空间体验环境艺术论文范文第1篇
关键词：“快闪艺术展”展示设计 商业空间 设计要素 创新
文献标识码：A
引言
“快闪艺术展”是指一般在商业空间内的美术馆或者公共空间中举办的短期艺术展览，和艺术包装下的品牌宣传相比商业性质低，艺术和背后的主题旨意高、文化内涵深刻。时间一般为1-3个月，主旨在于拉近大众和艺术的距离，并且促使泛艺术化。
一、展示空间环境设计要素
(一)布局与展线。“快闪艺术展”作为艺术展览的一个分支，起源于博物馆展示设计和“快闪”活动。站在快闪展览的空间设计角度分析，它依然延续着正统的展示设计方法论，即设定主题、分割空间、布置展线、塑造形式、修饰版面与群落、实施和运营等主要程序。对商业空间中“快闪艺术展”进行策划设计时，首先把以下两个元素作为前提：
1.场地。应考虑场地因素，场地因素是整个设计程序得以进行的前提，商场中的展览场地一般都有所差别，例如上海Kl1艺术购物中心将美术馆建在83层，建立之初就把约3000平米艺术空间作为一个重要的功能区域;上海兴业太古汇L3多功能厅既可以举办展览也接待会议活动，此外位于南京德基广场的德基美术馆则是在广场建立约十年后开始策划设计并于2017年9月竣工。这些商业场所的展览场地性质、面积等都不相同，快闪展览进行空间环境设计时遵循一般设计原则对展览场地及周边环境进行考察，其中包括商场周边交通地理环境、商场内部公共空间、展览实际场地等的细致了解。
2.空间布局与展线设计。空间布局和展线一般建立于强烈的逻辑思维中，设计者需要熟悉、理解每一处内容，需要和策划团队或者专业人员、艺术家合作、协商，尽可能地吸收内容信息，同时又有将内容整合、分解的能力。并且思考商业空间如何与展览相关联，展览空间内部功能划分是否符合内容体量、墙体规格是否与建筑空间相一致、比例尺度是否得当、是否保证了人与物的安全等问题。这个过程也是在建立大众获取信息的基本路径，组织呈现在人们面前的故事框架和梗概。
(二)表现内容的形式手法。20世纪美国著名的媒介文化研究者尼尔波斯曼(Neil Postman)的在其关于环境媒介的理论中指出“语言不是现实的表征，而是现实的中介，正如地图不是版图’一样”[1]。人类为了表示意图、传达信息而创造了语言，从物化的角度分析语言，它是人类发明的强大工具。展示空间存在的意义也是向人传递某些信息，如果忽略体量，它也是策展人、设计者、艺术家等信息发送者向受众的“诉说”，此时整个空间变成类似于语言的“工具”，受众认为它是可以产生认知学习的手段，设计者认为它是表现内容的形式方法的集合。
1.版面和群落。版面和群落是“快闪艺术展”最直观的视觉语言，二维平面和三维立体的组合给人带来不同的感受。版面中的文字、图形、图表、插画或者是依附于其上的展品灯都在充分体现个体作用的基础上更好地阐述展览主题。版面上的立体展品具有画龙点睛的作用，它是走出版面的实物，促使观众脑海中的形象、故事更加具体。某种意义上说，所有表现形式都是空间媒介的延伸;图表和图形着重于利用人的视觉和认知特性迎合更广泛的受众群体，最大化地让接收方不受语言、地域文化、文化程度等限制，所以他们是空闫信息传播的重要手段;而文字是传递展示信息最基础的符号[2]，文字在版面中的作用时常是“统领全文”或“总结全文”，它约束图形、插画等元素的服务方向，使整个版面更加完整。而声音、视频等都可以拉近人与展品的距离，更加容易触动人的感觉，能够更加身临其境地体验展品相关的故事内容、情感表现。围绕一个或一些展品，利用文字、图像、视频或其它表现方式组合成的群落共同进行新的传达，内部元素主次、动静结合，群落的存在也将整个展览的内容分为各个不同的小的节点，让非专业观众将不熟悉的内容有层次地吸收。在“快闪艺术展”中，群落的概念更加明显，设计师会用组合的场景来传达相关知识点，群落的形态也是由基础的点、线、面抽象形成。群落中的形体有体量、比例的关系，这些形态的特征必须表现出主题形式，凝固的体块与流动的线条，构成各种对比和变化，体现了视觉的空间美感与主体性。
2.空间修辞。修辞本是对语言的一种修饰，20世纪著名的美裔俄籍语言学家诺曼雅各布森(Roman Jakobson)提出了语言交流的六要素，即谈话者、语境、信息、接触、编码、接收者。笔者认为，这六个要素同样适合于空间和人之间“对话”，并且在众多展览空间中，语境、信息、接触和编码是判断空间优劣的关键，这四个要素体现于展览空间中的信息传播媒介与渠道;体现空间修辞的手段，比如设计元素的形式美、夸张、重构等;还体现于展示信息的传达层次和效果，观展者和消费者因为认知背景的不同对信息的吸收理解程度也不同，这也符合语言交流中的特性，即意义流动的不确定性，但快闪展览空间的公共服务特征强调寻求最大的适应性是其空间存在原则，这也是空间修辞和语言交流最主要的区别。
国内学者陈汝东对空间修辞的定义为：是一种以语言、图像以及音像综合符号为媒介，以最佳的视觉效果为目的的人类传播行为。另外，对空间的视觉修辞分析一般由两个分析层面展开：研究者处理要分析空间中的视觉元素与空间关系之外，还需要探讨空间与主体的互动如何深化其社会意义。展览空间从最初的“库房式”展览到现在多样演绎的产生，核心从收藏保护、研究诠释转向为展示展览、教育传播，为大众创造愉悦的学习空间，职能是为人服务、满足观众的期待，并且越来越注重在传递信息的同时引发观众思考，形成空间和观众、展品和人之间的交流，上述的版面和群落是空间修辞的直接表现，它们都是不同的演绎手法。语言修辞让话语、文章变得优美或者具有说服力，展示空间是具有实物性的实践型空间，对比夸张、比喻象征等都会使内容信息传播变得具象、富有感染力。
3.空间形式手法。在艺术设计领域里，创新就是设计创意，设计创意是以新思维、新设计和新描述为特征的概念化过程[3]。展示空间中的形式创新是一个从内容策划出发，以供需双方的旨意要求为基础，依赖于设计创意者的专业素养，以当前的社会意识形态和经济、科技水平为依托的一个空间变量，这个变量外在表现于空间的氛围、空间修辞手法、空间群落以及版面，细化可追溯到隔墙形式、辅助展品、道具、平面排版以及材质、灯光、音效等具体元素的呈现形式，设计创意者将各种元素与不同的内容整合在一起，考究整体设计和局部设计的关系，再进行形象思维的发散，形式的创新可以源于任何专业和领域，最后不断地推敲、探讨可实施性，解决过程中不断出现的问题，直至完成现场施工布展工作。展示空间的设计从表面上看似乎是设计师空间造型能力的体现，实则反映的是设计师对所要传达的信息的理解能力，以及建立在认知心理学、视知觉、传播学等学科基础上的对信息重新组织的能力[4]。
(三)光和色彩。光、色彩、材质的组合会给展示空间带来丰富的空间层次感，不同色彩的光给无机的材质带来生命力，从而创造出不同空间风格。
1.光的作用。光像其他所有材质一样具有自己特有的形态，光和影可以给静态的空间增加动感，也可以增强材质的情感表达，在现代展示空间中，光源一般为自然光和人工光，快闪展览因为特殊场地条件，一般位于商场中庭等公共空间的以自然光、人工光结合为主。在“快闪艺术展”的演绎空间中，光的走向依据内容和形式的展现，基础照明和重点照明以及氛围照明的交互使用，在满足受众基础视觉生理需求的基础上，营造氛围空间，并增强展品及辅助展品等的立体感、材质感和色彩感，提升图片、装置、道具等一切与展示相关的设计语言的价值。
2.色彩的价值。色彩是展示空间情绪的主导，人类对于不同色彩的感觉来源于在自然界中长久的生存体验，色彩的符号意义也是人类对万物的感受，并随着人类文明的发展，将一些色彩转换运用来表达自身的感情或感觉。空间设计创意对色彩的认知应该是深刻的，用不同色彩的搭配传递细腻的内容情感和空间性格，色彩的三要素是色相、明度、纯度，非专业观众一般用色相统称一个空间的色彩特性。在艺术展览空间中，色彩可以来自于灯光、图文版面、道具景观、墙体立面等不同物体，内部组合复杂但又不能缺少秩序感，不同的色彩具有一定的象征性，混乱的空间色彩会干扰观众的认知，没有主次、缺少指引的色彩会让空间失去价值，所以在进行设计规划时，设定好空间的风格倾向，让色彩在一个大的方向上进行组合变化非常重要。多彩的世界给人们带来无限的视觉经验，出色的快闪空间形成的视觉刺激会与这些经验不谋而合。
二、观众行为模式的转变
(一)观众活跃度的促进。展览空间是商业空间中的新情境，新的情境会带来不同的行为，情境中的主体依然是人、物、空间，最基本和最普遍形式的本质是信息交流，所以人在空间中具有很大的主导作用，他们既可以选择接收展品内容和形式信息，也可以选择和人进行交流，即展示空间因为信息传递的目的具有聚集人群的功能，聚集的人群会因为空间的密度、氛围、界线等特征，产生不同的群体活动，从而展开不同的社交活动，在这个层面上看，快闪展览空间可以促进群体行为的发生或转变，继而促进大众活动的综合性发展。
(二)文化消费理念导向。文化消费是大众消费行为随着经济条件发展和文化意识形态不断提高后形成的一种满足于精神需求的消费模式，显现于普通消费转至空间消费的过程中，在哲学领域，鲍德里亚曾说：当今社会“消费”不是一种附属于生产的消极行为，而是成为“生产力的一种有组织的延伸”[5]。现今大众的消费不局限于某一个具体的品牌，消费也不是一定带有目的性。商业空间中的电影院、超市、饮食店等，满足各自基础功能之外，空间的延伸更加吸引现在的消费者，例如空间的服务、形式、氛围、情感等，會成为吸引消费的核心因素。人们感受到的色彩、陈设、空间都是功能化，对这些内容的规划和组合才会带来不一样的观感质量。
城市商业空间并不是狭隘地满足于回应人的物质资本交换，它更多的是创造一个带有文化、情感、精神价值的符号群体，创造出可依赖、有黏度、有温度的空间，并且能够成为文化的载体。商业空间将“快闪艺术展”纳入其平台之中，就是解构和重组其自身内容，重塑人在商业空间中的系统行为，介入社会公共文化传播的职能。它将艺术展览变成空间内部的一个流动成分，利用展览的主题、演绎形式、信息价值创造消费者群体在消费空间时新的情感需求，从而迎合大众对文化消费的追求，具有审美价值、文化导向的展览空间成为改变人们传统消费行为的“指引符号”。
三、实践案例概述与分析
(一)《海的轮廓》展览设计实践。此次展览是笔者2019年参与的快闪展览展陈设计，此次项目位于上海K11购物中心k11美术馆内。首先，在参与整个项目的过程中，是前期多场地的考察，除了展馆场地之外，还需要了解整个商场的氛围、风格，商业品牌的大致类别等。在设计阶段，展览主题是海洋生态的展现，主要展品是数字媒体影视作品、摄影作品等，在对展示内容的特征、艺术家的要求进行了解沟通之后，综合确定整个展览空间需要表现沉浸式的海洋氛围，所以在空间色彩上选用了indigo蓝色，在形式手法上，入口空间地面选用了同色系的地毯，与第一展区艺术家梦幻的作品共同形成深邃的空间，地面不一样的质感感官上将走进空间商业场所的消费者变成艺术体验的感受者。展览另外一个创新是整个展厅的过道空间都采用了呼吸灯，这在许多展览中是不常见的，暗色调与呼吸灯的结合可以营造出从海洋中看向天空时飘浮不定的柔碎光线，给人带来更加真实的感觉。
(二)《火星2035》展览实践分析。此次展览是从2020年了月17日志至2020年10月8日在上海环球港L4演绎空间开展的科普类“快闪艺术展”，内容上一共设置了九个区域的内容，其中包括“往事剧场”、“冲日之夜”、“火星奇境”、“万象”、“红色家园”等展区。策展方和设计方共同的目标是创造一场独特的展览，既有科学又有艺术。设计团队花了非常多的时间在空间修辞上，思考怎样用更多的演绎手法去打动人心。另外，艺术是广阔的，虽然传统展览中常见的是绘画、模型场景等制造，在漫长的策展与设计阶段，设计团队想到了现场表演，这也是最有冲击力的手法，最终决定设计在一个观测仪、日晷等大小不一的模型以及大型LED显示屏组成科幻舞台上展现人类宇宙观的进化，此次的表演场所与空间中的文字、图画相关联，并且舞台在非表演阶段观展者可以上台在分散的复古桌柜中寻找隐藏的线索，共同组成一个新的信息群落，更加生动地诉说展览内容，用趣味、互动的方式叙述最早人类开始探索太空奥秘的往事，如图l。除此之外，还有以用皮尔斯伯戈经典科幻电影《世界之战》的“冲日之夜”展区也非常精彩，展区想要表现的是在人类还没有条件探测到火星具体构造与环境时，对火星的猜想，因此，展区内容打造成复古的室内风格，墙上的细节都表现着人类对于火星生物猜想的各种模型，中间则是一只被拴住的整体约2.5米高的怪兽模型，这也是设计团队在看了很多科幻电影之后自行创作的，并且现场的怪兽指尖有按钮，观众触摸之后，怪兽就会随之挣扎、双眼变红，整个空间的灯光设计渲染了神秘的氛围，窗户外led屏上跳动的红色火焰，也让观众想到了危险的气息，很多观众在现场与触碰怪兽之后被惊吓到。在这一展区中，我们更多的用立体展品模型代替平面图文叙事，希望成为整个展览中的一个亮点，走进展厅的观众，因为氛围渲染产生惊喜或者短暂惊吓的情感都是设计团队所希望的，在走出展厅之后，重新回到商业空间，可以回味人类在技术不先进的那个年代，对火星上环境与生物的幻想并与现代已知科技成果对比，感受人类外太空执着的探索精神。
除此之外，笔者也参与上海爱琴海购物中心明珠美术馆《雨果：天才的内心》、外滩一号美术馆《生生不息：齐白石大展》等设计，在这些过程中，通过自己的实践经验，分析验证前文中所提到的“快闪艺术展”的特性，他们都与商业环境有着非常密切的关系，但又非常注重自身空间演绎的创意表现，也越来越符合当下年轻人文化消费观念的倾向，不断追求新的说故事的方式，尝试跳出固有主题符码外，创造更加深刻的体验感，带来感动和情感上的共鸣。
结论
本文从“快闪艺术展”的内部展示设计模式分析出发，在遵循展示空间设计的大原则下，设计师要思考展品以什么样的形式呈现给观众以及考虑如何使展陈空间、展示理念融入进商场的氛围环境中，注意场地因素，量体裁衣。商业空间的“快闪艺术展”具有更强的创造性表现，光和色彩跟随物和空间的节奏，可以创造出有层次感的氛围，内容的形式传达、观众的物理和心理感受都成为“快闪艺术展”在追求创新时想要有所突破的领域，最终使展览成为人们日常生活中一项普通、频繁艺术活动、社交活动形式，展示空间除了是一种设计形式之外，更加作为一种城市社会生活方式和文化现象与人们密切关系[6]。
参考文献
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[2]吴诗中.展示陈列艺术设计[M]第二版北京：高等教育出版，2016 32
[3]吴亚生.展示空间：设计实践与探索[M]北京高等教育出版社，2015： 228-229
[4]吴诗中.展示陈列艺术设计[M]北京：高等教育出版社，2016： 104
[5]鲍德里亚.消费社会[M]南京：南京大学出版社，2017：76
[6]王晓慧，解丽君.设计情感视角下的空间消费以商业空间为例[J]美与时代(上)，2017;(11)73-75
空间体验环境艺术论文范文第2篇
摘 要在信息化迅速发展的今天,绘画艺术在很大的领域里逐渐的以科技化、数字化的形式出现。旨在通过对传统绘画和数码CG绘画
这两种艺术创作形式比较的研究,使我们不但了解两种艺术形式的各自魅力所在,而且认识到将现代技术和艺术家的创造智慧完美结合
起来,可以创作出更具有艺术感染力和生命力的作品。
关键词传统绘画;CG绘画;比较
在信息化迅速发展的今天,绘画艺术逐渐以科技化、数字化的形式出现。虽然传统绘画艺术有着深厚的文化底蕴和历史渊源,仍然具有着巨大的艺术魅力,但是电脑绘画(CG绘画)艺术作为一种新的艺术形式进入到艺术领域,并对其产生了巨大的影响。
1传统装饰绘画艺术与CG绘画艺术概述
所谓传统绘画艺术,是区别于电脑绘画艺术而言的。其绘画方式是将各种颜料、涂料、用笔、刷或其他工具绘制到纸张、木板或布等为载体上,其绘画用途被广泛应用在生活的各个方面。CG绘画,是computer graphics的英文的缩写,是计算机图形图像处理技术的总称,是绘画艺术随着信息和数字时代的到来而产生的一种利用计算机的科技手段来完成艺术作品的新形式,是现代科学技术与传统绘画艺术的结合体现。由计算机替代传统绘画工具之后,艺术表现手法更加丰富,创作效率普遍提高,从而形成了一个新的视觉艺术门类。
2起源和应用方面比较
传统绘画艺术创作有着深厚的文化底蕴和悠久的历史渊源,蕴藏着众多的民族文化和地域风情,其表现形式也是多样化的,应用于社会生活中的各个方面。随着生产力与科技的发展,CG绘画这一艺术形式随着计算机的发展和普及,随着数字化时代的到来而产生出现,它是一个科技发展的产物,是在与传统装饰绘画艺术结合基础上发展起来的一门新兴艺术形式,随着现代数码技术在艺术表现领域中的发展逐渐形成了自身独特的视觉表现语言与技法,能够实现传统技术所无法到达的视觉效果,有着效率高,易掌握的特点,因此,更容易被推广和使用。
3技术掌握方面比较
传统绘画在技法和制作方面需要经过多年的专业训练及专业知识的积累,才能达到一定的水平。而对于CG绘画艺术来说,绘画者只要能够简单了解电脑的基本常识,掌握相对比较简单的软件命令,熟练快捷键的操作,甚至于只是了解经常用到的命令,就能够用软件自带的的颜色与线条和图形等进行创作。在CG技术应用于绘画艺术创作之前,艺术创作者们要绘制科幻、激情的画面需要极其丰富大胆的想象力和精湛的绘制技巧。对于西方艺术绘画来说,不难发现在西方现代艺术各种流派中,艺术家要通过作品来表现自己的艺术主张,常常要有很好的创意和高超的技巧,如20世纪50-60年代的波普艺术,大量运用绘画、装置、拼贴、丝网印刷、现成品集合等手段进行创作,将人们日常生活中的最熟悉的歌星、影星、广告海报、可口可乐等形象,通过选择和仔细的制作重新呈现在大众面前,用以展示时代生活……这些艺术流派以及常用的表现手法,如果用现在的电脑绘画软件来进行制作,一定容易得多。比如如果制作“欧普艺术”中的“视幻艺术”,在电脑中对两个图形之间进行封套变化几秒钟就可完成一系列中间渐变效果,画面就会产生很强烈的视觉冲击效果。如果不谈创意只谈制作,上面所讲的现代艺术流派中的许多艺术作品的效果,使用电脑来完成,其技巧相比较而言要简单得多。当然这两种绘画艺术各自也存在着不足,比如传统绘画在表现笔墨表现技法上更自然,但在表现华丽炫目时却很无力。数码绘画很难表现一些自然的细节,但它在表现一些很”炫“的感觉、产生强烈视觉冲击力方面具有巨大优势。
4从艺术创作的观念和艺术价值观上来比较
传统绘画艺术需要多年的艺术修养的积累、多年的专业技巧的训练,才能进行高水平的艺术性创作,从而实现自己的创作意图。CG绘画艺术一方面继承了传统绘画艺术的基本特点,如构图、造型、着色等,另一方面,它具有传统绘画艺术所无法比拟的优越性,如:有用不完的纸张和笔墨,有数不清的色彩以及大量的图供选择,多次的反复修改而不用担心影响画面效果,可将多种效果进行比较选择更好的等等,另外电脑能够储存和呈现大量的素材,以此为基点,允许人们在这些材料上任意的添加和修改,有利于他们即兴的联想和创作。在这些方面,传统绘画制作形式相比较而相形见拙。因此,CG绘画艺术受到越来越多的专业人士和非专业人士的喜爱。由于种种优点,在CG绘画艺术中出现了一些误解,似乎只要学会了软件的运用就能制作出好的电脑绘画艺术作品,忽略了艺术素质、思维方式、创新能力和美术语言对电脑绘画艺术的重要作用,实在是对电脑绘画艺术缺乏了解所致。信息化时代的到来为我们洞开了无限延展的视觉空间,电脑绘画艺术已成为一种重要的绘画手段,对于今天的我们来说,作为艺术创作者无法回避这一事实,但应该清楚的认识到电脑仅仅只是物化了人的意识,所做的只是帮助我们准确、生动而高效的表达意图并对我们的想象力提供若干补充,并没有代替我们进行艺术创造。总而言之,传统绘画艺术有着深厚的文化底蕴和历史渊源,仍然散发着巨大的艺术魅力,不论电脑绘画艺术发展如何先进,是决不可能取代传统绘画艺术,电脑绘画艺术某种意义上来说,是另一种绘画艺术工具,电脑硬件和软件的使用丰富了传统绘画语言并用以表达出新的艺术观念,是传统绘画艺术的延续与发展。
传统绘画艺术与CG绘画艺术在审美认识和审美创造过程中,具有主体性、实践性、形象性、情感性和独创性的一般审美共性,这使得它们之间有着千丝万缕的联系;而从形式美、物质媒介性与技艺性、历史文化的积淀性、沉浸感和交互性等方面来看,它们又具有各自特殊的审美个性。因此,当传统艺术与数码技术走到一起,就像水与墨在宣纸上发生的交融互渗的奇妙变化一样,会令彼此别开生面。可以说传统绘画艺术与数码图形艺术即互相联系又互相区别,相互依存又相互补充。对于现代的数码艺术创作来说,要有更大的突破,首先是观念要有所突破,其次是对于传统艺术形式的重新认识和利用,这样会使设计作品的固有品质得到提升,而传统艺术借鉴现代的数码艺术意识,在语言上另辟蹊径,也会获得时代的认同感,互动、融合、渗透已成这个时代不同艺术形式的发展和变化的趋势。它们共同构筑着视觉艺术的百花园,其独特的美学特性又为这百花园贡献出物种多样性的意义,为人类的视觉审美提供多样的选择,从而满足人们审美的多样需求。
参考文献
[1]张静.试比较电脑绘画艺术与传统绘画艺术,考试周刊.
[2]杨斌.期待中国的数码艺术\"航母\"美术观察,2004,2:28-29.
[3]沈帼英,数码艺术——艺术与科技的连体婴》[EB/OL].http://www.Zaobao.com.pages4.20020123.
[4]王志新,张妍焱.视频特效高手AFTER EFFECTS6.0完全自学手册.出版社,海洋出版社,出版时间:2004,01:06.
作者简介
段雷(1978—),男,吉林动画学院设计学院教师,吉林艺术学院美术学硕士。
空间体验环境艺术论文范文第3篇
【摘要】在城市公共空间中，融合装饰艺术设计，不仅可以起到美化空间环境的作用，同时也可以反凸显城市环境特色与文化内涵，体现出城市的时代文化标志。以下本篇试论城市公共空间与装饰艺术设计的融合。
【关键字】城市公共空间、融合、装饰艺术
引 言
对于现代城市公共空间规划中，融合装饰艺术设计，采取独具特色的装饰艺术设计风格，可以完美反映出城市公共空间环境内涵，也可以给人眼前一亮的视觉冲击，从而发自内心的喜欢这样的设计，有效提高城市公共空间的舒适度，为人创造优美城市公共空间环境。
1、城市公共空间装饰艺术设计融合的意义
城市公共空间，就是集城市的内涵与本质为一体，可以展示新时期城市的人文之美，同时又步伐现代化进步格调，为现代人集聚提供生活交流平台。城市公共空间痛装饰艺术设计融合，不仅可以满足市民对公共空间艺术设计的要求，同时也可以美化城市公共空间，采取装饰艺术设计手段，装点公共空间环境，实现城市公共空间内人为艺术与自然环境的和谐，实现装饰艺术与人实际需求的融合，既是装饰艺术设计的延伸，也是城市公共空间规划的创新，适合当前社会发展需求，具有实际应用意义。
2、装饰艺术设计理念
装饰艺术设计中，其主要的设计理念，就是要体现出装饰艺术，以艺术的手法与思想，去装点建筑空间，使空间在装饰艺术的融合之中，起到美化空间环境，赋予空间环境生命的特色艺术。 现阶段的城市公共空间与装饰艺术设计融合中，存在较多的问题，主要体现在传统文化建筑流失，由于城市公共空间与装饰艺术设计融合中存在盲目性，城市特色淡化。故此在实际的装饰艺术设计中，应该提升器装饰艺术的审美功能，通过艺术装饰效果，使城市公共空间充满活力与趣味，激发人的审美情趣【1】。还有就是城市公共空间设计中追求“奢华”，城市公共空间装饰艺术融合中，盲目跟风，忽略城市公共空间地势、环境整体规划需求，偏离设计实用性原则；城市公共空间装饰艺术设计中，植被铺设不合理，不能发挥有效的减弱噪音、改善空气湿度等作用。装饰艺术在城市公共空间中，还具有美化空间的作用，可以针对公共空间环境中设施，致力于美化改造，优化装饰艺术设计思维，能够以个性化、人性化、实用等实用装置以及优势，设计基于城市公共空间的装饰艺术，提升城市公共空间艺术审美度。
3、具体城市公共空间装饰艺术设计方案
3.1优化设计原则
城市公共空间装饰艺术设计融合中，应该满足城市公共空间的实用功能与审美功能，提升城市魅力，优化城市公共空间功能，从装饰艺术设计的角度，优化城市公共空间设计原则。在城市公共空间装饰艺术设计融合中，能够坚持以人为本的原则，以城市环境为装饰艺术设计的核心，能够在充分了解公共空间人群需求的基础上，整体协调城市公共空间布局，以满足人对城市公共空间内人体工程学的要求【2】。关注人的感官基础，在装饰艺术设计中，能够体现出人为思想，能够坚持人为设计受益者，从人的角度去考虑装饰艺术设计的实用性，使城市公共空间满足人的使用需求。并且，在城市公共空间设计中，融合装饰艺术设计方法，强化设计特色，这不是方案的剽窃，也是设计的炫耀，而是要在城市公共空间基础上，采取装饰艺术设计手段，更好的提升城市公共空间水平。
3.2强化装饰艺术设计风格
对于城市公共空间的装饰艺术设计之中，基于装饰材料、装饰方法以及装饰规划等多个方面，不应该盲从，不应该是盲目的设计城市公共空间风格，应该能够根据城市公共空间设计情况，设计别具特色的装饰艺术，根据材料的不同，装饰方法的不同，慢工出细活，优化城市公共空间方案【3】。城市公共空间装饰艺术设计中，设计师应该可以从装饰材料的基础上，优化其公共空间设计方案，以装饰材料来提升公共空间的美观度与特色化，使公共空间设计别具特点，不是流行的设计风格，也不是落后的装饰艺术，而是赋予城市公共空间生命，在其和谐的装饰艺术设计风格之中，凸显城市公共空间设计特色。
3.3创新公共空间装饰物融合手段
在城市公共空间的装饰艺术设计中，能够采取别具地方特色、具有城市文化内涵的装饰物，在装饰艺术设计中，可以强化其设计的文化素养，结合城市公共空间实际情况，优化其设计融合手段。如在成都这样的城市公共空间设计中，对于其装饰艺术设计融合之中， 就采取太阳神鸟为其装饰物，就像凤凰在漩涡中飞翔不止，即代表吉祥，又赋予成都新生的内涵，是浴火重生，也是城市新发展的昭示。
在城市公共空间装饰艺术设计中，对于装饰物，应该是巧妙的融合与城市公共空间之中，会给人以新奇的视觉效果，同时又可以增添城市的亲和力，不显突兀，也不显跟风，别具特色，又满足城市公共空间审美需求。
3.4注重装饰艺术中的生态环保设计
在城市公共空间的设计中，协调运用装饰艺术设计手法、色彩，合理设计其绿色植被，优化装饰艺术中的生态环保策略，在对公共空间引进绿植时，可以结合城市气候环境，选择合适的植物，合理铺设绿植，并且注重绿植生长养护，既可以降低城市公共空间空气污染含量，也可以给人带来良好的视觉体验。坚持可持续发展设计观念，在城市公共空间设计当中，注重人与自然的协调发展关系，有效的保护城市公共空间自然资源，避免铺张浪费。并且可以在城市公共空间设计中，对于其装饰艺术的融入，可以发挥设计主题作用，针对娱乐性公共空间、交通性公共空间、商场性公共空间设计中，能够根据其功能，优化设计绿植装饰，可以有效美化城市公共空间环境。
结 论
综上所述，在城市公共空间规划中，全面考量城市公共空间的人文、地理环境、经济等因素，实现其与装饰艺术设计的融合，不仅可以提升城市公共空间的艺术审美，同时也可以优化城市公共空间设计特色，美化城市公共空间。
参考文献
[1] 刘悦；；现代装饰设计中传统装饰艺术应用研究[J]；现代装饰（理论），2012，24（04）：76-77.
[2] 廖希瑜；；构筑生态康体的城市公共空间——以珠海绿道系统的建设为例[J]；中华建设，2011，06（34）：45-46.
[3] 郝然；；城市公共环境空间的营造[J]；北京农业，2012，24（32）：54-57.
空间体验环境艺术论文范文第4篇
一、情景体验式设计概述
所谓的情景体验式设计, 是把消费者融入到设计当中, 充分考虑到消费者的参与和体验, 通过营造一定的环境, 实现信息的交互传播, 与顾客之间产生内心的共鸣。这种情景体验式的设计, 让消费者在接受产品和服务的同时, 在特定的主题空间里得到内心情感上的享受。
二、餐饮空间的情景体验式设计
1、餐饮空间情景化设计原则
结合科学性、艺术性和效益性的设计理念, 在餐饮空间的情景体验式设计过程当中, 应当遵循以下几项基本原则:
第一, 以市场需求为导向。通常, 在进行餐饮空间设计之前需要进行全面细致的市场调查和分析, 确立目标顾客群体, 针对目标市场和消费者的需求为导向, 了解消费者的情感偏好, 掌握目标消费者的消费能力, 围绕这样的主题进行设计, 才能在激烈的市场竞争中立于不败之地。
第二, 遵循地域文化特点进行餐饮空间情景化设计。遵循地域文化特点进行餐饮空间情景化设计。不同的地域环境拥有不同的文化风俗, 将富有地域特色元素的设计理念融入其中, 不仅可以独树一帜, 独一无二, 保持较长时间的独立性, 而且可以在本地或者周边居民当中巩固情感上的归属感, 保持客户群体的忠诚度。
第三, 以人为本的原则, 尊重客人体验与享受是进行餐饮空间情景化设计的根本。现阶段, 人们越来越注重个体的自身价值的实现, 因此餐饮场所的设计不能片面的追求时尚和现代感, 一定要在和谐、舒适上下功夫, 要给人一种亲切、舒缓、平和的感觉。这种平和、优雅感觉的营造可以通过, 餐饮空间外在的建筑造型、内部间隔、装修色彩, 以及内部的灯光、家具搭配、装饰摆设等辅助手段来实现。
第四, 节能环保和可持续性原则, 是进行餐饮空间情景化设计不可缺少的。在餐饮空间的设计装修中可以充分利用当地原生态环境中所特有的材料, 既便于采集又节省运输成本, 还可以确保与现代人所追求自然的思想和谐一致。
第五, 体验性的原则。当今社会的经济形势已经发展到了体验式经济时代, 以体验为基础, 加强与消费者之间的互动和情感上的沟通, 通过体验的方式触动消费者思想和心灵, 增加产品附加值。这种引导顾客参与的空间设计原则, 能够将体验作为一种提高顾客满意度和忠诚度的有效手段, 是企业提升效益的关键因素。
2、餐饮空间情景化设计要素
空间形态、色彩、光线、装修材质等是空间设计的基本要素, 对于体验式餐饮场所的情景表达起着重要的作用。合理的使用空间划分, 采用不同的间隔手法, 制造出或灵动欢快、或沉静内敛、或磅礴大气、或清新文艺的空间风格;色彩设计是最为直观的情感表达方式。运用合理的色彩, 综合考量色彩的冷暖和明度能够营造适当的就餐氛围, 对顾客的用餐节奏和思想情感进行引导;或明或暗的光线, 是情景营造不可或缺的要素。自然光与人造光源的协调搭配不仅可以增加就餐者的视野范围, 更能表达特定的情景气氛。在情景化设计过程中起着载体作用的装修材质, 是将情感直接传达给消费者的最真实的媒介。例如, 石材、木材、皮革、织物、纤维等凭借不同的纹理质感所传达给人的情感是不同的, 良好的进行材质的选择和组合, 能够实现不同情景体验的感受。
3、餐饮空间情景化设计主题
情景化的餐厅, 不仅仅是为顾客提供一个用餐的场所, 更重要的是使令消费者在一定的空间内得到情感上的沟通和共鸣, 遵循一定的主题进行餐饮空间的设计, 挖掘深层次的文化内涵, 才能让消费者产生重复消费。现阶段, 情景化餐饮企业的设计一般可以围绕下列主题展开:
第一, 时代特色的主题。不同年龄阶段的目标顾客有着不同的时代烙印, 有着不同的年代情怀。类似于这种主题餐厅, 从名字到装修, 都似乎是在讲述一段历史, 讲述一个时代特有的风情, 餐厅内陈设的种种, 皆与特定的年代有解不开的缘分。
第二, 民族特色的主题。长时间特定的政治、经济、思想、文化以及宗教信仰的影响, 形成不同民族的特色。为了体现出不同的民族风情, 可以将色彩、图案、符号、图腾、灯光、建筑形式以及工作人员的服饰、称谓等结合在一起, 融入民族元素, 来体现不同的民族特色。
第三, 健康生态的主题。生态康养, 是近几年来发展和流行起来的新的生活理念。主要是依托自然的优势, 实现生态化的餐饮和休闲、娱乐目标。所以, 如何迎合这种健康的生活和消费方式, 在满足餐饮场所各种功能性需求的基础上进行生态设计就显得尤为重要。
除此之外, 还可以围绕不同的艺术形式、年龄阶段、文化传播、实物等多种主题进行餐饮空间的设计装修, 实现食、情、味三者巧妙的结合, 真正的反映餐饮空间的魅力, 满足顾客情感上的享受。
三、结语
综上所述, 充分重视餐饮空间情景体验式设计对于体验式餐饮企业发展的重要性, 结合实际的功能需求, 以满足消费者需求为导向进行情景体验式餐饮设计, 有利于提升顾客的舒适感受, 增加餐饮企业的经济效益, 推进情景体验式餐饮企行业健康合理的发展。
摘要：情景体验式餐饮场所, 作为我国的一个新型服务业形态, 迎合了时下的消费需求, 呈现出了良好的发展势头。本文作者简单介绍了情景体验式设计的含义, 从餐饮空间情景化设计原则、设计要素、设计主题三个方面对情景体验式餐饮空间设计进行详细的阐述。
关键词：情景体验式,餐饮空间设计
参考文献
[1] 张祺.基于体验的餐饮空间情景化设计研究[D].西南交通大学, 2016.
[2] 刘自爱.餐饮空间的情景式设计方法研究[D].广州大学, 2010.
空间体验环境艺术论文范文第5篇
近些年，随着中国城镇化步伐的加快，关于“公共艺术”的实践和讨论都多了起来。事实上，“公共艺术”（Public Art）这个概念也是这些年才从国外移植过来的。以前，学术一点的称谓叫作“城市雕塑”或“壁画”之类，文气一些的人说“接了个工程”，更多的艺术家则比较直白地说“接了个行活（私活）”。因为这类作品大都很难体现艺术家自己独特的艺术追求，在他们看来，不过是从甲方（一般是政府或企事业单位）争取到一个靠手艺赚钱的机会而已。在那个当代艺术市场还没什么起色的年代，正是这类工作使一部分艺术家找到了改善生活的途径，并率先富了起来。这种甲方决定方向、出钱拍板，乙方围绕甲方出构思和手艺的模式，可以称之为公共艺术的“行活模式”。由“行活模式”产生的公共艺术，其“公共性”主要体现在它被放置到公共空间之后公众被动接受、评论的层面，这与当代公共艺术所强调的注重公民参与创作过程的“公共性”很不一样。因为公众只能被动评价，所以就产生了诸如“赛先生还顶个球，德先生球都不顶”之类的关于公共艺术的刻薄段子。显然，“行活模式”是一种行政集权和艺术家话语霸权的产物，从当代的公共艺术观念出发，这是一种过时的、应该被摒弃的套路。但是，理想归理想，现实仍旧是现实。我们所能看到的是，“行活”的风格形式在变，讨论和展览方式在变，但“行活模式”本质上并没有变。当然，历史地看，“行活模式”也能够产生一些在美学上经得住推敲的艺术作品，但问题在于，“行活模式”产生不了真正意义上的艺术的“公共性”，它在很大程度上也限制了公共艺术的创造性和可能性。
笼统来看，当代中国的公共艺术可以分为两类：其一，便是随处可见、普遍存在的由“行活模式”产生的公共艺术，这些公共艺术也可冠以“城市雕塑”、“壁画”或“环境艺术设计”之类的名目，其基本的特点就是西方的大型艺术作品和纪念碑传统与中国古代“扎彩应景”传统的结合。纪念碑传统在威权政治和宏大话语衰落之后，变成了一种空洞的形式，但是这种传统在当代中国的造城运动中又找到了经济上的支撑，它与行政和资本权力为伴，颂扬政治的功能被作为美化和装饰的城市点缀功能所取代。这其实是复活了中国古代社会为了节庆、时令的需要而在城市的重要节点“扎彩应景”的传统，古代的“扎彩应景”也是装饰、点缀，强调“热闹”、“讲头”，它没有精神层面上的价值，是短暂的，但有明确的实用功能。也可以说，这类公共艺术，其实是把古代“扎彩应景”的传统“纪念碑”化了。其二，是展览和学术意义上的公共艺术，艺术家和策展人把当代艺术方式、方法与艺术的公共性结合在一起，围绕展览而推进、基本上只为展览的时间段而存在的公共艺术。比如近几年在国内外一些著名的艺术展览机构、双年展、艺术节上，以“中国当代公共艺术”的名义展出的一些作品。这种公共艺术，一般更强调观念和艺术价值，艺术家在进行创作时也常常会使用“行为”、“参与”、“事件”等当代艺术语汇，强调实验性、学术性和当代性，有时甚至以挑战“公共性”的方式来推进公民对公共价值的思考。这类公共艺术作品，放在当代艺术展览中就是“当代艺术”、“实验艺术”，放在“公共艺术”的展览中就是“公共艺术”。可以说，这类作品是为了展览要求而被定义为“公共艺术”的实验艺术。
纪念碑化的“扎彩应景”公共艺术，与强调客户市场的设计、实用美术没有区别，从事这类创作的人可以是有一定艺术追求的艺术家、设计师，也可以是完全以赢利为目的的园林公司、装饰公司，这类作品给中国当代城市景观提供的正面价值是美化和装饰，其反面就是连形式都无法让人信服的视觉垃圾。这类作品大都是成熟风格或视觉模式的再生产，它几乎不提供任何有创造性的、批判性的价值观念。作为展览的“公共艺术”，会提倡创造性和价值观上的突破，这类公共艺术一般来说都是艺术家个体思考和创作观念的延伸。这类作品现在还特别依赖相对独立的“艺术世界”，脱离了由策展人、美术馆（或特定的展场）、媒体等形成的固定氛围，很难在当下的公共空间中持续地存在并与社区产生有益的对话。艺术家一般也更看重其作为“作品”或“事件”的相对独特的存在意义。这类公共艺术的所有优点都来自当代艺术，缺点也同样如此。尤其是当中国的当代艺术越来越被金融化、时尚化和媒体化的时候，我认为，我们必须要注意这类“公共艺术”所提供的价值对于塑造一个成长中的公民社会是否有积极的意义和价值。抑或说，他们只是在一种高调的自言自语中，以公共艺术的名义不断重复完成一个个艺术个体的名利场逻辑。
显然，我们有理由对这两种公共艺术的存在现状都表示担忧。但在可以预见的未来，从事公共艺术创作的主体，仍将是毕业于各种艺术类科系的艺术家和设计师。我们很难脱离当代艺术与设计的语境，脱离艺术教育的现实，在大学里培养出一些与以往的艺术家完全不一样的“公共艺术家”。因此，我想或许可以在当代艺术哲学和设计哲学的语境中，寻找一些不一样的思想资源，重新审视当代公共艺术的创作取向和话语路径。我想说的就是德国观念艺术家约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys）和美国设计师、设计理论家维克多·帕帕奈克（Victor Papanek），他们的思想和实践对今天的艺术和设计都有深远的影响，但他们对于公共艺术的价值仍有待我们深入发掘。
博伊斯的重要观点是“社会雕塑”。所谓“社会雕塑”就是指：“一切由人类构造、发展、创制的事物，以及一切具有生长能力并处于不断的变化发展之中的思想成果，它们共同从本质上造益于人类的生活。”博伊斯继承了杜尚的达达主义传统，把艺术和生活的界限抹平，把艺术引入生活，又把生活转变为艺术。但他却扬弃了达达主义者的玩世不恭，把平等、自由、奴役、社会不公和物质主义对自然的破坏等传统艺术家不怎么关注的问题作为“社会雕塑”去做，力求通过艺术，批判性地建构人类未来的乌托邦。他把艺术与政治、自由、社会等大问题混融在一起，强调思想和观念的创造性，强调艺术对于社会的建构作用。总之，艺术在博伊斯那里既不是远离社会的象牙塔里的“念珠游戏”，也不是只给社会提供美化、装饰的手艺活，而是积极主动地介入到对重要社会问题的关注中去的思维力和行动力。他的“社会雕塑”概念对当代世界的公共艺术的影响也是巨大的。尤其是博伊斯在卡塞尔种的七千棵橡树（该作品全称为《七千棵橡树—城市绿化代城市统治》），哪怕是艺术观念最保守的人也会承认这是真正意义上的“公共艺术”。博伊斯认为，长久以来，人类的城市文明是建立在对大自然的侵略和征服的基础上的。包括“园林景观”、“公园建筑”在内，人造景观本质上都体现了人类试图掌控自然法则的人类中心主义思想。他的“七千棵橡树”就是要彻底反叛这个传统。他从一九八一年开始筹划，经过和卡塞尔市民和市政官员的不断沟通获得支持，从一九八二年三月十五日开始正式实施该项目。很快，七千块象征着原始能量，象征着历史和过去的玄武岩被运到了卡塞尔市内的弗里德里希广场。一九八一年三月十六日，他在弗里德里希博物馆入口处的草坪上栽了第一棵寿命可达八百年、象征未来和进步的橡树。博伊斯不幸于一九八六年逝世，但是这个艺术项目的目标仍旧被人们坚持了下来。一年多之后，一九八七年六月二日，人们种下第七千棵橡树。作为“社会雕塑”的“七千棵橡树”，作品的最终完成，成为献给卡塞尔市的一份厚礼，也成为该市各市政部门和普通市民用自己的双手创造更美好的生存环境的永久记忆。
之所以说博伊斯的“七千棵橡树”是当代公共艺术的一个里程碑事件，我认为有两点值得注意：其一，是敏感的、宏伟的问题意识。作为德国环境保护运动的先驱，博伊斯所关注的是关系人类生存和未来的大问题，这需要艺术家有大智、大爱，有非凡的洞见和勇气。其次，他采用了激进的艺术方式。尤为重要的，就是广泛地发动民众参与艺术的创作过程，把当地居民的看法意见和日常情感融入到艺术的创作过程中，因为最终这个作品毕竟是在当地居民的家门口，必须得成为社区生活的一部分。在这里，民众也是艺术的创作者，而不只是艺术的被动接受者。这与二十世纪七十年代以来，当代建筑和设计思想中越来越强调用户和利益相关方的参与是相通的。
作为“二战”后最重要的设计理论家之一，维克多·帕帕奈克是可持续设计、通用设计、社会设计和责任设计运动的先驱。他有两本著作，对当代的设计理论和实践都产生了深远的影响。其一，是《为真实的世界设计：人类生态与社会变革》，该书一九七零年首版于瑞典，包括中文版在内，迄今已被翻译成二十四种语言，被称为“责任设计运动的圣经”。一九九五年，帕帕奈克出版了他最后一部重要著作《绿色律令：设计与建筑中的生态学和伦理学》。此书可以说是《为真实的世界设计》一书的“绿色版”，继续对设计伦理、环境与可持续发展、第三世界的生存状况与设计、设计的精神与设计的未来等重要问题进行了深入的讨论，可谓集其晚年思考之大成，在西方的设计界也产生了重要的影响。帕帕奈克一生坚持设计的平民政治，强调设计的伦理和精神价值，强调对历史和自然的谦卑和敬畏，认为设计师必须担负起他对人类的生存状况和未来所负有的社会责任。这些设计观念虽然是在四十多年前提出来的，但许多问题今天依然值得我们深思。
当然，艺术家和设计师的思维方式有很多不同之处，比如帕帕奈克强调脚踏实地的设计研究，强调科学、理性和系统思维的价值，博伊斯则强调顿悟超越，擅长萨满式的、碎片化的思考（尽管他的思维和实践也有一以贯之的完整性）。博伊斯令人费解的行为艺术可能是帕帕奈克所厌恶的。但是，作为同龄人，他们的思想都成熟于六十年代，观念上有许多共通之处。比如，博伊斯说“人人都是艺术家”，帕帕奈克则说“人人都是设计师”，他们都反对形式主义，强调对社会问题的关注和介入，关注物质主义给社会和自然环境带来的灾难，都强调艺术或设计实践中的客体参与，强调艺术及行为的平民政治和人道主义关怀，强调艺术或设计的伦理和精神价值。尤其是在环境问题上，他们的见解可谓高度一致。比如，博伊斯在一九七九年的一次谈话中曾公开表示：
伟大艺术的标志是它完全没有自我彰显的意志，而是完全地融入，甚至是消失在自然造化之中。
十多年后，帕帕奈克在《绿色律令》中谈到设计师的工作时也说：
我们必须得解决在暂时和持续、短暂和永久之间似乎存在的矛盾。如果我们整体地观察这些表面看相反的事物，我们很快就会意识到，任何房屋或建筑，任何工具、物品或人工制品不过都是永无止息的发展长河中短暂的插曲而已。
显然，帕帕奈克的这个设计观点与博伊斯的艺术观点不谋而合。这种类似于中国文化中所讲的生生不息、循环往复的道家哲学，与后来美国设计师威廉·麦克唐纳（William McDonough）和德国化学家迈克尔·布朗加特（Michael Braungart）提出的“从摇篮到摇篮”（Cradle to Cradle）的循环设计概念也可以说是完全一致的。
相较而言，当代中国的设计，在很大程度上仍旧深陷于消费主义和市场的逐利生存法则中不能自拔，与自然、社会和文化责任形同路人。而中国的当代艺术，则似乎已经或正在渴望变成金融衍生品，无论是新潮、革命、批判还是艳俗，如今都变成了生意。放眼望去，它们之中究竟有多少与中国的文化传统、历史文脉息息相通，又有多少能够与我们生存在其中的这个“真实的世界”有切肤之痛的关联？中国未来的“公共艺术”如果仍旧把价值追求建立在这两者之上，将很难提出对艺术与社会真正有意义、有突破性的议题。当然，中国当代公共艺术思维力的迟滞和幼稚，也与大的思想环境有关系：主流话语过于强大，相比之下，边缘的、民间的思想尽管活力充沛，创造性和前瞻性却显得严重不足，且缺乏支持。如果科斯（Ronald H. Coase）所强调的开放、自由的思想市场在不久的将来、在中国真的会出现，包括公共艺术在内，艺术的未来或许才真会有所改观。
事实上，公共艺术恰恰处在设计与艺术之间，它一方面应该在设计的消费属性和工具理性之外强调公共价值和公共精神，另一方面，公共艺术又应该为大写的“艺术自由”提供一种限度，这种限度就是以理性、开明、健康的公民社会的成长为旨归。我认为，当代中国的公共艺术，无论是作为“艺术”还是作为“设计”，可以从博伊斯和帕帕奈克的这些具有原创性、且彼此具有共通性的思想观念中得到一些启发。尤其重要的是对更加人道的、生态的理想社会的追求，对社会议题的思维力和行动力，以及面对“真实世界”的公共精神和责任伦理。在我看来，这些启示有可能也应该成为中国未来公共艺术实践和批评的一种新的价值起点。
（《社会雕塑：博伊斯在中国》，王璜生主编，中国青年出版社二零一三年版；《为真实的世界设计：人类生态与社会变革》，维克多·帕帕奈克著，周博译，中信出版社二零一三年版；《绿色律令：设计与建筑中的生态学和伦理学》，维克多·帕帕奈克著，周博、赵炎译，中信出版社二零一三年版）
空间体验环境艺术论文范文第6篇
摘要：古代的陶瓷动物雕塑具有独特的造型，是中华民族丰富的文化内涵的重要表现形式。本文主要从概述陶瓷动物雕塑、简单分析陶瓷动物雕塑的审美因素和陶瓷动物雕塑的创作过程中存在的问题及解决措施这三个方面来研究陶瓷动物雕塑，从而进一步提高陶瓷动物雕塑的工艺技术水平，为中华民族的文化艺术做出贡献。
关键词：陶瓷雕塑；艺术创作；存在问题；解决措施
1概述陶瓷动物雕塑
陶瓷是我国古代人民创造的重要文化艺术作品。陶瓷经历了一个从黑陶、红陶、彩陶、青瓷、彩瓷、青花、三彩、五彩、粉彩及颜色釉的发展历程，这段历史是数千年来陶瓷工艺材料的不断积累和进步的历程，是我国重要的艺术宝库。陶瓷动物雕塑是一种陶瓷装饰品，这种陶瓷动物雕塑品一般具有独立性和立体性，，需要经过模印、镶嵌等成型过程并经过高温烧成。根据制作的方法不同，将陶瓷动物雕塑分为圆雕、浮雕、镂雕、捏雕等。按照产品的颜色不同，可以把陶瓷动物分为素雕和彩雕两种。我国的陶瓷动物雕塑起源比较早，在隋朝就已经出现了陶瓷动物雕塑的作品。在明朝时期，发明了五彩颜色，为陶瓷雕塑业的发展增添了色彩，促进了陶瓷雕塑技术水平的提高。
根据所处的时代不同，陶瓷动物雕塑被分为传统陶瓷雕塑和现代陶瓷雕塑。传统陶瓷动物雕塑在我国具有悠久的发展历史，汇聚了我国古代人们的聪明智慧，在国内外的影响比较深远。传统陶瓷动物雕塑继承并发扬了优秀的传统雕塑文化，赋予传统陶瓷动物于生命，将动物活灵活现的展示在人们面前。而现代陶瓷动物雕塑则是引进西方先进的雕塑创作风格和思想观念，创作出一些抽象化、时尚化的陶瓷动物雕塑作品，这类作品更加侧重个性化和创新性，作品的审美性也被展现的淋漓尽致。传统的陶瓷动物雕塑在选择雕塑内容和动物的表情方面主要针对大众化的社会观念，而现代陶瓷雕塑更加注重个性化的表达。
2分析陶瓷动物雕塑的审美因素
陶瓷动物雕塑具有独特的艺术魅力，深受人们的喜爱。料质美和意境美就是陶瓷动物雕塑所特有的审美因素，下面我们进行详细介绍：
第一，料質美。与国画的“随类赋彩”相比较，陶瓷动物雕塑并不受到审美观念的制约。虽然陶瓷雕塑具有“随类赋彩”的功能，可是这一功能并不能完整的展现出它的审美价值。在现实主义的美学范畴内，我们通过研究发现，陶瓷动物雕塑具有比较高的活跃性和自由度。比如，用色彩表现一直老虎和狮子，陶瓷可以选用虎斑釉和狮毛釉的材质，尽管不存在黑老虎或狮子，人们并不会因为色彩偏差而怀疑陶瓷动物雕塑的真实性。因此，陶瓷的材质美具有广泛性。一般而言，精湛的艺术创作都建立在不断发现美感的基础上，陶瓷釉的颜色在高温加工过程中产生的变化给艺术家们制造了艺术创作的灵感。陶瓷的材质美主要是因为其简单、明晰，可塑性比较强，从而形成了其独特的审美价值。随着科学技术的不断进步，陶瓷雕塑中使用的材质也在不断更新，虽然陶瓷的材质选择具有一定的局限性，但是丰富的生活使材质美拥有更加的广阔的表现空间。
第二，意境美。陶瓷动物雕塑作为一种重要的祖国优秀文化的衍生作品，更加侧重意境美。陶瓷动物雕塑的意境美主要表现在几个方面：创作活动在严格遵循动物的自然属性的前提下进行；动物的自然属性被创作者赋予特殊的情感和涵义；陶瓷动物的造型和装饰比较恰当，充分表现了陶瓷动物雕塑的材质美；创作的成品赋予想象力。一般来说。艺术家在陶瓷动物雕塑的创作中，都会倾注自己的某种价值观念，赋予动物人的思想和情感。
3陶瓷动物雕塑的创作过程中存在的问题及解决措施
随着社会文明的不断进步，人们的思想观念深受中西文化冲击的影响，也逐渐发生了变化。目前的陶瓷雕塑家创作的最佳要求是创造出符合大众化的陶瓷动物雕塑作品，进一步满足人们的精神文化发展的需要，实现陶瓷动物雕塑业的可持续发展。但是在陶瓷动物雕塑的创作过程中还存在一些问题，如作品缺乏创新性，缺乏深刻内涵，艺术家只重视商品性，忽视了艺术性在创作过程的重要性等。下面我们进行深入分析，并提出了相应的解决措施：
第一，加强陶瓷动物雕塑基本的制作能力，减少创作上的遗憾。由于陶瓷动物雕塑的创作过程比较复杂，会受到制作工艺的限制，因此在制作过程中应该注意重心点和支撑面的问题，把握好各部位的负荷量与体积之间的关系。如果陶瓷雕塑的重心与支撑面出现偏离的现象，在高温加工的过程中可能会出现倒塌或者开裂。有些部位的负荷量比较大，可是体积比较小，厚度比较薄，就容易出现变形或者坍塌。因此，在陶瓷动物雕塑的制作工程中，要加强基本的制作能力，减少不必要的失误；
第二，创作者缺乏足够的知识文化。随着经济全球化和一体化的不断深入，中西文化发生激烈冲击，人们的思想观念也受到影响。部分创作者对于国外文化缺乏足够的认识，就盲目运用，结果导致创造出的作品缺乏艺术性。因此，作为陶瓷动物雕塑的创作者，应该吸收国外文化的精华，并结合国内文化，恰当的运用到陶瓷动物雕塑的创作中；
第三，创作者缺乏创新意识。目前创作者的很多作品都是盲目照抄照搬，缺乏创新意识，这是我国陶瓷动物雕塑创作过程中出现的一个重要问题。很多陶瓷雕塑作品只是在原有的作品中稍微添加修改，主要原因是创作者习惯用惯性死亡额进行创作，导致作品缺乏新意。这就要求陶瓷雕塑创作者应该从生活实际出发，研究素材，可以借鉴他人作品的特点，融入自己的作品中，制作出有新意的动物雕塑。因此，陶瓷动物雕塑是一个艰难的创作过程，需要创作者自身树立终身学习意识，找出自己的优势，制造出有自己特色的陶瓷动物雕塑作品。
第四，目前很多陶瓷动物雕塑作品的艺术内涵比较缺乏。部分陶瓷作品由于缺乏新意，只是盲目的选择题材，从而导致作品缺乏艺术性，只是依靠加强色彩的鲜艳来吸引人们的注意。因此，要改变这一现状，创作者必须坚持从丰富的生活实际出发，善于在生活中发现优秀的创作题材，从而保证创作出的作品具有丰富的艺术内涵。由于陶瓷动物雕塑本身是艺术性和商品性的结合体，因此，部分创作者在进行陶瓷动物雕塑的过程中，容易重此轻彼，这要求创作者在进行陶瓷雕塑的创作之前进行考虑好生产的各个环节，把握好艺术性和商品性的关系，创作出优秀的作品，从而满足人们的精神文化不断发展的需要。
综上所述，随着社会经济的快速发展，人们的生活水平不断得到提高，对于精神方面的需求也在逐渐增加。陶瓷动物雕塑是一种具有价值的艺术品，在艺术品市场具有很大的竞争力。陶瓷动物雕塑是一种时代气息的反应，因此，如何把时代发展的潮流与陶瓷动物雕塑创作实现有效的结合，是目前陶瓷雕塑家需要解决的问题。由于经济全球化和一体化的影响，网络科技也在不断发展，人们的生产和生活方式也发生了变化，对于陶瓷动物雕塑的设计风格的要求也有所变化，只有实现陶瓷动物雕塑的艺术性和商品性的相互融合，才能充分表现艺术的内涵，进一步陶冶人们的情操。
参考文献：
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