人格人品在众多学生中是最为出色的,所以他经常为刘质平进行单独的课外辅导,内容涉及声乐学、作曲理论等。李叔同还将刘质平介绍给包乃德,请包乃德教刘质平练习钢琴。包乃德是杭州基督教青年总会的负责人,在钢琴演奏方面有很高的造诣。刘质平在李叔同的大力培养和提携下钻研了四年的音乐,为他后来终身从事音乐艺术事业奠定了基础。
1916年,从浙江两级师范学校毕业的刘质平在李叔同的鼓励和资助下东渡日本,在音乐道路上继续深造[2]128。他以优异成绩考入了东京音乐学校,该校是当时日本最具盛名的音乐学府。刘质平在该校除了专修钢琴、音乐艺术理论等课程外,还潜心研究音乐艺术教育,为他日后建树于音乐教育讲台准备了充分条件。两年后,刘质平归国,经李叔同推荐进入上海城东女学艺术学校任音乐教师。1919年,刘质平连同好友丰子恺、吴梦非三人共创了上海专科师范学校,在上海音乐艺术教育方面产生了广泛影响。与此同时,刘质平还致力于京剧、昆曲等国乐研究,并撰写了几部国乐艺术理论的书籍,有一些还被各类学校引入作为音乐教材使用。从20世纪20年代至新中国成立之前,刘质平一直活跃于音乐艺术创作和音乐艺术教育领域,先后执教过上海美术专门学校、新华艺术专科学校、中国体操学堂、两江女子体育师范、暨南大学、江苏第二师范学校、温州师范学校等十余所学校,广泛传播音乐理论,使广大有志青年有机会领略他的音乐艺术魅力。
新中国成立后,刘质平依然从事音乐创作和教育事业,担任山东师范学院的音乐教授。1957年,刘质平被打成右派,事业、工作、生活上都受到了很大影响,但他依然没有放弃自己的音乐理想。三年后,右派的帽子被摘除,但刘质平不能再重返音乐讲台了,只能在山东艺术专科学校音乐资料室任保管员。尽管如此,刘质平多次利用教改的机会积极表达自己对音乐教育改革的意见,同时还利用资料室、图书馆的收藏整理、挖掘传统音乐价值,汇编了十多册中国民歌艺术资料。他将这些资料油印成讲义,供校内外音乐教师无偿使用。文革时期,已年逾七旬的刘质平再次被批斗,身心受到严重折磨和极大打击,但他始终视音乐艺术为自己生活下去的力量与勇气之源。1979年,刘质平及其家人得到平反,他的一切名誉也得到恢复。只可惜,他已经于1978年10月24日病逝,留给了后世丰厚的音乐艺术遗产。
二、深思谋划音乐事,亲力亲为育后人
前文提到,刘质平于1919年创办了他人生中的第一所学校———上海专科师范学校,从此开启了他漫长的音乐艺术教育生涯[3]46。刚从日本归国的刘质平热血激情,非常想在音乐艺术教育方面为国家做些贡献。为了科学合理安排课程设置,刘质平不眠不休数日,考虑再三,决定分别以法国、日本和德国的教学方式开设美术、手工和音乐三门课。此外,他还特意加入了中国传统声乐、器乐、音乐理论等课程。在刘质平的亲力亲为之下,上海专科师范学校短短几年时间就培养了五百多位优秀的青年音乐教师。他们从上海专科师范学校出发奔赴全国各地、各个学校,为普及中国音乐教育发挥着个人的聪明才智。
抗日战争时期,刘质平来到师资严重缺乏的温州师范学校担任音乐教师。在困难时局中,刘质平一心一意投身该校的音乐教材编制。他编制的三册《小歌曲伴奏集》共收录了两百多首歌曲,每一曲都配有五线谱与钢琴伴奏。在比较复杂的地方,刘质平还别具匠心地标注了指法或演奏技法。这三册《小歌曲伴奏集》内容丰富,深受温州师范学校广大师生的欢迎。除了教材建设,刘质平对音乐教学也是兢兢业业。音乐课堂上的刘质平踏实认真、和蔼可亲,学生们对他十分敬仰。有些学生向他提出要求,希望可以多学习一些钢琴知识和演奏技巧。为满足学生们的愿望,刘质平不顾工作繁忙,牺牲业余和休息时间,开设了一家钢琴培训班,自己承担所有教学及管理工作。培训班开班第一天,就有两百多位学生慕名前来报名。经过刘质平的悉心培养,学生们在很短的时间内大幅提升了钢琴水平。
1951年夏,在国家的统一调配下,华东革命大学、华北革命大学等学校向新成立的山东师范学院紧急调派教师,以确保这所学校可以在秋季开学前有足够的师资。在二十多位被调配的教师中,刘质平即是其中一位。他来到山东师范学院后,被分配到艺术系,担任音乐教授和音乐系主任。执教期间,学院领导和广大师生都十分欣赏刘质平的音乐教育能力,还一致推选他为山东省文艺工作者代表。当年的代表大会成立了省音乐工作者协会,刘质平被推选为协会第一副主席。他经常为学院和协会的长远发展深思谋划,积极向上级领导提出各种关于发展音乐艺术教育与音乐艺术事业的计划、想法,其中有很多好的计划、想法都被学院和协会采纳。由于音乐师资常年短缺,音乐多面手刘质平同时担任了多门音乐课程的教学任务,例如和声课、钢琴课、视唱课等的课堂上都留下过刘质平的教师风采。在来山东师范学院执教前,刘质平执教过多所学校,但他并没有因为工作环境的变化而改变他一以贯之的音乐思想与教育理念。为了适应不同学生对音乐的理解和接受能力,刘质平会根据具体情况因材施教,甚至因材编写教材。为了给学生更为直观而全面的中国民歌音乐艺术感受,他不顾辛劳前往全国各地收集、整理了数以千计的民歌,诸如《探亲家》、《买扁食》、《卢沟问答》等优秀民歌就是通过刘质平的宣传、传播、传授,被广大中国音乐迷们所熟知。此外,在山东师范学院执教期间,刘质平还花费大量心血主持编撰了《实用和声学》。该著作以论述和声学理论为主,至今对于相关音乐教材的编撰依然具有非同一般的学术参考意义。
三、探索美育重修养,中西结合多面手
刘质平在他的音乐实践与音乐教育中十分重视探索美育[4]159。他认为在音乐教育中运用美育理念能够对教学起到积极的促进作用。美育教育有助于陶冶情操,提升学生的道德修养。20世纪初,刘质平在上海专科师范学校任教时成立中华美育会,这个艺术社团在当时具有一定影响力。社团成员都是来自五湖四海的音乐教师,他们通过社团活动相互交流音乐思想和教学理念,并提倡美育教学方式。为了使美育教学理念更广泛地普及到全国各地,刘质平致力于培养专业的音乐教师。他通过通信讲习方式传授专业音乐知识给那些非正规院校出身的教师,并让身处偏远地区的音乐教师及时学习和领悟美育教学理念,及时将这一理念运用到实际教学中去。刘质平的讲习课程通常在暑假期间开课,使教师们有时间学习和消化新课程,更好地将所学知识传授给学生。为了更好地宣传美育理念,他还专门创办月刊《美育》。同时,他发表大量与美育教学、音乐教育相关的论文,如《我国音乐教授的缺点》以及《予对于吾国现有歌唱书之意见》等,文中观点对音乐教学事业的发展有积极的促进意义。
音乐与人生 第10篇
关键词：华彦钧,音乐人生,《二泉映月》
贝多芬是享誉世界的音乐家、作曲家,他的交响乐名作《命运》堪称世界音乐史上最伟大的作品之一。而贝多芬自己的命运及其与命运抗争的故事也是家喻户晓。与贝多芬一样,中国音乐史上也出现过一位与命运抗争、创作出伟大传世作品的音乐家,他的名字叫华彦钧。华彦钧的名作《二泉映月》与《命运》一样蜚声世界乐坛[1]53。由于这两首曲子的知名程度不相上下,两位音乐家的沧桑音乐人生也多有相似,因而华彦钧也有“中国的贝多芬”之称。
一、小天师步入歧途,失明后街头卖艺
华彦钧,又被称为阿炳,生于清末光绪十九年,年幼丧母后随父亲在江苏无锡的雷尊殿当起了一名小道士。父亲很早就教授他二胡、笛子、琵琶、鼓等乐器弹奏,是他后来音乐人生路的启蒙老师。1905年,在父亲的要求下,华彦钧开始学习吹奏笛子。父亲经常让他对着山上的强风进行吹奏练习,还在笛子的末端拴上铁圈或秤砣,增加笛子的重量,以此来提高华彦钧的吹奏技艺。在练习二胡时,华彦钧十分刻苦,二胡的琴弦上到处能看到华彦钧留下的手指血痕。后来他演奏时使用的二胡弦比一般的二胡弦都要粗得多,与他年少时刻苦练习有很大关系。练习音乐弹奏五六年,华彦钧不仅乐器弹奏技艺大增,还练就了一副好嗓音,加上长得文质彬彬,被称为音乐“小天师”。随着名气越来越大,他被邀请至各地演出。在上海,他加入了著名昆曲班仙霓社,在社中担任琴师。期间,他创作了二胡独奏曲《听松》,气魄雄浑豪迈,展现了不做亡国奴的爱国热情。
1918年,华彦钧的父亲辞世,他继承了父亲在雷尊殿中的道职,担任大道士。清末民初时,道家由于远离凡俗,生活相对比较安定。华彦钧在衣食无忧的生活环境中,很快沾染上了一些旧社会恶习,例如吸食鸦片、入青楼嫖妓,以至于步入歧途、耗尽家财,入不敷出之后只能靠变卖房产或法器为生,度日艰难。1927年,华彦钧身患严重眼疾以至双目失明,从此无法组织参与道家法事活动,生活来源彻底断绝。这一沉重打击让华彦钧痛不欲生,幸而他所擅长的音乐技艺让他可以在街头卖艺,以维持基本生活[2]20。
在街头,华彦钧用音乐宣泄内心的痛苦和对坎坷人生的感受,同时也通过吹拉弹唱为形形色色的路人带去精神慰藉。尽管有好心人不时资助这位街头音乐卖艺人,但20世纪二三十年代的中国民不聊生,没有多少人会愿意经常拿出少得可怜的血汗钱出来资助华彦钧,只能是给予心灵上的同情。所以,华彦钧经常有一顿、没一顿,饥一餐、饱一餐。此时的华彦钧就是劳苦大众中的一员。他施展着自己的音乐才华,用最动听的音乐去打动其他劳苦大众的内心。这也成为华彦钧在艰难时世下继续音乐创作和音乐演奏最主要的动力。
二、三不穷赢得赞誉,诉黑暗义愤填膺
“穷人更要有骨气”,华彦钧一直记着在劳苦大众中流传的这句俗语。根据1963年一期《光明日报》上题为《瞎子阿炳》的文章记述,华彦钧在最穷困时也有“三不穷”,即志不穷、嘴不穷、名不穷。华彦钧街头卖艺、生活艰难,也从不低三下四拉别人乞求施舍。他不怕权势、不吃白食、名声正直。抗日战争和国共内战,让华彦钧的生活更加困苦不堪。他除了有一间可以栖身的茅草屋之外,身无分文、家无余粮。但他绝不任人摆布,也绝不向命运低头。除了街头演奏,他还以说唱的形式、以讽刺挖苦的口吻向街头路人诉说有关日寇、汉奸、权贵们的卑劣与失败。他出口成章,将编撰的歌词谱成说唱乐曲,加上极佳的嗓音,而被熟悉他的人冠以“巧嘴阿炳”的赞誉。
1932年,驻防上海的十九路军孤军抵抗日军入侵上海。华彦钧不顾生命危险,在街头高唱“黄浦江畔十九路军,列队持刀杀敌称雄,日本鬼子抱头鼠窜,应声倒地如断藤瓜”,极大鼓舞了上海军民抗日的士气。此外,他还通过街头演唱,向百姓揭发了恶霸奸淫妇女的行径、向身处日伪政权压迫下的民众传播了抗日游击队胜利的消息。他也因此经常遭到恶霸和日伪当局的威胁、毒打。然而他始终坚贞不屈,犹如一颗只能压弯却怎么也压不断的野草,赢得了世人的尊重。抗日战争胜利结束的消息曾一度让华彦钧感到兴奋不已,他将富民强国、自身生活改善的希望寄托于蒋介石政府。却没想到,无论是上海还是无锡,华彦钧所到之处到处都是目无法纪的流氓、兵痞和国民党官员。他们的横行霸道让华彦钧义愤填膺。面对国民党统治下的物价飞涨、民不聊生局面,华彦钧再次用音乐表达抨击和讽刺之意。他自编自唱道“:满天飞的金圆券,花花绿绿闪人眼,早上还能买头牛,晚上不能买只鸡……”[3]138他的刚正不阿、一身正气也是他音乐创作灵魂的生动体现。
三、忘原型只为创新,鬼斧工气质独具
华彦钧的代表作《听松》、《二泉映月》、《大浪淘沙》等是他双目失明之后表现自我意识、流露自我情感的反映。为了突破传统中国器乐曲牌的束缚和民间音乐艺人的常用创作方式,华彦钧通过深入思索和实践另辟蹊径,创作了大量独树一帜、独具匠心的情感乐章。
无论中国古代还是近代,像华彦钧这样的民间音乐艺人在进行音乐创作时,大多选择传承前人的器乐曲牌。即便是之前没有准备的即兴演奏,也要么就是润饰母曲,要么就是将母曲加花放慢,再或者就是借母曲旋律、宫调衍生展开。总之,不管使用哪种音乐创作手法,母曲都是他们不可脱离的蓝本,其音乐技艺顶多只能表现在“千变万化”的母曲演奏上。与他们相比,华彦钧所创作的音乐,除了一曲《龙船》之外,其余基本上找不到母曲原型。根据后世音乐研究者对《阿炳曲集》的分析,华彦钧除了《龙船》之外所有其他音乐创作都难以确定有过母曲原型,足见其音乐创作的独到。
华彦钧从小就是音乐“小天师”,民歌小调、昆曲滩簧、吹笛打鼓、琵琶二胡,样样都是他精通的音乐领域。所以,他根本不需要师法古人或传统,就能按照自己的情感思绪和音乐思维创作出全新的音乐。而他自己也希望人们能够认可和欣赏他的音乐神韵和音乐才华,对自己的音乐创作有不同于一般人的超高要求。有时候,他在街头随意弹奏一曲乐曲、演唱一曲民歌,都能引得路人驻足欣赏或开怀一乐。而他在夜深人静时的创作更是达到了极高的音乐境界。例如他的二胡代表作《听松》就是在街头表演结束之后,回到家中,独自静静地创作出来的。这首二胡曲以戏剧手法,通过松涛咏怀,交织、展开、组合着一连串极富个性的音调,使整首曲子挺拔雄浑,所释放的情感犹如奔泻万里的滔滔江水。再例如他所创作的《大浪淘沙》琵琶曲,第一段苍劲深沉、刚柔并济,音调的感叹式时而泛起音浪,时而思绪万千,其变奏的不规整出人意料、鬼斧神工地发挥着转合起承的功效。第二段则是旋律铿锵、节奏坚定,充分展现了整曲音乐及其创作者坚毅不屈的独特气质[4]254。而这些,无论是中国古代音乐艺人还是与华彦钧同时代的其他音乐艺人都难以望其项背。
四、遍天下二泉映月,神形兼艺术极品
华彦钧的代表作、二胡名曲《二泉映月》是中国民族音乐艺术宝库中最享誉世界的优秀作品之一,是华彦钧音乐才华的至高体现。《二泉映月》在曲体结构上是典型的变奏曲,其短引旋律从一开始就仿佛轻盈的一声叹息,将人们迅速带入酸楚和凄凉的意境。随着乐曲的逐层深入,《二泉映月》通过多重变奏,将华彦钧内心一直压抑着的情感不断向人诉说。乐曲的后半部分,音调和情感同时迸发,进入高潮,在激愤与强烈之间透射出坚韧不屈的大男子气概和渴望内心平和与光明的气质魄力。这是华彦钧用音乐音符向旧社会发出的控诉之声,表达了反抗黑暗、刚毅倔强的性格。这也成为这首乐曲广为流传、感人肺腑、经久不衰的主要原因。自问世以来,《二泉映月》在中国各阶层男女老幼中几乎无人不知、无人不晓、无人不爱,其影响力也遍及世界各地。世界著名音乐指挥家、日本人小泽征尔第一次听到《二泉映月》时,禁不住潸然泪下、断肠之感由生。他甚至说:“如此美妙的音乐,任何人都应该跪着听。”
《二泉映月》之所以拥有如此魅力,首先是由于其创作者华彦钧经历的坎坷人生及其不屈性格与名族气节。从《二泉映月》中流露出来的音乐情感正是那个时代底层劳苦大众内心世界的反映,引起了他们心灵深处的共鸣。其次,《二泉映月》的曲调与传统中国戏曲以及民俗音乐联系紧密,让国人感到十分亲切。其旋律有如行云流水、连绵起伏,在美丽动人的律感后面隐藏着说不完、道不尽的苦,给人“独怆然泪下、叹人世凄苦”的感受。新中国成立后,中央音乐学院的曹安、杨荫浏等音乐家受命对华彦钧的音乐作品进行搜集、整理、记谱、录音等工作,文化部门对搜集整理的音乐进行了出版或广播。从此时起,《二泉映月》再次焕发生机活力,被改编成民乐重奏、提琴独奏、弦乐重奏、二胡独奏等各种表现形式用于演出。它甚至被搬上了银幕,作为电影《二泉映月》的主题曲与全国观众见面。
1950年,华彦钧在无锡举行的一场民族音乐会上,第一次也是唯一一次当众演奏《二泉映月》,赢得了在场所有观众持久的、雷鸣般的掌声。尽管后来诸如彭修文、吴祖强、何占豪、丁善德、丁芷诺等演奏家乐此不疲地对《二泉映月》进行改编,或以其他乐器进行演奏,但他们都能够以各种方式把握该首乐曲的“神形”,给听众留下了深刻印象。一般而言,对原曲进行改编,或以其他乐器演奏,都会影响原曲的“神貌”或“形貌”,然而,《二泉映月》的神奇恰恰在于,它不朽的音乐生命力可以寄附在任何音乐表现形式中,令人匪夷所思。由此也可以看出,华彦钧的《二泉映月》与贝多芬的《命运》的确是让世人钦佩的音乐艺术极品[5]17。
参考文献
[1]李天义.中国民族器乐经典作品欣赏[M].民族出版社,2009.
[2]刘红.中国道教音乐史略[M].文化艺术出版社,2007.
[3]梁茂春.民族战歌[M].中央音乐学院出版社,2005.
[4]汪毓和.中国近代音乐史[M].中央民族大学出版社,2006.
关于音乐，关于人生 第11篇
“医生告诉我，如果不做手术，我很可能就在睡梦中离开了。”游鸿明平静地讲起那段生命攸关的往事。一场手术，确实从声态和心态上都改变了这位出道20余年、在歌坛已留下400多首作品、被誉为“情歌诗人”的著名歌手。对于很多像游鸿明这样的唱作歌手而言，音乐唱的就是人生的转变，而他们的音乐和人生，都因这转变而变得更有说服力，这可能也恰恰是乐迷们爱他们20年不变的理由。
不手术，便可能终结音乐人生
关注游鸿明，当然还是从那场手术说起。
去年4月19日，一张疑似著名歌手游鸿明的耳鼻喉科入院单在脸书（FACEBOOK）上被爆出，随后，有台湾记者电话联系其唱片公司后获悉，这张入院单确实系游鸿明本人的，且游鸿明将于近期进行手术。据当时唱片公司工作人员透露，游鸿明的声带问题已是长期病症，4月23日，他将在台湾进行声带和鼻腔手术。医生说手术后，游鸿明可能“失声”，有50-60%的可能会能终止其歌唱事业。
“其实我有这个病至少已经五六年了。”游鸿明说，他从小有鼻炎，体质易过敏，当了歌手之后，更是落下职业后遗症，喉咙动不动就扁桃体发炎，而且悬雍垂割除是个很复杂的手术，作为歌手，游鸿明还是有些担心，一直等了十多年。但不做手术更忐忑，“因为不断有医生告诉我，如果不做手术，可能在睡梦中就离开了，呼吸中止了。”有一次演唱会唱完，天气很热，游鸿明喝了一杯冰水后，喉咙便肿起来塞住了，而那天他的鼻子本来就是塞住的，于是，50秒里，他马上就没有了呼吸，在空气中窒息，虽然他意识还很清楚。这种情况让他战战兢兢的，然后就找到了一位权威医生，加上此时也医疗进步了，变成了一小手术，他才终于在去年同意手术。
术后功力已恢复到七成
好在手术非常成功，并没有出现之前所预言的终止歌唱事业的情况。相反，去年4月23日手术，5月24日，游鸿明就参加了演出。游鸿明解释说，那是因为手术前已经签好的合约无法更改，作为艺人必须履行合约，而另一方面，一个20几年持续做音乐的人，真的无法让他说停下来就停下来。在《最近的游鸿明》之前，游鸿明已经有4年没有发过专辑了，这张专辑原本是计划在2014年推出的，但由于手术不得不拖后。即便如此，游鸿明还是从去年11月就开始进棚录音了，终于在这个3月交出一张全新的唱作专辑。
人们都很担心游鸿明手术之后嗓子的状况，游鸿明说，还好，“目前我的功力已经恢复到了七成，假音也没受到影响。”他透露说，手术带来的影响就是，现在每次录音之前的暖嗓时间增加了，差不多要用一个多小时的时间来调整嗓子才能正常录音。由于新专辑中的歌曲除了《许愿之丘》之外基本上都是手术后创作的，作为创作人的游鸿明，写歌时当然也要考虑到当下嗓子的状况而对作品走向有所调整，“即便不动手术，从上张专辑我的风格就有所变化，少唱撕心裂肺的歌，比较重视节奏，口吻式的歌曲比较多。我本来也不属于飙高音的歌手，听我的歌的人，也多都是要听一些比较舒服的东西，而不是听高音的。”
而基于这段人生重变，游鸿明当然也要在自己最近的音乐作品中将它体现出来。于是他也找到了台湾著名音乐人何启弘，何启弘便将这张专辑的主题定位于“最近的”，讲述人生距离的感悟，既表达时间的概念，也表达空间的概念，“因为他写了《最远的身边》，专辑命名《最近的游鸿明》，也是做一个对应，告诉大家游鸿明最近在做什么。”
最近的转变和最初的坚持
一方面是手术造成嗓音上的变化，而另一方面，毕竟是一张出于2015的专辑，纵使在歌坛已经有了20多年的声名，游鸿明还是要唱属于当下的东西，音乐方式和音乐形态的转变也是势在必行。除了歌迷们早已熟悉的招牌游氏情歌外，必然也包括了当下最流行的英式摇滚、Funky、Jazz/Swing、Slow Rock、Folk等等不同风格。而最大的变化，游鸿明透露说，是与独立乐团新锐音乐人的合作，这张专辑的制作团队就分别请到了出身摇滚洛克班的王斯禹和脱胎于周杰伦团队新生代优质制作人的罗宇轩担任制作，“乐团有技术有创意，这次有半张专辑都是跟他们合作，一半抒情，一半是很有创意的东西。”
但有些东西却是坚持20年不会改变的，譬如对歌曲旋律性的重视。“我更重视歌曲的旋律性。现在年轻人更在乎氛围，但气氛是没法流传的，在空气中放节奏感的音乐，马上能引起共鸣，但不能长久流传。写歌分两种，走旋律的创作人，另外一种用电脑制造出节奏，有动感气氛。我不排斥节奏的歌曲，有时喝喝小酒也需要节奏的音乐，有些是情歌疗伤，两者需求不同。”
游鸿明也说起新老两代歌手的碰撞和变化。这些年，他出任了不少音乐比赛的评委，见识到各种新一代的年轻音乐人，就让他感觉到，相比较而言，老歌手对流行音乐演进的认识，更重视旋律和录音的品质，“那时我们真是走唱歌手，一点点累积才到今天的。”而说到新歌手，他觉得，他们能够被筛选出来，“一定是异于常人，有嘶吼和爆发力的力量型，温柔婉约是比不了这些比赛的。”他承认江山代有才人出，这些新歌手有与生俱来的天赋，才能脱颖而出，但也指出他们大多数人缺乏基础的训练，“应该要有一些对乐器、对写曲的基本认识，因为你不可能永远飙高音，一招半式闯江湖是很危险的，被高高举起，又很快重重摔下来，失落感很重。当评委看到很多选手一开始被唱片公司捧在手心，一旦失去市场，人生失落感很大。所以新人有作词作曲的能力、服装造型的能力，走十年也没不会被淘汰。”
音乐与人生 第12篇
他是一只在呼伦贝尔草原腾空而起的雄鹰。
他是一匹音乐王国中自由驰骋的骏马。
他夏一个与生倶来的音乐天才。
德瀚达尔汗，这个1 9 7 8年出生在美丽的呼伦贝尔草原的青年作曲家.5岁随父兄学习钢琴.手风琴.1 2岁代表少数民族乐团出访欧洲和朝鲜,15岁获得全国手风琴大赛金奖,21岁获俄罗斯国际手风琴第六名。他还参加了朝鲜40年庆典演出。
德瀚达尔汗这个从小喝呼伦贝尔草原蒙古包里阿妈们奶水成长,呼吸大兴安岭山脉里天地灵气的热血男儿是白俄罗斯和蒙古族的后裔。他以手风琴第一的成绩考入哈尔滨师范大学艺术学院音乐系,因在校学习时成绩优异,毕业后被学校留校任教,任手风琴、电子音乐制作教师。
德瀚达尔汗并不是一个安于现状的普通音乐教师.活跃的音乐元素在他的细胞中碰撞着,i生长着.漫延着.音乐创作的激情和欲望深入到他不肯安份的灵魂世界当中，让他彻夜难眠.跳动的音符就像一个个神秘的精灵.带着他进入音乐创作的秘密隧道. 寻找音乐创作的情感密码。从2003至今.德瀚_ 达尔汗多次往返于俄罗斯远东国立艺术大学和中央民族大学之间,探索和研磨中、俄、蒙三国民族音乐的创作和融合。正因为如此,德瀚达尔汗在音乐创作领域的涉猎十分广阔,使得其作品恢弘大气,富有张力,清澈细腻,深邃沉厚。他既有影视音乐作品,器乐作品,又有流行音乐作品,从主旋律体裁作品到少儿体裁作品,从民族体裁到世界音乐,曲风多样。得到了中央民族大学音乐学院作曲系主任导师斯仁教授等国内外专家的充分肯定与赞许。德瀚?达尔汗与国内多名著名歌手,歌唱家、演奏家、导演合作创作了大量的作品。仅2008年他主创的主要作品就有:长春电影制片厂与内蒙古自治区党委宣传部献礼片《我的母亲大草原》片尾曲及全部电影配乐,以及其中由腾格尔最新演唱作品《晚安母亲》:北京紫金长天影业2008年贺岁片《大胃王》片尾曲及全部电影配乐,以及其中潘长江与许慧欣(台湾)演唱的《再送情郎哥》;歌唱家梦鸽演唱的全军英模《方永刚》主题曲;内蒙古电影厂《柴河的天空》片尾曲及主题电影配乐;北京美丽草原影视公司的《孤驮泪》片尾曲《回答》及全部电影配乐;最高检察院影视中心的《一个女检察官的手记》片头配乐;内蒙古电影厂《红色满洲里》电影配乐;大卫兄弟影业《小一一》104集动画片片尾曲及片中配乐;网络音乐作品《北京蒙古民谣》已被百家网站热播中:与北京普罗文化合作录制多张蒙古音乐专辑;江苏电视台拍摄《血玻璃》主题曲及配乐。
刚刚过去的2008年,对于德瀚达尔汗来说是丰收的一年.灿烂的一年,也是其作为青年作曲家的音乐艺术趋于成熟,获得成就的一年。这一年德瀚达尔汗被团中央聘请为”中国首届青少年原创歌曲大赛组委会”艺术总监,奥运会总导演张艺谋为其颁发了“第29届北京奥运会开幕式部分音乐创作”亲笔证书。如今,当德瀚达尔汗双脚踏入崭新的2009年的大门的时候,作为哈尔滨师范大学艺术学院音教系的青年教师,作为北京润禾天成(唱片)文化传媒有限公司艺术总监的他又将以怎样的情景怎样的心智怎样的旋律展现在人们面前?我们无法估计.但是.我们从德瀚达尔汗那凝重的思索.匆忙的脚步.密密麻麻的曰程安排中， 我们知道：在未来的曰子里.这只来自草原的雄鹰.这匹在音乐王国中的自由驰骋的骏马.这个与生倶来的音乐王子给予我们的不单单是创作的丰硕成果.更多的是他事业道路上踏踏实实的脚步和这种脚步的所带来的音乐人生的思考和研磨。德瀚达尔汗的成长和成功究竟是一种天性的偶然呢还是普遍的发展的必然?这是很多人的疑问和思索.也许.只有持久的对德翰达尔汗观摩和研究，不断地总结他成长轨迹，才能解译其中的奥秘。这也许会成为一个崭新的课题和良好的商机。
新年的钟声已经敲响.在德瀚 达尔汗2008年创作的音乐的旋律中我们与他一起推开了2009年的门.心的脚步已经匆匆前行.心的声音在曲折的情怀中流动.心跳在行进中加快。德瀚达尔汗的手指抚摸着心的琴键.一曲美妙的音乐在指缝间缓缓流出。
呵.来自呼伦贝尔草原上的音乐王子.让我们一起踏着你的琴声.开始新的篇章吧!
