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声乐表现范文

来源：开心麻花

作者：开心麻花

2025-09-19

声乐表现范文（精选12篇）

声乐表现第1篇

歌唱又称“演唱”, 即带表演性的歌唱, 可见歌唱与表演不仅各占整个声乐艺术的半壁江山, 而且二都有机统一、紧密结合、水乳交融、相辅相成。显而易见, 歌唱属于表演艺术范畴, 著名美学家彭吉象先生在其所著的《艺术学概论》一书中, 就把音乐、舞蹈专门列为“表演艺术”一类, 并且把它们同戏剧、戏曲、曲艺等艺术, 统称作“表演艺术”。声乐艺术除词曲作者的一度创作与观众的三度创作以外, 其最关键最核心的是演唱者的二度创作, 而这种二度创作又以表演为灵魂与生命。也就是说, 没有表演, 就没有真正的声乐艺术。波兰当代著名音乐理论家丽莎指出:“属于音乐的特殊性的, 还有作品与听众之间的中间环节, 即表演, 它具有自己的历史发展规律, 具有自己的美学价值, 并在很大程度上服从于社会的要求, 同时也改变着作品本身的面貌。构成音乐特殊性的这个因素同戏剧艺术和舞蹈艺术是共同的。”

德国著名的音乐教育家奥尔夫也认为:“原本的音乐决不只是单独的音乐, 它是和动作、舞蹈、语言紧密地结合在一起的……”

当然, 歌唱表演艺术是一项全方位、系列化、深层次、高水准的复杂系统工程, 包含的内涵十分丰富。本文只就其中主要之点, 略论数端, 以就教于方家与同行。

歌唱表演艺术的首要之点, 是表现情感, 即全面、生动、准确、充分地表现歌曲中词曲作者所表现的情感。通过演唱者的情感体验后的情感表现, 再把这种情感传达给观众, 引起观众的情感共鸣, 从而收到“以情动情, 以心拨心”的艺术效果。

声乐同所有的音乐一样, 都是抒情的艺术, 情感性是声乐的最本质属性。即使是叙事歌曲, 其主旨也仍在于抒情, 即通过叙事表达情感。

关于音乐的抒情性, 古今中外的许多美学家和经典著作早有过许多精辟的论述。我国汉代的《毛诗序》说:“情动于中而形于言, 言之不足故嗟叹之, 嗟吧之不足故咏歌之, 咏歌之不足, 不知手之舞之, 足之蹈之也。”我国音乐理论中, 多强调“以情带声、声情并茂”。清代音乐家徐大椿在其所著的《乐府传声》一书中也把“唱情”提高到最高的审美要求:“不但声之宜讲, 而得曲之情尤为重要。”“必一唱而形神毕出”, 演唱者必先“设身处地”, 然后才能“形容逼真”, 使观众为之动容, 忘其为歌唱。德国著名美学家黑格尔同样认为:“音乐是心情的艺术, 它真接针对着心情。”“音乐所特有的因素是单纯的内心方面的因素, 即本身无形的情感。”匈亚利著名钢琴家和作曲家李斯特也认为, 音乐之所以被人们看作是最崇高的艺术, “那主要是因为音乐是不假任何外力, 直接沁人心脾的最纯的感情的火焰;它是从口吸入的空气, 它是生命的血管中流通着的血液。感情在音乐中独立存在, 放射光芒”。当代著名歌唱家佛默?亨普尔说得更为简明:“歌唱者的艺术必将在于感动听众的能力。”

不仅理论认知上如此, 演唱实践上更如此。“实践是检验真理的唯一标准”, 古今中外所有成功的歌唱家, 无不以“唱情”作为支点与亮点。据我国战国时期列御寇所著的《列子》一书中的《汤问》所载:“昔韩娥东之齐, 匮粮, 过雍门, 鬻歌假食, 既去而余音绕梁欐, 三日不绝, 左右以其人弗去。”说的是韩国歌手韩娥, 在韩国被秦国所灭后, 流亡到齐国, 途经雍门时, 因为没有食物, 便卖唱换食。结果她的充满国破家亡、满腔悲愤的歌声, 人去声在, 三日不绝, 这便是成语“余音绕梁”的曲来。可见韩娥的演唱, 是以情取胜、以情动人的。又据清代焦循所著的《剧说》一书中引述《蛾术堂闲笔》的事例:明末清初昆曲女演员商小玲, 擅演汤显祖的《牡丹亭》 (《还魂记》) , 尤以其中的《寻梦》、《闹殇》诸出, 缠绵悱恻, 真情感人。后在杭州演唱《寻梦》时, 因哀伤过度而绝于舞台, 足见其情感投入的程度。我国当代许多歌唱家, 例如杨鸿基、彭丽媛、李谷一、毛阿敏、李娜等等, 也都以“唱情”为第一要务。“世界三大歌王”怕瓦罗蒂、多明戈、卡雷拉斯, 都首先以表现情感为主。至于刚刚辞世的美国歌王麦克尔?杰克逊, 就更以激情豪迈、热情奔放、真情动人而调动起观众的激情, 形成歌者与观众的情感互动, 使歌唱艺术借助情感的翅膀, 飞升到至高的艺术境界。

如何将声乐发声技巧与作品表现结合第2篇

杰出的音乐作品不仅需要声的体现还要有情的融入，是歌者对曲作者情感理解的外化形式。我们相信只要通过勤学苦练，任何的歌唱发声技巧都是可以通过后天的培养获得的，但是情感这个歌曲的核心部分是比较难把握的。所以在日常的训练中不仅要不断追求发音技巧的纯熟还要不断的调控融入动人的情。无论是舒缓的、激扬的、抒情的、动感的都要用一种情绪恰到好处的宣泄带给听众非同一般的听觉盛宴，通过情感来制造渲染力能够将这种气氛围绕在听者的四周，回响在耳边，正所谓绕梁三日不绝。作为歌手，我们想要表达的是悠远的曲作意境，听者希望能够得到的是历久弥新的回味。

歌者应该通过自身的表现来满足听者所需。这就可以解释为什么有的歌手并未受到过专业的技巧发声训练但是依旧能够博得众彩，而有的专业歌手却让人感觉到千篇一律，没有耳目一新的感觉。艺术是一种社会人群共同形成的文化气息。这种情感的释放需要有人去做出回应。人是社会的动物，而音乐作为艺术的一种具象的分支，也需要在社会化大群体中用情去沟通，用情去解决问题。演唱也是在解决问题，需要用情感去构建灵魂的家园。所以需要用理性的认知去升华情感的层次，展露出新的迸发性的脉动。作为专业的歌手需要将内在的情感进行有效的宣泄，与完美的技巧合二为一，带给听者以超凡脱俗的听觉感受。

在追求完美发音技巧的同时绝对不能忽视情感在作品中凸显的艺术表现的张力，再高超的技术在作品表现的时候就类似于摆设的花瓶，不过是每个过客临行时的一瞥，不会给人心灵上带去任何震撼的感受，一切只不过停留在那一瞬间，没能够有长久的记忆与回味，因为它是空洞的、是没有思想的、没有内涵的，勾不出人们心中浮华背后的安逸，留不住灯红酒绿的宁谧温馨，栽不下永不凋零的青春之花。音乐要的不是行尸走肉的躯体，要的是具有华丽外衣下的返璞归真。如此才是情感和技巧在曲目中的完美结合。

声乐技巧在歌唱艺术表现中的作用

声乐技巧包括很多方面的内容，比如发声、咬字、音色、气息的把握、内容的表达等，是歌者表现歌曲的基础。歌者只有经过长期的声乐技巧训练，做好技巧与情感的融合，才能赋予作品新的生命。

一、用音色变换手法来塑造艺术形象

美声唱法包含的技巧的领域很广，可以在不同的层次之间进行转变，对于共鸣效果无疑是最具表现力的。这种共鸣能够起到一石二鸟的作用，能够在音量和音色方面实现双丰收，在提高了音量的同时又能圆润音色的美感。美声唱法还能够有效地组织各个发音的部分团结一致，各司其职，分别在不同的时候构成不同的演唱发声组合，特别是在一些需要用技巧来衬托的难度性的发音上，各个发声器官能够通力合作犹如一个庞大的乐团，每个发声器官就是乐团中的每个乐手，在人思维的指挥下不断地演艺出一段段美妙的旋律，大大丰富了声乐作品的艺术表现力。

音色是指演唱者声音的个性特色，是区别于其他歌手的一个很重要的方面，但多数情况下是天生自然形成的，虽然可以经过后天的修饰，但整体不会跨度过大。音色可以带有情感，也并非总是空洞、没有内涵的。音色也可以被比作是人的性格，音如其人。音色也可以给听众带来重要的审美愉悦和情感体验，听者会有一种思维模式来判定某种情况下用哪种音色来诠释更好。在听众的期待中，表现节日欢庆和喜悦情绪的歌唱一般音色嘹亮，开朗且有弹性;痛苦的哭诉和悲伤失望的歌唱一般比较平淡沉闷。所以歌唱者应根据不同的歌唱风格、情感、内容、适当调整歌唱时声门的闭合状态、喉头高低、气息的力度，共鸣腔使用的程度等以获得相应的音色。

二、用声音的快慢来表现曲目的张力

歌曲的表达很重要的一点就是节奏，听者在听的过程中也会受到这种节奏感的制约，这种节奏的双方均衡使得歌者在演唱的时候对于音律的掌控要拿捏得十分到位，节奏的控制主要涉及曲目的快慢，在演唱歌曲速度比较快时，虽然嘴中歌速较快但内心却是安稳的，只有内心的稳定才能保证每个小节的节奏不乱，特别忌讳的是在演唱快速歌曲的时候抢拍，给听者以很忙乱的感觉，让人很不舒服。要让人觉得快的很安然、很稳定，不会因为演唱者的失误而提心吊胆，既能体现出旋律的美感，词意也能很清楚地表达出来。

慢曲子常有延长的单音，唱这种长音不能只是呆滞地唱完时值，而应该在延长时做到情绪上有发展、征引上有流动的变化。慢曲子一般更深情，故演唱时应该更富有激情。不同情况下的曲目要做感情化的处理即所谓的稳中有变，变中不乱，单位音节的长度要控制好，同时要与词义相协调，某个部分的延长或缩短要做到恰到好处，不能让听众感到某个音节时间过长显得拖拉，使后面的音节无处安放，让整句歌词处于一个很尴尬的位置。因为这样这就失掉了发声技术的精华部分，其它的地方再好也是无用之功。

三、用声音强弱对比来处理歌曲的开头与结尾

在歌曲的表达当中，要学会处理好强弱关系。强音不是用蛮力，要恰到好处、有节制，应该以兴奋、轻松、从容为好，这样才能更好地表达感情。强音不能从头到结束都一样强，而要以感情的发展为动力，使声音向前运动，结束时自然到位。在一首曲子中多数音只需要用中等音量甚至较弱的声音唱，强音一般只是少数乐句中的少数几个音。弱音应和强音一样地用气，一样地把声音和情感释放出来，弱音也可以很丰富、开阔、有共鸣。因此，在歌曲的演唱中，一开始就应当恰到好处地运用强弱的变化，凝聚起所有的情感，倾注于第一声发出的瞬间，使演唱一开始就能达到“先声夺人”的效果，从而为整首歌曲感情的流畅抒发打下良好的基础。

四、用延长高音时值的办法来渲染歌曲高潮

多数听众都会很期待曲目高潮的部分，所以这个部分的处理就显得特别重要，要坚持常规中的各种技巧原则，同时也要打破常规，给听者带去惊喜。所谓歌曲高潮，就是歌曲主题思想最集中、最突出的地方，也是整首歌曲感情最浓厚的地方。此时，歌曲的旋律与情感均已发展到了最高峰，不论是对歌曲本身而言还是对于歌唱者自己本身的声乐技巧而言都是一个很好的考验。歌曲的高潮是最能对听者产生强烈音响刺激的部分，它能促使听者获得听觉上的满足，同时在心理上产生一种强烈的震撼。此时我们需要用一些特殊的技巧比如演唱高音时值来不断地展现感情涌动的效果，在一波未平一波又起的感情堆叠中，勾出听者的共鸣。

坚持艺术再现的原则“艺术第一，技术第二”

美妙的歌声总能够给人以荡气回肠的梦幻质感，音乐的组成一直以来都是相互的，是由演唱者和听者来共同完成的，再流畅的音符也需要有人来演绎出来，同时再动听的歌声也需要有人能听得懂。技术和艺术之间的微妙关系也形同如此，虽然音乐由声音构成，是通过声音来叙述的一种艺术形式，但这其中也需要人来驾驭用什么样的声音来呈现在听者耳边，而最难驾驭的部分也就是曲目情的基调部分，不同人对于不同曲目的理解不同，即便是理解相同但对于曲目所要表达的感情程度的感受也不同，即便是感受程度相同在演唱过程中对于情感的诠释又不尽相同，对于听者来说，他们对音乐的解读同样如此。而我们演唱要做的正是要通过自身对于曲目的内化再到外化的一个过程，通过独有的一种表现形式加之高超的技巧来表现喜怒哀愁，以及多种复杂的情感转换。

不同的人表现出来的曲目灵魂不同，不同的听者所能听出的真谛也不同，这是因为艺术的维度甚宽、艺术的张力甚强、艺术的魅力无穷，是艺术的本身所在。基于此点，在教学和学习期间，要将艺术的表现力作为一个重要的方向去研究和揣摩，就需要演唱者提高发音技术之外的综合素质和修养。在日常的学习中体会每个成功演唱者是如何来诠释艺术表现力的，借助外力融入自我的东西逐渐形成具有自我风格的演唱模式。在此我们要明确一个很重要的观点，学习发音技术其实是在为歌唱的内容做基础的。尽管高超的演唱发音技术能够博得众彩，但是演唱的最高境界不仅仅是对技术的夸赞而是希望以一种很特别的方式让听者感到无以言表，无法用词汇去表述的那种很讶异的感受，是只可意会不可言传的感觉。

总之，技术只是空洞的躯壳来展现音乐的美感，情感内涵才是曲目的本质。意大利声乐专业兰佩尔帝曾很贴切地说过这样一句话“嗓音不等于一切，因为歌唱家必须表达出诗人和作曲家的灵感，因此他们必须有天生的热情和崇高的心灵，否则他们不会成为一个具有风雅艺术趣味的歌唱家，而是一个喊喊叫叫的人。”一个真正可以称为艺术家的歌者不仅仅能够驾驭演唱技术，同时能够控制情的发散。

浅析声乐教学之歌曲表现第3篇

【关键词】歌曲表现字正腔圆声情并茂

歌唱情感是在深入理解歌曲思想内容时产生的，不同的歌曲有不同的情感内容，因此歌者演唱不同的歌曲，所表现的情感也各有不同。

一、正确把握人物情感和事物产生的背景

在表现人物时，要注意人物形象、性格以及内心活动，在表现事物时，要注意事物产生的背景，以及对事物感受的独特性。列夫·托尔斯泰指出：“艺术家在自己必里唤起曾经一度体验过的情感，在唤起这种情感之后，用动作、线条、色彩、声音以及语言表达的形象来传达出这种情感，使别人也体验到这样的情感。”（引自《世界音乐家名言录》）歌唱情感是通过表情动作和声音而实现的，不但是要听众听到和感受到你的歌唱情感，而且还要引导听众进入到歌曲的情景中去。世界著名音乐家穆索尔斯基指出：“我的音乐应该是人的语言及其各种微妙之处的意思表现，也就是人类语言的声音，作为思想的表露，应该毫无夸张，毫无勉强的为真实、准确，而又是具有艺术价值的音乐。”（引自《世界音乐家名言录》）也就是我们常说的“假戏真做”、“假戏真演”通过自己的情感表现去感染听众。当然歌曲的表现有时也需要艺术夸张，但不能脱离生活、脱离现实、脱离情理。

比如郭淑珍教授在《黄河怨》中唱到宝贝的“贝”字时的催人泪下的效果，就是十分巧妙地运用了“喷口”的力量，恰到好处地吸收了民族民间唱法中一种吐字方法，细腻准确表达了作品的感情，使声音有了很深的感染力。又如歌唱家朱逢博在舞剧《白毛女》中“哭爹”一曲，一开口“刹时间”的刹字把喜儿满腔悲愤表现得酣畅淋漓，如果不是哭天喊地地喊出来，而是圆润地唱出来，就无法表达喜儿此时极度的悲愤，这个“刹”字唱得再圆再通也是没有感染力的。还有彭丽媛在歌剧的《党的女儿》一曲《万里春色满人间》中一句“告别了生我养我土地”中的“地”字，很轻、很慢，并有着很大气阻的字头a带出了一个地字，非常深刻地表达了剧中人物对家乡亲人依依不舍的无限眷恋之情。

二、唱准拼音，声情并茂

拼音要唱准，如“i”和“n”，“平舌”和“翘舌”，“f”和“h”，“前鼻韵”和 “后鼻韵”要区别开，声调准确。所以，做到声情并茂，其中语言将起无可替代的桥梁作用。声乐的思想感情虽借助于歌词与音乐曲调共同体现，然而掌握歌曲的具体内容与情感的细微变化，主要还在于对歌词语言的理解、体验和感受。这是因为语言是思想的直接体现，抒情、叙事、咏叹及喜怒哀乐的情感变化语言表达始终贯穿其中。著名作曲家兼歌唱家培特罗 ·托西曾经说过：“如果一个歌唱者咬字不清的话，她就无法使听众获得歌唱中来自歌词的大部分美妙之处；这样一来他的歌唱也就失去了感染力。……歌唱者不应忘记只有借助歌词他们才能胜过器乐家。”声乐教育家福兰斯科·兰培尔蒂在《歌唱的艺术》一书中写道：“一个歌唱者身上即使集中了为取得高度艺术成就所必须的天赋资质，但他若没有掌握正确的咬字，他仍然会感到自己无活动能力，而且永远不可能达到完美的境地。总之，歌唱表演不能脱离说话、朗诵的语调和语法。没有语气重音、平均分配力度；或没有句读、断句的错误这对演唱者的音乐感染力都是致命的。

还比如歌曲《我的祖国》前面领唱部分要求亲切甜美，民歌风，字头交代得清晰，字的头、腹尾，过渡轻慢一些，其中“波浪宽”中的宽字（kuan）要慢一些过渡，而且过渡中还应充分表达这个字独有韵律，美感，如果很快从字头k到uan过渡，声音也许会丰满一些，却缺乏了甜美抒情和民歌风。离开了这种风格的歌曲独具的魅力和人们的审美情趣也是不恰当的。为了符合作品进行曲风格和豪迈的感情，必须敏捷喷出字头来，并很快到母音，在母音上发展延长，以获得丰富的共鸣所形成的浑厚、通畅的声音，同时也要让母音之间相对统一。比如“强大的祖国”一句中，“祖国”二字的母音是u和o，应力求意念u和o，只轻轻带上就可以了，嘴不需要一个字一个动作，哪里用劲，声音就会到哪里，这样声音就牵扯到嘴唇上去而进不了腔体，也就绝对不可能得到与作品要求相符的声音。所以情感表现的真实性和美感性是歌曲表现的生命。因此歌者必须用真实的艺术情感去表现自己演唱的歌曲形象。“声情并茂”不难理解，就是应用所掌握的发声技巧结合演唱时进行二度创作时的情感体验与投入；而“字正腔圆”不仅仅是是关系都单纯意义的发声腔体，更重要的是“歌唱语言”。歌唱语言是声乐训练中的重要部分。歌唱中字、声关系的最高标准是既有准确、清晰的吐词咬字，又有通畅、圆润、美妙的声音，这种境界是由演唱者，基于对字、声之间相互作用、相互制约的辩证统一关系的认识，并以作品在情感、风格方面的要求为依据而巧妙调节才能达到的。

总之，声乐学习是一个复杂又漫长的过程，歌曲表现是声乐作品技术与歌唱情感两者缺一不可的体现，“字正腔圆、声情并茂”是中国歌唱艺术最高标准，并一直是声乐艺术家们毕生的追求。歌唱是个整体性的活动，正确地歌唱是呼吸、共鸣、发声器官与良好的心理状态以及对音乐准确表达等诸多因素共同协调、配合而成的。它们之间互相制约、互相促进，所以，只有把它们紧密地结合起来，才能达到歌唱的整体性配合协调，才能达到歌唱的最佳状态。

【参考文献】

[1]嗓音训练手册，李维渤，中国音乐学院出版社

[2]陈薇. 浅谈多媒体在表演专业声乐教学中的运用[J].太原教育学院学报，2005（01）

浅谈声乐的艺术表现第4篇

(一) 理解词中内涵, 看声乐艺术表现

只有真切了解到歌曲之中所蕴含的深切内涵才能为完美声乐表演提供前提基础。我们在准备演唱一首歌之前要充分了解这首歌曲的背景、作者生平、深层含义等相关内容, 不能怀着一种一无所知的心态只是单纯的唱出歌词而已。例如话剧《回春之曲》中的有很多优秀的插曲, 《梅娘曲》是其中优秀插曲的代表作, 在唱这首歌之前就需要先知道这首歌所蕴含的真情故事。演唱第一段的时候需要通过追忆的语气表达甜蜜、浪漫的爱情;演唱第二段的时候要采用惆怅的语调表达爱国的热情;演唱第三段的时候需要站在女主人公的角度运用伤痛的语气表现绝望的心情

总之, 声乐的艺术表现越是精纯优良越需要演唱者对作品内容进行深入地了解、体会。对歌曲深层思想内涵的理解是完美声乐艺术表现的基础。

(二) 谈想象力在声乐表现上的发挥

语言对情景的营造总是需要读者积极的想象力参与, 而歌唱者在演唱歌曲的时候也应该充分发挥自己的想象力, 在理解歌词内容的情况下, 想象出生动的画面。比如《七月的草原》, 这首歌曲的开始部分就展现了丰富多彩的画面, 演唱者通过联想、想象, 在心中勾勒出一幅大片草原、清风徐来、蝴蝶在身边飘舞、蜜蜂在辛勤劳动、那大草原之上的群群白羊仿佛天上的云多一般美丽。还有那充满清楚气息的小伙子、姑娘们

演唱者首先通过联想、想象的方式先将自己置身于美丽的景象之中, 其次再用自己的声乐知识和技巧、经验, 将歌曲中浓浓申请展现给听众。而演唱者的这种敏感的想象力需要其在日常生活中不断探索、追求。

二、如何增强声乐的艺术表现力

(一) 增强声乐艺术表现力要注重演唱者的素养的培养

声乐演唱者应该拥有优秀的声乐素养, 声乐素养是一名合格演唱者的必备条件, 应该从以下两方面加强演唱者声乐素养的培养:

一方面, 演唱者需要具备扎实的基本功, 艺术同和他学科一样不可以空谈, 没有扎实的基本功, 艺术创作便无从谈起。所以, 演唱者应该在日常生活中培养自己扎实的声乐理论知识、实践能力等基本功。

另一方面, 在学习声乐知识的同时, 还应该注重对其他艺术形式知识的吸取, 各种艺术都具有其他艺术形式不可比拟的优越性, 只有博采众长才能更有利于综合性的发展。比如说, 声乐离不开语言, 那么在日常生活中则应该注意语言、文学等方面的学习。

(二) 增强声乐艺术表现力要对声音音色有正确的选择

不同类型的声乐需要通过不同的声音音色来突出其特征, 表达其深刻内涵。采用何种声音音色依靠演唱者的经验、技法以及具体歌曲的实际情况来定, 但一般有大致的规定。一般情况下, 采用铿锵有力的声音音色演唱进行曲;采用温柔甜蜜的声音音色演唱摇篮曲;采用富丽华艳的声音音色演唱舞曲

比如《斑竹泪》中四个不同的阶段就运用了四种声音音色以表现其不同的思想内容。第一段采用甜美的声音音色表达申请的爱情故事;第二段采用活泼的声音音色表达回忆年少同玩时的愉悦;第三部门采用伤心的声音音色表现妃子的痛苦:第四部分, 演唱者是以一种客观的身份对整个故事进行总结和批判。

(三) 对比手法的正确运用

1. 快和慢

声乐歌曲中, 越是快的句子就越是应该将句子当为小单位, 应该采用一种稳定的情绪表达激情洋溢的曲子, 成功避免了感觉上的慌忙, 使得曲子始终可以洋溢着一旋律自身的美感。与此同时, 比较慢的曲子更加不易采用缓慢的表现方式, 只有以昂扬饱满的情绪才能增加曲子的韵味, 不使其死板、呆板、拖沓。

比如歌速比较快的《姑娘生来爱唱歌》, 要求演唱者可以采用一种稳定的情绪演唱;而慢歌《岁月悠悠》, 则要求演唱者采用昂扬饱满的情绪演唱歌曲, 将激情融入歌中, 使其韵味更深。

2. 高昂和低沉

演唱歌曲就如演讲、朗诵一样不能从始至终采用同一种语调、情绪。所以, 在声乐的表演上, 演唱者需要根据各种情思、内涵将歌曲的整个表现过程呈现出高低起伏对比明显的特征。无论是从“高”到“低”还是从“低”到“高”的表现方式都需要有一个渐进的过程, 为情绪的宣泄有所铺垫, 为盛大的抒情做好感情积累。如《大森林的早晨》这首歌曲的开头, 是从弱拍起的, 可是在实际的演唱之中在很多人并不知道这一点, 在歌曲的一开始就表现出激烈的情绪氛围, 没有把握歌曲高昂和低沉的变化规律。

声乐的艺术的完美表现和思想感情的成功表达是一个复杂的过程, 只有通过理解词中内涵、发挥想象力、声音音色的正确选择以及快和慢、高昂和低沉等对比手法的正确运用等技法才能达到声乐艺术的完美表现。另外, 这些艺术表现的重要组成部分并不能单独作用于声乐的完美展现, 而是相互作用、相辅相成的。只有同时把握到它们的精髓才能将歌曲中或婉转或激昂的思想感情淋漓尽致地表现出来。

摘要：本论文主要从通过理解词中内涵、发挥想象力、声音音色的正确选择以及快和慢、高昂和低沉等对比手法的正确运用等技法等几个方面浅谈如何提高声乐的艺术表现。

关键词：声乐艺术,思想内容,对比手法

参考文献

[1]朱琪美.声乐课学生正确的心理的引导[J].太原教育学院学报, 2005 (23)

[2]王敏春、张淑艳.浅谈声乐课中如何提高学生能力[J].齐齐哈尔大学学报, 2005 (01)

[3]胡钟刚、张友刚.声乐实用基础教程[J].西南师范大学出版社, 2006 (01)

[4]王之江.声乐艺术表现[J].齐齐哈尔大学学报, 2007 (12)

声乐表现第5篇

---王志刚

绪论：近些年来，我国歌坛一派繁荣，新人辈出，歌曲产量巨大，歌词亦是包罗万象，无所不有。然而对于“歌词”的理论研究却是凤毛麟角，甚至有人1 对此著名词作家乔埋怨“当下的歌曲准入门槛太低，甚至没有准入门槛。”○羽老先生也大声疾呼“我们的歌词艺术已经发展到值得进行理论概括的水平了。”

歌词首先是一种艺术形式，是与小说、散文、诗歌等一样，有独特的叙述方式，独特的审美角度，独特的结构形态的艺术表达形式。它的重要性不仅表现在对声乐作品创作的价值而且表现在它的表现特征上。

一、歌词对声乐作品创作的价值

（一）歌词是连接音乐与文学的桥梁

“中国古诗词原本都是可以咏唱的，是文学与音乐一体化的艺术作品，中国古2 可见歌词是具诗词音乐艺术是中国传统文化遗产中极有光彩的重要内容。”○有音乐与文学双重性质的艺术形式。

1、音乐性

所谓音乐性，是指歌词是和音乐结合起来，共同完成艺术表现任务的一种艺术体裁，篇幅较短，易于流传，它要求在音节上既要有统一的因素，又要有变化的因素，这样更能够使音乐在节奏上有统一的和呼应的对比因素。歌词即歌诗，按许慎《说文解字》的解法“大凡诗之所歌者即词”，从基本属性上讲，词从本质上讲应该是一首诗，因为它具有诗的歌唱性（即吟诵）、节奏感、律动感及韵脚。例如宋祖英一唱而红的《辣妹子》：“辣妹子辣|辣妹子辣|辣妹子从小不怕辣|辣妹子从小辣不怕|„„”这一段平仄相间且突出仄音，节奏感强，表现出一种短促欢快的风格，正适合“辣妹子”活泼的个性。还有《十送红军》一直从“一送”唱到“十送”，其律动如九曲黄河，层层推进，奔涌前进。再看由郑洪等人作词的《送别》。“送君送到大路旁|君的思情永不忘|农友乡亲心里亮|隔山隔水永相望。”其中“旁”，“忘”，“亮”，“望”四字同押一个“ang”使歌词从音节上互相呼应，完美和谐。

2、文学性

由此可见，歌词若没有了音乐性会显得软弱、呆板、苍白无力、而没有了文学性又会平庸、浅显、空洞虚幻，二者相辅相成共同创造了声乐作品带给人们的审美世界，让人们在欣赏声乐作品的时候，沉浸在音乐与文学带来的双重审美的享受中。

（二）歌词具有重要的审美意义

时下歌手无数，作者（包括词作者与曲作者）云集，不论学识高低，艺术造诣深浅，只要有感而发，就落笔成“歌”。致使音乐作品泛滥，而真正为人们所喜爱并传唱的却寥若星辰。究其原因是绝大多数歌曲不能达到人们审美标准的要求。那么，怎样的歌词才能达到人们的审美标准呢？

1、情趣美

歌词创作应具备一种情趣美，所谓“情趣”是人们日常生活中一些带有指向性，持续性的心理倾向，是一个人对于人性，对于生活的情感态度。而“情趣美”是人类热爱生活的反映。如乔羽老先生创作的《思恋》“„„你从哪里来|我的朋友|好象一只蝴蝶|飞进我的窗来„„”其中以“蝴蝶”这一意象表达了他对生活的一种清奇之趣，让人们体会到了一种清雅疏野的刚柔之美。而你唱张藜先生创作的《篱笆·女人·狗》，《命运不是轱辘》又会体味到一种农村生活的丰厚与乐趣。

2、理趣美

3、雅俗共赏

歌词的创作应讲究雅俗共赏。歌词创作有避“俗”趋“雅”的现象，这可能与提倡加强歌词的文学性有关。如果是这样，这是一种误解。歌词是语言艺术，它的文学性正在于语言生动与准确，而不是书本上寻找辞藻，把歌词写得文绉诌的，而不是活泼泼的，生僻和晦涩，是歌词的大忌。一切艺术，特别是歌词艺术3 可见歌词的创作既要讲究风雅，又要以雅俗共赏为好，以孤芳自赏为患。”○通俗易懂；既要有高度凝练的概括性，又要有合理完整的通畅性。如《常回家看看》让人觉得像是两个人在聊天，谈心，但唱起来却流畅，简洁，亲切。而张藜的《不能那样活》语言鲜活，内涵丰厚，意蕴深远，不失为俗中见雅，雅俗共存的好作品。

二、歌词的表现特征

歌词作为一种独特的艺术形式，其创作主题内容不受限制只要有感而发，合情合理且符合音乐的内涵即可。同时，演唱者在演唱声乐作品时，不同的演唱者有不同的理解与诠释。因而歌词便体现出一种开放的特性。另外，歌词创作一旦完成，便作为一种文本材料被记录，保存下来，从这意义上讲歌词又具有稳定的特性。

（一）开放性

其次，歌词的开放性还表现在其融景性上。所谓融景就是有许多声乐作品的歌词是以描摹祖国的壮丽山河和歌颂大自然的秀美风光为主题的。从内容上包括自然之景与人造之景。自然之景函盖面广，高山流水，日月星辰，天上人间无所不有。如《我爱五指山，我爱万泉河》，《长江之歌》，《青藏高原》等等。都表达了对大自然鬼斧神工的赞叹与“造化钟神秀”的叹服；人造之景是指那些经过人力加工或修建的；附带着人类智慧与伟大创造力的景物，如《长城长》，《天路》等。

（二）稳定性

歌词是一种特殊的艺术形式，它除了因感性而具有开放的特征之外，还因其具有理性而具有稳定的表现特征。归纳起来大概体现在如下的几个方面。

首先，歌词之所以具有稳定性是因为它体现了时代的特征。“时运交移，质文代变，古今情理，莫可言乎！”。（刘勰《文心雕龙·时序篇》）。1931年“九·一八”事变前夕，反映半封建半殖民地“精神气候”的“靡靡之音”泛滥城市街巷。但自“九·一八”事变之后，反抗帝国主义侵略的民族斗争上升为中国社会的主要矛盾。于是激昂、奋进的抗日救亡歌声便如波涛汹涌般席卷全国各个阶层。而在建国后的很长一段时间里，又以大量讴歌祖国、党、人民、军队壮美的山河，以及礼赞劳动及劳动人民的作品。如《歌唱祖国》，《我的祖国》，《我爱你，中国》等。这些歌曲的歌词反映了时代精神，激发了人们的斗志和爱国主义热情。

其次，歌词稳定性还突出地表现在它对社会政治、经济文化的反映上。每个时代的政治、经济、生活方式、价值观、社会风尚和社会心态形成了那一时代特定的“精神气候”。这种“精神气候”直接，间接地影响着歌曲的时代风格的形成。如社会主义以经济建设为中心的新时期出现了如《咱们工人有力量》、《我为祖国献石油》等一些体现实干精神的歌曲。而在新中国刚刚成立时，歌词创作大多以歌颂伟大领袖毛主席和共产党为主题。如《北京的金山上》、《没有共产党就没有新中国》等反映了当时由共产党领导新中国的政治格局。再看现如今国家昌盛发展、人民安居乐业、多元文化交叉并重，尤其是“表现自我”、“张扬个性”的要求呼声强烈，于是歌词的创作开始更多的注重挖掘个人内心深处较为细腻敏感的情愫，如《一千个伤心的理由》、《拯救》等等。再次，歌词是一种诉诸听觉的语言，它一旦与音乐结合便插上了想象的翅膀。但同时也要考虑到音乐的结构需要，也就是说歌词的创作体式与段落结构在很大程度上已经决定了音乐的曲式安排，因此歌词的稳定性还体现在它对音乐曲式的这种固定的要求上。如《草原上升起不落的太阳》“蓝蓝的天上白云飘|白云下面马儿跑|挥动鞭儿响四方|白鸟齐飞翔|要是有人来问我|这是什么地方|我就骄傲的告诉他|这是我的家乡„„”从歌词内容上看分为两段，第一段写景，第二段陈述，形式比较简洁，短小。因而要求用以表现的音乐曲式也不必太过复杂。于是运用一步曲式中二乐段形式即可。再如《南泥湾》这首歌：花篮的花儿香|听我来唱一唱/唱呀一唱/来到了南泥湾/南泥湾好地方/好呀地方/好地方呀，好风光/好风光呀，好地方/到处是庄稼，遍地是牛羊。从歌词上看，开头运用比兴手法引出下面的赞美，运用起承手法来表现较为妥帖。第二句与第三句运用顶真手法加强赞美语气，若曲式结构上也用同一结构就容易造成死板的效果。因而一“转”，使歌词具有了流动性。最后一句歌词的高度概括要求乐曲也体现一种综合性，从而使歌曲圆满规整合于一处。

结语：歌词作为声乐作品的构成要素，其创作对声乐作品具有极其重要的意义。有时候直接决定着声乐作品的优劣和传唱度，而它的表现特征又很大程度上反映了一个社会的人文状况和时代风貌。因而作为一种艺术形式，它对社会的贡献是巨大的，它的存在是不容忽视的。因此对它的研究也不应该仅仅停留在少数几个词曲作家的关注上，而应号召所有文艺工作者和歌词艺术的爱好者共同进行研究，从而让歌词艺术最大限度的发挥其作用，使其更好地为人类的文化传承服务。

注释：

①《作品与争鸣》2007.2月第80页王志广，王芳《歌曲创作：‘小爱’泛滥‘大爱’欠缺》

浅谈声乐中的情感表现第6篇

【关键词】声乐情感 “美”

美妙的歌声是无价之宝,它必须经过严格合理的训练过程才可以获得,使歌唱者自己引为无限的愉快和光荣,并能感动万千听众心声。任何乐器演奏技术,在音色上,其最高目标,不外是尽其所有地模仿美妙的歌声,因为在音乐的领域中,最动人的音乐,毕竟还是人们自己的歌声。

歌唱是人类本能的一种冲动,是寓声以画的时间艺术。虽然学唱一首歌曲容易,但是要唱好一首歌曲却未必是一件容易的事,要想成为一个好的歌唱者,除了应具备一个正常人的大脑,还要有好的文化素养,特别是好的音乐文化,好的音乐的耳朵,最后才是有一个好嗓子,因为歌唱是一种“脑”、“心”、“身”协调配合的运动。正如法国诗人布瓦洛所说:“一句漂亮的话所以漂亮,就在于所说的东西是每个人都想到过的,而所说的方式却是生动的、精彩的、新颖的。”

情感是声乐艺术的伟大法则,没有情感的歌唱就不是艺术,只有当声音和情感同样完美时,歌唱才能被称之为艺术。如果一个歌者向观众表达感情,但无法表现出他本人已深受感動的话,即使他力求打动观众的心,也是无济于事的,因为情感主要是通过感受来表达的,这种感受就是情绪的内部心理状态。歌手要想在听众身上引起自己的内部情绪感受,必须使自己的感受高雅和优美,并具有独特的生命力。如果歌唱局限于技术而没有情绪表现的话,无论技术多么完美,这样的歌唱既冷漠、苍白,又没有灵魂,甚至连技术的完美也是不可能的。

玛努爱尔·加尔西亚指出:“为了找到歌曲情感的音调、音色、速度、咬字,学生应当仔细地研究歌词,并且还应该朗诵歌词。朗诵时要朴实自然,就像表达本人的情感一样。只有在这个基础上,音的明与暗、轻与重,感情才能谈得上表现,也只有在这个基础上才具有说服力。这就是说,对学生来说,自然的、本能的、情感活动的模仿应当是一门学习的科目。”

歌唱以声音表现情感,通过声音直接作用于人的听觉器官而唤起情感。人们听到不同的声音所引起的情感也各不相同,或悲或喜,或愁或乐,或爱或惧等等。歌唱本身并没有像电影、录像、电视剧那种场面的视觉形象,但通过听觉作用能够引起内心视觉因素。例如唱风见风、唱云见云,唱太阳、月亮也如见其形等,即使歌唱战斗英雄的歌曲,当听到歌声和表演时,也会使听者脑海里浮现战斗的场面和英雄形象。如《英雄赞歌》的演唱,会把听众带进风烟滚滚的战斗场面,同时脑海出现战斗英雄“双手握紧爆破筒,怒目喷火势血涌,敌人腐烂变泥土,勇士辉煌化金星”的内心视觉形象,从而表现出战斗英雄视死如归的伟大气魄。

俗话说,用“心”就是我们常说的用感情。自己心里流出来才能流进别人心里。如果一个歌唱者对一部作品没有投入感情用心去理解、感受、领悟作品的内涵,就很难与作品相吻合,也很难把情感完美准确地表达到作品上,更难于打动听众。歌唱作为一门艺术,要遵循“源泉于生活,高于生活,服务于生活”的艺术规律。“钟鼓之声,怒而击之则武,忧而击之则悲,喜而击之则乐。”人是有血有肉的,有喜怒哀乐,有七情六欲的,只追求好的声音是远远不够的。一个好的歌唱者要用心去体验生活,积累丰富的生活经验,这对于研究作品的内涵,更加准确地演绎作品大有裨益。

在内心情感表现时,最主要要注意情感表现的真实性和美感性。世界著名音乐家穆索尔斯基指出“我的音乐应该是人的语言及其各种微妙之处的艺术再现,也就是说,人类语言的声音,作为思想的表露,应该毫不夸张,毫不勉强地化为真实、准确,而又是具有艺术价值的,具有高度艺术价值的音乐。”伟大的歌唱家夏里亚宾指出:“什么叫做美,名人的理解可以不同……但是什么叫做情感的真实性,是无可争辩的……没有两种情感的真实性。所以,对我来说,真实性是达到美的唯一的途径。”例如,《我爱你,中国》(瞿琮词、郑秋枫曲)开头“百灵鸟从蓝天飞过”一语划破长空,观赏着春苗秋思、森林山川、田园庄稼、引颈高歌,抒发了对祖国的由衷的热爱。

歌唱是情感艺术,它针对情怀,表现心情,歌唱艺术是通过声音表现的,具体地说,它是通过旋律、速度、节奏、声音、力度、音色等演唱要素直接表现情感,起伏跌宕,抑扬顿挫的旋律,最生动的传达着演唱者的情感。旋律运动与人的情感动态是一致的。在动人的旋律中,人的生命力与情感得到充分的体现。速度和节奏是演唱生命的韵律,速度和节奏的快与慢、强与弛的变化,都是直接表现着情感的变化,速度和节奏快就会表现出热情、活泼的情感,速度节奏较慢,就会充满忧伤、深沉和悲痛的情感,中速表现出雄伟、庄严的情感。不同的速度,不同的节奏表现出的情感各有差异。

生活是艺术的源泉。在歌唱艺术的表现中,按照生活的自然规律,运用歌唱技巧变化语言声音力度是音与情感表现的必需。将生活中人类这种情感表达的自然方式,经过艺术的某种创造和适当地夸张,怡如其分地用到歌唱艺术的语言表现中去,就能使歌声产生情感的艺术魅力。美妙的歌声是无价之宝,它必须经过严格合理的训练过程才可以获得,使歌唱者自己引为无限的愉快和光荣,并能感动万千听众的心声。

美,是人类所共同追求的,让我们作为一个普通的音乐工作者,结合自己的专业,成功地完成音乐赋予我们的使命,把美妙的歌声传播给爱美的人!

参考文献:

[1]邹长海.声乐艺术心理学.北京人民音乐出版社,2000.

[2]邹本初.歌唱学.人民音乐出版,2000.

论声乐演唱中情感的表现第7篇

1、情感

俄国音乐家评论家谢洛夫说:“情感是演唱的灵魂”。

情感是人对客观世界的一种特殊反映形式, 是人对于客观事物是否符合自己的需要而产生的体验, 是对某种体验需要发泄的动态反映。情感是伴随着一定的认识过程而产生的。情感是心理内部的, 又是外部世界的, 它产生于人们的社会实践、生活实践之中。演唱者创造艺术情感时, 是在社会实践、生活实践中由触而动, 由感而发。

2、情感与声乐演唱的关系

歌唱是用声音来表达某些特定的情绪。歌唱的声音是一种手段, 以“声”表“情”才是目的。以情带声、声为情出, 这是对所有优秀歌唱家共同的要求。唐代诗人白居易诗句“古人唱歌兼唱情, 今人唱歌惟有声”, 表现了作者对唱“情”和唱“声”的褒贬。

另外, 歌者的心理活动和演唱表现是相辅相成的。演唱者的心理、情感因素对歌唱的声音也有直接影响。因为歌唱是一种精神与生理密切结合的活动, 如果演唱者的精神振奋, 发声器官必然处于积极状态, 发出的声音富有色彩。如彭丽媛在演唱《父老乡亲》时, 感情充沛, 声音有极强的感染力。刘和刚在演唱《父亲》时由于感情充沛, 共鸣的运用服从感情的需要, 所以音色柔和抒情, 给人留下了深刻的印象。相反, 如果发声技巧掌握不好, 基本功不扎实, 要表达歌曲的情感就无从谈起了。

古人无不赞赏“喜者闻之气勇, 愁者为之肠绝” (1) 、“一声唱到融神处, 毛骨悚然六月寒 (2) ”、“余音绕梁, 三日之不绝” (3) 的演唱境界;也批评“非登峰造极之技也” (4) 、“唱者不得其情”的演唱水平。《乐府传声》说:“不善歌唱, 声无抑扬, 谓之念曲, 声无含韫, 谓之叫曲” (5) 。因此, 要更加完美的表现歌曲, 必须追求情感与声乐演唱的完美统一, 达到声情并茂、情景交融的演唱境界。

二、如何在声乐演唱中表现情感

黑格尔说:“音乐是情感的艺术”。《乐记》云:“凡音之起, 由人心也。人心之动, 物使之然也。感受于物而动, 故形于声。”说明声乐的情感来源于生活, 来源于大自然, “唱情”就是把歌曲蕴含的情感唱出来。无情会使声音苍白无力, 情滥会使声音软弱轻浮, 合理的把情感运用到吐字、气息、发声当中, 对于表现歌曲的内涵至关重要。

下面就着重从声乐演唱的吐作品的字、气息、发声、了解作品四个方面探讨如何表现情感问题。

1、声乐演唱中的吐字对作品情感表现的影响

吐字技巧有喷口吐字法、报音吐字法、切分吐字法等。在演唱时, 需要用不同的吐字技巧来表达作品的音乐形象。

例如:在演唱歌曲《黄水谣》中“奔腾叫啸如虎狼”这一句时, 就要采用了喷口吐字法, 吐字前吸满气, 出字时用较强的气流冲击发音部位, 使其破阻出字, 得到一种爆发力, 用强烈的音响表现黄河的磅礴的气势。歌曲《咱当兵的人》, 在演唱时应采用报音吐字法, 将字头、字腹、字尾一次完成, 一泄而出。表现出了军人坚定有力、热情饱满的强烈情感。在演唱《小白菜》时, 为表达情感需要应采用切分吐字法, 将字头、字腹、字尾三部分别完成, 适当延长某一部分的时值, 使作品展现出了抒情、流畅、柔和的情感, 给人以美感, 意味深远, 荡气回肠。

2、声乐演唱中气息的运用对作品情感表现的影响

歌唱时呼吸控制的是否合理对歌曲情感的表达有着非常重要的作用。在一首作品中应该合理的设计呼吸点, 从而使歌声连贯通畅。呼吸点一般在歌词的句号、分号、逗号及介词、副词、关系代名词或名词与形容词之后、动词的前后, 也可吸气。在冠词、名词、人称代名词及冠词与形容词之间, 形容词与名词之间、代名词与动词及复合句之间, 切不可呼吸换气。

气息的运用主要有软气口、硬气口、偷气三种类型。

例如:《北京颂歌》中“你是我们心中的一颗明亮的星”一句。采用了软气口的方法。因为根据词意, 应在“颗”字后换气, 而却在“一”字后面换了气, 实际上只是一个顿挫 (稍补进了一点气) , 而不是一般的换气。这样安排, 是对伟大北京热烈赞颂的感情一泻而出, 加强了情绪的发挥。

《古老的歌》这首歌的结尾部分“啊, 古老的歌, 啊, 古老的歌”这一句是渐快、渐强。在逐渐将音乐发展到高潮时, 音乐歌词嘎然而止。“迟早要开花结果”此处前运用一个硬口气, 然后将乐句达到了高潮, 这是典型的硬气口的表现方法。

偷气, 它不是歌唱中的自然气口, 是做为乐句中补气用的。如在《小河淌水》等很多的民族声乐作品中往往会有一字一声紧扣的乐段, 为了不破坏乐句的完整性、连贯性, 采用的方法进行补充气息, 同时也是民族歌唱常用的表现手法之一。

与此同时, 歌唱中气息的连贯与速度有一定的关系。在演唱时必须准确掌握歌曲的基本速度。在演唱任何一首作品之前, 必须认真的理解作品歌词的含义, 准确的把握作品的速度, 在演唱中根据歌曲的速度合理调整呼吸, 从而使演唱过程流畅连贯。比如演唱《唱支山歌给党听》时, 就要分析作品各段所表达的不通的情感, 合理的变化速度, 才能准确的表达作品的内涵。

3、声乐演唱中声音的变化对作品情感表现的影响

声音变化主要利用装饰音唱情、利用力度变化唱情、利用音色变化唱情三种类型。

(1) 装饰音主要有倚音、滑音、颤音等。倚音有前倚音、后倚音、单倚音、双倚音。倚音常常用于代表地方韵味的民族声乐作品中, 如《赶牲灵》就是运用了前倚音, 单倚音的形式, 使乐句色彩俏丽, 展现了陕北人民豪放的情怀。

滑音, 有慢滑、快滑、短滑、长滑、后滑等。如青海民歌《上去高山望平川》浓郁的乡土气息加上滑音的运用将感情一泻倾出。

颤音, 两个音之间的反复交替和抖动形成特殊的效果。颤音有快速、慢速颤动、先慢后快、先快后慢等, 颤动的时间有长有短。颤音是一种特殊的情感需要。如江西武宁民歌《我们的山歌牛毛多》第一句“我们的山歌的牛毛多哟哟嗬”中“多”字、“哟”字亦采用了颤音的形式, 显示了劳动人民的聪明才智与热情幽默风趣的性格特征。

(2) 用力度变化唱情的表现

歌唱时, 必须正确处理声音的力度变化, 这是歌唱情感表现的重要手段之一。在歌谱中, 一般标有强、弱的变化, 如ff、f、mf、p、pp等。在演唱时, 应根据感情的需要安排好强弱。如《黄水谣》里“麦苗儿肥来豆花儿香”的“香”, 要合理的安排渐强减弱的力度, 形象的表现“香”由淡到浓再到淡的意境。

(3) 用音色变化唱情的表现

一般来说明亮的音色表现活泼与热烈的情感, 暗淡的音色表现忧郁与悲伤的情感, 纤细而委婉的音色表现亲切、温柔和爱抚的情感, 表现英勇豪迈的情感时需要“金属性”的声音等。比如在演唱山东民歌《包愣调》时必须用明亮活泼的音色来表现歌曲的内容, 而在演唱《我亲爱的爸爸》时, 应尽量运用稍暗一点的音色抒发主人公的内心活动, 在演唱《想起周总理纺线线》时, 要运用委婉细腻的音色表达对周总理的热爱和怀念, 在演唱《当兵的人》时必须运用明亮辉煌的音色来表达“当兵得人”的豪迈和自豪。当然, 不是一首歌曲就只用一种音色演唱, 要根据歌词表达的不同情感要及时的调整音色, 以便更准确的表现作品。如演唱《唱支山歌给党听》时就必须根据作品而变换音色了。

(4) 了解作品, 是恰当表现作品情感的前提

首先, 理解歌词, 对歌曲的时代性有准确的定位。

清徐大椿说:“即声音绝妙, 而与曲词相背, 不但不能动人, 反而听者索然无味矣。” (6) 歌词语言是生活中情感语言的提炼与加工, 它比生活语言表达的情感更强烈, 更洗练, 更有魅力, 歌词又是一种富有韵律感、节奏感的诗化的语言, 它给音乐语言的组织提供了基础。了解越深, 感受越深, 在演唱时的表达则越纯真, 越完美。无论在演唱现代创作作品或是中外古典歌曲, 以及传统的中国古典戏曲或外国歌剧等, 如果不理解词意、不掌握戏剧情节的来龙去脉、以及特定历史条件与时代背景、人物关系、矛盾冲突的特殊情境, 而只是按照字音与旋律的变化漫无主次地去唱, 只闻声鸣音转, 而不知所唱何事何情, 这种无情之曲是绝不会感人的。所以应将歌词反复推敲, 准确理解词意。

比如《阳关三叠》这首古曲, 它是根据唐代王维的诗《送元二使安西》谱写的一首琴歌。这首歌虽然原词仅有短短四句:“渭城朝雨邑轻尘, 客舍青青柳色新, 劝君更尽一杯酒, 西出阳关无故人。”但要理解其含意, 就必须要逐字逐句地分析。这是作者送友去边关服役的送别歌。清晨细雨蒙蒙, 春色杨柳青青, 情景的点染增添了依依惜别的深情。“更尽一杯酒”把对友人留恋的祝愿、关怀、嘱托尽心倾注而出, 待你出关之后再没有故交挚友与之相伴随了。这首诗谱曲时, 为了加深感情的抒发, 除增添了一些词句外, 又使全诗反复叠唱三次。“三叠”曲调的变化, 反复、连续陈述, 使送别之情更加沉郁而深切, 充分表达了送别远行友人的诚挚情意。有了对词意的深刻理解, 借助设身处地的想象, 演唱时才能达到情意真切的感人的效果。

其次, 要把握好歌曲的情感基调。

演唱者都要在挖掘词意的同时掌握住感情的基调, 要理解作品情感是深情的赞颂、是亲切的诉说, 是欢快热情、还是哀婉伤感。基调准确才能有助于内容的表达与主题的发挥。比如新改编创作的歌曲《孟姜女》结尾两句“哭倒长城八百里, 只见白骨满青山”是全曲的高潮。本身按照歌曲的情感基高调到这个地方应唱得高亢有力、凄惨悲切。这样才能表现二千多年前受欺凌的柔弱妇女“孟姜女”的形象和情感, 如果唱得悲愤壮烈、刚强愤怒, 这就与歌曲的内容不相符合了。

总之, 声乐艺术是音乐与语言相结合的艺术, 在理解作品的基础上通过艺术化的咬字、吐字、归韵、发声以及语气语调的变化和抑扬顿挫等语言的处理与音乐旋律的完美结合, 才能细致、深刻地表达作品内容和人的情感。作为一名声乐学习者或声乐工作者, 必须要不断的学习演唱技能, 提高自己的整体修养, 用自己精湛的声乐表演带给受众以美的享受。

摘要：在歌曲演唱是声音的艺术, 更是情感的艺术。歌者通过训练有素的演唱技巧, 对蕴涵于作品中丰富的情感进行直接、生动的表现和细致入微的刻画, 从而给受众以美的享受。本文将就歌者如何表现作品的情感进行研究。

浅谈声乐作品的情感表现第8篇

在声乐教学与演唱的过程中, 我们常常可以看到, 演唱者过分追求声音位置、腔体共鸣等技术层面的东西, 从而忽略了歌曲的情感、词曲的韵律、艺术形象等更深层次的内容, 这并不符合音乐审美的心理, 也违背了声乐演唱的规律, 从而走入学习声乐的误区。在黑格尔的音乐美学思想中, 他认为音乐表现的领域就是情感。美国的美学理论家苏珊朗格认为艺术符号虽然没有精确含义, 但是作为整体可以被人们认识, 并能传达有关艺术家情感生活的知识, 或传达他对情感形式的领会。他认为艺术是一种情感符号, 人类是为了表达情感而创造了符号体系的, 这是审美的起源。 (1) 因此, 具有表现人类生命意义和情感特征的音乐才是更有价值的。如果歌唱者仅仅是把声音唱出来, 那么充其量不过是技工匠人而已。好的歌唱不仅技巧好, 更重要的是完整的表达词曲内涵, 歌曲写的好, 还要靠歌者唱的好, 才能拨动听众的心弦。那么, 如何把握声乐作品中的情感表现, 从而符合欣赏者的音乐审美要求?

一、全面分析作品, 深刻领会内涵

音乐作品作为作曲家审美体验的形式, 之所以能够超越时空存在, 不仅是在于他再现了某一位艺术家所处的某时某地的外部客观世界, 表现了这位艺术家个人的内部心理活动, 而且也在于它体现了这位艺术家作为人类情感、作为人类生命的体验。 (2) 演唱者对作曲家笔下的作品进行再创作之前, 应当对词曲进行分析, 准确领会作者意图, 体会感动创作者的诗意和情感细节, 并把这些感觉传达给听众, 引起听者的共鸣, 使其受到鼓舞和激励。这不仅要求演唱者具备扎实的专业基本功和丰厚的文化底蕴, 更要对歌曲中的旋律、歌词进行具体、细致的分析。

1、领会歌曲内涵

只有在领会歌词的内容, 弄清作者所要阐述的情景、所要说明的问题, 掌握作品的主题思想之后, 才能较好地理解词曲作者在音乐作品中表达的情感。因此, 在演唱一首声乐作品时, 应当充分做好唱前准备工作。如查阅作者所处时代背景、社会环境等因素, 了解作品风格和内涵。以歌曲《一抹夕阳》为例, 此曲是现代歌剧《伤逝》中女主角子君的一段抒情性的咏叹调。歌剧《伤逝》是由王泉、韩伟根据鲁迅的同名小说改编, 由施光南作曲而成的。剧中, 子君虽然走出了封建家庭的牢笼, 与她所爱的人共同生活, 但周围社会对她抗争行为报以不相容的敌对气氛, 给她的精神上带来了沉重的压抑。子君站在窗前, 面对夕阳唱起了这首歌曲。在这样的背景下, 演唱者在表演过程中应仅仅抓住子君的人物形象。演绎出一个在封建制度压迫下, 勇敢追求自由爱情却遭受社会无情打击的妇女失落、惆怅以及渴望被理解的矛盾心情。基于这一分析和理解, 演唱者对如何把握人物内心情感、较好演绎作品就有了一个初步计划, 便于在速度、强弱、情感表现上做到层次分明、高潮突出, 以情带声, 较为丰满的将人物形象展现给听众, 使听众能够感受到作品所包含的内在精神, 从而受到启迪和鼓舞。

2、分析作品结构

对歌曲的形式加以分析, 如旋律、曲式、节奏等方面, 以便细细体会作者心中的诗意与情感。以歌曲《那就是我》为例, 这是一首节奏自由、带有朗诵诗歌般韵律的抒情歌曲。歌词优美, 像一幅淡雅朦胧的山水画, 通过对故乡的绵绵思恋, 对母亲的倾诉情怀, 把一个游子的思乡之情表达的淋漓尽致。这首歌曲采用三段体ABA的曲式结构。第一段, 主题句旋律在中音区, 节奏悠扬自由, 如诉如说, 感叹的、思绪绵绵的旋律语气贯穿全曲。第二段, 开始句是一句八度的大跳, 悠长的节奏和高音区激荡人心的旋律, 表现了主人公对故乡、对祖国母亲的无限情思和深情的呼唤, 这种感情随着歌声, 像不可截至的江水, 一泻千里, 奔涌而去。再现段感情更加深化, 喃喃自语中略带些凄楚, 幽幽思绪中含几分孤独。通过对作品结构的分析, 使表演者对整首作品的框架有了一个较为细致和完整的认识, 从而对作品的情感处理做到心中有数, 在演唱过程中积极主动地调节自己的情感, 从而使发声器官更容易进入良好状态, 细腻准确地表现作品, 使欣赏者产生情感共鸣。

3、把握作品风格

由于历史、地理和社会文化的不同, 各民族在审美心理和特征上, 存在很大差异, 不同时期的作品又呈现出各自的审美标准。因此在表演过程中, 应注重区别不同作品的民族气质和时代风格。中国声乐作品, 大多采用传统调式, 往往没有明确的节奏和主题音调, 因此注意力都在词曲的韵律上。韵律是随情绪或歌词内容的发展而产生, 随歌词语气的抑扬顿挫而变化, 随歌曲的情绪起伏而发展的。韵律不仅能够赋予旋律优美动人之感, 而且能够把歌曲的情景推向引人入胜的境地。因此, 演唱中国声乐作品时, 应更加注重体现歌曲的韵律。以歌曲《思乡》为例, 此曲采用中国传统调式。旋律线条舒缓, 起伏多变;节奏自由, 采用大量变音, 并配以押韵的诗词, 整首歌曲意味绵长、意境深远。演唱者在演唱过程中, 应细细体会旋律的起伏与停顿, 强弱变化, 形成自然的律动感, 深刻领会歌词内涵, 将旋律与歌词紧密结合, 在句末韵脚相同的地方, 注意把握音韵表现。将歌曲的音乐形象更完善的体现出来。与中华民族存在较大差异的西方各国又有着自己独特的审美特征。总的来说, 他们的音乐作品注重题材关系紧密, 声部条理清晰, 层次结构清楚, 节拍计量规律, 情感表达丰富。我们在演唱外国歌曲前, 除了熟练掌握歌曲旋律和驾驭歌词语言之外, 更应该掌握此类歌曲的审美要求。如意大利歌曲《仁慈的神明》是一首创作于中世纪时期的具有宗教色彩的歌曲。歌曲庄严肃穆, 凝重虔诚, 因此, 我们在演唱这首作品时, 应注重悲切的语气和恳切的态度, 表现出宗教歌曲特有的虔诚的情绪和气氛。然而, 意大利人生性热情奔放, 他们喜好歌唱, 即便是崇敬和悲哀, 他们的情绪也比较优美。因此在音乐上讲究圆润, 流畅华丽。此外。不同时期、不同地域和民族的音乐都有着各自的音乐风格, 我们演唱过程中, 应注重区别作品风格, 能够驾驭不同作品类型。

二、加强歌曲演唱中的艺术处理

黑格尔指出:“只有在用恰当的方式把精神内容表现于声音及其复杂组合这种感性因素时, 音乐才能把自己提升为真正的艺术。 (3) 在声乐表演过程中, 情感的表现是通过声音传递给听众的。因此, 演唱过程中对声音力度、音色、速度等的控制, 是表现歌唱的喜怒、哀乐等情感的重要手段;对节奏、呼吸的准确驾驭, 是塑造音乐形象的重要条件。

1、加强声音的变化对比

人的情感是一种心理过程, 而这一心理过程表现在声乐演唱中, 则主要体现在声音的力度、速度和音色的变化上。声音的力度是音乐表现的重要手段。没有力度变化的音乐, 听起来平淡、无味, 很难谈得上具有艺术表现力。音量的渐强渐弱具有较强的表情作用, 声音由弱到强可以表现出从平静到强烈、从朦胧到清晰、从远处逐渐走来等细微情感。相反, 声音由强到弱能够表现出感情从炽热到平静以及逐渐远去的艺术形象。歌唱中音色的变化, 对演唱情感的影响非常重大。明亮的音色表现活泼与热情的情感, 暗淡的音色表现忧郁与悲伤的情感, 纤细而委婉的音色表现亲切、温柔和爱抚的情感等。歌唱的速度也是影响情感表现得重要因素。欢乐而活泼的歌曲, 演唱速度快;哀痛而忧伤的歌曲, 演唱度慢;坚定有力的乐曲往往采用进行曲速度。速度反映情绪和情感, 情绪和情感也决定速度。因此, 我们在演唱过程中, 应注重在声音的细微处理中, 挖掘作品情感。

2、准确的呼吸与停顿

由于音乐节奏来自于生命运动, 和身心有着密切关系。因此, 对节奏的准确把握对创作、表演音乐作品起着至关重要的作用。艺术的乐句是流畅的、圆滑的、连绵的, 不能为了呼吸就把节奏托慢, 这会影响音乐形象的塑造和情感的表现。在演唱过程中, 我们应在掌握作品节奏的前提下, 对乐句进行细致的划分, 形成准确的呼吸与停顿。通常情况下, 歌唱呼吸的分句和歌词分句是一致的, 借助歌词的句法对旋律呼吸进行分句常常是比较可靠的。有时, 旋律的进行并无分句之意, 但因歌词分句的需要形成停顿短暂急促, 以加强艺术形象的表现。因此, 在乐句进行中, 应避免无谓的呼吸, 以免乐句破碎, 影响连贯。但在一些特别的地方, 也可以运用呼吸加强表情。准确呼吸与停顿, 会给音乐的发展带来动力, 它就像一根无形的纽带, 将句与句连接起来, 使旋律显得自然、生动流畅, 我们在演唱过程中, 应予以重视。

小结

综上所述, 好的歌唱应当是声情并茂, 技艺结合, 才能达到感人的境界, 产生极富感染力的艺术效果。演唱者只有对作品进行全面深入的理解, 产生深刻的情感, 并将这种情感融会到声音的艺术处理中, 才会激发听众的热情。对于声乐演唱与教学工作者来说, 加强自身音乐素养和审美心理与提高演唱技艺都是非常重要的。真正的歌者是善于扣动心弦, 打动心灵, 从而激发听众情感的, 将自己心灵中流出来得东西, 流入到别人的心灵中去, 才是艺术上最大的成功。

参考文献

[1].邹长海.《声乐艺术心理学》.北京:人民音乐出版社, 2000

[2].林华.《音乐审美心理学教程》.上海:上海音乐学院出版社, 2005

浅论声乐演唱的舞台表现第9篇

1. 注意形体动作

声乐演唱艺术首先要以歌声表达情感, 但如果演唱者唱一首歌, 从头到尾都站着, 一动不动, 势必会给受众带来不太愉悦的视觉效果。所以演唱者采取适当的形体动作是十分必要的。

其实, 形体动作与演唱者的歌声一样, 一定要发自内心, 切忌无意识地乱动, 或者故作姿态。因为演唱者的形体动作只是声乐演唱的一种辅助, 旨在促使受众更清晰歌词内容, 引导受众的注意力和情绪。所以演唱者的形体动作一定要自然、大方、恰到好处。一般而言, 形体动作越精炼, 就越有实际意义, 演唱者的表演就会越吸引人。

2. 注意眼神与脸部表情

据心理学研究发现, 在人的各种感觉器官可以获得的信息总量中, 眼睛可传达的信息达到80%以上。正所谓“眼睛是心灵的窗户”, 一个人内心的激情、胸中的激荡, 总会通过眼神自觉不自觉地流露出来。眼神就如一面聚焦镜, 凝聚着一个人的气质和神韵。同时, 眼神同脸部表情要配合使用, 起到相得益彰的效果。

在声乐演唱过程中, 演唱者的眼神和脸部表情对增强歌曲的表现力、体现歌曲的内涵有着至关重要的作用。眼神的变化需要训练, 同时也是通过心理情绪和情感而提供的, 有什么样的情绪和情感就会表现出什么样的眼神。为了获得更好的舞台表现, 歌唱者必须努力克服脸部表情运用中的错误习惯, 切不可在演唱过程中挤眉弄眼, 这样才能为受众带来最佳的审美体验。

3. 注意口形与台风

歌唱时口形的各种状态是为了集中声音, 强化某种歌唱风格特色, 利用口腔共鸣参与母音拼音。在表演时, 歌唱者要注意口形变化, 应根据声音的需要恰到好处地张开, 保持声音的上下贯通和内部联系, 要求声音经过口腔时不受唇的影响改变音色。没有特殊的音调和乐句时, 唇不要用劲。一些特殊的长句和高音引起唇不自主的颤动是不随意辅助发声动作。训练口形时不必为某种特定形态太费心思, 发一般声音要像说话那样自然。要在舞台上有好的风度, 首先要充实演唱者的内心。一个内心充实而高尚的人, 才会有好的仪表和风度。同时要多增加上台机会, 在实践过程中不断增强台风, 成为一个优秀的歌唱者。

4. 注意调动歌唱技术时间差

所谓歌唱技术时间差, 就是“外在技术动作启动”与“内在技术情绪启动”的时间差, 以及内在启动当中各技术程序之间先、后或同时的细微的时间差。“启动外在技术动作时间”包括:嘴巴咬字的时间、面部表情的时间、举手投足形体表演动作的时间等。“启动内在技术情绪的时间”主要指歌唱者脑身心全部入静、酿情, 启动歌唱之情绪、意念的时间和体内发力的时间。

在歌唱中, 歌唱者要微微推迟外在技术动作启动的时间, 而应微微提前内在技术情绪启动的时间, 哪怕时差只有几十分之一秒或百分之一秒。避免先外在而后内在。通过嘴巴咬字的时间的略微推迟、面部表情时间的略微推迟、举手投足形体表演动作时间的略微推迟, 赢得脑身心入境、歌唱情绪建立的时机。内部成熟之时, 就是外在启动之刻, 做到内动而外辅。只有这样, 才能建立由内而外的、情之使然的、富有感染力的境界性歌唱, 才能唱出放飞心灵、放飞激情、放飞感动天地人心的歌声, 从而避免成为某些基本功的“奴隶”。如果不等内在建立好就先强调嘴巴动作、或急于找表情, 或急功近利、举手投足地表演等, 都会因外在技术干扰而无法建立协调的内在体系, 也将永远不能获得内外协达、和谐统一的歌唱境界。

总之, 在声乐演唱过程中, 演唱者要时刻注意自己的舞台表现, 要注意形体动作是否妥当、眼神传递是否到位、脸部表情是否正确, 还要注意自己的台风要落落大方, 使自己都成为舞台的焦点。当然, 要提高舞台表现, 最重要的还是多实践, 要多上台表演, 正所谓“熟能生巧”, 演唱者在日积月累中必能获得新的演唱境界。

摘要：在声乐演唱过程中, 演唱者要时刻注意自己的舞台表现, 要注意形体动作是否妥当、眼神传递是否到位、脸部表情是否正确, 还要注意自己的台风要落落大方, 使自己成为舞台的焦点, 这样才能给受众带来全新的审美体验。本文尝试研究提高声乐演唱舞台表现的策略, 希望能为演唱者形成完美的艺术表现献出微薄之力。

关键词：声乐演唱,舞台表现,策略

参考文献

[1]田宇.通俗演唱中舞台表现的重要性[J].北方音乐, 2011 (07) .

浅析声乐演唱中的情感表现第10篇

声乐是善于表现情感的艺术。仅有优美的声音与清晰的咬字吐字, 而缺乏情感准确生动的表达, 是不可能完成声乐演唱的。没有技术就不能很好地把握和处理歌曲, 没有情感就不能表达歌曲的真正内涵, 不能打动人, 而且会让人感到乏味。正所谓:技术是情感的载体, 情感是技术的延伸。许多著名声乐教育家常说:“以情带声”“声情并茂”, 这简单的几个字将情感表现的重要性概括得淋漓尽致。对声乐初学者来讲, 先以技术为重, 兼顾情感。但对于一位专业演唱者、歌唱家来讲, 情感和技巧是缺一不可的。某些初学声乐演唱的学生, 忽视情感表现在歌唱中的重要性, 片面地追求“技术”, 虽然对掌握歌唱技巧有益, 但忽略情感表现的歌唱, 其技巧就变得机械、木讷。音乐其实不是抽象的, 它蕴涵的感情是很丰富的。从创作角度来看, 创作和表演音乐常常可以集于一身, 且可以同时进行。作者是带着情感创作的, 是融入意境和题材的, 而作为演绎者就有责任把作品的情感表现出来。

演唱是以声音来表现感情的, 它通过声音作用于人的听觉而唤起人们内心的情感。人们听到不同的声音引起的情感也有所不同, 是喜、怒、哀、乐、爱、恨等感情的交加。演唱本身没有视觉形象, 但它能通过听觉作用而唤起听众的想象力, 从而在听众内心形成虚幻的视觉形象。

一、创作背景的情感表现

要理解一首作品的真实情感首先要了解它的创作背景。

二、歌词内涵的情感表现

声乐艺术是音乐与文学语言相结合的艺术, 它与文学语言的关系十分密切。声乐之所以具有思想的细腻性和感情的确定性等特点, 是由于文学语言的帮助, 这是在其他艺术当中所不能及的。语言具有传达和表达思想感情的功能, 它通过内心体验到的每一种情感而向人们直接倾诉。

三、音乐要素的情感表现

音乐中包括的要素很多, 有节奏、旋律、音高等等。作曲家在创作作品时, 对每个音符、每个乐句的安排都是经过谨慎思考的, 那作为演唱者在演绎作品之前, 首先要结合作品的曲式曲调进行视唱, 反复的领悟旋律节奏的起伏变化、和声与伴奏的配置。在视唱过程中, 对作品曲谱的前奏、间奏、尾奏、速度、表情以及力度术语都要做全面的了解, 当中有前奏、间奏给演唱者对作品感情酝酿的气氛, 有速度、表情力度术语给演唱者对作品情绪变化的提示, 这时将作品的整个轮廓在这些基础上作完整的理解, 这是了解歌曲情感的基础。熟悉了音乐之后再加上对词的理解, 才能声情并茂地演绎作品。

以上这三个方面是紧密相连的。音乐是作品的主体, 音乐要素是作品的筋骨, 是歌者表现作品情感的心灵感悟所在, 也是最能直接表现情感的手段。

练习和表现：高中声乐教学的着力点第11篇

一、发声训练是基础

一些高中生虽然天生一副好嗓子，但因为没有经过系统的发声训练，会出现白声、漏气等现象。因此，教师要引导学生掌握正确的发声方法。

首先，要让学生明确发声练习的目的。只有明确了发声练习的目的，学生才会主动地调节气息。其次，教师要在训练方法上加强指导。这里尤其要注重呼吸方法和唱歌姿势的指导。在训练过程中，要让学生将身体站直，胸部放松，肩和手自然放松，双脚自然分开约与肩同宽，眼睛平视而有神。在呼吸上，一开始可让学生试着用鼻子呼吸，在呼吸中感受气息的深度，同时要引导学生用腹部、腰周边的力量来调节呼吸，让呼吸进入更加自由的状态。接着可引导学生用鼻、口同时呼吸，让气息沿着鼻孔到肺底部，调节两肋和腰周边的力量，让气息不断扩张。最后，在发声中可采用针对性训练来提高学生对发声器官的控制。如用哼鸣练习来消除“挤卡”“捏着嗓子唱”等现象。

二、歌曲表现是关键

“字正腔圆、声情并茂”是歌唱艺术的最高境界，要达到这一境界需要演唱者和声乐作品融为一体。演唱者要想正确把握好作品的歌唱情感，就需要对作品的内容、创作背景、表现的对象等进行深入的了解。列夫·托尔斯泰指出：“艺术家在自己心里唤起曾经一度体验过的情感，在唤起这种情感之后，用动作、线条、色彩、声音以及语言来传达这种情感，使别人也体验到这样的情感。”要让听众体验到同样的情感，演唱者首先要对作品的情感进行体验，在获得体验的基础上以演唱技巧来表现。因此，在声乐教学中，教师要注重引导学生在理解作品内涵的基础上去表现作品。如学习《在银色的月光下》时，就要了解新疆塔塔尔族的风土人情，塔塔尔族人能歌善舞，塔塔尔族民歌种类繁多，塔塔尔族的音乐节奏鲜明，活泼动听，具有独特的民族风格。这是一首反映爱情生活的歌曲，表达了一位青年在爱情上的伤感、思恋和向往，故而在演唱中情绪的把握是重点。其次，要学会表现音乐。歌唱是传情达意的一种形式，要做到“声情并茂”，还得以“字正腔圆”为基础，在声乐教学时，咬字吐字是不能忽视的。教学中首先要引导学生正确把握声母和韵母的吐字方法，在此基础上引导学生做“收声归韵”练习，从而形成自然流畅的演唱技巧。

三、注重实践是保障

好嗓子只是学生的“天然条件”，如果教学中不加强练习，“好嗓子”也会被“浪费”。当然，如果能遵循科学的发声训练方法，持之以恒，学生的演唱技巧则可得到更好的提升。

在练声过程中，兴趣是影响学生的主要因素，因此教学中教师要激发学生的练习兴趣。教师可采用模拟发声的方式来引导学生发声，如吐唇哼鸣中“闻花”“闻味”的动作，练“慢吸”和“急吸”，用“吹灰尘”“吹灭火苗”的动作来练“快呼”，用“吹火焰”使之晃动而不吹灭它来练“慢呼”。为更好地让学生把握呼吸和肌肉运动之间的关系，还可采用仰卧吸气、举腿呼气的方式进行发声练习。

同时，要针对学生的个体差异进行发声训练。教师在选择练唱歌曲时要注重考虑学生在呼吸、共鸣、吐字、感情方面的差异，要注重引导学生在练习中理解作品的风格、情感、思想、高潮和旋律。当然，学生的情绪也是影响发声练习效果的一大因素，要让学生在发声练习中保持积极、乐观的情绪，教师就需通过师生关系的调节、课堂气氛的创设、问题的引导解决等多个方面进行优化设计。

总之，在高中声乐教学中，只有让学生在发声方法上加强训练，让学生在理解作品的基础上多去表现，日积月累，才能促进声乐教学效果的提高。

浅析声乐作品以及情感的表现方式第12篇

对于一个刚刚进入声乐学习的学生来讲, 首先要对与声乐有一个统一的认知过程, 首先是概念, 声乐指的是用人声演唱的音乐形式, 其中包括了很多的唱法。其次就是要了解自己的自身的条件是否符合学习声乐, 那什么样的条件才是适合学习声乐的呢?

首先在于嗓音。其实不止是声乐但凡是学习音乐的任何一种形式, 声音条件都是首选的条件, 声音的圆润度以及声音在调上的把控能力, 也就是在音调中能够准确的把握住几个调的转换。不管是在日常的教学中还是电视的选秀节目上我们都不难发现很多嗓音条件很好的学生, 但是有的学生不知道如何运用和调节自己的嗓音, 导致最后自己的嗓子烂掉, 这方面很多明星也为我们做了很好的例子。因此嗓音是我们作为评判一个人是否能够学习声乐的先决条件, 当然对于嗓音的宽度可以经过后天专业的训练也是可以达到相应的效果的。

其次在于乐感。声乐是既有人声又有音乐曲的伴奏, 很简单的说现在很多人都说一首歌有很多音找不到感觉, 其实是他的乐感相对于来说是较差的。乐感好也是学习声乐的一个因素, 乐感的好坏决定了一个人能否再演唱的时候跟得上乐曲的音调, 节奏感是否很强烈。乐感强的人对于一首陌生的歌曲很容易上手。

再次在演唱的技巧。这个技巧指的是能够准确分辨出音乐的音阶、音程、节奏、旋律, 要准确的掌握技巧就要学好相应的乐理知识, 因此对于想要学习声乐的学生来说, 首先学习音乐的基本知识和基本技能是很重要的。

最后就是素质。不管学习任何一个专业, 素质教育是不可缺少的, 一个有着良好的素质教育的学生不管是在今后的学习中还是以后在事业的发展道路上, 这都将是他必胜的法宝。因此素质教育是每个学习阶段都不可缺少的, 也是作为一名学生必备的知识。

在我们掌握了学习声乐的四大要素外再就是要学会对作品进行分析。一首好的歌曲, 除了具备我们上面所说的四点要求之外, 对于表演作品老说最重要的一点就是要了解作品, 对于所要表演的作品有着深刻的理解, 只有这样之后才能更加准确的表达出作品, 从而达到所希望的表演艺术效果。

任何一种艺术的产生或者一件音乐作品的产生其实都受到了社会和民族的影响, 最初的音乐是没有歌词的, 只是通过器材表现出来, 逐渐的人们发现单纯的纯音乐已经不能够很准确的表达我们的思想, 于是在纯音乐的前提下我们加入自己想说的话, 也就衍生出了歌词, 从而出现现在作为的歌曲。当我们拿到一首歌曲的时候, 首先从歌词大意上去了解歌曲的大概意思, 就拿我们的国歌来说, 在我们首先看到歌词时, 就可以体会到这是一首鼓励广大群众站起来保卫自己的国家, 单纯的从字里行间我们就看出了他的主心骨, 然后通过老师对于这首歌的讲解, 让我们明确了作品的真正含义是让广大群众团结起来, 抵抗外敌, 保卫国家。怀揣着对外来入侵者的气愤, 我们就更能表达出这首歌里的激昂斗志, 才能表演的那么铿锵有力。

对歌词有了一个必须的了解之后, 将作品的结构进行分析更能够深化对于作品的理解。有简单的单段式, 单段式就是相对于比较简单的音乐形式, 结构虽然简单, 但是能够表现出一个比较完整的内容。其次就是两段式, 这种是为了区分前后两段, 因为两段的情感有着较大的差异。再次就是三段式, 也是较为复杂的一种, 其实与两段的区别就是更加明确的突出了作品的主题, 让人更加的感受深刻。进行音乐的段落结构分析是为了让学生能够更进一步的任何和把握不同的歌曲形式以及其中的变化规律, 以便于在今后的表演中将作品中的情感进行对比, 将作品更鲜明的表达出来。

对于声乐的四大音乐以及对作品有了清楚的分析之后, 情感的表达方式也开始接下神秘的面纱, 了解作品的内涵, 分析作品的创作背景已经是我们不在重申的重中之重。表演的方式其实有很多种, 但是音乐的表演方式首先在于情感上的表演, 当确定了表演曲目之后我们首先要知道这事一首什么样的歌曲, 是抒情类、是赞颂类还是叙事类。对于赞颂类的表演要求就是要有饱满的热情, 演唱者的情感也就是带有一种“冲”劲, 铿锵有力的咬字, 词与词之间有力的气势转换都是所需要的。抒情类的歌曲对于表演的要求就是要将自己融进到歌词里, 把自己作为词中的主角, 切身的将自己完整的进入到作品里, 才能表现出抒情类作品的情感。叙事类的歌曲节奏很富有戏剧性, 需要的是忽而高忽而低嗓音的转换, 这类歌曲演唱的时候一定要把握好作品的基调, 基调对了, 表达的情感也就对了。

有时经常会听到这样一句话“你是个有故事的人, 所以你的歌声才那么的委婉, 才那么的触动心灵。”因此我们说其实很多没有受过专业训练的演唱者都能够把我们带到一个音乐的王国, 一个属于他自己的音乐王国, 在他的世界里, 他就是主宰。因此一个人的阅历有时对于演唱有着很大的帮助, 他有过这样的经历, 所以才能表现出那时的悲或喜, 或孤单或畅快。我们要用充满思想和充满激情的心情唱歌, 只有这样才能发出心里最美的声音。

其实一种音乐的表演方式都是在诉说着歌曲中的故事, 我们喜欢音乐也是喜欢音乐中的故事, 音乐通过它独特的表演方式和情感诉求让我们体会到喜、怒、哀、乐, 让我们感受到了生活的美好, 用心表演, 带有饱满的激情与所有人进行心灵的交流, 只有这样才能真正的了解音乐, 同时感动所有的人。

摘要：音乐是一种感性的艺术, 同样的作品在不同人的情感里有着不同的表现效果, 同样是一件艺术作品我们之所以看到千差万别的表演效果这不仅仅是表演技能的差异, 还包括了对于这件作品的文化底蕴和思想感情的理解不同。一件好的作品需要好的演唱技巧配合好的声音, 对于作品的演绎需要的更是表演者对于作品的所做的工作, 这些工作包括对于作品的所创作的时代背景, 感情经历以及民族性都要有很深入的了解, 做好这些工作之后, 才能将作品声情并茂的表现出来。

关键词：声乐的四大要素,作品分析,表演方式

参考文献

[1].曲凯;声乐作品分析与指导.黑龙江教育出版社.2006

[2].高虹;歌曲分析与创作.春风文艺出版社.2010.9.第1版