浅谈楹联创作范文第1篇

一、热爱生活, 形成审美情感

情感是舞蹈形成的原动力, 没有情感的基础, 则无法创造出鲜明的舞蹈形象, 作品中的任务没有情感的表达, 就无法感染现场的观众。因此编导在舞蹈创作之前需要先动情, 才能塑造出富有情感的舞蹈形象, 舞蹈作品一般都是编导在情感激动时反映出的审美创造。舞蹈编导在选择创作素材时, 需要对所反映的事物有自己独特的心境, 这才是凝聚舞蹈创作的情感因素, 因为有了能够形成情感共鸣的生活现象, 才能激发编导的情感, 继而成为舞蹈创作的素材[1]。比如舞蹈艺术家杨丽萍, 它在创作《雀之灵》之前, 就深受傣族文化的影响, 在南国田园的环境中, 孔雀们嬉戏的场景被表现出来。杨丽萍心中的感受被转化为创作中的灵感, 向我们展现除了孔雀高贵美丽的舞蹈形象。随着现代生活的吞噬, 很多珍贵的艺术素材面临着消亡的风险, 因此如何做到心灵情感的沉淀, 创造出富有意境的审美情感, 将舞蹈动作的重点集中在挖掘任务的精神世界, 把握好情感的真挚与细腻, 是目前舞蹈创作中需要引起注意的。

二、积累创作素材, 激发创作灵感

在生活中有了情感领悟后, 编导还需要对生活积累观察, 获取更多的艺术创作素材, 是舞蹈作品诞生的重要因素。观察生活, 这对于舞蹈编导来说, 不仅可以丰富他们的记忆仓库, 而且还可以培养编导敏锐的眼睛, 抓住生活的特性, 激发其创作灵感。我们必须明白, 灵感都是编导们在长期的融入到生活中, 遇到某种启示而形成的艺术思维。很多创作过程中编导会觉得没有创作欲望, 但是究其根本, 原因在于我们总是寄希望于投机取巧, 而没有积累好足够多的生活素材。它不会凭空产生, 而是需要我们按照专业的技巧, 留心生活中的景物, 在不断的积累中激发出舞蹈的灵感, 逐步进入创作的状态。

三、培养创新意识, 提炼创造能力

舞蹈创作需要积累素材, 才能形成灵感, 为舞蹈创作奠定基础, 大师一个舞蹈作品是否具备强烈的感染力, 还是取决于作品是否有新意, 编导是否具备舞蹈创新的意识。许多编导常常会拘泥与传统的穿过规律, 创作一些旧题材的作品, 比如在表达情感是, 就是以爱情、亲情为主, 在表达自然时, 则是运用花草来体现。这些创作素材中由于容易表达, 所以比较频繁的被使用[2]。但是当选择较难的题材比如政治、历史等, 很多编导并不会轻易尝试。笔者认为, 编导的创新能力是非常宝贵的, 如果将这些难以用舞蹈动作来表现的主题通过创造性的改造, 打破过去死板的套路, 根据舞蹈的特点来发挥自己的创造力, 形成崭新的舞蹈形象, 既能够吸引关注的注意力, 才能够有让人欣赏下去的欲望。当然, 创新并不一定要求编导们在题材是独树一帜, 也可以在原有的素材中进行继承和创新, 提炼出更加鲜明的舞蹈形象, 这也是一种创新。编导在构思舞蹈动作的过程中, 如果能够把握住舞蹈形象的特征, 找出其典型的代表动作, 用舞蹈动作将主体形象化, 例如佤族舞蹈中的甩发动作便是其特有的民族特色。这不仅可以充分体现人物的情感, 也可以突出佤族妇女的勇敢个性, 使得人物的形象更加的鲜明。比如舞蹈《飞鬃马》, 其骁勇的形象是舞蹈所主要表达的, 编导在提炼蒙古族动作的元素下, 可以加以更多个性的动作来进行渲染, 比如演员披落的长发既体现出了其追求自由的勇猛形象, 也能够让整个舞蹈更加的奔放和热烈。这些都需要编导进行后续的创造和加工, 才能赋予舞蹈更多的美感, 使其个性更加的鲜明, 让观众充分享受舞蹈带来的动态美[3]。

四、夯实舞蹈理论, 丰富艺术知识

除了一些必须掌握的专业创作极强之外, 学习舞蹈理论和艺术知识是创作过程中不可或缺的环节。在学习舞蹈理论的过程中, 我们需要对其实践的效果进行总结和概括, 科学的舞蹈理论可以帮助纠正舞蹈创作的不足之处。很多年轻的编导容易忽视舞蹈理论的学习, 社会的浮躁使得他们没法静下心来好好学习舞蹈理论带来的影响它可以帮助克服艺术实践中存在的盲目性, 提高舞蹈工作者的综合素质, 以及艺术创作的质量。编导在创作中的经验是不断积累的, 再加上自身对舞蹈的理解, 可以形成自己独特的见解。这也是舞蹈艺术创作逐渐走向成熟的标志, 也是舞蹈作品成功的有效保证。

另外, 艺术知识的丰富需要我们的编导加强自身素质的修养, 赋予艺术作品更多的创造力和想象力, 通过长期的艺术积累才能够激发自身的创作灵感。若我们能够扩大自身的视野, 学习各种类型的艺术知识, 比如诗歌、美术等。艺术具有很大的包容性, 比如舞蹈作品《千手观音》中, 便是受到了美术以及文学的影响而创作而成, 并产生了较好的效果。

五、结语

舞蹈作品的形成并不是生活的照搬以及直接反映, 它需要通过编导对生活的理解以及自身情感的积累, 然后在充分了解了复杂的生活现象之后基于舞蹈的创作规律进行创造的一项劳动过程。编导需要掌握相关的创作技能, 才能避免陷入艺术创作的盲目性中。成为一个具有自主控制力且富有创新意识的艺术创作者, 需要充分发挥自身的潜力以及自主能动性, 才能够形成更多有意义并富有情感的舞蹈作品。这不仅对于编导自身是一种自我价值的实现, 对于国内的舞蹈创作文化的提高也有很大的帮助。

摘要：生活的体验是舞蹈创作的来源。但是从生活到舞蹈创作的过程中, 不是简单的照搬, 而是编导通过充分理解生活与舞蹈之间的关系, 在遵循舞蹈的创作规律的基础上, 掌握相应的创作方法, 最终形成富有情感内涵的舞蹈作品。本文将会对舞蹈创作的过程做出阐述, 包括审美情感的形成、舞蹈素材的积累、创新意识的培养以及舞蹈知识的丰富等方面进行分析, 期望能给舞蹈作品的创作提供一定的指导和借鉴的思路。

关键词：生活,舞蹈创作,舞蹈作品

参考文献

[1] 莫贤超.从生活到舞蹈创作浅谈舞蹈作品的创作过程[J].科教文汇 (中旬刊) , 2009, 12:266-267.

[2] 王全正.论舞蹈作品分析及舞蹈创作[J].艺术科技, 2013, 05:123.

浅谈楹联创作范文第2篇

一、心中有目标：

教师作为幼儿学习绘画的直接指导者，心中有目标是进行指导的重要前提。这个目标，大到不同年龄阶段的幼儿在绘画这一领域中所要达到的目标，小到每一个绘画教育活动甚至每一个教育细节所要达到的目标。因此，教师在开展幼儿绘画教育活动时应该思考这样的问题：通过绘画活动我要培养孩子什么样的能力、提高孩子什么样的水平?我要通过怎样的形式和手段来开展活动?活动的重点是什么、难点应该怎样解决?能思考这些问题就是教师心中有目标的体现。

有了目标，活动才能顺利开展，幼儿的绘画技能才能正真得到提高。我对此深有体会：在一个题为《拾穗子》的绘画活动中，首先我依着绘画活动的一般模式备好了活动的全部的环节，然后便不假思索地开展活动，讲述经验-欣赏范画-交代要求-幼儿作画-欣赏讲评，但当幼儿作画时问题出现了，大部分幼儿所画的拾穗子的人都是正面画，一点没有拾的感觉，都是站着的手中拿着穗子的人。由此我发现自己犯了一个错误，即目标不清晰，重难点不明确，没有研究这个活动我要解决什么问题就开展了。

其实只要稍微细致地作一下考虑，就会发现这个活动的重点是绘画侧面的人物形象，而难点则是体现出人物蹲的动作。如果我在教学过程中注意在这一方面进行讲解和示范，相信绘画的效果会好很多。由此可见，心中有目标是一个活动成败与否的关键所在。有了目标，就知道自己该做什么;有了目标，就有了方向，就知道怎样指导幼儿进行活动。

二、眼中有孩子：

所谓眼中有孩子，就是要把孩子的发展放在首位，知道我面对着什么样的孩子?他们的性格特点、兴趣爱好是什么样的?他们的绘画基础怎样?他们的个别差异是什么?总之，就是要十分清楚地了解自己所面对的孩子。甚至是孩子的生理、心理等方面的差异以及身体动作的发展等，都对幼儿绘画技能的学习有着很大的影响。深刻地了解了自己的孩子，就知道使用什么样的方法进行教学才有效;就知道对什么样的孩子提出什么样的要求;就知道对什么样的孩子做出什么样的评价。因此，眼中有孩子能帮助我们更有针对性地对幼儿进行绘画技能的培养。例如：绘画活动《秋天的树林》，在备课时，我设想了两种绘画的方式：一种是勾画轮廓后用渐变的颜色来涂色，另一种是用刮蜡的方法来进行绘画。

在确定使用何种方式开展活动时，我想到了我的孩子们，估算了一下他们的绘画水平，如果选用前者，效果应该不错，因为他们已经是大班的孩子，具有较好的涂色能力;而如果选用后者，效果可能稍逊色些，但幼儿能接触另一种绘画的技能。综合多种因素后我选择了后者。在活动进行的过程中，我用亮丽的范画激发幼儿创作的欲望，同时用当场示范引导幼儿了解其中的技能技巧，从而为创作奠定了基础。也预示着良好的活动效果的产生。由此可见，只有把幼儿放在第一位，才能使幼儿真正得到发展。

三、材料要丰富：

我们应认识到丰富多样的绘画材料与工具可以促进幼儿技能的发展，丰富幼儿绘画技能的表现。这是幼儿学习技能的准备，若教师单一地指导幼儿学习认识一种材料，重复使用一种工具，则幼儿只会掌握一种绘画技能，也相应地会削弱幼儿进行绘画活动的兴趣。而幼儿对材料的性质和用途了解得越多，那他对形状、色彩、空间的认识也会更丰富。因此教师在开展绘画活动时，首先要保证材料的丰富性，任何材料在美学意义上均有价值，无论新与旧，大与小，粗糙与精细等等。教师必须让幼儿认识到无论何种材质，只要运用得合理得当，对画面来说和谐美观，它就是合理的材料。因此，在绘画活动中，让幼儿尝试使用各种不同的绘画材料与工具，探索与讨论各种材料在美术活动中的不同的美感表现力，提高幼儿对多种

绘画材料的认识，对培养幼儿绘画活动的兴趣，提高幼儿绘画的技能有很大的促进作用。同时，材料的选择也对教师提出了一个很高的要求，我们在选择材料的过程中还应注意：

(1)教师应在适当的时候介绍适当的材料给幼儿。

(2)要发挥每一种材料的独特功效。

(3)教师要注意发展幼儿的个别技巧。

(4)根据幼儿的兴趣、能力与需要，一次活动同时使用不同的材料，给幼儿自主选择表达绘画的材料与工具，使幼儿大胆探索使用多种绘画工具，探索不同的绘画技能。

四、指导有方法：

游戏是幼儿最喜欢的，在他们眼里，几乎一切活动都是游戏。因此，教师要根据幼儿的年龄特点采用游戏化的方式指导幼儿绘画。皮亚杰曾说过：“儿童不能像成年人那样有效地满足他个人情感上的，甚至智慧上的平衡，他具有一个可以利用的活动领域，在这领域中他的动机并非为了适应现实，恰恰相反，却使现实被他同化，这样的活动领域便是游戏。儿童进行的游戏很多，绘画也是这种游戏的一种方式。”对孩子来说，绘画本身就是一种游戏。游戏化的绘画指导方式适合幼儿实际发展水平，能让幼儿轻松地接受技能的指导。

特别是一些幼儿难以掌握的、学习有难度的美术技能，教师应采用游戏化的情景，儿童化的语言来调动幼儿的学习兴趣，让幼儿在获得愉悦、新奇的情感体验的过程中，提高参与绘画学习活动的积极性，自然地接受技能的学习。例如：在《堆雪人》这个绘画活动中，为了提高幼儿对这个绘画内容的兴趣，也为了让幼儿更好地感受堆雪人时人物的不同动态，我设计了这样一个环节：用一个较大的玩具充当雪人，然后请若干幼儿模仿堆雪人的各种动作，让其他幼儿仔细观察同伴的姿态。这样一来，幼儿都对现场模仿堆雪人的游戏十分感兴趣，同时也真正了解到了堆雪人时人物的动态，为正式绘画奠定了基础。

五、把技能学习与培养创造力整合起来。

新《纲要》下的美术教育观，提醒了我们要摆正技能培养与幼儿创造性培养之间的关系。在不同观念思潮的澎湃涌动下，幼儿美术教育技能的发展受到了一定的影响。重视技能，忽略创造性培养，或不谈技能，只求创造的教育观念都是片面的，都会严重制约和阻碍幼儿美术能力的发展。由此可见，幼儿绘画技能的学习是不能孤立存在的，是要和创造力的培养整合起来的。我们要在引导幼儿学好技能的同时，重视幼儿创造力的培养，鼓励幼儿用心地画，创造性地表现内心的情感和对世界的认识。

浅谈楹联创作范文第3篇

“美术”一词, 起源于欧洲, 其泛指具有美学意义的具体事物或文化产物, 具有可视性和欣赏性。而中国的美术艺术更是在此基础上进一步发展和创新, 在事物本身真实形象的基础上, 赋予其生命般的价值, 让美术作品再次升华, 引人共鸣。

目前, 美术艺术已经与生活更加贴近, 深受中国传统文化和现代文明的双重影响, 而影响美术作品的创作因素也随着时代的发展范畴增加、日益突显。

一、意境构造因素

中国美术艺术深受中国传统水墨画影响, 最为关键的是意境的构造和表达。所谓意境的构造, 就是赋予所绘事物“情感”, 通过一系列光影的交辉、色块的对比突出表现不同的情感, 其决定了作品的精髓所在, 是一幅美术作品的灵魂和根本。情感的定位、意境的营造, 也是一幅作品成与败的最重要的评价标准。

美术作品的意境构造, 来源于艺术家的审美定位和思想境界, 而艺术家的思想思维又是因为周围生活环境、生活氛围的影响而转变。生活轻松快乐、恬淡舒适的, 其作品的意境多是愉悦向上、积极奋进的;生活压抑痛苦、无奈心酸的, 其作品多是灰暗苦闷、悲伤的。意境的构造也源自与艺术家的眼界和心胸, 胸怀宽广者画意浩瀚深远, 心思细腻者画意柔美舒缓。因此, 意境的构造, 是艺术家内心世界的具现, 是决定了作品风格的根源。

二、艺术构图因素

艺术家想要通过作品表达内心, 首先需要将作品的“轮廓”和“布局”设置好。这种谋篇布局就要求艺术家根据题材和主题来恰当组织, 协调造型间的联系, 提升作品的感染力和表现力。在普遍的美术艺术构图中, 主要强调的是处理好均衡与对称、对比和视点、变化和统一的关系, 而对于中国传统的美术艺术, “留白”是作品中不可忽视的重要构图因素, 巧妙运用“留白”, 将很大程度上提高作品的表现力, 留下想象的空间, 将不可言语之物、不可描述之物用“空白”表现出来。

如果说意境构造, 体现的是一个艺术家的思想和境界, 那么艺术构图体现出的则是艺术家的“匠心”, 需要创作者在同一事物中找到不同点, 而后通过深耕细作合理布局, 将这不同之处展现出来, 需要创作者深层次把握图层、空间、意境等基本设计和艺术手段, 而后以其独特的创造风格进行再组合再排列, 勾画出作品的艺术构图。

1、工具材料因素

美术艺术作品的创作离不开创作所有的工具和材料, 良好的创作器材有利于作品质量的再次提升, 是美术作品成功的重要因素。美术作品创作材料, 主要包括画笔、纸张和颜料。但随着科学技术的发展, 这些材料已经逐渐超过原始材料范畴, 新型材料的使用, 也为美术作品创作实现了新的可能和突破。

现在, 美术创作综合材料的定义更加广泛, 曾经许多看似与美术搭不上边的材料, 已经被尝试着运用到美术创作中, 比如钢筋、沙土等等, 还有一些日常中确实存在的事物, 被直接用于作品中, 如使用真实的叶子体现叶片的肌理。新材料的应用, 为当今美术艺术创作提供了新的思路, 增加了作品的时代感和创新性。

2、表现技法因素

美术作品要具有极强的表现力和感染力, 这就要求我们在进行作品创作时, 既要考虑到作品的主题和中心, 更要考虑使用什么样的表现技法能将所要描绘的意境表达出来。美术艺术的表现技法对于创作者而言, 就好比语法对于单词, 只有应用好正确的、合适的方法, 才能将原本分散的元素组合起来, 构成一篇完美的章节。

表现技法包括用笔技法和设色技法。用笔技法里又分为工笔和写意两种, 工笔讲究的是形, 将描绘主体的纹理肌理表现出来, 写意讲究的是意, 往往用寥寥几笔便将情感所系表达而出。设色技法则是画家对色彩颜料的应用, 包括对颜料透明度、纯度、干湿度、粘稠度、薄厚度等的处理, 体现景物的色泽和厚重。

3、色彩搭配因素

色彩的明暗配合, 光影的重叠分层, 都是以绘画主体的更迭而转换, 其既可能是描绘事物的实际色彩, 也可能是画家内心的写照。如何完美的搭配色彩, 考校的是一个创作者能力的高低, 色彩的相互映衬是搭配, 色彩的冲突与矛盾也是搭配, 而作品就是在这种搭配中呈现而出, 以其不同的风格创作而出, 引人共鸣。

中国美术艺术博大精深, 其涉及的精神、文化、传承、艺术、技法都需要我们不断的继承和发扬, 了解掌握影响美术作品创作的各种因素, 充分利用这些因素提升作品的水平与质量, 真正为中国美术艺术的进一步发展提供坚实基础。

摘要：中国的美术艺术传承千年之久, 经过多次的变革与提升, 在历史长河洗涤和淬炼下, 已形成了自身独特的、极具代表性的文化风格, 其与西方写实美术本质上的区别, 就在于中国美术艺术更注重“形”与“意”的结合, 讲究神在景中, 神形兼备。而中国美术作品的产生, 也更贴近了中国美术艺术的精髓, 其中影响中国美术作品创作的因素包括了构图、材料、技巧、色彩等, 其中特别是意境构造与表现极为突出与重要。

关键词：中国美术艺术,风格,“形”与“意”,影响因素

参考文献

[1] 宗白华美学概论。[M]上海人民出版社.

[2] 李春西方美术史。[M]陕西人民出版社.2002.

[3] 陈坚《中国当代水彩名家》[M].

[4] 黄铁山《中国当代水彩名家》[M].

[5] 李泽厚《艺术哲学》.[M]天津社会科学院出版社.

[6] 赵云龙高飞《当代中国水彩绘画题材语言的地域性特点》《艺术研究》[J].2009.04.

[7] 傅抱石中国绘画理论.江苏教育出版社, 2005 (10) .

浅谈楹联创作范文第4篇

一、浅谈文艺广播的艺术再创作主要思路

文艺广播的艺术再创作, 重点在于文艺广播编辑。提高文艺广播的质量和效果, 为听众呈现出异彩纷呈的文艺广播节目, 重点在于文艺广播编辑能够掌握艺术再创作的思路, 具备仪式在创作的意识。除了要具备扎实的文艺广播技能和理论知识底蕴、足够深厚的艺术鉴赏能力, 文艺广播编辑还应该具备现代意识、能动意识等艺术再创作思想和思路, 从而能够适当地运用音响这一文艺广播唯一的艺术表现手段。

一名合格的文艺广播编辑要具有现代意识。在文艺广播的艺术再创作中, 重要的是要结合社会热点, 把握时代发展的节奏与脉搏。文艺广播节目的宗旨是为社会实践服务, 将社会实践中的闪光点进行放大并加以艺术改造, 结合时代发展的特征和趋势传递正能量。同时要具有创新意识。墨守成规、不敢突破的文艺广播编辑是不能够满足听众不断增长的文化需求的。文艺广播的艺术再创作, 要充分利用新技术、新内容、新形式, 避免听众产生审美疲劳, 满足听众个性化的审美需求。文艺广播编辑还要具备能动意识。要能够主动地将审美心理学、艺术表演学等学科理论知识融入到艺术再创作的实践当中。要主动思考, 综合组稿、修改、取材、编制和播出等环节, 通过单一音响引导听众实现对情境的联想, 帮助听众实现感官的转化。

二、浅谈文艺广播的艺术再创作主要手段

音响是文艺广播艺术再创作的主要也是唯一的艺术手段。文艺广播的艺术再创作, 主要通过模拟、象征、幻化、升华等艺术手法, 对文艺广播内容进行艺术表现。通过模拟手法, 文艺广播编辑能够对故事内容进行陈述, 介绍故事发展的情节, 为听众生动地描绘故事发生的环境, 塑造出符合听众审美的艺术形象。同时能够在陈述中结合音响效果, 刻画出人物的心理活动, 展现其情感体验, 实现对文艺广播主题的深化。

在模拟手法的变现基础上, 通过象征手法, 能够引导听众进行联想。通过冲锋号与炮火音响的结合, 能够引导听众想象出壮观、宏伟的战争场面, 结合模拟手法的表达叙述, 能够形成较强的艺术表达氛围。象征手法多是通过小的细节体现打的场面, 是一种写意的手法, 实现以点带面的表现效果。幻化是在模拟手法写实和象征手法写意的基础上, 通过音响的合理运用, 引导听众向更深层次的意境想象。这种意境不是模拟手法表现出的具象化的世界, 也不是象征手法表现出的整体化的世界, 而是营造了一种抽象化的艺术世界。随着幻化手法的运用, 听众已经产生了丰富的想象, 通过升华手法, 能够将听众在超越时空限制的状态下, 进入超越现实生活、天马行空的想象世界。

三、结语

尽管随着新媒体技术、互联网技术等新兴艺术表达手段不断涌现, 文艺广播作为一种传统的艺术表现形式, 坚持单一的音响艺术表达手段, 似乎已经无法与新技术、新手段相竞争。但实际上, 文艺广播能够通过文艺广播编辑的艺术再创造, 融合新的时代背景和群众审美需求, 使文艺广播这种艺术表现形式能够保持旺盛的生命力。文艺广播不仅能够更生动地表达出作者的情感, 而且能够更含蓄地引发听众的联想。我们相信, 随着文艺广播编辑的艺术再创作能力不断提高, 在保证文艺广播可听性的基础上, 通过音响手段的创新应用和剪辑、糅合、渲染, 能够实现多重情感的融合, 从而为群众提供一种独特的艺术体验、一种传统而新颖的艺术审美选择。

摘要：所谓文艺广播的艺术再创作, 是指文艺广播编辑在保证文艺节目录音或翻录质量的同时, 结合文艺广播节目特点等因素, 对节目录音进行创造性的个性解说并进行必要的音响补充。这种艺术再创作在提高文体广播节目效果和质量的同时, 也对文艺广播编辑的创造性和艺术能力提出了更高的要求。本文旨在对文艺广播的艺术再创作进行简单讨论, 以便于为文艺广播艺术再创作实践提供参考。

关键词：新课程,语文教学,辩证思维能力

参考文献

[1] 邢质斌.播音──有声语言的艺术再创造[J].现代传播-中国传媒大学学报, 1998 (5) :53-54.

[2] 宋生贵.再提生命体验与诗性情怀当下艺术现象批评兼论艺术创作的原创资质[J].广播电视大学学报 (哲学社会科学版) , 2009 (3) :88-93.

浅谈楹联创作范文第5篇

中国画的特点来源于中华民族的传统文化悠久历史及丰富的美学精神。东晋时期的顾恺之是我国伟大的画家和理论家, 他提出了“以形写神”、“迁想妙得”, 谢安对顾恺之评价道“自生人以来未有也”。他的画论著作有《魏晋胜流画赞》、《论画》、《画云台山记》。顾恺之的画论主要针对人物画及肖像画, 对于这些他有很多的见解。第一, 明确地提出了传神的概念, 并结合他人的创作以及自己的创作, 反复的阐述了传神的得失与绘画优劣, 顾恺之把传神作为评画的头一个标准, 在他的《画云台山记》中强调画张道陵要“瘦形而神气远”。第二, 顾恺之提出以形写神论, 传神很重要, 但传神要有媒介。他认为神存在于客观本体形象之中, 神通过形表现出来, 就人物画来说, 顾恺之注重的是头部形的传神, “写自颈已上, 宁迟而不隽”。头面的传神是很重要, 画的时候需要谨慎。顾恺之认为最重要的是眼睛, 据悉他画人的时候有数年不点睛, 人们问他原因, 曰:“四体妍蚩 (chī) , 本无关于妙处, 传神写照, 正在阿堵中 (阿堵就是眼睛的意思) 。”大概意思就是人的肢体美丑, 对于传神来说不是很重要, 尤其对于肖像画更为如此。“手挥五弦易, 目送归鸿难”, 用动作姿态表现人的情感, 要比目光远望表现人的思想容易。在《洛神赋图卷》中的神女, 水上的轻盈是靠飘扬的衣带描绘;那种若即若离、含情脉脉是眼睛起了作用。第三, 重视人物与环境之间的关系, 人都是生活在一定的自然环境及社会环境当中, 不同的人处于的不同的环境, 就造成社会地位及思想情感的不同, 在艺术创作中, 环境对于人物关系相当密切。唐代画家张璪 (zǎo) 提出“外师造化, 中得心源”, 强调画家要向大自然学习;清代绘画大师石涛提出“收尽奇峰打草稿”, 石涛本人游历祖国的山水, 把客观的山川景物通过主观感受熔铸为特色的山水画, 就是因为他的经历, 能够很好地把握大自然的律动, 才能成为一代大师。第四, 体验生活的“迁想妙得”, 顾恺之的理念“迁想妙得”将绘画题材的难易表现为:“凡画, 人最难, 次山水, 次狗马, 台榭一定器耳, 难成而易好, 不待迁想妙得也”。迁想妙得是描绘对象与画家间的主客观联系, 画家在作画之前, 要先进行观察、研究所要描绘的对象, 体会及揣摩对象的思想情感, 这是“迁想”;画家逐次了解对象的精神方面特征, 经过分析和提炼, 获得艺术的构思, 这是“妙得”。清代著名的清代画家郑板桥先生, 把画竹过程分为“眼中之竹、胸中之竹、手中之竹”三个阶段, 要先观察生活、感悟生活, 是艺术创作的准备阶段;然后再打腹稿, 进行艺术构思;最后, 艺术家通过艺术语言和媒介将艺术形象表达出来, 形成艺术作品, 这就是艺术创作的过程。“若轻物宜利其笔, 重以陈其迹, 各以全其想”的理论对现在绘画创作有巨大的指导意义。

《古画品录》提出六法, 六法者何?一、气韵生动是也;二、骨法用笔是也;三、应物象形是也;四、随类赋彩是也;五、经营位置是也;六、传移模写是也。

六法是谢赫提出的, 对美术理论有巨大贡献, 谢赫从理论方面将绘画创作及批评理论归为六条。气韵生动位于六法之首, 气韵即神韵, 也就是顾恺之所说的神。骨法用笔, 主要是指用笔有功力, “笔迹超越, 亦有奇观”, “一点一拂, 动笔皆奇”, 评价笔力的好, “笔迹轻羸”评价笔力差。千余年来, 中国画最注重笔墨, 晚清书画家松年的《颐园论画》曰“作画固属笔力传出, 仍宜善于用墨, 善于用色。笔墨交融, 一笔而成枝叶, 一笔而分两色, 色犹浑涵不呆, 此用笔墨到佳境矣。用墨如用色, 亦须分出几种颜色, 一一分布, 始有墨成五色之妙, 设色亦然, 所谓用色如用墨, 用墨如用色, 则得法矣”, 可见笔墨的重要性。应物象形, 画家描绘社会生活或是自然景物, 必须按照客观对象具有的面貌来表现, 不能够主观臆造, 象形要应物而象。随类赋彩, 是解决色彩问题, 顾恺之《画云台山记》的景物色彩基本上是随类赋彩, “凡天及水色, 尽用空青”、“画丹崖临涧上”。经营位置就是构图, 顾恺之在构图问题上提出过“临见妙裁”, 纳入画面的形象要经过巧妙的设计。中国画构图有自己的特点, 安排形象不受空间、时间的限制, 采用散点透视, 在南朝, 宗炳“去之稍阔, 则其见弥小”, 说出了近大远小视觉规律在山水画中的体现, 郭熙“高远、深远、平远”的提出, 阐述了北宋全景山水画的不同空间处理方法。传移模写, 即临摹画的技能。谢赫六法在历代影响很大, 宋代《图画见闻志》的作者郭若虚说“六法精论, 万古不移”, 六法是魏晋南北朝以来绘画实践的总结。

中国古代文人画家, 不以绘画谋生, 绘画雅玩成为文人情操的写照, “凡落笔之日, 必窗明几净, 焚香左右, 精笔妙墨, 盥手洗砚, 如见大宾”, 享受绘画时的忘我境界。中国古代艺术思潮的长河, 自北宋以后到清末, 一千多年, 文人的审美占据主要地位, 一直延伸到现代。中国古代画论是优秀的文化遗产, 它尽管驰名中外, 但也要用一分为二的科学态度分析, 不能持“万古不移”的态度, 画论要在前人经验的基础上, 后人进行补充修正。

摘要：中华民族拥有悠久的文化传统, 在这片广袤的土壤上, 经历了一切的艰难与曲折, 采用独创性手法发展自己的文化。中国古代绘画是中华文化的绝妙之处, 中国古代绘画不仅仅是我们眼睛所看到的内容与形象, 更多的是画外之意。古代画论中, 关于创作的画论自成体系, 撰写画论的作者大多自身就是画家, 他们所记述的文字就是自己绘画的构思, 如东晋顾恺之的《画云台山记》、荆浩的《笔法记》, 还有结合自身实践与前人绘画创作经验进行总结, 如宋代郭熙、郭思的《林泉高致》。古代画论作者用古老的文字, 不厌其烦的表述他们看画、作画、品画的角度及独特的审美追求。中国古代画论对传统中国画的实践具有指导意义, 它穿越千年, 延续至今。

关键词：古代绘画,绘画创作,古代画论

参考文献

[1] 何慧敏.《中国古代绘画理论解读》[M].上海人民美术出版社, 2012.

[2] 葛路.《中国画论史》[M].北京大学出版社, 2009.

浅谈楹联创作范文第6篇

1 时装表演的主、客观因素

要拍摄好一场时装表演, 必须对时装表演发展历史有一认识与了解。时装表演发展史经历3个阶段: (1) “玩偶“阶段用模型展示服装。 (2) “真人”阶段真实、客观、立体展示服装。 (3) “舞台表演“阶段突破传统的美学束缚, 真正走向”艺术化“的标志。

(1) 时装表演的主观因素:包括时装设计师和模特。时装设计师设计一套服装, 由于其个性、设计思想不同, 表现服装内涵与主题各异, 是一件有“悟”性的服装作品。时装模特善于发现、挖掘服装的内在生命力, 通过形体、造型、表情将服装的内涵、主题形象化的呈现再人们面前。

(2) 时装表演的客观因素:包括舞台设计、背景搭建、灯光布局、音乐选配, (1) 舞台设计:常见有“T型”、“倒T型”、“工字型”“U”型等, 根据不同规模、场地环境、时装展示的面的, 选择不同的舞台。 (2) 背景:具有再现性、表现性两种表现形式。再现性作用是还原、重现生活的环境及场景。表现性作用是力求展示突出服装内涵, 是一种情感流露。 (3) 灯光:分为前演区光、后演区光, 主要有面光、侧光、逆光等, 灯光作用一是突出服装的质感、层次, 二是展现模特的表演与造型。 (4) 音乐:它是一听觉元素, 与时装表演的视觉元素构成复合关系, 相互关联与影响, 没有音乐的参与, 时装表演的节奏与内在情感起伏, 都没有了依托。

2 如何拍摄时装表演

时装表演, 是以服装展示为中心, 通过模特将服装的设计理念及主题形象化传达给观众, 产生反响与共鸣, 那么拍摄时装表演的目的与作用也正是反映这一点, 即拍摄者通过镜头语言进行“二度”的时装展示与表演。

(1) 拍摄前期准备:拍摄者一方面尽量提前到拍摄现场, 了解拍摄环境, 另一方面找组织方了解演出内容、顺序、时间, 在现场观察舞台造型、背景设计、灯光及音乐的运用, 准确把握时装的主题内涵。拍摄是一技术加艺术的职业, 根据现场环境, 采取合理的技术手段和艺术构思去拍摄, 了解时装设计风格:决定用什么镜头景别和节奏。了解出场顺序:正确把握表演过程的平稳期和高潮期, 知道在什么系列服装会出现整场表演的兴奋、高潮点, 以便重点突出、细化拍摄。了解舞台造型:以便合理布置机位。了解灯光、音乐运用:合理控制光圈、曝光量及画面景别和节奏。只有了解上述几点内容, 拍摄者才能有一完整构思, 整体规划, 思考如何拍摄怎样拍摄。

(1) 架设机位:分单机和多机拍摄。

单机拍摄:一是机位架设绝大多数在舞台正前方中间位置, 以平面、客观的视点拍摄, 或者选择一正面前侧方机位, 角度稍俯, 拍摄效果具有层次感, 单机拍摄对拍摄者提出更高要求, 由于拍摄过程不能停机, 一切技术调整都要在拍摄中完成。

多机拍摄:关键是协调各个机位的拍摄任务, 统筹安排, 一般舞台正前方机位。负责拍摄全景, 在正面前侧方机位, 中近景拍摄模特台前造型, 如”T“台距离过长, 可以考虑在台口架设机位, 拍摄模特的出场亮相, 多机位拍摄的画面力求做到衔接流畅, 景别到位, 灵活自然表现整体与局部, 一般与重点的画面关系。

(2) 联系活动组织单位。

要求组织方提高相关活动资料, 拍摄者要养成多问问题的习惯, 比如活动议程, 活动时间, 活动期间最重要的内容, 使拍摄者做到心中有数, 拍摄中重点突出。

(3) 背景:作用有二:一是做衬托, 以白, 灰色为主, 突出服装展示和模特表演, 二是精心设计背景, 使其与所展示的服装融为一体, 如展示中国旗袍系列, 背景设计为屏风造型。

(4) 用光:时装表演灯光作用一是一般布光, 提供照度, 二是艺术布光, 塑造造型。

滤色片调整:目前使用的摄像机都是依据3000k～3200k光源色温设计, 设置档为:0、1、2、3或1、2、3、4档。

0为光全部被阻挡, 适用于长时间关机。

1档3200k, 无色透明, 适合光温3200k灯光照明下拍摄。

2档5600k+1/4ND适用于较明亮自然光拍摄。

3档5600k适用于阴雨天拍摄。

4档5600k+1/16ND适用于水边, 高原, 光强大晴天。

在拍摄现场, 调整不同滤色片, 观察监视器, 再确定滤色片。

白平衡调整:利用摄像机内三基色与现场光源色温一致, 保证色调色彩真实还原, 在时装表演现场调整白平衡, 首先确定主光源, 将色温片调到正确档位, 用随身携带的白纸或找一白色替代物, 使其充满画面, 注意白纸受光面对着主光方向, 避免其他光源影响, 按动白平衡调整钮, 寻像器出现提示, 调整完毕。

控制曝光：由于现场灯光布局不同, 光照条件各异, 时装及模特在不同照度下, 亮度有所不同, 所以, 合理控制曝光十分重要。 (1) 自动曝光:利用摄像机对所拍摄画面的光照条件做一平均测算, 确定曝光值, 选择合适光圈。适合场景不大, 灯光照度较均匀拍摄现场。 (2) 手动曝光:时装表演中, 大部分时间周围场景较暗, 只有舞台光照较强, 适合光照条件不均, 亮度反差较大的拍摄现场。

聚焦调整:由于时装表演始终处于动态, 景深及焦点不断变化, 如何保持画面清晰, 聚焦是一非常重要技术要求, 摄像机镜头调焦环上, 一般刻有调焦距离标尺, 以米 (m) 英尺 (ft) 为单位。正确聚焦方法:将光圈口径调至最大, 获得最大进光量, 调整焦点位置, 旋转聚焦环, 直至主体清晰, 分为即使聚焦与预调焦 (1) 即使聚焦:根据主体位置不断变化, 对主体聚焦, 一般应用在模特行进中 (2) 预调焦:根据主体将要运动到的位置, 预先把调焦环调到相应距离标尺, 一般应用在模特出场亮相或台前的定位造型, 做到有效控制聚焦范围, 保证画面清晰。

(2) 时装表演拍摄中, 技术应用与艺术把握。

时装表演中, 模特只是一载体, 中心则是展示的服装, 作为拍摄者, 要明确以服装展示为中心, 进行艺术加工与创作。

(1) 从机位角度谈对时装表演的拍摄:

多机拍摄:正面机位;重点拍全景, 侧面机位:重点拍摄前台模特的中、近景, 较多采取上下摇镜头, 由于模特处于动态, 所以, 拍摄者一定要控制好摇的时机, 摇的速度。正面抓全景。侧面抓层次。单机拍摄:正面机位, 可以预先利用中、近景框住模特台前活动范围, 这样模特从台口亮相 (全景) 行进到台前造型 (中或近景) 。模特的一个行进过程, 镜头景别从全到近, 整体与局部全部展现在画面中。

(2) 从灯光角度谈对时装表演的拍摄:

正面光:具有受光均匀, 反差小特点, 台前模特面部易反光, 需控制曝光量与光圈。

侧面光:具有明暗影调变化特点, 台前中、近景拍摄模特, 调整机位稍俯, 取暗背景收缩光圈, 弱化过强的影调变化。

逆光:具有突出空间感的特点, 一般出现在台口位置, 突出模特的形体轮廓与造型, 采用中景拍摄, 强调一种意境。

追光:具有强调突出的特点, 对于拍摄者是一辣手问题, 由于追光光源与其他光源色温不同, 造成对服装色彩、色调产生一定的视觉误差, 正确调整滤色片、曝光量非常重要。

(3) 从声音角度谈对时装表演的拍摄:

借助音乐的表现力、想象力引导、启发观众思路对展示服装的理解。一场时装表演, 要有几次高潮点, 展示的服装以及音乐都很精彩, 拍摄者之前要有敏感意识, 控制好镜头的节奏, 使服装展示、音乐语言、镜头语言三者协调。

3 拍摄时装表演的启示与思考

(1) 时装展示是全方位的, 同样拍摄与制作也需要多视点。

目前看到时装表演基本都是单一画面, 建议三台摄像机拍摄, 一拍模特正面, 一拍模特侧面, 一拍模特背面, 在后期编辑中, 使用画中画或掩膜技术, 做一大两小画面, 大画面:展现模特正面, 两小画面:展现模特侧面和背面, 这样的拍摄与制作使观众同一时间从三个不同视点同步欣赏时装表演, 远比现场观众一个视点得到信息量丰富和全面。

(2) 时装表演是声画一体的艺术展示, 如何外延声音的功能, 提高欣赏能力。

时装表演, 音乐贯穿全场, 过程连接的十分紧凑、密集, 这样的安排对观众理解能力有一定影响, 能否在每个系列服装转场间隙, 安排画外音或旁白, 对即将出场的下一系列服装做一几十字介绍, 包括设计理念、展示服装的特点, 让观众提前了解, 有针对性去欣赏, 使旁白真正起到整场时装表演“穿针引线”的作用。

摘要：拍摄时装表演是一专业话题, 也是随着时装表演的广泛性越来越受到人们重视, 为了提高时装表演的拍摄及制作水平, 并结合笔者十多年时装表演拍摄和制作经历, 提出了时装表演从拍摄准备、拍摄过程、后期制作几个阶段的技术要求与经验, 并对目前时装表演的拍摄制作谈了个人的思考与想法。

关键词：时装表演,拍摄,镜头

参考文献

[1] 夏正达.摄影基础教程[M].上海人民美术出版社, 137～139.