摄影技术与艺术（精选12篇）

摄影技术与艺术 第1篇

由于摄影的记录性, 使摄影周旋于信息的传达功能与主观表现之间, 也正由于它强大的记录功能以及数码时代中摄影更多的便利性与可能性, 被众多的现当代艺术家所青睐, 甚至跃身成为当代艺术界的新宠。由此, 摄影不再停留于对事物写实再现的图像展示, 从爱德华.伟斯顿对摄影本真性的探索呈现出了事物另一个层面的真实, 到罗伯特弗兰克充满视觉戏剧性的《美国人》揭示着现代都市的丰富与复杂, 再到杰夫沃尔传达着当代社会虚拟与真实的模糊性, 摄影发展出了灵活多样的表现形式。

20世纪20年代除了蒙太奇照片或物影照片等的一些前卫的作品外, 从50年代开始摄影才真正的算是介入到美术的造型语言里, 也是从这时候开始, 在再现艺术的领域中绘画通过镜头制作的机械写实主义的艺术性进程到了更加无法拒绝得地步, 但从60年代初开始, 摄影图像才算能够合法地存在于画廊和美术馆中可以代替绘画的艺术性作品。

在这样的情况下, 随着60年代再现媒介的扩张, 最具特征的艺术现象是在绘画领域里加予摄影的现实主义的引进, 即用摄影作为表现工具的混合性表现。但是在这种物理性的混合中, 作者们逐渐地让摄影超越了单纯的作为绘画视觉参照用的再现工具, 或者说成为了被认知的表现方式。从结果上来看, 在再现艺术的领域中, 一方面是把摄影视为个人表现媒介物的摄影师们, 另一方面是为了作品的最终信息而把它作为工具性使用的艺术家们。

特别是在当代艺术中, 逐渐地形成了为了艺术的最终目标而使用摄影的新艺术家群体。从这以后, 在传统绘画的展览空间中能够实质性地看得到仅用摄影构成的作品了。那时被这些作者们利用的照片不是品质好的照片, 而是粗糙的、业余的大众杂志等大量制作的照片, 在这些作者的眼里这些照片不再是“现实的确认”, 而是仅仅是被看见的图像。这样的概念是与传统的断绝, 是大部分这些作者利用摄影的原则。

从那个时候开始, 这两种摄影分别按照自己的方式朝着各自不同的方向发展。这两者之间最主要的的不同点是比起作品的结果更重要的是其存在的过程——即纯粹摄影师的艺术性表现大部分是经验摄影行为的这个方面, 利用摄影作为工具来服务于作品最终信息的艺术家们无关于摄影自身的美学, 而是利用构成摄影作品中的某点要素。但虽然如此, 这两者之间的界限仍是显得模糊的。关于这一点, 美国批评家Andy Grundberg是这样说的:“将来, 作为艺术而进行摄影的作者与在作品中利用摄影的作者不再有区别。”

这样的说法是在说画与照片的某些混融, 在画廊中出现的画布或纸张, 基本区分的根据是由作者直接制作的, 还是被制造的, 或是用许多张照片构成的。在这其中, 作为艺术的摄影与作为摄影的艺术之间存在着进退两难的模糊性。

艺术家们在创作的过程中使用的摄影, 目的不是摄影图像本身, 而是在于摄影背后观念意图的显现, 将其当作背景, 而另一方面, 纯粹摄影的摄影师们, 目的在于摄影图像本质的展现上。

但是在现当代艺术中, 使用摄影媒介作为创作手段的艺术家关于艺术的实行, 从摄影的作用与技能方面可以分为四个门类, 但这样的区别也是属于混沌的, 因为在艺术在作品的制作过程当中, 摄影的利用从根本上来讲, 是艺术创作战略里存在着的不同方式之一。所以, 这样的分类只能说是形式上、物质上的区分而已, 作为艺术的摄影与作为摄影的艺术之间没有绝对的基准。

第一个分类, 是把摄影变成与绘画的构成统和, 或者说把摄影变成物理要素来利用的一些作者, 比如拼贴艺术、在摄影作品上进行绘制等形式。这种象征性的组合式地出现, 是艺术家有意图地对政治的讽刺和对社会的控诉。他们把作品表明成“意义的移动与统和”。

第二个分类, 是由绘画拓展的利用摄影作为现实的镜子的艺术家们。他们为了现实主义中作为现实的正确参照物而利用摄影作为辅助媒介或材料。这并非上个世纪60年代的画家们, 把摄影作为现实的镜子从而进行完美复制的辅助工具, 而是具有反传统绘画的性质, 具有煽动性、挑战性, 几乎达到革命性的“新现实图像”的创造。

第三个分类, 上个世纪70年代的艺术家群体, 把时间的消失作为摄影作品的存在条件, 或者作为作品的证据而存在的照片, 比如对行为艺术、大地艺术等的记录。这时候的摄影是作为图像证据出现, 是新型艺术形态的创造。

最后一个分类是作者们从根本上在作品的进行过程中存在艺术观念的情况。在这个群体中, 可以分为两个方面。一方面是摄影作为他们传递艺术信息的工具, 把物质世界翻译成现实的幻想或错觉的再现工具。另一方面是所谓的摄影的现成品, 即抛弃摄影本身的美学探索, 把照片作为物体使用在艺术作品当中, 如在作品中选择某些现成的大众化照片去使用, 从而按照作者的意向去重构和再生这些作为物品的照片进行艺术创作。

在当代艺术全球化的语境下, 摄影俨然已经成为了当代艺术家的宠儿, 然而由于摄影自身的发展历程与使用领域, 使作为艺术的摄影与作为摄影的艺术之间有着模糊的界限, 随着数码影像的发展以及艺术更多的可能性将会使两者之间的界限越发模糊。

参考文献

[1]顾铮.世界摄影史.浙江摄影出版社, 2006.

讲稿-摄影艺术与创作、专题摄影 第2篇

1、摄影艺术

摄影艺术之所以在众多的艺术门类中独树一臶，并已经现代艺术走向未来的最富于魅力、最具有潜力的艺术形式，其中一个最重要的原因就在于摄影工作者在摄影创作中，不断接受现代意识和现代美学观念，不断追求艺术创新的结果。1．1摄影的艺术性

摄影的定义有不同角度的界定：

摄影是运用光学成像等科学原理，使真实景物在平面里得到影像记录或反映的过程”。从摄影技术角度上说的，定义中提及的真实事物，应是指世间的存在物，即实实在在的事物。它没涉及人的思想差异等因素，或者说，摄影不仅仅是按按快门，在按快门的过程中还有社会意识，人的观察角度等因素。

摄影是近代科学的产物，是光学、化学、机械学乃至电子学等科学技术的结合。这一定义主要是从摄影的光学成像的角度来界定的，从这定义中可大致看出摄影与光学、化学的关系。

摄影是关于用某种工具真实地记录客观四维世界(三维实体加一维时间)的影像于某种介质的活动，而该介质必须是静态的，可再现的，可被人类视觉所感知的。摄影的介质可用来传递信息及情感。

摄影这个词似乎是个缩写的句子，摄是动词，指拍摄记录及还原的过程，影指拍摄的主体。脱离了影似乎也就无所谓摄影了，因此才有了用光、布光等制造、利用影这么个过程，才有了摄影艺术这么个名词。摄影的艺术性 摄影是应用科学、想象与设计、专业技巧和组织能力构成的混合体，是一种艺术表现方法，表现思想的传播媒介。

图5 《伟人毛泽东》

吕厚民，著名摄影家。1950年以来长期在中南海工作，是毛泽东、周恩来等党和国家领导人身边的专职摄影师。他在中南海的每一天，都是十分有意义和新奇的，在端着相机、透过镜头去观察和记录毛泽东老一辈革命家工作和生活珍贵瞬间的同时，也耳濡目染了老一辈革命家的高尚情操和伟大风范。1961年以来专职做毛泽东身边的摄影记者，这段时间是他的金色时光，用照相机记录了毛泽东在政治和外交场面的动人风范、记录下毛泽东在孩子们面前的慈祥、记录下毛泽东同普通百姓之间不可分隔的深情、记录下毛泽东对身边工作人员平易近人、和蔼可亲的历史珍贵镜头。

(1)纪实性。表现在如实地反映客观对象，使摄影作品有高度的客观性和真实性。(2)艺术性。通过技术与艺术技巧的结合，加之主观情感，从而产生具有震撼力的艺术品。

摄影从纪实步入艺术殿堂，其中最关键的一点是要解决好摄影纪实性和艺术创造性之间的关系，要求摄影创作尽可能摆脱消极记录客观、最大限度地发挥摄影者的主观创造性，首先要对生活进行提炼、概括，反对刻板地照搬现实，寻求典型化的形象；其次，摄影艺术要求作品表现出摄影者的主观感情，在作品中融入自己的满腔热情或对客观对象的评价；再次，摄影艺术作品应该具有高度的形式美感，给观赏者以形式上的美的享受，因为艺术应当是美的。1.2摄影艺术的审美要素

毫无疑问，摄影不仅仅是一种技术，艺术性应该成为摄影文学的灵魂。在光与影、线与形、色彩与质感的交错和融合的后面，是像外之像、景外之景，是寻求实现一种 意味，是创造一个境界。它在传递外在形象、形式中，更传递一种感觉，一种体验，一种想象和情感，一种阐释与理念。1.2.1光与影

摄影又称“光画”，光是摄影的基本造型要素，事物的具体形象由光的照射才呈姿态，光线本身受光源，光线强度、距离和环境的影响而产生无穷的变化，例如直射的阳光的影纹线条有力，影调、色彩饱和；逆光下被摄体的轮廓明显，立体感强。影是具体形象在光的照射下产生的从亮部到暗部及其丰富的层次变化，影又称影调。光与影始终相随相伴。由于物体的形态，质感借助光与影的变化来表现，环境、气氛要依托光与影来营造，因此，光与影是摄影造型的“母体”，没有光也就没有摄影。

光与影具有抽象化的特质。对摄影艺术而言，光线本身是缺乏意义的。只有在阴影的衬垫下，光线才体现出它的价值。光与影，其实揭示了一种相互的关系。黑格尔指出：“在与对象发生关系之中，光显示出来的不再是单纯的光，而是本身已经特殊具体化的明与暗、光与影。”从根本上讲，摄影也是一种抽象化的过程，是平面对空间的压缩和概括。因此，黑格尔又进一步论述道：“光消除了重物质单纯的客体性和外在性，对重物质的感性的空间整体性加以抽象化。”对于所有的平面视觉艺术而言，相对具体可感的现象世界，光与影终究是一种抽象物。

光和影还具有极大的暗示力，它可以在视觉上使人对物体发生意料之外的歧义效果。光的转动可以带来影子的变幻，从而在视觉上改变物体的高低、长短和凹凸。一个正方体由于光线角度的改变，可以产生长方体的视觉效果；由于光照方位的变动，也可以使一个圆球看上去俨然是一个椭圆。光与影的这种暗示力，能对景物的质感、层次、形体乃至视觉大小都产生不同程度的影响，为摄影增添了趣味，并丰富了造型能力。一些摄影家就这样议论说：“某些物体在不同的照明下好像改变了形态，是光线塑造了它们的表象。”

光与影是摄影的手段不是目的，摄影的根本任务不是为光影而光影。但单纯对光与影的探索，的确能提高摄影的创作水平，强化拍摄者对光影效果的自觉意识。这种对光与影的探索，可以作为学习摄影者的一种必要的操练。

图《等待》光线、影调很好，意境好，等待是孤独，是寂寞，是忧虑，有一种愁绪在内。

1.2.2 线与形

线是人类观察世界、表现世界的“想象性的抽取”。线是表意语言，是取象达意的骨架。图1巧妙地运用线与形来表现建筑 图2建筑小品，很讲究点，线，面的组合！

不同的线条给人不同的暗示和想像。例如直线刚，曲线柔，上扬线舒展，下垂线低沉。

形即形状，是线的形态语言，是激情表现的凸现。不同的形状给人不同的情绪感受。如圆形给人带来圆满和完美的情绪，塔形给人以稳固和永久的感觉。

线条从来就不是客观的真实存在，而是主观认识对客观事物的视觉抽象，因此，它带有极大的主观性和浓重的感情色彩。

图1《老槐树》一棵很久就以经不再生长了的老洋槐，如今仍然站在那里给这个世界增添色彩。表现了一种精神，看到它，想起了我见过的89岁的老头了 图2《跨越》抽象的钢结构物体在阳光中有了生命力。线与形是摄影构图的基本要求。

它不仅能反映和刻画物体的外貌与轮廓，好的摄影师总是善于运用线条来进行造型拍照，因为线条能帮助我们生动的刻画事物形象，使作品增加美感，是我们表达思想情感的有利手段。1.2.3 色彩与质感

色彩是影响人们情感的一种因素 暖色能给人以温柔、宽慰、热闹之感，如夕阳、晨晖等等，图《晨光》大气

图《杂技》流光异彩，欢快

图《东北纪行－牧羊曲》美丽的贫困得到极尽的表现 冷色给人以忧郁、阴沉、寂寞之感，如冬日、日光灯等等。

如果摄影者能够意识到这些，并且能在摄影创作中合理运用，对摄影创作是大有帮助的，拍出的作品一定能够引起读者的共鸣。

色彩是平衡摄影画面的手段。在彩色摄影中色块是构图的重要元素，如果摄影画面是以突出原色为主的构图，那么画面给人的稳定感就很强，画面中的非原色就只能起到活跃画面防止构图单一的作用；如果是突出非原色的构图，（图《旋律》）那就给人不稳定的感觉，因为非原色趋向于原色，就是因为有这种不稳定性，就会造成一种视觉上的张力，从而使构图具有动感。色温也对构图造成影响，一般来说暖色比冷色显得要重一些，（图《土林》）在摄影创作过程中一定要了解到这些，并且能熟练地运用这些。如一些大色块的运用，还有冷暖色彩的搭配，可使摄影画面平衡，当然也可以别出心裁，可以使画面有失重的感觉，那样会使画面更具动感，达到创作目的。比如用大面积的绿色来衬托红色，让人们的兴趣中心落到了红色上，还有如蓝天、白云、绿草能给人以宽阔、宁静、舒适的感觉，这种色彩搭配叫人心旷神怡。

色彩是影响画面透视效果的一种因素，也许有人会有不同意见，但事实是这样的，除了光圈之外，色彩也影响透视效果，但它不影响景深，这个概念要搞清。可能更多的是视觉心理上的，一般来说暖色距离向前，冷色距离向后，另外饱和突出的本色比它的相邻色要显得更近一些，其实我们很多的摄影作品已经证明了这一点。比如要表达天真活泼的儿童，肯定是用原色较多的暖色调，而要表达沉思的老人那就要运用冷色调或者说是低调了。前者透视感不强，但画面活跃，后者的透视效果好，使人感觉到有深度。如果在一张画面中搭配有合理顺序的暖色和冷色，那么画面的透视效果一 定会很强，反之如果只是单一运用红、黄等暖色，那画面的透视效果就要差一些，但画面活跃，一切跃然于纸上，有一种扑面而来的感觉。所以摄影师应当认真地思考所要表达的题材，合理地运用色彩来调整画面的透视效果。

质感即物体表面的肌理。每个物体都有它自己独特的质感和表面细节，成功地表现出这种质感可以大大地增强照片的效果。表现出质感，要求多少善于观察。关键是要懂得对不同的被摄体用什么光线效果，以何种拍摄角度最好。为了表现质感，最明显和常用的是侧光，明亮反差大，效果明显。突出质感在广告片拍摄中尤为重要。1.3摄影艺术的审美特征

内容——摄影艺术作品的灵魂，由兴趣中心即视觉焦点表现。形式——是指对象的形状和结构。在摄影艺术作品中表现为构图方式。意境——摄影艺术作品中凝聚的浓厚意趣和情思。2.摄影创作 2.1摄影创作的基础

一、摄影创作基础：光影效果、构图技巧、瞬间把握

二、创作的能力：现场目击、把握机遇、瞬间直觉、想象、艺术修养 2.2观察与发现

熟知的东西所以不是真正知道了的东西，正因为它是熟知的。我们看惯了的东西不觉得美，正是因为熟悉了、看惯了便忽视了。熟知的东西不等于真正知道的东西。人们对新鲜的事物的了解往往停留在感性阶段，经不起推敲。只有从感性上升到理性，即对感觉到的事物进行理性的认识和评判，才能把握住事物的本质，所创作的作品才具有深度。许多事物要想真正了解它，就必须用一种特别的眼光看待它——观察。所谓的观察就是用眼睛仔细地看，用心深入地思考。

摄影是一门发现的艺术，发现平常容易忽略的细节，发现事物的典型特点和事物间的内在联系。

观察能力与人的生活阅历、知识水平、性格特点等因素有着密切联系。

一、观察有效的空间

经过观察分析，确定想表现的主题后，进行取舍。

二、观察主次关系

观察主体与陪体（或背景）之间的关系，主体是作品表现的重点，是画面的视觉中心，而陪体对主体或画面起衬托、点缀、补白等作用

三、发现事物的内涵

通过分析、推理、判断来发现事物内在的因果关系，通过想象使表面形象产生更深一层的意境。

不同的摄影领域，摄影观察有着很大的差异 长期的生活经验和艺术实践的积累 厚积薄发 3.专题摄影 3.1人像与人物摄影

人像摄影：比较正规的人物形象拍摄，以静态造型居多；

人物摄影：人物活动（包括人物的环境在内）的拍摄，以动态的表现为主。两者都可以统称为人像摄影，关键是面对人的拍摄不应当只是单纯地表现人物的外貌形象，更重要的是要深刻地表现人的性格、内心世界及其活动的一切特点。

1、人像的造势与姿势

当人物在照相机前做出的一个动作时，不管它的动作是自然流露，还是人为地设计，照相机快门铺作的总是某一瞬间的身体造型，包括脸部的角度、身体的姿势、四肢的摆放，以及与周围环境的默契。离开了对人物外表造型和姿势的刻画，进入人的心灵只是一句空话。

从人像的造型分类上来说，头部最易于表达人物的表情和脸部的质感，半身像最易于表现人物的性格和姿势，而全身人像的最大优点是能让人物与周围环境构成有机的联系，便于营造画面的情调与气氛。

 人像摄影的脸部造型非常重要，不管是平行还是俯仰的变化，都必须小心把握。 人像摄影的身体姿势主要强调动感，使画面产生新的活力。 手的作用在人像摄影中举足轻重，手之善于表达感情，仅次于眼。

2、人像用光的基本特点

用光也是人像摄影中的一个重要因素。比起风光摄影来说，人像摄影的用光更为自由。

a)正面光照度均匀； b)侧面光立体感强 c)逆光富有情趣

d)室外拍摄上午9~10点，下午3~4点为最理想的时机 e)光线质感

直射光，它的造型质感充满了力度，特别适合男性和老人，并通过逆光和侧逆光形成厚重的造型效果；

散射光，它的过渡细腻，层次柔和，特别适合拍摄女性和儿童。

不管是灯光还是自然光，只要控制得当，都可以收到很好的效果。光线的质感对人像摄影也很重要，往往能突出出人物的性格和营造气氛。

3、捕捉人物的神态与个性 通过分散被摄者的注意力的方式，可以消除他们在镜头前的紧张感；眼神和嘴的表现力，也只有在放松状态下，才能流露出真情实感；要是被摄者真情流露在于引导，而最后的成功在于捕捉。

4、生活快照的拍摄

生活快照的拍摄场合，往往是日常生活的一些聚会、仪式、活动。其内容可能是单人的照片，也可能是集体的合影。其特点是要尽可能真实地记录人物活动的性情、特征以及周围的环境，生动自然而不做作。平凡中的意味 “全家福”的拍摄

集体照的拍摄有多种手法，关键是通过合适的安排，获得生动多变的造型和活泼的神情。

3.2自然风光摄影

今天的风光摄影不再是单纯地拍摄景物或机械地记录大自然，而是艺术地展现人对自然的特殊感受。我们也不要以为风光摄影就一定是拍摄名山大川，只有风景名胜才会拍摄到好的照片。从身边的一草一木体验大自然的美丽，才能真正享受风光摄影的乐趣。

1、在自然中巧用多变的“光”

 风光摄影的关键是善于用光，并能化不利因素为有利因素。顺光

选择深色的主体衬以明亮的背景，或明亮的主体衬以深些的背景，拉开景物之间的反差，还可以略增加一些曝光，使画面形成一种近似高调的效果，追求一种清新淡雅的艺术风格。逆光 风光摄影中最有个性的光线，能在每一景物的背后勾勒出一条条精美的轮廓光使景物之间产生较强的空间距离和良好的透视效果，因此最适合表现前后层次较多的景物。如果主体景物背后是明亮的雪地或是水面时，逆光下的景物又会使主体形成剪影效果，以强烈的反差力度和简洁动人的画面取胜。

 清晨和黄昏是风光摄影的最佳时机，把握这两头，成功就有了最大的可能。 拍摄太阳是风光摄影中的重头戏，关键在于曝光的掌握和氛围的烘托

第一要适当表现周围景物的，最好避开太阳并以太阳附近的天空为测光对象，保证中间影调的层次。

第二日出日落时的光线变化很大，要尽量采用一些曝光组合，以免曝光失误。第三太阳的大小是由拍摄时的镜头焦距所决定的。镜头的焦距越长，太阳的影像就越大，如果用广角或标准镜头拍摄日出日落时的太阳，则画面的太阳很小。这时可以将光圈收到最小处，由于光圈叶片的作用，在底片上的太阳四周，就可能散发出六角的星光线条，增加了画面的感染力。

第四留心绚丽多姿的早霞和晚霞，使天空的色调更丰富多彩。

2、在自然中寻找有特色的“形”

自然风光中的形表现包括两个方面，一是真实的表现所摄景物本身的造型特点，二是通过增加决定理解和感受把握有个性的造型。比如，有意识地选择、组织造型的重复因素，就能在画面中筑起节奏和韵律，获得独特的生命力。

最简单的节奏形式，就是将画面中队景物线条和块面明显地、均等地划分成相同或近似的若干部分。它的分割不是将画面一分为二，而是至少分成三个以上的画面。重复越多，节奏感和韵律感就越强。

抓住特色，同一景物从不同角度去观察，“横看成岭侧成峰，远近高低各不同”。

3、以气势取胜的山景摄影

自然风景中的山，是性格千姿百态的峰岭。“无限风光在险峰”正是人格力量的很 好陶冶体现过程。

山的俯拍，要强调山的气势，尽可能采用仰拍或俯拍的角度。避免平视取景，以防画面单调平淡。

山间云雾，一山区的夜里寒冷潮湿，第二天太阳初升形成。早起，趁云海随山中气流急速运动变化之际。二是白天，大雨过后天空突然放晴，山谷中的雨水在强烈的日照下化作水气冉冉升起时。

山中日出，结合天象景观，在山中拍摄日出。

瀑布拍摄，瀑布在山景中出现，有利于营造多变地气氛，竖画面有助于强化高瀑布的飞流直泻，横画面可以展开宽瀑布的磅礴气势。尽量开大光圈，选择快门高速端，清晰凝固每一滴跃动着生命力量的水珠；收小光圈，选择快门低速端，拍摄出的瀑布如纱幔轻垂，凝重而有力。

4、变化多姿的江河湖海

水上的旅行拍摄要做好充分准备，防止在舟船中与美景失之交臂。

水的光影、色彩和水的曲折流向是拍摄水景的关键，可以充分展现水的表现力。海边的光线氛围以黄昏为佳，同时注意拍摄海边生活场景。

5、个性迥异的人文景观

风光摄影所面对的一个重要的题材，就是结合自然山水和人工建筑于一体的各式园林。众多的园林不仅把自然界的上水石木运到园林中，而且通过假山、水榭、桥梁、走廊等巧妙布局，或掩或藏，达到以虚衬实、以少省多的妙境，形成自然山水与园林建筑相结合的独特的风格。从中国园林的特色来看，园林的拍摄主要可以分为三类：皇家园林、私家园林和寺庙园林。

皇家园林以气势取胜，对称的结构和宏大的场景是表现的重点。私家园林以多变为趣，在曲折掩映中找到最佳的视点，以少胜多。寺庙园林的特点在于野趣，集合苍松古柏，展现历史的风韵。

6、各种自然气候的表现手法

阴天的拍摄

阴天：缺少阳光，明暗对比减小，反差非常弱，灰蒙蒙一片，色彩不鲜艳。拍摄时避免平面物体，选择前景、中景、远景等多重排列的自然景观，通过近深远淡的自然规律，尽可能拉开画面的反差。雨天的拍摄

反差弱。寻找深暗色前景，少曝光量，放慢快门速度，表现雨丝。拉大镜头和雨景的拍摄距离 雪景的拍摄

特点：反光强，亮度高，景物明暗反差对比强。避开白雪测光，侧面光最容易表现雪的质感。雾景的拍摄

选择适合的前景，以其强大的造型和力量感稳定画面的情绪。最佳拍摄时间是在浓雾将散未散。阳光刚刚出现之际，尤其是在逆光下，画面会出现即扑朔迷离又生机勃勃的情趣。3.3旅游休闲摄影

1、旅游摄影对准备工作

旅游摄影前查询文字资料，有助于将拍摄主题有针对性地深入。收集图片资料，目的在于借鉴并不重复别人的拍摄。收集各种视觉媒体的资料，尤其是因特网上的浏览，可为旅游摄影提供准备。

2、旅游记念照的人景安排

旅游摄影中将人物和自然景观结合，目的是起到“到此一游”的纪念作用。旅游纪念照，决不是人物与景物的简单相加。处理好人与自然景观的关系，是旅游纪念照的基本标准。

因景而异，根据不同的类型的景观选择不同的纪念照造型，是旅游纪念照成功的基础。

人物与景观的均衡关系，可以通过各种手段进行调整。尤其要避免视觉选择性的干扰。3.4夜景摄影

夜景的拍摄是非常诱人的，但是也有相当的难度。因为不是整个景物暗淡或反差低，便是局部景物照明强烈，其余部分很暗，形成强烈反差，在曝光上难以控制。因此掌握些基本点的拍摄技巧，对与展现夜景迷人的气氛，是很有帮助的。

1、一次曝光拍摄夜景

一次曝光拍摄夜景的最佳时机是天黑之前，借助黄昏的光线烘托气氛。夜景的测光较难，可以根据一些常见的景观估计曝光。拍摄时根据不同的曝光多拍几张，并且注意不要让照相机抖动。

2、多次纪录车灯轨迹

用多次曝光方法在画面上留下流畅的车灯轨迹，使夜景变得更多彩迷人。拍摄时先取景构图，接着用黑纸遮住镜头，将快门调节到B门，打开B门锁住。注意街道上车辆行驶情况，发现有亮着车灯的车辆从远处驶入画面，或是从近处驶向远方时，轻轻掀开黑纸，等车辆驶出画面后再遮住镜头，如此反复多次，车辆前灯的白色光芒和车辆尾灯的红色光芒就会留下一条条耀眼的彩色线条，直到满意为止就完成曝光，用这种方法多次曝光夜景，能使看上去并不热闹的街道呈现出车水马龙、川流不息的繁忙景象。

3、人物与夜景的结合

 使用夜景人物拍摄模式

在拍摄夜景人像时,将相机调到预臵模式档,选择夜景人物模式进行拍摄,在这模式下可能会延长快门时间,这就需要有好的手力,没有铁手功的朋友可以使用三脚架. 控制闪光灯的光量

相机与人物距离太近,使用闪光灯时,因为光亮强,会使人物变得惨白.这时,可以适当地距离离人物远一些.或者也可以尝试使用长焦端,自下而上进行拍摄.闪光灯的光量可以通过相机的菜单进行简单设臵. 使用广焦

比起部分的景象,夜景的全景会给人留下更为深刻的印象.为了能拍摄出这样具有震撼性夜景效果,应当使用广角端,人物在画面中只出现上半身,适当掩盖部分背景,不要影响夜景的总体效果.4、拍摄焰火

拍摄夜景的焰火，不能象拍摄工地那样轻松，较为紧张些。拍摄焰火的全部过程，半照相机架好，等焰火将要升放时，打开B门，任其在拍摄范围以内的夜空中开花、飘荡，直至熄灭，使整个过程记录在底片上。

5、拍摄月景

用长时间曝光，单独拍摄在月光照射下的景物；用短时间的曝光，单独拍摄月亮，然后把两张底片迭合在一起放大。

夜景摄影注意事项

在拍摄夜景的时候，应注意几个问题：

（1）防止照相机移动

在进行长时间曝光时，相机一定不能有丝毫移动，要拧紧在三脚架上或放在平稳牢固的地方。拨光圈、按快门等一系列操作，都要小心。因为一张底片经过两次以上的曝光，略有微动，景物也会出现模糊和重迭现象，一幅照片即产生了极微小和重迭现象，放大时就会明显地暴露出来，而导致失败。在进行一次曝光时，也不要忽略这一问题，因为这是夜景摄影常常容易发生的问题。

（2）防止光线直射镜头

快门开启后，强烈的光线直射镜头，容易产生光晕，造成整个底片的失败，因此在取景时要仔细观察，有无强烈光亮直接镜头（远处光亮无防）。在拍摄过程中，也要提防有突如其来的强光出现（如突然照射过来的汽车灯、行人的手电筒）。倘若快门已打开，可临时用镜头盖或帽子遮挡一下。

（3）光圈和焦距的使用

拍摄夜景，光圈的运用很重要。光圈大小，影响曝光时间的长短，也影响景物的清晰程度。有些夜景无法用照相机精确地测定距离，只好用较小光圈增大景深范围的办法来弥补。在一般光线下拍摄夜景，光圈可缩小到f/5.6~f/8。如遇到光线亮一些，如果景物在长时间内不会有任何变动，光线也不减弱，可采用小一些光圈，把曝光时间延长，如果采用多次曝光，也可根据光亮的强弱，用光圈来调节。

技术与艺术共舞 第3篇

随着科技的发展，以报刊、户外广告、广播、电视为代表的传统媒体的影响力日渐式微，与此同时，一种基于网络技术发展起来的新媒体横空出世，在短时间内“俘获”了很多人的“芳心”。我们平常接触的数字电视、手机、网络等，都属于新媒体。

新媒体又叫数字化媒体，今天我要介绍的专业——数字媒体艺术专业就是以数字化媒体为依托发展起来的。这个专业分为影视特效与网络多媒体两个方向。前者主要涉及影视作品的创作与特效合成，毕业生一般会到电视台、电影制作公司、广告公司等从事数字影视节目策划与创作、数字电影电视特效制作、电视栏目及频道包装等工作。后者侧重设计、开发和管理与网络、手机相关的数字产品，毕业生大多会去网络公司和移动通信公司从事网站与手机应用的总体规划、视觉设计、运营推广等工作。

“不走寻常路”的艺术类考试

数字媒体艺术专业属于艺术类专业。

说起艺术类专业，大家可能会将它简单地等同于“读书成绩不优秀”云云，恰恰相反，要想成为“数媒人”，你不仅要过五关斩六将，通过艺术类专业考试，还要拿出骄人的文化课成绩。以中国传媒大学为例，文化课成绩起码要在一本分数线以上。可以说，数字媒体艺术专业就是“学艺术里对文化分要求最高的，学技术里最需要艺术细胞”的特殊专业之一！

来说说艺术类专业考试吧。一般人认为艺术类考试不外乎“唱歌、跳舞、画画”，但“数媒”专业的艺术类考试更注重考查人的综合素质、挖掘专业潜能。面试时，考官的问题天马行空，上至天文，下至地理，只有你想不到，没有他考不到。记得当年，我被要求说出六朝古都有哪些、列举几部当年的贺岁档电影、谈谈自己知道的印象派代表作品等。当然，和专业相关的问题也少不了，比如比较三个门户网站用户的使用习惯、说说社交网络的特征等。

笔试中既会出现智商测试题，也会结合实际考查分析能力和挖掘能力，例如让你根据一组智能手机使用的相关数据分析用户的行为习惯。“随意性”也是这个专业艺术类考试的一大特点，考官会根据个人特点“量身定制”考题，我的一位同学还被要求当场设计并手绘出一个网站的主页呢！

那么，真的不考绘画这类专业技能么？这里有必要说明一下，不同高校的数字媒体艺术专业的艺术类考试是有区别的，比如浙江传媒学院有一年就考了四格漫画临摹。

专精一门的综合性学科

“数媒”是个艺术与技术并重的综合性专业，所以课程体系比较多元化。这里既有《艺术学概论》《设计基础》等与设计、审美相关的课程，也有《程序基础》《数据结构》等有关数据与代码的课程，还有《网站运营与电子商务》等管理运营类课程。

你也许会问：你们学了这么多内容，最后是不是既懂点儿技术又懂点儿艺术，但什么都不精通？说到底，这其实是一个“万金油”专业吧？——千万不要这样想哦！

在大一时，我们上的是基础课，艺术和技术两方面的课程都要学一点。到了大二，学校设置了编程、设计和策划三个方向，我们可以根据自己的发展意愿和兴趣选修不同的课程，喜欢艺术的走艺术路线，喜欢技术的走技术路线，从此踏上了“专攻一门、潜心修炼”的道路。尽管我们都称自己为“数媒人”，但因为“修炼”的方向不同，在毕业时就变成了不同的人才：搞编程的人能熟练地写出各种应用程序，搞设计的人能创造出“酷炫”的视觉效果，搞策划的人则能构思出一个个网站、手机应用推广的策划方案。

这正好体现了“数媒”专业的精髓——“精”。“精”，不仅体现为“专精一门”，还意味着“精益求精”。有一门课名叫《互动艺术创新思维》，上这门课时，我们为设计一款概念水杯画过上百张设计图——上百张图啊亲！虽然过程很痛苦，但厚厚一叠的设计成果也让我们充满了成就感——这不正体现了“精益求精”的精神么？

再告诉你一个“内幕消息”，我们专业几乎不考试！看到这里你是不是很心动？终于可以从考试的苦海中脱离出来了！可是我要弱弱地说：“我们非常渴望考试……”因为没有了考试，取而代之的是完成一件件作品。比如做一个富有创意的网站，或者完成一款手机应用的创意、设计以及功能实现，并统计用户的反馈。这种作业都是“无底洞”，它不像做数学题，做完做对即可，因为它们永远可以变得“更完美”。于是，在别人酣睡的深夜，我们仍然“笔耕不辍”；在别人玩乐的时候，我们需要静下心来沉于创作……熬夜可是这个专业的基本技能！

关注前言的技术潮人

也许你又要发问了：既然你们专业要求专精一门，那你们和软件工程、广告策划、艺术设计这些专业的学生有区别吗？当然有！数字媒体艺术专业是以数字化媒体为依托的，所以从事的工作总是和数字媒体息息相关。我们编的程序、策划的方案、做的设计都是针对网站或手机的，和其他专业的学生相比更有针对性。

我们专业最大的特点是注重实践，特别关注互联网前沿信息，紧密接轨业界。在新媒体技术蓬勃发展的今天，课堂上学到的内容和方法可能到了工作的时候早就“不流行”了，所以学校特别鼓励大家出去实习。从大二开始，我们就经常利用假期去不同的互联网公司实习了。通过实习，能及时了解业界发展动态，接触最新技术，顺便把自己培养成“熟练工”，将来就业时就会受用人单位的欢迎。

“数媒”专业属于新兴专业，毕业生人数少，市场需求量大，就业率几乎为100%。新浪、腾讯、百度会朝毕业生们敞开大门，国内几大移动互联网公司也会伸出橄榄枝。以北京地区为例，毕业生的起薪基本在5000元以上，能力突出者甚至可以在初入社会时就月入1万以上。随着工作能力的提升，薪金也会水涨船高，完成一个项目进项几十万，也不是什么稀奇事儿。

那么“数媒人”究竟可以从事哪些工作呢？下面让我们一一列举——

产品经理： 这可是互联网行业项目的“牵头人”，他将负责网站、手机应用等所有数字产品从诞生到推广的整体策划，所有参与项目的同事都要听他“指挥”。

交互设计师： 一个网站怎么使用？一个手机应用如何点击？怎样让用户使用时觉得更方便更顺手？交互设计师将一一为你解答。

视觉设计师： 美观时尚的网站、界面养眼的手机应用，都是他们“妙笔生花”的成果！

代码工程师： 俗称“程序猿”，一个网站或一个应用，全靠他们输入一段段代码神奇地实现！

运营推广师： 任何网站或手机应用都需要进行推广，以便让更多人关注并使用，这就要靠运营推广师们巧妙地运用各种手段来“推销”啦！

新媒体编辑： 他们的主要工作是对数字阅读产品进行编辑，你上网浏览的电子书、电子杂志都缺不了他们的功劳！

新媒体广告设计师： 你一定看到过电梯口平板电视里播放的广告吧？你也见过出租车座位后面的小屏幕吧？这些新媒体类的“小广告”也是我们耕耘的“一亩三分地”哦！

他们说

许教授 （中国传媒大学数字媒体艺术专业教师）： 我们专业在录取时会优先考虑有理科基础的同学，但也不会放过优秀的文科人才。要想学好这个专业，应时刻关注互联网前沿技术，并注重提升实战能力。精于几个软件，能让你在找工作时如虎添翼。

摄影的技术与艺术 第4篇

在18世纪前, 确切地说是在1747年以前, 艺术和技术不分彼此, 混为一家, 张衡在摆弄他的浑天仪和地动仪时, 对自己肩负着科学家及艺术家的双重身份并无知晓, 直至法国学者夏尔巴托于1747年明确提出“美的艺术”的概念时, 艺术才作为一个自由个体从技术中分离出来。这时, 一部分人开始声称自己为艺术家, 并且是具有最崇高品质的人, 此时科学与艺术才分道扬镳、各尽其能。然而, 摄影的出现又再次将科学、技术和艺术统一起来。

一、摄影的产生

摄影术产生于1839年, 虽然身处科学技术与艺术分离的时代, 但摄影却天生与艺术和技术纠缠不清。可以说是由于摄影技术的出现才有了摄影的艺术表现形式 (化学家们发明了摄影术) , 也可以说是因为对艺术审美的迫切要求才促使摄影技术产生 (艺术家们创造了摄影) 。然而, 发明和创造是同一时期的事。科学家们为了追求一种能够记录光线的方法发明了照相机“光线记录器”, 并且基于对光线和影像长久保留的愿望发现了感光材料“卤化银”这种像炼金术一样充满活力的神奇金属粒子。随着人们愿望的膨胀, 没有人再愿意花时间等待“卤化银”变化, 高速感光片, 一次成像片随即而出, 直到现代, 科学家们又再次做出了突破, 数字处理器完全的替代了“卤化银”。

画家把透视法、构图法和特别的观察方法都无私地奉献给了摄影术, 科学家们直接移用了这些方法, 或加以改进成就了科学。然而, 数百年来的争论也终将归于一个结论:摄影是科学家和艺术家共同发明和创造的。从一开始摄影的技术就是摄影的艺术, 摄影的艺术同样也是摄影的技术。

二、摄影的技术与艺术

摄影作为凝神关注的艺术, 以感动为出发点, 在拍摄时, 透过四方框的视觉观察, 必然要把包括情感和技术运用的所有意识紧张起来, 带动所有的机械部件, 一起拉动, 释放出去释放的快感也只有在过后的瞬间才能体会。就这样, 影像留在了黑色的夹子里, 开始膨胀。随后, 它们被抖落出来, 或是激发那些金属粒子, 展示出魔力般的变化, 或是通过星星光点般迷人的电缆线裁剪拼合。然而, 最终等待我们的是再一次的感动, 为艺术的伟大而感动, 为技术的神奇而感动, 其实质是为摄影而感动。摄影就是艺术和技术的结晶体。

三、摄影的艺术

摄影改变了人类认识世界的方法。《卡宾手枪》中士兵带回来的成堆捆扎的照片, 象征着财富, 甚至超越了黄金的比重。拥有了照片, 就拥有了世界, 每个人都中了“潘多拉”的魔法, 开始大量地收集照片, 用来制造一个替代的世界。然后, 炫耀它们如同金银首饰一般, 人们开始膜拜摄影。为了满足公众的喜好, 照相机从笨拙的几十公斤变成了几十克, 以便随时随地进行拍摄。人们拿着各式照相机“枪杀”着对方掠夺着各种存在的影像。科学技术的发展故纵了这种“罪行”直至人类自己将自己毁灭。“摄影的时代是革命的时代、争吵的时代、谋杀的时代, 是一切否认成熟之物的时代。一句话是焦躁的时代。”然而, 存在于照片中的艺术却有着相反的作用。这么一张照片一个赤身露体, 刚被美国凝固汽油弹喷烧的南越儿童沿着公路跑向照相机, 她张开双臂, 痛声尖叫激起了公众对战争的反感, 扼制了战火的继续蔓延。艺术正试图让人们坐下来, 睁开眼睛, 自己拯救自己。

摄影在艺术家和科学家共同的智慧中诞生, 它通过技术与艺术的统一来完成自己的使命, 也改变了艺术的展示方式, 开辟了新的艺术道路。然而, 摄影的时代是一个焦躁的时代, 科学技术的发展试图让人类自己毁灭自己, 艺术却通过摄影让人们坐下来, 睁开眼睛, 自己拯救自己。

摘要：摄影是一门技术与艺术的综合体, 在1747年技术与艺术分离为不同的学科时, 摄影又再次把技术和艺术结合起来, 即作为技术的载体, 也作为凝神关注的艺术。

关键词：摄影,技术,艺术

参考文献

[1]尹定邦.设计学概论[M].湖南科学技术出版社.2002.

广告摄影艺术价值与市场效应研究 第5篇

一、广告摄影的艺术价值

广告摄影在众多摄影门类中别具一格，缘于其兼有艺术价值、社会价值、文化价值，且应用领域广泛，涉及经济、文化、娱乐、教育等，与各类活动相辅相成，发挥最大效能。同时，广告摄影是广告活动的重要组成部分，时常要与影视广告、平面广告以及企业的活动策划紧密结合，使活动的内容与形式相统一。广告摄影依托于先进的科学技术，以视觉媒介文化为背景加之影像传播理论为基础，专注于商业或公益行为。[1]广告摄影有利于现代媒体的广泛传播与宣传，在制作形式的灵活性、媒体选择面的广阔性上占据巨大优势。广告摄影展示了商品的性能与特点。首先，广告摄影通过真实的人物、空间、氛围进行渲染，给消费者最直观的体验，以此展示其商品的价值。其次，广告摄影展示了商品的品质、色彩、形态，手法鲜明深刻，主旨明确，在商品表现方式上独具一格。一款好的广告摄影作品在充分体现商品外在美的同时，进一步挖掘商品本身隐藏的内在美，它是摄影创作者的思想与商品特征不断交流、碰撞产生灵感的过程。卓越的广告摄影作品所展现的是摄影者扎实的艺术功底和优秀的摄影技巧。广告摄影新鲜有趣的创意、形式上的美感能够在视觉上给人以冲击，照亮人们的心灵，使消费者的审美水平得到提升。[2]

二、广告摄影的市场效应

广告摄影的最终目的是促使消费者购买产品，它通过图片吸引消费者的注意，以期将产品信息及时准确的传达给消费者，从而促进产品销售。社会发展至今，广告摄影作品人们并不陌生，它以商业广告的形式频频出现在我们眼前，为商家谋取利益。通常，广告摄影拍摄的出发点集中在广大消费者的行为、心理、日常生活所需，将此需求视觉化，增强切实体验。广告摄影图片不仅传递着商业信息，而且将消费理念、时尚元素、品味修养等生活方式植入消费者脑海。部分学者的观点“评价广告摄影成功与否的标准，是在于其对消费者或广告对象行为的影响力的大小，在于商业促销成绩的大小，在于广告客户的评判。这种明确的功利性倾向是现代广告摄影的专业性特点。”[3]基于广告摄影的这一特点，广告摄影从某种意义上说是一种信息传递艺术，在广告活动中起表现性作用。为了使传播效果更加突出，广告摄影应尽可能贴合整个广告，增加其艺术成分，从而使摄影图像更深入人心，富有感染力。

三、现阶段我国广告摄影的艺术价值与市场效应的关系

随着市场经济如火如荼的发展，社会分工的明确，各行业在满足自身正常运营的同时，需要将产品更快速、更广泛的进行传播，广告摄影就是在这种社会背景下产生并逐渐发展的。中国经济体制完成了从计划经济到市场经济的转变，在新时期新形势下，众多厂商为了抢占市场份额，将产品进行包装、升级，不断推陈出新，以新形象去吸引消费者。[4]广告摄影在经济活动中，是商家重点使用的一种宣传手段，广告摄影把握了商品的品质、性能、色彩、形状、功用等等视觉要素，并且要彻底的表现出来，充分激发消费者的购买欲望。良好的广告摄影作品蕴含较高的艺术价值，它以艺术为媒介增加了消费者对商品的.关注度。探究消费者的心理，广告摄影制作的视觉体验主要通过电视、户外广告、期刊杂志等传播途径，持续的将商品信息传递给用户，引导广大消费者的消费行为、习惯，从而影响了消费者的购买行为。广告摄影是商品进入市场不可或缺的关键环节，在很大程度上促使产品进行扩大再生产。

四、广告摄影的艺术价值与市场效应的关系相统一

广告摄影综合了视觉艺术和摄影技术。现阶段广告传播中，广告摄影的艺术价值与市场效应并非成正比，广告摄影作品的艺术价值高，在市场上不一定能获得同等的认可度。如何制作出既有高的艺术价值又有好的市场效应的广告摄影作品是众多广告摄影者追求的目标。国外有关专家对广告摄影的艺术价值与市场效应关系的研究著作较多，内容丰富、全面，理论成果显著。在国内，广告摄影市场发展基础不牢固，小规模的拍摄仍占主体，相关的理论研究深度不够，缺乏调查研究，还有待完善。现今广告领域对于广告摄影的艺术价值与市场效应的关系研究逐步重视起来，广告界正在积极探索艺术价值与市场效应相统一的正确思路。厂商及广告摄影者在发展广告摄影行业的基础上，拉近消费者与广告摄影的距离，充分互动。一是借助广告摄影画面提高观众的审美水平;二是使观众理解广告摄影的真正意图，才能促使产品销售。广告摄影参与者单纯从商业利益的角度出发是不够的，不能纯粹追求利润最大化，在考虑经济效益的同时兼顾一定的社会效应，符合社会主义市场经济体制的需要，才能走得更长远[5]。广告摄影涵盖广告和摄影两大领域，在我国大力倡导发展传媒文化的过程中，其作用不容小觑。广告摄影的传播优势和广告效果愈见明显，随着数字化程度日趋提高，网络日益发达，广告摄影在社会主义建设中的角色必然是无可替代。

参考文献

[1]李化来,沈玲玲.论广告摄影的艺术价值与市场效应[J].新闻世界,(11):117~118.

[2]蓝江平.论广告摄影的视觉传播特性[J].创新论坛,(1):306.

[3]王天平.《当代广告摄影》[M].上海：上海人民美术出版社,:98.

艺术设计中艺术与技术的关系分析 第6篇

[关键词]艺术；设计；技术

1.引言

设计属于一种具体创造性特点的活动，在智慧理念的指引下，通过相关技术和工具的结合运用来达到自己的目标。因此可以把设计成为人类的欲望、思想进行物化的一种实践活动。技术通常是指机器技术，即为通过机器技术可以达到对物体的控制目的，从而可以更好地开展改造、加工、采集等各方面实际工作。然而艺术属于自由形式的活动，是无法转给机器生产制造的，同时不会受到各种条件的限制。艺术设计属于科学技术与文化艺术相互结合的交叉性学科，在历史上每次发生科学技术的改革，都会推动设计理念的发展，有利于实现设计文化的进步。文艺复兴的前后时期，艺术设计的一般意义是艺术家内心的创作设计理念；在18世纪的后期阶段，其意义得到了发展，主要是指构成艺术作品的线条与形状，在比例、动态与审美等各方面的相互协调；在20世纪的初期阶段，主要是指实行某种创造活动时的计划方案的具体展开过程，即为在头脑中的思想构造。张道一先生对于这个词语的理解是十分清晰透彻的，设计主要是围绕着某一具体目的从而展开的计划方案或者设计方案，一般是思维与创造的动态化演变过程，其具体结果最终是通过某种符号的作用表达出来。另外需要充分考虑到具体方面的设计对象，根据实际的生产技术条件与制造工艺的可行性状况，从而进行相应的创造性活动[1]。

2.艺术与技术的发展

由古代到近代阶段，艺术和技术已经经历了漫长时间的时代才得到统一，从而融为成为一体。在17世纪的初期阶段，艺术和技术已经呈现出分离的发展趋势。艺术和技术的相互统一，需要根据艺术设计的本质进行决定。充分考虑到艺术设计所统一的物资和精神，在价值方面需要有效表现出审美价值和实用价值相互之间的统一。因此在艺术设计的发展过程中，艺术和技术是无法缺少的两种具体因素。在设计过程当中，只有把艺术和技术因素相互地进行统一，才可以更好地促进艺术设计的发展，才可以把艺术设计推向到更高层次的台阶上。在艺术设计过程中，技术主要是为了艺术而进行服务的，从而可以达到统一和谐的理想效果。艺术在进行艺术作品的创造过程中，需要通过相应的技术手段进行实现。然而不管是一种艺术作品，或者一种艺术，都应当充分符合艺术美的具体要求，艺术最高层次的目标在于实现人与自然的和谐统一。艺术设计并不是简单形式的艺术表现，而应当是需要通过深思熟虑实现的，艺术家所产生的灵感，通过某一种具体的组合与技术，从而可以构成满足形式美标准的艺术作品，同时可以充分满足人们实际的审美要求。因此不管是艺术设计，或者是绘画，艺术和技术都是无法分离的整体，仅仅依靠艺术性，缺乏技术，艺术作品则会无法实现完美目标，然而仅仅依靠技术，缺乏艺术家的设想与构思，即使是先进的技术也无法创造出艺术作品的灵魂。艺术需要得到技术的充分支持才可以实现，然而需要以技术作为基础来充分表达情感与思维。技术属于理性和功能的完美表现，伴随着科学技术的不断迭代更新，可以为艺术表现提供了更多种创造形式[2]。

3.艺术与技术的关系

3.1艺术和技术存在着两面性

在设计艺术概念中，两面性关系的表现是十分突出的。在西方国家的设计艺术历史上，正是由于艺术和技术相互之间出现了分离状况，才会使得技术产品缺乏相应的人情味，外形显得过于丑陋，从而产生了“装饰艺术运动”、“新艺术运动”等各种艺术潮流。不管艺术潮流的形成存在着何种起因，其主要目的都是为了能够把设计艺术当中艺术和技术存在的关系进行充分有效的解决。在这种发展背景下，现代化的设计艺术教育相应地诞生了，其中最能够充分体现出实际意义的是在1919年期间德国包豪斯的成立以及在战后时期的乌尔姆设计学院的成立。在设计艺术的教育环节上，包豪斯与乌尔姆设计院校的主要出发点都是一致的，都是为了充分追求艺术和技术的相互统一。然而充分考虑到两者之间相互存在的社会背景、时代发展的差异性，使得即使包豪斯已经提倡了艺术和技术相互统一的观点，然而在实际教学环节中却主要倾向于艺术方面；然而乌尔姆设计则是主要偏向于技术方面。在实际的发展过程当中，这两所院校的设计艺术教学观念逐渐趋向于艺术或者是技术方面进行倾斜。乌尔姆设计院校在后期阶段的艺术设计教学环节中，把课程教学深入地到社会科学领域与自然科学领域之中，然而无法很好地实现在艺术设计过程中达到艺术和技术相互融合的目标。在艺术设计的实际角度考虑，艺术和技术的相互融合才可以更好地推动艺术设计学科的快速发展。在1969年期间，美国管理学家、诺贝尔管理学奖的获奖者赫伯特·西蒙第一次提出设计科学的理论概念，设计艺术学从此逐步构成了独立形式的新型交叉学科体系。根据其体系的构成而言，可以把设计艺术学的交叉性特点出发展现出来。比如设计艺术发生学主要是对设计的来源、风格与发展等方面进行相关性研究，而且可以联系到考古、历史等方面；设计艺术现象学一般是研究设计艺术和消费、经济相互之间的内在联系，从而可以形成艺术设计经济学等学科；通过实现艺术设计和计算机技术相互融合的目的，可以发展成为计算机图形图像学[3]。

3.2艺术和技术是相互促进的

在数字化技术的发展过程中，艺术发挥出关键性的重要作用，数字化技术的发展主要是以艺术设计作为基础的，然而数字技术发展的主要目的在于艺术设计问题的顺利解决，然而艺术设计可以提供问题解决相应的空间和条件。艺术和技术在我国艺术设计的发展过程中已经不再是无法突破的关键问题，我国成立的400多所高校中都已经设置了和数字艺术相互关联的专业学科，学生已经达到了接近45万，其都可以系统地学习艺术设计过程中的艺术和技术，同时可以将其完美地结合起来，实现相辅相成的目标，从而通过一定的设计流程，创造出富含艺术特点同时具备视觉震撼感的艺术作品。艺术和数字技术的相互结合，已经成为现代化设计艺术文化发展的潮流。艺术和数字技术的相互结合，把单方面出现的问题消除掉，最终为了社会人类的幸福生活、人类社会的进步发展发挥出很大的辅助作用。现代化的数字技术不但可以实现人们的设计，同时可以提供更多形式的设计发展控制，使得设计的主体可以不断地丰富起来，产生更多形式的设计表达方式，从而可以有效地提升设计效率。同时，新型数字技术已经开辟了更多方面的艺术设计领域，可以为艺术家提供更多种形式的题材、内涵和思路，从而延伸出新颖的美学形态，把现阶段的工作方式、娱乐方式、交流方式进行相应地改变，有可能会对感受问题、思考问题与观察问题等具体方式造成一定程度的影响[4]。

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3.3艺术和技术是一体的

技术和艺术一体化的现象已经延续到近代阶段。技术与艺术的具体概念属于一种历史性范畴，在各种不同的社会发展阶段，社会对这部分概念的理解是各不相同的，所以其所主要涵盖的内容会伴随着历史的发展而发生改变。直至18世纪时期，艺术才相应地划分成为优美艺术与实用艺术这两种类型。前者通常是指绘画、文学、音乐、雕塑等各方面艺术，后者通常指工艺、建筑等各方面艺术。英国的美学家罗宾·乔治·科林伍德在《艺术原理》有观点为，对艺术与技术进行了严格的区分，同时对技艺进行相应的解释：其一为技艺一般总会涉及到方式与目的相互之间的重要区别，两者可以清楚地被视为是相互区别同时又是彼此相关的东西，比如工具、机器、燃料等方面；其二为技艺一般会涉及到计划和执行相互之间的区别，执行的具体结果应当在获取之前已经进行充分的设想与考虑，工匠在制造之前就需要清楚所制造的东西；其三为在计划的实际过程中，方式和目的一般是以某种具体方式相互关联的，在具体的执行过程当中，其一般是以相反方式相互关联的。在计划过程中，目的总是先于方式，首先需要想到目的，才可以想出相应的方式。在执行过程中，首先形成方式，目的主要是通过方式而实现的；其四为存在着原材料与成品或者制造物相互之间的区别。一种技艺一般总是要使用在某种东西上面，主要目的在于将这种东西改造成为各种不同的另一个东西。经过技艺加工处理的东西，开始一般主要是作为原材料，最终会形成成品；其五为存在着形式与物质相互之间的区别。原材料与成品一样，都属于物质，然而其实现形式是各种相同的。将原材料说成是未经过加工处理的，并不代表着其是没有形式的，只不过说其实没有通过改造获得成品的那种具体形式[5]。

4.结束语

艺术设计的出现并非是偶然的，伴随着人类社会的进步和发展，人类逐步已经摆脱滞后的状态，慢慢产生各种实际需求，从而产生创造，这即为艺术设计的生成。艺术设计作为生活和美学相互结合的实际产物，与社会大众生活是十分密切的，在衣食住行等各个方面都是为社会大众服务的。生活需要相应的设计，设计为社会生活服务同时可以创造生活。艺术设计，有利于提升社会生活的质量状况，从而创造出更加美好的社会生活。设计是人类为了能够更好地展现出某种特殊的目的从而实行的一种创造性活动，是人类社会得以生存与发展的重要性活动。在艺术设计当中的艺术和技术是相互依存的整体，不管是单一形式地关注艺术，或者是单一形式地关注技术，都无法充分符合艺术设计的实际需求。所以推动艺术和技术的共同进步，相互协调前进步伐，才可以让艺术设计发展地更远，展现出更加广泛的发展空间，才可以更好地创造出具体现代化特点的艺术设计。

参考文献

[1]卢飞.试论数字化时代的艺术设计[J].包装世界，2011（02）.

[2]吴欧红.现代艺术设计的审美与情感特征研究[J].大众文艺，2013（04）.

[3]全泉.艺术设计中数字技术与艺术的关系[J].中国高新技术企业，2008（01）.

[4]陆晶.浅谈科学技术与艺术设计的关系[J].吉林工程技术师范学院学报，2009（07）.

[5]谢时光.浅论现代设计体系中的技术与艺术因素[J].大众文艺，2012（14）.

作者简介

陈诚（1980.11-），讲师，硕士，安徽安庆人。

项目

安徽省教育厅动画设计专业-省级特色专业质量工程项目（2011157）。

电视摄影的艺术与技术 第7篇

电视摄影的艺术

1. 增强画面层次感

进行摄影时, 要突破电视画面的平面性特点, 营造出一种立体感的画面。摄影中的层次感, 一般牵涉到3个问题:1、要注意处理好画面里的前、中、远景, 层次感才会更好;2、曝光准确的片子, 高光部分、阴暗部分细节都能完好地保留, 层次自然会丰富细腻;3、顺光较容易使画面显得平板, 而侧光、逆光的层次相对来说就丰富些。摄像工作者必须注意安排摄影画面的纵深感, 强化画面的立体感, 使观众在看画面时能感到其连贯真实。

2.取景范围及拍摄角度的选择

在取景的过程中, 摄像工作者要清楚所拍摄镜头的目的和希望传达的内容。角度是摄像师传达意识的有效手段。摄像时一般是选择平视拍摄较为普遍, 即从自己的正常视线进行拍摄。需要特殊视角, 有时有特殊的效果。俯拍能够摄取范围比较宽广, 画面上包括的事物也多, 展示场景大;而仰视能体现眼前实物的高大雄伟, 而后景就相对缩小很多。具体情况需要根据场合、光比以及光线等来取景。

3.时间特性的创新

电视画面不仅呈现出空间形态, 也可以呈现出时间形态。它可以对时间进行扩展或者压缩, 不仅能再现时间, 而且往往有创造时间的功能。匈牙利电影理论家贝拉巴拉兹将电影的时间分为三个涵义:“首先是放映时间 (影片延续时间) , 其次是剧情的展示时间 (影片故事的叙述时间) , 和观看时间 (观众本能地产生的印象的延续时间) 。”电视画面通过记录时间, 表现时间, 打破时间的限制, 改变时间的进程, 创造出一种新的时空, 让观众们在欣赏电视画面中作一次直观的时间旅行。

4.同期声的采录, 拍出现场感。

同期声是及其重要的和极富表现力的摄影作品创作手段之一。电视摄影要发挥声画同期的作用和效果, 丰富画面的内容, 增加画面的真实感。同期声是电视拍摄过程中所记录的人物语言、现场声响、环境背景声等。其特点是真实、客观, 来不得半点模仿。声音在生活中的形象是必不可少的, 但是采用同期声的数量、内容也要根据实际, 才能起到画龙点睛的作用。电视画面的地位是不容置疑的, 但声音的地位也绝对不能忽视, 它是电视摄像中需要认真处理的工作环节。

电视摄影的技术

1.镜头要稳、重视移镜头

固定镜头的拍摄是基本功中的基本功。拍摄时要稳定, 不能晃动, 需要一个正确的姿势。如若固定镜头还没有拍好, 就一味追求运动镜头, 给人一种走路还不稳就要学跑的感觉。如果画面不稳定, 就会影响画面内容表达, 破坏观众欣赏情绪。摄像工作者手要稳, 切换要合逻辑, 推拉一次到位, 摇时速度平稳, 不滥用镜头动作。跟拍的要领是注意焦点和操作设备的灵活稳定。只有运动中揭示和美化生活, 做到动静皆宜, 快慢得当, 富有创造思维, 渗透人类丰富的情感, 才能是电视画面美不胜收。

2. 正确曝光, 准确聚焦

摄像中, 首先要确保正确曝光, 因为正确地曝光是决定画面成像质量的关键。曝光过度或是曝光不足, 改变影调和色彩饱和度, 都会影响画面的质感。根据景物的亮度和记录表现景物的需要, 来选择恰当的光圈与快门组合, 正确记录景物的影像于感光片之上。高清摄像机的焦点不易对准是一个普遍问题, 为了获得正确曝光。必须随时调节光量, 在正确曝光的基础上, 才能把对光的感受表达出来, 使作品具有感染力。而高质量的影像要求所有镜头包括静止和移动镜头都必须做到准确聚焦。

3. 构图要合理

电视画面构图贯穿于电视摄像工作的始终, 而构图能力是电视摄像人员画面造型能力的重要组成部分。好的构图不仅让人感觉主题明确, 而且会给人以视觉和心理上的冲击。从电视画面的角度看, 构图就是镜头语言, 通过画面讲述拍摄者要表达的内容。在构图的时候, 拍摄位置是很重要的, 取景方向、距离以及高度共同构成了取舍素材、布局人物主体、安排画面、陪体与背景环境关系的要素。这同时也要合理运用推拉摇移等摄像手法。在拍摄构图过程中, 把握好动静关系, 运用好均衡和对比, 发挥好线条的作用, 进而让生活中各种运动过程的完整性、协调性和丰富性完整地呈现出来。

4. 白平衡调整的正确性

在不同的光线下摄影, 容易造成整个拍摄的图像彩色失真。所以当使用摄像机拍摄时, 随着光源色温的改变, 进行白平衡调整, 以保证正确的色彩还原。白平衡调整是通过图像调整, 使在各种光线条件下拍摄出的照片色彩和人眼所看到的景物色彩完全相同。而要保证摄像机所拍摄的图像色彩还原正常, 摄像师就要对摄像机进行准确的白平衡调整。物体的颜色会因投射光线颜色产生改变, 在不同光线的场合下拍摄出的照片会有不同的色温, 色调的丰富变化给画面增添了无限的美感。所以, 在一些特殊色温环境下的拍摄, 还是靠手动来调整白平衡。只要合理地设计和安排色彩元素, 就能获得不错的视觉效果。

总结

电视摄影的艺术与技术 第8篇

在拍摄电视作品的过程中, 需要从多方面注意电视摄影。唯有从多方面考虑才能够将其艺术性表现出来。

1.1 增强电视画面的层次效果

在电视摄影的过程中, 要想打破电视画面的平面性, 应当为观众创造出一种立体画面感。电视摄影的层次效果通常会考虑三方面的影响。首先处理好画面中前中后的景物, 这样层次效果才会表现的更清晰。其次是曝光的准确性。曝光的阴暗部分应把握好, 这样层次更具细腻性。最后就是顺光容易造成画面的平板性。在电视拍摄的过程中, 设项工作人员应当注意安排摄影画面的纵深程度, 使整个画面的立体感增强。这样观众在欣赏的过程中才能感受到画面的连贯性。

1.2 拍摄角度与取景范围的选择

制作电视作品, 其中画面中景物的取舍具有重要影响[1]。在取景的过程中, 摄影师应根据拍摄的目的与希望拍摄的景物相互融合。在拍摄中, 角度是摄影师意识传达的有效手段。通常情况下, 电视多采用平面拍摄的方法。但是电视作品制作有时需要特殊视觉、有时需要特效, 摄影师采用俯拍的方式, 其拍摄的范围就会增大。画面就会包括很多事物, 并且展示的景物也会增大。摄影师采用仰视的方式, 眼前的景物就会高大雄伟许多, 后面的景物就无形中缩小很多。电视作品在制作的过程中, 根据画面、场合与光线进行景物取舍。

1.3 时间特效的创新

电视作品的画面拍摄不仅会出现空间形态, 其中还会显现时间形态。时间的压缩与扩展通常都是通过时间形态的画面显现出来。在拍摄的过程中, 不仅可以再现时间, 还能够依据剧情的需要创造时间。电视画面通过时间记录、打破时间与表现时间、改变时间进程, 为观众创造一个新的时空。观众在欣赏电视剧的时候, 好像是一场时间旅行。

1.4 同期声采录, 显现现场感

同期声在电视作品中具有重要影响。其具有极强的表现力。摄影师在拍摄的过程中应当充分发挥同期效果与作用, 进而增强画面内容, 使画面更具真实性。摄影师在拍摄的过程中, 依据电视剧情的需要, 通过艺术手段增强现场感。这是电视摄影工作中不可忽视的一项工作内容。

2 电视摄影的技术

2.1 摄影镜头稳, 移动镜头

摄影师在拍摄过程中, 固定拍摄是一项最基本的操作。保持正确的拍摄姿势, 以此来稳定镜头, 不能晃动[2]。如果摄影师在拍摄的过程中如果只追求运动镜头, 则会给人一种画面老是晃动的感觉。画面晃动在一定程度上影响内容的表达, 使观众产生厌烦感。摄影师手要稳, 在切换镜头时应当符合基本的逻辑思维。在跟拍的过程中注意焦点与操作设备的灵活性, 所拍摄的画面应当做到动静结合。具有创造思维, 将感情融入其中, 这样才会让电视画面更具美的效果。

2.2 调整白平衡

在不同光线下摄影, 很容易造成整个拍摄图像色彩失真。在使用摄像机进行拍摄时, 应当根据光源色温的变化进行相应的改变, 调整白平衡, 以保证整个画面的色彩。通过图像的调整可以将画面的白平衡进行调整。将各种光线下拍摄的照片与人所观察到的色彩完全相同。因此, 摄影师在此过程中应当注意拍摄图像的还原。正确白平衡调整, 有效保证画面的图像。针对物体颜色投射的色调, 在不同的光线场合下, 会产生不同的色温。因此, 在特殊色温环境下拍摄, 还需要手动调整白平衡。

2.3 曝光正确, 抓准焦距

摄影师在拍摄的过程中应当特别注意正确曝光。正确曝光是画面成像质量的重要保证。在拍摄的过程中, 曝光过度或者是曝光不足, 将会影响整个画面的饱和度, 影像画面的质感。正确的曝光需要依据景物的亮度与记录景物的情况来实施。为能够正确的曝光, 应当随时进行光亮的调节。在实行正确曝光的基础上, 将光感表现出来。画面中高质量的摄像包括静止和移动的镜头。色条的变化, 对画面的美感具有重要影响。不同光线下的画面更是如此[3]。因此, 摄影师在拍摄过程中应当抓住聚焦。使得画面不仅具有深度感, 更具有一定的特效。这样才会增强观众的画面效果。

3 结语

摄像是电视作品制作不可缺少的内容。虽然是一项技术活动, 但是其对电视作品艺术的表现性具有重要的影响。因而, 电视作品摄影既属于技术, 也属于艺术。两者相互结合, 使得电视画面更具真实性, 表现形式更具观赏效果。

摘要：我国社会各方面已经发展到一定的阶段, 作为科学技术与文学艺术发展相互结合的产物, 电视剧在市场中具有其存在的必要性。电视剧不仅丰富了人们的精神文化, 同时也在人们的日常生活中起着重要的作用。从某一层面上而言, 电视剧属于一项技术。那么其摄影也当之无愧的属于一门技术。摄影是电视剧艺术与技术的结合体。在电视剧制作的过程中如果没有相应的辅助技术, 其艺术表现形式就会受到影响。技术与艺术相互结合, 最终将作品展现出来, 供人们观赏。就电视摄影的艺术与技术进行简单的分析, 以期能够对这方面的内容有更进一步的了解。

关键词：电视摄影,技术,艺术

参考文献

[1]黄颖.锦上添花的艺术形式——浅谈电视节目中的音乐表达[J].中国广播, 2010, 13 (7) :98.

[2]汤婕.捕捉展示描绘——从“生活空间”播放的纪录片《母亲》所想到的[J].视听界, 2010, 12 (5) :25-26.

建筑遮阳技术与艺术融合 第9篇

建筑遮阳的历史是随着建筑历史的发展而发展的，无论是从中国传统民居建筑的发展历史，还是国外不同时期的建筑遮阳历史角度来看，建筑工程中遮阳技术与艺术的结合都是紧密相关的。

传统民居中的遮阳技术

中国传统建筑中的歇山顶和悬山顶的檐口可以给东、西墙遮阳。歇山顶檐口遮阳属水平面遮阳、悬山顶檐口遮阳属倾斜面遮阳。利用屋檐给外墙遮阳、外墙自身遮阳和外墙借它墙遮阳。两者的共同之处是充分利用建筑之间和建筑自身的构件来产生阴影，形成互遮阳和自遮阳，达到减少屋顶和墙面得热的目的。

冯雅说：“在我国传统民居建筑遮阳技术中是非常重视技术与艺术结合的。”中国传统建筑中常见的门廊与廊柱组成了室内外的过渡空间，也具有良好的遮阳效果。东西向外窗的遮阳结合建筑立面处理和窗过梁设置形成永久性遮阳板，美观耐久，并可兼起挡雨板作用;采用木百页窗遮阳、遮雨、控光、透风，既能观察外界又能保证室内私密性。

而南方建筑的廊道、阳台和骑楼等建筑遮阳技术等，都是中国传统民居建筑遮阳技术与艺术结合的典范。

遮阳技术与建筑一体化

由于建筑的功能、形式是多样化的，遮阳技术在解决建筑遮阳问题的同时，也必须考虑建筑遮阳的技术措施与建筑的协调和适应性。根据建筑的功能、建筑的立面艺术效果来选择外遮阳或内遮阳形式，是采用固定遮阳还是活动遮阳，以及采用玻璃自遮阳(贴膜或镀膜)等手段，以实现遮阳技术与建筑的一体化。

公共建筑公共建筑中如博览建筑、美术馆、图书馆、办公楼、学校建筑、大型机场航站楼、火车站、港口候车(船)大厅、商业建筑等遮阳应该考虑与建筑本身的使用功能、建筑室内环境和节能的要求。

作为公共建筑遮阳应提倡采用外遮阳形式，如在大型机场航站楼、火车站、港口候车(船)大厅等交通建筑挑出的屋顶遮阳和防雨。近年来公共建筑的中厅有越来越大的趋势，这是由于人们希望公共建筑更加通透明亮，建筑立面和空间更加美观，建筑形态更为丰富。

室内中厅遮阳除了考虑中厅的室内建筑艺术效果外，还应考虑建筑的能耗和室内中厅的热环境，通常采用有利于节能的玻璃自遮阳(贴膜或镀膜)控制进入室内的辐射量外，还采用室内遮阳，如遮阳格栅，遮阳幕、遮光幔等，但这类遮阳对节能的作用不是很大，仅仅起到控制室内热环境和调节采光及增强室内艺术效果的作用。

而在建筑外窗，幕墙中运用遮阳技术时，选择不同遮阳技术对外窗、幕墙的遮阳效果是不同的，通常有各种不同类型的水平或垂直面的外遮阳板、室内遮阳格栅、遮阳幕、遮光幔或采用玻璃自遮阳(贴膜或镀膜的吸热玻璃、热反射玻璃、低辐射玻璃)等技术，但必须根据建筑功能、建筑的要求来确定。在南方地区应该选择遮阳系数小的玻璃，而在北方对低辐射玻璃的选择就必须考虑冬季采暖时的得热和失热之间的比例问题。

住宅建筑目前住宅遮阳更关心的是外窗的遮阳效果、遮阳的经济成本。而高层或超高层建筑尤其注重建筑遮阳的安全性问题等。

因此，在住宅中采用不同的遮阳技术应与建筑的通风、室内热环境的效果、采光、遮阳构造与施工、维护的复杂程度、建筑的立面造型、遮阳的安全性以及遮阳的经济性等统一考虑。

遮阳融入建筑艺术

建筑除了它的使用功能外还具有社会、历史、文化、艺术、科学技术等多重属性，因此，在应用遮阳技术的同时，也必须考虑建筑遮阳技术与建筑的社会、历史、文化、艺术的统一，特别要注重建筑遮阳应与建筑艺术融为一体。冯雅认为：如何采用各种形式的技术与艺术的结合问题，是建筑师和从事遮阳技术的人员必须认真考虑的问题。

印度建筑大师柯里亚的遮阳棚架、马来西亚杨经文博士的遮阳格片及沿高层建筑外表面设置不同凹入深度的过渡空间并在阴影区开窗，都是建筑师注重遮阳与建筑立面整体效果的典型。

西藏自然科学博物馆为了满足建筑所追求的整体效果，屋顶透明屋面与南向玻璃幕墙分别采用外层表皮遮阳设计，有效地控制高原夏季强烈的太阳辐射和室内大厅的热环境，同时在博物馆大厅形成曼荼罗和吉祥结光影，实现了建筑与气候的结合，是遮阳艺术与技术的完美结合。

而北美、欧洲新出现的自动控制遮阳幕、可调节的活动外遮阳板、遮阳格片、玻璃自遮阳(贴膜或镀膜)技术，处理好外窗或幕墙玻璃在阳光照射下所体现的不同色彩、建筑所体现的明暗层度以及遮阳节能效果等都是建筑遮阳技术与艺术所关心的问题，遵循技术与艺术的结合及节能的原则，把建筑设计与遮阳、良好的室内环境融为一体。

遮阳技术与建筑一体化前景可期

近年，在中国建筑遮阳已经被人们所重视，自然遮阳技术与建筑一体化成为建筑工程中人们所关注的问题，尤其是在南方长江三角洲和珠江三角洲技术经济条件的地区。许多建筑已经大量采用遮阳设施，遵循技术与艺术的结合及节能的原则将会越来越受到关注。

浅析艺术与技术的关系 第10篇

在人类社会漫长的文明进化中, 技术先于艺术而产生, 而后相辅相成、结合发展。早在旧石器时代, 远古人类打磨石器用以采集和狩猎, 此时技术的创造便诞生了, 但还不具备自觉的审美意识, 不属于艺术的范畴。到新石器时代, 人类发明了陶器制作技术。原始彩陶造型多样, 纹样装饰丰富, 这标志着人类自觉审美时代的到来。这是人类技术进步与艺术起源、发展的初次完美结合。原始人类还掌握了在矿物中提取彩色物质制作颜料, 在洞穴中或岩石上绘制大量的壁画、岩画。这些造型别致、线条生动、色彩粗狂的作品极具审美价值, 是绘画艺术最早的表现形式。雕塑的始祖——原始器物艺术的代表如“石维纳斯”, 也是原始人类审美特征和技术表现结合的典型。

随着人类科学技术的不断发展, 艺术也体现出更加丰富多彩的形式。建筑方面, 从泥土、木质、石材到混凝土、钢筋, 从柱式结构、拱券技术到钢筋水泥结构, 建筑艺术在技术之上使各种造型和审美风格成为可能。绘画方面, 从最初的洞穴壁画、岩画、纺织物上的缣帛画到造纸术发明后的纸本绘画, 再到油画、水彩画等等, 如今颜料制作工艺更加科技化, 绘画上出现了综合材料技术的运用。雕塑方面也不再满足于大理石、金银铜铁的技术运用, 而是充分运用现代科技材料进行表现。充分体现艺术与技术结合的是工业革命后摄影术的发明, 人类进入了机械复制艺术时代, 电影作为一门综合艺术郎阔了各种先进的现代技术手段。

可以毫不夸张地说, 在艺术形式的每一次重要的历史演变中, 技术都扮演了关键的角色。每一次科技的革命或多或少都会给艺术带来一些变化, 艺术与技术之间是持续发展着的, 是相辅相成的关系, 技术可以改变艺术, 艺术也可以反映技术, 它们其实是不可分割的。

艺术素养需要技术才能进行展现。就绘画而言, 人们谈论最多的主要是主题和技术的问题, 选择怎样的主题观念、运用怎样的技术技法效果进行表现, 始终是各个绘画专业领域最为关注的课题。如果一个人具有扎实、深厚的绘画技术基础, 其就有可能取得事业的较大成功, 就能够尽可能的展示自身的才华。反之, 没有扎实的绘画技术基础, 想在绘画方面展现自身才华是十分困难的, 最好另辟蹊径。

19世纪的工业革命的影响貌似削弱了绘画的技术性, 实则不然。后印象派推开了现代艺术的大门, 之后绘画流派与表现方式形形色色。对比传统写实绘画, 现代绘画看似技术性降低了, 大都变得随意潦草, 不再是严谨的写实技术。然而除开写实这类技术, 现代绘画在画面经营、色彩搭配及设计构成等方面的技术却更加完善了, 不能简单的说临摹安格尔难、临摹毕加索简单, 就得出现代绘画缺乏技术性了, 绘画技术不只是简单的用笔繁简区别, 还包括对画面构成、节奏、调式等各方面的思考。天才画家梵高的流动的线条和跳跃的笔触是极具技术含量的, 这不弱于古典绘画的涂抹技术;被誉为“现代绘画之父”的塞尚的静物作品, 画面构成技术考究, 英国评论家弗莱评论塞尚的静物画说, “想在18世纪的古典油画静物中摘颗水果下来, 对画面没有影响, 而想在塞尚的静物中取点什么, 画面明显不完整了。”从这个意义上无疑体现了现代绘画的主观技术性。

技术才能是艺术自信的前提保障。以音乐表演艺术为例, 作为音乐演奏家, 相信自己的能力和实力是至关重要的, 这种自信的前提就是扎实的专业基本功和平时的刻苦练习, 所谓“台上一分钟, 台下十年功”正是说明了技术才能的辛勤积累。纵观音乐表演史, 但凡杰出的演奏家都具备一个共同特点, 就是其成功的表演都离不开超强的技术才能。如果演员在登台之前已经清楚的知道, 自己的技术到了何种驾驭程度, 在舞台上应该做什么, 他就可以摆脱一切外界干扰的紧张情绪, 从而进入其所需要的表演状态。这都充分说明了扎实的技术会使演奏者得心应手、自信满满, 从而使表演的作品最大化的呈现出艺术性的一面。

技术服务于艺术, 艺术又反作用于技术。技术与艺术不是对立的, 而是合二为一的, 所谓“重技轻艺”或“重艺轻技”都是一种偏见。扎实的技术可以更好的为艺术创作服务, 而良好的艺术创作灵感又能对技术起到反哺和推动作用。

以新媒体艺术为例, 它以光学媒介和电子媒介为基本语言, 它不同于现成品艺术、装置艺术、大地艺术和身体艺术, 而是完全建立在以数字技术为核心的基础上, 它正是电脑技术与时俱进并与艺术完美结合的产物。从激浪派的白南准开始, 电视就开始作为一种新的视觉技术在个性化的视觉创造中得到广泛的应用。新媒体艺术家也并没有唯技术而技术, 而是将艺术观念表达注入技术制作中, 从而使其艺术作品更具生命力。新媒体艺术家冯梦波在一次访谈中回答关于电脑设备与艺术观念表达的关系时说, “一方面我觉得设备与技术永远都不嫌好, 也不嫌多。另一方面当你真到了一定程度后, 真的不在乎这些。一个了不起的书法家不在乎笔, 当然一支好笔自然是有帮助的, 并不是只有这支笔能写好。”这也充分说明了代表当今科技时代技术与艺术结合的新媒体艺术中, 技术与艺术结合的相辅相成的关系。

综上所诉, 在文化的范畴中, 技术与艺术并没有准确的区别关系, 艺术本身就是一门技术。艺术与技术广泛存在于人类社会的各行各业中, 世界上没有不需要技术练习的艺术, 而技术又可以遵循其相应的艺术规律。

摘要：人类文化艺术发展到今天, 出现了形形色色的艺术形式和风格流派, 特别是在当今科技信息时代, 艺术已经渗透到各类信息技术领域。艺术的传统继承与发展创新无不与技术的革新演变紧密相连。在科学技术日新月异的今天, 如何更好地把握艺术与技术的关系, 发挥出它们“一加一大于二”的效果, 这是当前所有艺术工作者无法回避并应当着重思考的问题。

关键词：艺术,技术,关系

参考文献

[1]王天兵.西方现代艺术批判[M].北京:人民美术出版社, 1998.08.

当技术与艺术　完美联姻 第11篇

艺术牵手技术

我们已经证明，技术在科学研究、数学工程方面有着自己的位置。现在我们要证明: 技术在艺术中也有自己的位置。

孙定: 我刚刚看了在今日美术馆的数码雕塑展，我知道欧克特不仅为这些数码雕塑提供工业设计软件，也是这次数码雕塑展的幕后支持者。这些年来，技术与艺术的结合是一个比较明显的趋势，这种结合会给我们的生活、工作带来什么样的变化？

卡尔•巴斯: 科学技术已经全面融入了我们生活的各个层面，在工作、日常交流和艺术创作中，技术都是非常基本的一个需要。

科技赋予普通人能力，使其参与艺术活动成为可能。作为一种装饰，艺术好像看起来都是针对精英阶层的。我却认为，艺术有各种形式，有的艺术作品是大型的，有的却不是。举例来说，上海博物馆有一尊有一万年历史的铜器，这尊铜器刻有非常精美的雕饰花纹。可见在一万年前，在人们还苦于寻找水和食物的同时，也已经能花很多时间来装饰和美化生活。经济能力和艺术没有完全直接的联系，而我们希望通过科技，让普通人更接近艺术。

孙定: 有一些学艺术的人，比如说学陶瓷的，就拒绝使用技术进行造型设计，他们认为只有手做出来的东西才是最好的。你怎么看待这一现象？

卡尔•巴斯: 我个人认为，技术能够更好地实现艺术想法。技术能把新的工具教给艺术家。就像这次举办的数码石雕展一样，这些艺术家的最终目标是艺术创作，而数码技术帮助了他们。

目前，全球各个角落都已经有了技术的足迹，而且对于年轻人来说，技术已经成为他们生活中非常重要的一部分。而传统艺术，比如说绘画，可能就无法唤起技术型年轻人的认可。所以我们需要给这些年轻人提供一种他们熟悉的方式来追求艺术。我们已经证明，技术在科学研究、数学工程方面有着自己的位置。现在我们要证明: 技术在艺术中也有自己的位置。

孙定: 欧特克公司对技术和艺术结合的定位，以及为艺术提供新的技术手段，能够带来什么样的市场前景？

卡尔•巴斯: 我们的实用型工具开始是针对工程师、设计师和建筑师提出的。非常有意思的是，艺术家自己选择了这些工具，这倒给了我们一个思路。

无论软件是用于艺术还是创意，解决问题都是一条主线。造车也好，建楼也罢，都是想通过各种软件获得帮助，并解决问题。通过这样的视角，我们就可以避免对艺术的误读。

雕刻艺术是我们所说的纯艺术，但是从新一代人的观念来看，传媒娱乐也是艺术。从事数字电影和电脑游戏的人就认为，自己做的是数字艺术。另外，汽车车身设计师和时装设计师也觉得自己做的是艺术。

孙定: 你的这番话让我想起了苹果CEO乔布斯。他有一个想法，就是让用户不害怕技术。乔布斯是一个艺术家，对于一个公司来讲，艺术家的气质，或者艺术家对公司的发展是不是也有很大帮助？

卡尔•巴斯: 确实是这样，技术的易用性，或者乔布斯的让人们不害怕技术的观点，都是想让人们通过使用技术达到自己的目标。目标是关键，技术只是手段。

惟专注者才能成功

欧克特高成长的最大秘诀在于专注于自己的核心业务，并通过各种工程手段提高技术的易用性。关注易用性，自然要提高研发的投入。

孙定: 欧克特的业务不仅仅是数字雕塑，还覆盖了很多行业，现在企业经营的情况怎么样？能否详细介绍产品的主要覆盖领域？

卡尔•巴斯: 在过去的5年时间里，我们的收入翻了一倍多。5年前，我们的年收入是9亿美元，2006年是21亿美元，预计今年可以达到25亿美元，利润率从过去的6%增长到28%。在全球设计软件公司中，我们拥有最长的产品线和最广的行业覆盖率。2008年，我们被美国《商业周刊》杂志评选为2008年度“全球50家表现最佳公司”之一。

我们的产品客户群主要集中在三大行业: 制造业、建筑工程行业和媒体娱乐业。媒体娱乐包括电影制造、游戏开发、电视节目制作等。其中，制造类占40%，建筑设计工程行业占40%，媒体娱乐业占20%。艺术市场收入占的比例非常小。

孙定: 正如你说的，这5年欧特克增长很快，取得这样高增长的原因是什么？

卡尔•巴斯: 我们公司成功的最大秘诀在于专注于自己的核心业务，把先进技术带给更多的用户。技术是很复杂的，欧克特通过各种工程手段提高了它的易用性。有了这样的易用产品，再通过市场营销把它带给大众用户，这就是我们的策略。目前，欧克特的产品用户数远远多于竞争对手。

关注易用性，自然要提高研发的投入。我们在全球拥有16家研发中心，超过3000名研发人员。其中，位于上海的欧特克中国研究院是欧特克全球最大的研发机构，拥有超过1500名研发人员。近年来，我们的年平均研发投入始终保持在年收入的20%左右，2007年更是提升为22%，每年都超过5亿美元。这在行业内是一个非常高的比例。我们认为，研发不是一种支出，而是对未来的投资。

孙定: 我在宣传册上发现，你们提出了一个可持续设计的理念，这个理念具体是什么？

卡尔•巴斯: 可持续设计实际上就是将可持续发展的思想纳入到设计领域。它可以应用到当今几乎所有的领域，从建筑、城市规划，到生产、工业制造。这一创新的设计思想要求设计师在设计流程中的每一步，都允许对其中的关键元素，如环境、社会、经济等进行整合、分析和优化。例如，在建筑的可持续发展设计中，就要求设计师能够预测设计的性能、比较不同的方案、预期对环境的影响、模拟实施过程等等。这些都必须在设计的开发阶段就实现，才能有效地避免对环境和资源的破坏。

孙定: 你和很多大的跨国公司的CEO不同，很多销售出身的CEO首先关注的是财务数字和业绩，而你给我的感觉是，你更关注用户的感受。

卡尔•巴斯: 是的。事实上我们要去理解客户的体验，要与客户感同身受。只有理解了客户，我们才能在细节处让客户有更好的体验，这样才能给自身带来好的业绩，而不是相反。这其中，我们考虑更多的是如何使产品更易用，如何把产品普及到更多用户。

为什么能够实现好的业绩？因为你为客户做了正确的事情。作为公司的CEO，我要为这个公司设立一个合适的组织架构，选取合适的人才，并且为公司制定一个正确的方向。对于欧克特而言，为客户提供了他们想要的工具，得到的回报就是很好的财务报告。我们考虑的是如何把产品做得更易用，如何把产品普及到更多用户手上，先有因后有果。但是很多CEO搞反了，先看这个“果”，要业务增长多少百分点，再反过来考虑“因”（易用性）的问题。

放缓投资

度过金融危机

面对金融危机，欧克特要做有两点，第一是放缓投资，第二是要提高现有业务的效率，然后耐心等待危机的结束。

孙定: 可能你也注意到了，现在金融危机已经影响到全球经济。那么，金融危机对欧特克的业务是否有影响？目前有没有遇到了什么棘手的问题？

卡尔•巴斯: 目前我们还没有遇到具体的问题，但是预计在不久的将来，随着信用紧缩，我们在开发游戏或者做项目等方面，融资都会出现困难，大项目的资本性支出会紧缩。

但是，我们仍然相信能够度过经济危机。通常情况下，电影、游戏行业和全球经济周期正好相反，因为人们在痛苦的时候更需要娱乐。

面对金融危机，欧特克要做的主要有两点，第一是放缓投资，第二是要提高现有业务的效率，然后耐心等待危机结束。

我们还可以进一步提升用户体验。目前我们开发软件，就是希望能够帮助人们，在某一个概念设计变成现实之前，就能够从多个角度去体验它，丰富理解。

我们的数字样机就能带来这样的体验。前几年，我们开始尝试转型，通过密集的收购和大力度的研发投资，将未来发展重心倾斜到数字样机解决方案上。针对最广泛的应用领域，利用可视化、仿真、分析等一系列工具，帮助用户在设计图纸转化为产品之前，可以真切、直观地体验到自己的创意。对于制造业来说，利用数字样机，可以优化工业机械和产品，使其外形和效率都达到最佳。建筑师则可以根据气候变化和潜在的能源消耗情况评估待选材料，同时可以从逻辑和审美两方面来评价建筑设计方案。

孙定: 你提到要在这次危机中准备放缓投资、提高现有业务效率，来超越自己、超越竞争对手。在这方面，你做了些什么工作？

卡尔•巴斯: 在过去5年中，欧特克的重点都放在快速增长上，而没有放在如何精益求精上，所以在这一阶段，我们要把重点转移到后者。现在我们有了放缓的时机，可以很好地调整自己，实现目标。

在很多市场上，欧特克都占有领先地位，而且我们的公司没有负债，财务状况良好。如果查看我们的收支平衡表，你可以看到非常漂亮的数字。在经济不景气的时候，我们就有了好机会。因为这时候客户会选择在市场上领先的公司作为他们的合作伙伴。

创新是提高效率的不二法则。但是每一家公司都知道，创新不仅发生在企业内部，世界上还有很多聪明的人都在创新。欧特克不仅自己进行创新，还通过收购来提高效率、整合公司的领域。但我们每次收购基本上都是小规模的收购，收购一家公司不外乎两个原因: 一是我们对这家公司的某项技术感兴趣; 二是欧特克要进军新的业务领域，为了获得相关人才而收购。我自己所创建的Ithaca公司就是1993年被欧特克收购的，从那时起，我就开始了全新的职业生涯。

孙定: 有人认为，金融危机中，中国市场不会像美国一样会下滑，还是一个持续增长的市场。你怎么看待全球金融危机下的中国市场？

卡尔•巴斯: 中国还会持续增长，但是中国经济也是全球经济的一部分，所以增长速度可能会放缓。

我们对中国市场也相当倚重。今年初，我们收购了软件研发企业汉略公司。很多人对我们两家公司能否倾力合作产生了怀疑。其实在我们收购汉略之前，汉略的团队和我们的开发团队所从事的产品开发其实是一样的。我们之间的业务合作在多年之前就已经开始了。这两个开发团队在上海有两个不同的地点工作，这样的工作方式还将延续下去。我们的中国研究院会有很好的工作延续性，他们的工作内容会和以前一样，并不会存在问题。

采访手记

CEO的

艺术气质

见到卡尔•巴斯时，他正在接受电视台的采访，不懂中文的他听不懂记者和翻译来回地说着什么，但却耐心地等待着，脸上时不时地扬起笑意。在北京的数码石雕开幕式上，他站在红地毯上，眼睛总不禁四处张望，目光中透着一股灵气，正如欧克特的企业Logo一样。

据说，年轻时的他曾被欧克特前任CEO卡萝•巴茨开除，因为他不但爱提出尖刻的批评意见，还总是穿着短裤游荡于欧特克总部，叫嚣“公司的动作太慢了”云云。现在的他虽然比年轻时的张扬收敛了很多，但是骨子里恐怕还是那叛逆不羁的性情。或许正是因为这种不拘泥、不循规蹈矩的性情，他才能走到今天，并带领公司走到现在。

一米九的高个，无论到哪里总能给人留下深刻的印象。除了身高，我印象最深的是他身上散发出的艺术气质。他平日里喜欢设计，还亲手制作家具。在那时，他或许也在使用公司的AutoCAD软件来帮助设计，并且发现AutoCAD的不足，来完善软件。或许，他这样做也是为了能够和用户感同身受。只有深入其中，才能更好地体会。虽然这些体验是细微的，却格外珍贵。

我们问他，自己的“定位”是什么？数学家、商人，还是艺术家？他却回答道，自己从未考虑过这个问题，每天就是学更多的知识，探索更多的可能性。他觉得，人生的关键不是如何定义自己，而是做想做的事。（文/汤浔芳）

总裁

感悟

关注用户的体验

“我们要去理解客户的体验，要感同身受，只有理解了客户，让客户有了好的体验，才能带来好的业务结果。相反，如果只关注最后的结果，而忽视了用户的体验，结果将适得其反。”作为缔造艺术的技术家，卡尔•巴斯的思维离不开用户体验。

苹果公司的乔布斯曾经说，要让人们不再害怕技术，其实他想达到的效果，就是让人们通过使用技术达到自己的目标。在这里，技术只是一个手段。这次欧克特举办的数码石雕展，也希望告诉人们，艺术家可以通过技术的手段达到自己的目标——关键是要让用户或者技术的使用者去体验这个技术，而不是为了使用技术而使用。

摄影技术与艺术 第12篇

最初中国美术学院在创立环境艺术设计专业时就提出了以“美化人类生存空间”为宗旨, 旨在艺术院校的土壤中以建筑院校的办学经验和模式来培养优秀的设计人才。教学计划中也显示了专业跨越了艺术与理工专业的特征。归其原因是环境艺术的外延广泛, 不仅具有一般视觉艺术特征, 还具有科学、技术、工程上的特征。环境艺术是一个学科界限模糊的概念。一方面, 环境是从全局的角度去营造的整体环境, 是环境场所中的外部空间场地、建筑、植被, 乃至风、水、气等要素的统筹。目前国内大多数美术院校专业立足点都是在内环境 (室内) 设计或外环境 (景观) 设计的局部设计上, 而不是从整体环境出发的一体化设计。另一方面, 该专业不同于其他艺术专业, 它是一门实际应用型的专业, 具有操作性 (可实施性) 。可实施性决定环境艺术设计不像其他的艺术创作, 可以天马行空地自由发挥。必须受到物质条件和技术水平以及设计规范的制约, 通过技术的手段使其从图纸上的设计变成实际的作品, 并满足一定的功能。这些特点构成了环境艺术设计是一门融合多专业的综合性的学科, 是研究构建人类生活空间的一门学科。它以现代物质技术为手段, 以美学艺术学的原理为指导来重构人类的生存环境。将自然生态环境和人造空间融合在一起, 满足人的物质及精神需要。这个重构的过程中物质技术手段和美学原理两者是不可或缺的手段, 满足人的需要的空间环境是对象。

这种特殊的关系也使环境艺术专业的教学具有了鲜明的学科融合特色, 是一门融合技术与艺术双重属性的设计学科。对于这样一门现代的设计学科, 改进其教学现状的不足之处, 就必须结合本专业实际需求, 深入分析与其相关的交叉学科之间的联系, 以打破学科之间的界限和加强技术与艺术的对话为突破点, 突破环境艺术设计教学中的局限性。

一、打破学科界限

环境艺术的综合性、整合性、包容性、总体性很强, 是多学科相互交融、相互整合的体系。它涉及自然科学 (特别是其中的城市科学、建筑科学、环境科学、植物科学) , 人文社会科学 (即研究社会现象和文化艺术的科学, 特别是其中的经济学、社会学、美学、文学、哲学、伦理学、心理学、宗教学) 等各个科学领域。

城市规划与环境艺术设计在本质上是一致的, 都是为了追求美好的人居环境而设计。然而两者的角度不同, 城市规划从现实入手, 以整体的发展眼光规划城市的各个要素。

建筑作为城市的主体, 不仅是一个提供给人们遮风避雨的场所, 更是一个人类居住活动的空间的塑造。环境艺术设计则是对建筑环境的升华和提高。我国的现代高等教育起步较晚, 整个成长过程又处于经济落后的弱势阶段, 不知不觉之中就将建筑设计视为理工科院校的专利, 环境艺术则归为美术学院中的纯艺术, 两者之间似乎没有什么关联。实际上建筑设计中的艺术性需求和环境艺术设计中的技术支持使两者紧密地联系在一起, 这些需求促使建筑设计必须通过环境艺术设计等方式来提升地位。由此可见, 建筑学和环境艺术的关系就更密切了。

从培养应用型人才出发, 打破以行业界限来划分专业教学的框架, 应提倡建筑向内外两个空间, 即室内环境和室外景观环境延伸的一体化设计, 培养整体设计观和设计思维, 而不是局限于室内或是景观设计的狭义环境之中。

二、在艺术中融入技术

环境的营造是以人的需求为出发点, 因此不仅需要运用物质技术手段与美学原理, 还需要综合考虑使用功能、结构施工、材料特性、设施设备、造价投资等多种因素。这个环境是指广义的环境, 不仅包括建筑空间环境、视觉环境、生态环境、空气质量环境, 还包括声、光、热等物理环境以及心理环境等多方面的因素的综合。现代建筑可以利用科技的手段来改善空间的物理环境, 提高空间的质量, 一个优秀的设计作品不只有合乎审美的华丽的外表而已, 更是一个满足使用者心理和生理各个方面的需求的智能化空间。

对于美术院校设计专业的学生来说, 由于是以艺术考生的身份考入学校, 已经具备了一定的美术艺术原理知识和美术造型能力。入学后, 学校还会对学生进行美术方面的基础课训练, 因此在设计的表现能力上一般都能较好地把握。这种背景培育出来的学生既有自己的优势, 也在某种程度上存在不足。由于依附于美术院校的教育背景, 在教学模式和教学管理, 以及授课风格等方面都脱离不了影响, 专业的培养上更注重“表面造型”而不是“专业”技能培养 (使用行为和形态上) 。特别是在技术知识的引入上是一个薄弱环节, 相对于建筑学等理工科专业的学生来说, 在设计的功能、结构、构造、设备等方面的知识显得不足, 无形中约束了设计作品的可行性。针对环境艺术设计而言, 艺术创造是设计的主体, 而工程技术则是基础以及实施保证。光有好的创意, 没有能够使之实现的施工工艺和结构技术, 或是有个好的表现效果却不符合实际材料的特性, 都不可能成为好的作品。因此, 环境艺术设计人才的专业教育必须在具备材料、工程技术基础知识及艺术设计的基本功的基础上, 着力于创造思维的培养。有了这样的认识定位, 环境艺术设计的教学内容就不会拘泥于空间范围的大小差别而各唱各的调。要通过设计科学合理的课程, 运用恰当的教学方法, 以培养出具有较高艺术思维及修养的实际操作能力强的环境艺术设计人才。

对于一个学科覆盖面如此之广、综合程度如此之高的应用性学科, 很多院校及教师已经开始意识到按照以往的传统教学模式存在着一定的局限性。如何能在总结前人的经验下走出一条新的路?笔者通过自身的学习实践和教学, 得出以下几点建议和看法:

1. 整合教学

秉承环境、建筑、室内一体化设计的观念, 注重培养学生整体的、带策划性的设计思路与方法。在课程设置上系统化, 内容相互穿插。分别以建筑、景观、室内为三条教学主线整合课堂教学, 最后形成一个完整的系列, 每一个系列课程在设计方法上全面展开, 在设计能力的培养上每阶段各有侧重又尽可能全方位提及, 一个设计课程扩大为包含前期项目的实地调查 (资料的查阅与分析) 、个人设计语言的文案表述、方案构思、设计草图及相关图纸、效果图、展示模型等内容。其间不同的专业教师也进行专业的融合与互补。这种方法大大开拓了学生的思路, 为艺术的设计指明了实现的技术方向, 有助于学生进入社会后能以较全面的视野关注整体的环境设计。学习的重点是设计基本原理及制图规范, 但相关的技术性要求也穿插在教学和设计之中。在培养学生艺术表现的同时训练学生严谨的理性思维。总的来说, 是一种具有一定强度的“全方位滚动式”教学模式, 这在渐进式教学的基础上又进了一步, 也是环境艺术专业自身特点所决定的。

2. 在实际操作中培养能力

在培养学生整体设计思维的同时, 也要加强实际操作能力的锻炼, 并在实际设计项目中, 提高学生的设计经验和协调设计中各方面因素的影响的能力。对于一名设计师而言, 不仅应该接受良好的学院教育, 同时还必须具有相当的设计经验, 这需要社会力量的配合, 可通过学校的生产实习或在一些正规的设计团体中实践、锻炼来完成。通过参与实际的设计项目, 加深学生对设计的综合理解。在欧美各国, 普遍实行设计师的资格证书 (注册设计师) 制度, 它建立在学校教育、社会实习和专业能力的测试的基础之上, 是一种科学的培养方法。我国也在尝试这类做法, 如通过全国统一考试、实施注册建造师制就是一个典型的范例。设计师的培养过程是一个系统工程, 需要个人、学校、社会多方努力来完成。

3. 培养方向多层次、多元化

大教育家孔子培育的七十二门生不拘一格, 各有所长。同样的教学条件和模式, 培养的学生在不同的领域有所长, 成就也不同。学生的主观性是一个方面的因素, 但另一个重要的因素是“因材施教”, 即培养学生的方向多层次、多元化。就环境艺术设计专业而言, 学生的毕业方向有方案型的设计师、施工管理方面的管理人员, 也有专业的绘图员, 而目前国内的高校只培养第一种设计人员, 可是最后能成为方案型的设计师的学生却是凤毛麟角, 而更多数的人选择了转向同行业的不同方向发展。这种局面是对有限的高校资源的一种浪费。因此在教学的过程中可以根据学生的具体情况进行初步的人才培养方向的划分和侧重。

三、结束语

我国现在仍处在经济高速发展的阶段, 同时社会在进步, 人们的品位和追求在不断地提高。因此, 对高品质的综合型设计人才的需求仍会增加。根据市场的需求合理地进行教学改进, 才能与时俱进, 满足社会的需求。同时设计专业的人才培养是一项系统工程, 需要学生、教师、学校以及社会各方面的共同努力。

摘要：环境艺术设计学对于我国高等艺术教育而言是个相对年轻的学科, 由于其专业的特殊性使该学科在高校的定位直至今日仍然比较模糊, 环境艺术设计师的职能也缺乏明确的界定, 这势必影响到环境艺术设计教育的发展方向。本文从环境艺术设计的学科定位, 与相关学科的关系以及在环境艺术设计中技术与艺术的关系等几个方面, 对环境艺术设计专业的教学模式和培养方式的现状提出一些见解。

关键词：艺术,技术,融合,教学

参考文献

[1]顾孟潮.走向环境艺术[J].南方建筑, 2002 (3) .

[2]王瑜.关于建筑设计课程教学改革的思考[J].广东技术师范学院学报, 2006 (6) .