二维动画艺术论文范文第1篇
【摘要】动画艺术最早产生于电影艺术，电影中经常出现许多魔幻的场景以及特殊的模型，大大吸引力人们的注意力，电影中的这些炫丽的画面，使人们对动画产生了兴趣，增加了人们的空间想象力，使得动画越来越受人们喜欢。根据动画艺术的发展史可以发现，动画艺术已成为人们生活中必不可少的一部分，本文就是对动画艺术在新媒体的发展现状和对其分析，以及对动画艺术未来前景的展望。
【关键词】新媒体;定位;现代动画艺术
一、课题的国内外研究现状
1、新媒体
目前在国外国内对于新媒体的含义仍就不统一，但有一点可以肯定的是，新媒体的建立是以数字技术和网络技术为基础的，并以此衍生出更多的媒体形式。新媒体的新，主要是技术的新和形式上的新，如今最崭新的新媒体是互联网。有些新媒体是旧媒体和新技术相结合而形成的。目前市面上最主要的新媒體有手机和电视以及互联网等等。随着科学技术的不断进步，新媒体也在逐步发展，也逐步从现在的新媒体开始突破。
2、动画
艺术发展和科学与技术的发展息息相关，在新媒体当中融入艺术，使得人们在使用新媒体的时候，也感受艺术的气息。近几年国际开展的各种展览会和博览会如圣保罗双年展和德国科隆艺术展览会等，都是通过新媒体艺术来的形态来展现各种展览品。而通过动画艺术来展现展览品的数不胜数。
在西方国家，新媒体艺术的发展比较成强劲，如今已经形成了一套比较完善的新媒体艺术创作体系，如今国际上的各种艺术节和大型的艺术活动以及互联网等等，都为新媒体艺术的发展创造了条件，也加速了新媒体技术的发展和在国际上的传播。在动画艺术的领域，当新媒体融入到动画艺术当中时，动画艺术的发展更加的广泛和迅速。如今国内外动画的形式多种多样，有演示动画和虚拟动画等等。虽然动画的表现的内容不同，但是所有动画都是由传统的延伸过来的，都具备了传统动画的外在形式，是对传统动画的拓展和丰富。
二、我国新媒体动画艺术的现状分析
在当今社会，动画艺术行业已经成为了比较有潜力的行业。随着电脑技术和互联网技术的发展，对于动画的制作也越来越方便，不仅提高了动画制作的质量，也提高动画制作的效率，降低了动画的制作时间，增加了动画的传播方式和路径。
我国传统的动画主要是通过手绘来实现，如今新媒体发展虽然比较成熟，但国内的新媒体技术还不是很发达，无论是在思维上还是在技术上都不够成熟，而且对动画艺术的研究还较少，研究体系不完善。除此之外我国的新媒体技术的传播方式和途径也比较局限，阻碍了我国动画艺术的发展。和西方发达国家如美国等，还存在一定的差距。
三、新媒体时代动画艺术的定位与设计定位
随着新媒体和动画艺术相结合后，动画艺术的表现手法更加的别具一格，使之成为新媒体下更加欣欣向荣。由于动画制作本身具有多元化，使得新媒体的传播特性在动画艺术得到了很好的体现，成为大众文化的一种，是设计潮流的重要组成部分。
1、从内容上的动画艺术定位
新媒体下的动漫更加有吸引力，题材来源更加广泛，形式更加的丰富，通过动画片和电视、动漫书籍、电子设备对动画的普及，给动画行业的厂商带来了更多的机遇和利润。根据相关统计目前我国网民人数已经突破四亿人口，手机用户更加的普及，而腾讯qq注册人数已经高达5.7亿人。我国动画艺术的发展，最初来源于美学，随着科学技术发展，动画艺术也逐渐的形成。动画艺术的意境表达的不断更新和新颖的创新思想，使网络更加的丰富多彩，新技术的引进和发展也促进动画行业更加的蓬勃生机。例如电影《阿凡达》，他在电影的制作时打破常规的思想观念，通过特殊的动画特效，使得整部电影很富有情感，很有吸引力，也因此获得了世界之最的票房记录。
2、从形式上的动画艺术定位动画作为一门独立的
随着动画艺术的发展，动画艺术也成为了艺术领域的重要组成部分，随着影视行业的发展，动画艺术也逐渐的壮大，并且形成别具一格的表现形式，也完成了技术和艺术的完美结合。动画艺术的发展与科学技术的进步和发展是离不开的。计算机和影视行业的发展也将动画艺术的发展推到了巅峰，是动画艺术展现的更加淋漓尽致，也为动画艺术的发展提供了更大的发展空间。此外在建筑和军事和科研等方面都需要进行动画的建模，比如二维、三维模型等。
四、新媒体时代动画艺术的新走向
在信息化的今天，动画艺术设计更加的多元，动画艺术设计的内涵和外延发生了根本性的变化。新媒体技术的出现给动画艺术既带来机遇，同时也伴随着挑战，新媒体的传播特性和技术特性给动画艺术的发展创造更多的机会，此外新技术的引入，人们对于动画艺术的要求也越来越高，动画艺术需要进一步的发展谋求突破。
1、新媒体时代动画艺术的设计原则
新媒体下动画的设计方式更加丰富，形式更加的的多元，再进行动画艺术设计时应满足以下三个原则，即艺术与技术的融合、交流与互动的体现、个性与共性的满足。当满足这三个原则时，动画艺术的设计才能更加规范的进行，更加创新性。
2、新媒体时代动画艺术的新特性
新媒体时代下的动画艺术实质是动画艺术和新媒体相结合。在动画艺术和新媒体相结合以后，动画艺术的表现形式更加的多样化，传播的更加快捷、有效，人们开始对动画艺术进行细分，而动画艺术的制作也更加的具体，更加具有针对性。新媒体时代下的动画艺术，给人们的生活带更多的精彩，也使娱乐更加丰富，动画艺术的发展可以从人们被动的接受逐步发展到主动的接受，使观看者更加的愉悦、放松。除此之外还可以在不同的平台上对动画艺术进行非线性的传播，促进动画艺术的推广。
五、总结
动画艺术如今已是和人们的生活息息相关，也逐步影响的着人们，随着电脑技术和影视的发展，新媒体下的动画艺术更加的多元、更加丰富，人们的生活也更加的精彩，动画已逐渐从传统的绘画向着新兴的技术发展，也是人们的思维更加的开阔，但技术的发展和人们接受的丰富信息，对于动画艺术的要求也越来越高，动画艺术的发展也必须细致化，更加具有针对性，新媒体的发展带动动画艺术的发展，动画艺术的发展带动生活的多样化，使人们更加的愉悦的享受观赏。
本文指导教师：金文玥
【参考文献】
[1] 川白雪竹. 再释数字化语境下的新媒体[J]. 美术大观， 2009（10）：260.
[2] 陈 刚， 等， 著. 新媒体与广告[M]. 北京：中国轻工业出版社， 2002：1.
[3] 刘 军. 从电影到电视，再到新媒体—试论影像媒体语言的流变[J].广播电视与教育， 2003（2）：65.
二维动画艺术论文范文第2篇
镜头运动心理影响
远景是视距最远的景别，是电影摄影机摄取远距离景物和人物的一种画面。这种画面可使观众在银幕上看到广阔深远的景象，以展示人物活动的空间背景或环境气氛，让观众了解大体的故事气氛。大远景则更适宜展现更加辽阔深远的背景和浩渺苍茫的自然景色，给人带来一种身临其境的视觉感受，或心胸开阔、意气风发；或苍茫悲凉、孤独无助的心理感触。人物出现在这种大远景中一般只见黑点，除了巨物的移动，其他都看不清楚。
全景镜头是电影摄影机摄取角色全身的一种画面镜头。这种画面可使观众看到人物的全身动作及其周围部分环境。它在视觉上给观众造成的印象，同在剧场里观看舞台框内的演员演出十分相似。这种景别，视野较为广阔，但又有一定的范围，能展示出比较完整的场景。
中景镜头是电影摄影机摄取人物膝盖以上部分的一种画面镜头。这种画面可显示人物大半身的形体动作。它能给人物表演以自由活动的空间，同时人物又不会因此与周围气氛、动作地点脱节。它是在电影镜头中所占数量较多的一种景别。中景的视距，比近景又要远一些，活动空间大一些，便于观众看清表情，而且有利于显示人物大半身的形体动作。中景的应用非常广泛。一部影片的大部分故事情节都是通过中景镜头进行描述的。如果把动画片比作舞台剧的话，远景和全景主要描述的是背景，那么中景所要展示的是角色与角色之间所发生的故事——“戏”。在中景镜头中，原画师充分地去表现角色形象的夸张动作和表情，使其成为整部动画片中，最体现动画形象性格特点之处。如果从动画制作的分工来说，远景、全景突出在于背景绘制者的作用，那么中景的重头戏则在于动画家和原画师。这是由于：在中景镜头中，角色大部分的肢体语言得到表达。
近景镜头是电影摄影机摄取人物的上半身或人体某一部分形象的一种画面镜头。这种画面能使观众看清楚人物的面部表情，或某种形体动作。有些摄取人物腰部以上的镜头，一般称为中近景。近景和特写的作用既相同又不相同。相同的是视距近，视觉效果比较鲜明、强烈。不同的是近景的背景对角色还有一定的影响；特写只是反映身体的某一部分，几乎没有背景的影响。近景在动画片中，背景处于更为次要的地位，人物的动态表达更加细致。观众的注意力会不知不觉地为银幕上的影像所吸引而放慢呼吸。
特写镜头是电影中拍摄人像的面部、人体的一个局部、一件物品或物品的一个细部的镜头，通称为“特写”。特写是视距最近的镜头，它的取景范围，一般是人的两肩以上部分，或极端地把所要突出、强调的物件、景物，占满银幕。视距再近，取景还更小的叫大特写或细部特写。特写的表现力是极为丰富的。特写镜头呈现在银幕上，可以造成强烈和清晰的视觉形象，得到突出和强调的效果。由于特写镜头视距非常近，这样对于角色的描述也就更加具体。在刻画人物方面，表现力不同于以上几种镜头形式。它对角色进行放大描写，有助于使观者注意到角色的心理活动。我们在做动画片的时候，要考虑到观众的接受心理。特写镜头能够拉近观众与主角之间的心理距离，能使银幕或荧屏的影像更加引人入胜。从艺术效果上来看：由于特写镜头或是运动缓慢或是静止，它与有节奏运动的镜头连接在一起，有助于表达跌宕起伏的故事情节，增强了动画片的娱乐性、可观赏性，同时也加强了镜头连接和角色动作的节奏感。尤其是大特写镜头，由于其拍摄内容、镜头长短及呈现方式的不同，往往会对观众的视觉心理产生强烈的感染和冲击，或无限的喜悦温馨，或极度的震惊和恐怖，甚至失声惊叫、毛骨悚然。
远景、全景、中景、近景、特写镜头的配合产生了镜头节奏，通过剧情的需要，用不同的镜头语言来表现，更能完美地体现导演所需要的情节，体现导演所要表现的重点所在，有疏有密、有起有落、相得益彰，使观众更能从心理上得到满足。
镜头运动的技巧把握
镜头运动是电影的灵魂。镜头的运动与电影审美学和心理学密不可分。运动镜头所带来的视觉刺激效果是不言而喻的。人眼对于环境中运动的物体最为敏感，相对运动的画面和内容能够吸引人们的兴趣和注意力。画面多变，内容丰富的电影，能够更加引起观众的兴趣。反之，则会使观看者感到乏味无聊，最终失去观看的兴趣，无法融入电影的故事当中。
我们所谈论的电影，本身就是由一个个运动的画面组成。这里所讲的运动也不单单是片面的运动镜头，是指整部影片或片段的运动感、时间感、流畅感，使观众在观看的时候产生连续的想象，构成一个完整情节并加强导演所要表达的主题事件。
而在处理镜头的时候，运动的画面也往往更能抓住观众的注意力，从而增强影片的吸引力。然而，往往有些人在拍摄的过程中，会出现一些运动的物体拍不出运动的激烈效果，这是缺乏对镜头的分析和必要镜头技术的运用。
增强画面运动感的镜头处理技巧：
当在同时拍摄多组对象的时候，如果想造成整段影像的运动感觉，可以在物体高速运动的时候，摄像机相对静止；在物体相对静止的时候，让摄像机运动起来。这样整组镜头联系在一起，无论是运动的还是静止的物体，在整体上给人的都会是强烈的运动感。
镜头拍摄或剪接方向的选择，在拍摄两组按同一顺序运动的影像时，可以分开拍摄。在常规状态下，人们可能会按照正常的物体运动的同一顺序分开拍摄。但是，如果将两者的顺序改成相对的拍摄，会在视觉上造成非常强的冲击力，也会因为运动顺序的对比而产生一定的节奏感，最终会使观众感受到画面更加强烈的运动效果。在美国故事片《关山飞渡》几十米距离的追逐场面中，就尝试将朝同一方向运动的两组对象处理成相对方向的运动，从而形成强烈的视觉节奏，突破了传统镜头运动的禁忌，但它也能让观众接受，带给观众前所未有的震撼。
通过运动中各种镜头合理的连续组合搭配，可以获得比较强的动感效果。举个例子，在黄土地中腰鼓表演的一段影像中，将中景、全景、大全景、特写有机地联系起来，并且通过不同视角的拍摄、前景和后景的运动对比，镜头的平行移动甚至是无序的晃动，局部动态特写拍摄来进一步加强影片的运动感。
在拍摄一个有复杂运动的对象时，不见得要按照常规的方法直接以某一固定景别去表现。我们可以尝试对运动的物体进行跟踪的拍摄，哪怕是运动的镜头无法把整个运动的对象在每一帧都能完全包括在内，但运动的画面加上运动的影像，再辅以适时的推拉变换景别已经能将整个动态阐述得非常清晰，而且影像会更加体现出饱含激情、富有情感的运动效果，在视频教程拍摄奥运会中运动员运动的影片的例子里，这一原理得到了充分体现。
镜头组接的时间长度也会对影片的运动感产生影响。一般来讲，远景、中景等镜头大的画面包含的内容较多，观众需要看清楚这些画面上的内容，所需要的时间就相对长些，而对于近景、特写等镜头小的画面，所包含的内容较少，观众只需要短时间即可看清，所以画面停留时间可短些。另外，一幅或者一组画面中的其他因素，也对画面长短起到制约作用。如同一个画面亮度大的部分比亮度暗的部分能引起人们的注意。因此，如果该幅画面要表现亮的部分时，长度应该短些，如果要表现暗的部分的时候，长度则应该长一些。在同一幅画面中，动的部分比静的部分先引起人们的视觉注意。因此如果要重点表现运动的部分时，画面要短些；相对的表现静的部分时，则画面持续长度应该稍微长一些。
合理地运用心理补偿，灵活地组接镜头，也可以产生运动的流畅、连贯效果。所谓的心理补偿，是指一种视幻觉，观众从屏幕上看到或感知到了屏幕上并没有出现的东西或者动作。比如第一个镜头是汽车里颠簸的场景，第二个镜头是汽车从远处开来，由小变大，在近景处拐弯。给观众的感觉其实是这辆汽车已经出画。再如魔术师在变出要变的东西的时候，往往手一扬，给观众的感觉好像是扔出了什么，再加上后面观众看到了变出的动物，使观众真正相信是魔术师扔出了东西。这也是利用人们心理补偿的很好例子。银幕上无法完成的影像或动作，在心理补偿的潜意识作用下，观众根据自己的生活经验在心理上将其完成了，观众实际上已经跟电影产生了互动并且融入到电影当中。
运动，无论是电影或是动画都是其中非常重要的因素。我们应该努力把握好这一元素和相关的技术，灵活地运用到影片的制作当中，发挥其重要的作用。
(作者单位：李罡，河北经贸大学；王宁，北京航空航天大学；赵婷，河北师范大学)
编校：施 宇
二维动画艺术论文范文第3篇
[摘要] 动画艺术诞生至今已经有近百年历史，期间曾经历了许多次技术革新。时至今日，无论是手绘动画、电脑动画还是定格动画，都或多或少受到NPR技术带来的影响，并体现在制作流程、画面效果、艺术表现力等方面。这一技术不仅为动画创作提供了一种全新的可能，更在一定程度上影响了动画艺术未来的发展方向。相信随着技术的进步与艺术家的探索尝试，会使其对动画创作有更加深刻而积极的影响。
[关键词] 非真实感绘制 艺术风格 动画
一、绪论
在还没有发明文字的时代，人类就已学会用图画传递信息，二十世纪以来，计算机图形学的发展使人们在制图时得以在一定程度上摆脱手绘这一古老方法。最先出现并被广泛应用的是真实感绘制技术（photorealistic rendering）。然而，真实感图像却往往无法满足人们实际的审美与工作需要。在工业、医学等很多领域，人们更衷于使用简洁明了的手绘图像。这一现象在艺术领域更加严重，世界上不同地区、不同时代的人们创造出了千姿百态的艺术表现形式，而真实感图像无法满足人们对于模拟这些效果的需要。因此，非真实感绘制技术（Non-photorealistic rendering，NPR）应运而生。非真实感绘制技术是指利用计算机生成不具有照片般真实感,而具有手绘风格图形的技术。NPR技术很快被人们应用到了动画制作当中，它可以使画面产生各种手绘效果，创造出充满艺术性与趣味性的奇幻世界。
二、将NPR技术应用于动画的不同途径
第一种NPR技术是基于对图像及视频的渲染。科研人员开发出的软件使人们可以把实拍图像及视频转换成预先设定的风格。目前将这一技术应用最为成功并最具代表性的影片无疑是《半梦半醒的人生》及《黑暗扫描仪》。理查德?林克莱特于1999年制作了电影《半梦半醒的人生》，他先是用数码摄像机进行实景拍摄，再用软件将拍摄到的画面渲染为卡通风格，甚至还由专业动画师把其中的许多部分做了艺术性夸张。五年之后，他又用相似的手法拍摄了另一部电影《黑暗扫描仪》。此片以八百万美金成本最终赢得了一亿八千万票房，大获成功。
另一种常见的NPR技术是对三维模型的渲染，即用三维软件建模之后，对模型进行风格化渲染。很早以前就有游戏公司开发出了卡通风格的渲染技术，用以对三维游戏的风格化设定。后来又不断出现了水墨效果、剪纸效果等许多种不同的渲染风格，并且在动画中应用十分广泛。早期由于三维技术本身发展所限，这种类型的风格化渲染并未能够大展身手，在动画中更多是处于配角的角色。随着现在三维制作技术的整体进步，出现了越来越多的使用三维建模再加以艺术化渲染的优秀动画作品。
三、NPR技术应用于动画中的不同风格类型
在应用NPR技术的动画片中，卡通风格是最为常见的。如基于三维模型的卡通渲染即要求贴图由一些简单的、变化不明显的色块组成并具有经过强调的轮廓线，以模拟出一种有别于真实世界的二维手绘卡通风格。游戏公司smilebit于上世纪90年代率先开发出了基于三维模型的卡通渲染引擎，随着技术的成熟，现在越来越多的游戏及动画开始采用卡通风格的渲染技术。此外，还有基于真人实拍图像渲染的影片，是通过特殊的算法把通过摄像机实拍的真实图像转化成卡通风格的画面。如前文所述的《半梦半醒的人生》及《黑暗扫描仪》即属于卡通风格。
对水墨、剪纸等动画风格模拟的NPR技术应用也十分广泛。水墨动画打破了手绘动画长期以来的制作方法，将中国传统水墨画引入到动画制作中，以中国画的韵味及意境创造出独特的动画风格。此外还有彩色剪纸片，它汲取了中国皮影戏和民间窗花的艺术特色，使各种类型的剪纸角色在银幕上栩栩如生。但是，由于水墨、剪纸动画的制作工序极为复杂繁琐，曾有很长一段时间，我们没有再看到这种结合中国传统艺术形式和现代艺术形式于一身的优秀作品。随着NPR技术的成熟与应用，水墨、剪纸动画正在重新焕发出生机。
四、将NPR技术应用于动画的优势及缺陷
将NPR技术应用于动画具有许多优势。第一，可以提高动画制作效率、节省成本。传统手绘动画是由动画师在纸上画出影片的每一帧画面，工作量极为庞大。而制作定格、剪纸、水墨等动画还需要更加繁琐复杂的工序。在达到相似效果的前提下，NPR技术可以大幅提高效率、节省成本，尤其在大型商业项目当中，这种优势体现的更加明显。如电影《黑暗扫描仪》，其制作成本仅约800万美元， NPR技术对此起到了尤为重要的作用。第二，可以创造出传统动画无法达到的效果。传统手绘动画虽然在艺术形式上有着无可比拟的优势，但其本身也存在不利于表现的方面。如摄影机运动就是传统二维动画技术的一大软肋，非但不易实现，且费时费力。利用NPR技术制作影片，因为可以使用三维模型或真实摄影机拍摄，所以当涉及到摄影机的运动，尤其是纵深运动时可以更加自由。第三，可以提升三维动画的艺术表现力。自从1995年《玩具总动员》大获成功之后，三维电脑动画的潮流几乎席卷了整个商业动画领域。早期的三维动画一般都着重于模仿现实，把角色与场景塑造的栩栩如生，但是随着人们审美情趣的变化，风格独特的动画作品开始受到大家的欢迎，卡通、水墨、剪纸、泥偶等传统动画形式都可以通过NPR技术模拟出来，从而大大扩展了三维动画的艺术表现力。
同样不可忽视的是，NPR技术在动画创作中的应用也存在许多缺陷。第一，NPR技术模拟出的画面效果与手绘画面仍有差距。NPR技术是由计算机通过特殊的算法来生成图像，其只是对于手绘风格的模拟，却跟手绘有着本质的区别。因为手绘动画的每一帧画面都倾注了艺术家的设计与灵感，心血与汗水，其中包含着的巨大非逻辑性信息是计算机程序永远难以企及的领域。此外，即便是模拟，NPR技术生成的画面也远远无法达到手绘的质量，如对水墨风格的模拟就只是模拟水墨画的形式特征，若把模拟出来的作品与《山水情》等经典水墨动画相比较，就能很容易看出两者的巨大差别来。第二，NPR技术仅能模仿手绘风格画面，但无法模仿手绘风格的动作。NPR技术对于手绘动画的模拟仅存在于画面风格层面，但对动作风格却无能为力。第三，NPR技术使许多企业为了节省成本而放弃效果更好的制作方式。由于使用NPR技术可以模拟出各种效果而又高效快捷，许多企业出于对利润的追逐放弃了效果更好的传统制作方法，制作出来的影片往往缺乏艺术特色、“千片一面”。
五、结语
动画艺术诞生至今已经有近百年历史，期间曾经历了许多次技术革新。时至今日，无论是手绘动画、电脑动画还是定格动画，都或多或少受到NPR技术带来的影响，并体现在制作流程、画面效果、艺术表现力等方面。这一技术不仅为动画创作提供了一种全新的可能，更在一定程度上影响了动画艺术未来的发展方向。相信随着技术的进步与艺术家的探索尝试，会使其对动画创作有更加深刻而积极的影响。
参考文献
[1]. 余为政，《动画电影探索》，台湾远流出版社，1997年版
[2]. 弗兰?克托马斯 奥利?约翰斯顿，《生命的幻象》，中国青年出版社，2011年版
[3]. 施特洛托特，《非真实感图形学：造型绘制与动画技术》，电子工业出版社，2004年版
作者简介
邴寅，男，中国传媒大学动画与数字艺术学院硕士研究生。
冯雪宁，中国传媒大学动画与数字艺术学院。
二维动画艺术论文范文第4篇
【摘要】 现如今，随着数字互联网技术高速发展，人们进入到5G信息的新时代，动画影像艺术也得以迅速传播。动画影像作为新媒体艺术其中一种表现形式，不仅拓展了动画艺术的创作范围，而且与新媒体艺术相结合使得动画影像拓展出新的领域。动画影像艺术具有视觉传播媒介的优势特点，极大地丰富了新媒体艺术的媒介多样性，通过研究动画影像在新媒体艺术中的延伸与扩展，带给新媒体艺术和动画艺术更多的可能。
【关键词】 动画影像;新媒体艺术;延伸扩展;多维性
【DOI】10.20024/j.cnki.CN42-1911/I.2022.14.025
一、新媒体艺术与动画
（一）新媒体艺术概述
当下，人们的生活与科学技术和文化艺术密切相关。区别于传统的艺术形式，新媒体艺术产生于20世纪六十年代。由于科学技术的发展和影像记录的普及，伴随着新的艺术思潮席卷而来，此时的艺术家不再满足于传统的绘画方式的表达，不断寻求着新的艺术创作出路。受著名音乐大师约翰·凯奇的影响，美国的韩裔艺术家白南准（NamJune Paik）拿起手中的DV开始进行所谓的录像艺术的创作。当时的白南准深入纽约第五大道，他便用手中的镜头记录了教皇一行人的场景。区别于新闻类的拍摄模式，白南准的記录形式更具有艺术性和实验性。这一举动同时也代表着录像艺术的诞生。前卫艺术家白南准的作品很多都具有浓郁的东方色彩，其观念性和在场性很快感染了众多艺术家和观众。伴随着电视机和摄像机的大众普及化，越来越多的艺术家放下手中的画笔投身于录像艺术的创作中去，录像艺术其实就是新媒体艺术的最早的雏形。1964年，艺术家安迪·沃霍尔（Andy Warhol）拍摄了一部长达8小时5分钟的默片《帝国大厦》，这部影片的情景拍摄镜头只有一个，就是纽约帝国大厦，记录了其在这8个小时内的变化。这部影片对于普通观众来讲是乏味的、无趣的，但是安迪·沃霍尔却解释为这才是真实的时间记录。在二十世纪八九十年代中国，也有一批传统艺术家拿起了摄像机开始录像艺术的创作，比如张培力在1988年创作了《30×30》，这也是一部乏味无趣的记录行为的影片，全长180分钟里展现张培力手带医用橡胶手套，把一块镜子摔碎了再粘起来不断重复的行为动作过程。张培力的作品受到了西方录像艺术的启发，同时他的作品也启发了中国年轻一批的观念艺术家。
时至今日，随着技术设备的更新和观念性的思维导入，录像艺术也逐渐发展成如今的新媒体艺术。新媒体艺术是用不断发展创新的科学技术与艺术观念相结合而创作产生艺术作品。艺术家不断尝试用新的艺术形式来进行实践，更具有突破性和挑战性。艺术的新方式新形态不断地产生，其内涵精神也在不断地变化，新媒体艺术具有包容性、科技性、观念性等特点。其中对于新媒体艺术家的定位不再局限于艺术工作者，可以延伸到科学家、编程人员、生物研究人员等各行各业的人。新媒体艺术因为媒介技术的不断变化其本质与传统艺术也有所区别，媒介运用导致了新媒体艺术家的思维方式有所转变，他们的思维路径更加依托于媒介的重塑等方式。
（二）动画艺术概述
动画作为一种综合类的视听语言艺术，同时也是新媒体艺术创作形式的主要方式。动画艺术具有虚拟性、重构性、符号性等特点，与电影艺术相比更具有想象力。新媒体艺术中经常运用影像来进行艺术创作，影像艺术其中一种表现方式就是动画。从21世纪以来，动画影像的创作媒介包括二维动画、三维动画、3D投影艺术等除此之外，艺术家门利用科学技术手段把动画和其他专业门类进行融合，并且重新进行实验和创新，把动画艺术空间的想象与乐趣展现出来。其表现形式例如装置艺术，影像艺术，互动艺术，游戏艺术，虚拟现实等。立足于当代艺术，动画影像艺术的创作已经发展到非常成熟的阶段。其独特的审美特征为技术性、互动性、观念性和游戏性等。因此，动画影像艺术具有包容性、开放性、创新性和多元性。
二、动画影像的多维性探索
20世纪的艺术实践方式有了很大的改变，其原因是基于太空连接的电子速度快速的提升。新的媒介不断地涌入艺术创作中去，使得艺术的舞台更加的多元化，艺术派别也不断延伸，互动形式也有所增加，艺术更加具有多维性的表现。动画影像作为艺术形式的一种，也是如此，多维性的探索在动画影像中被体现得淋漓尽致。
（一）动画影像的方向性
动画影像的方向性具体可大致划分为本体性和功能性。动画影像的本体性即动画作品本身，也是回归于动画艺术创作本身。动画影像艺术创作的首要特点就是原创性和独特性。艺术家孙逊从动画本体性出发，其作品采用黑白艺术语言效果进行创作，借助视觉画面边叙述边隐喻，其作品是对历史性的批判，同时也是对未来的幻想。例如他用废旧报纸手绘动画作品《休克时光》，这是一部单屏动画影像，表现其历史的社会性思考。动画影像的功能性主要是对于艺术作品的延伸，其表现形式类似于可出售的动画艺术的衍生品。
（二）动画影像的时空性
时间与空间这两个维度构成了动画影像的时空性。人们在认知方面从来不缺少机会，总是不停地去探索和发现新的讯息。在了解时空的特征方面，基于新媒体艺术的新的体验。新媒体艺术家总是徘徊于时空的交替性以及对于时间和空间的本真认识。在动画空间中的延展，可以是二维空间也可以是三维空间，甚至可以突破维度，创造新的空间形式。这种空间通常指的是虚拟的空间以及真实存在的空间。在动画影像艺术创作中，空间与时间的表现方法通常有挪用、置换、放大、重叠、组合等。
新媒体艺术家陆扬的作品《移动光背》展览于2015年威尼斯双年展中国馆。《移动光背》作品是运用影像装置的有机结合，呈现出了宗教神学的庄严感，但是又与现代社会文明相碰撞。在其影像装置空间中，空间是作品观念的延伸，通过构建装置环境本身来达到构筑完整作品的创建。
2006年，艺术家邱黯雄在作品《新山海经》中向观众展示了一种超现实主义的动画艺术风格。这部作品是一部三屏黑白动画影像，长度为29分34秒。其作品颇具诗意与忧郁的语调表达，用水墨的手法在原始与现代构建出古老神话与未来科幻的跨时空结合，这种手法通常解构再重组，很具有魔幻现实主义风格。《新山海经》中不仅出现了现存的一些动物，比如犰狳、鹿等，另外还出现了工业文明进程中的原始社会景观，在其作品中时间性被延伸变换，从而改变人们对于现代社会的思考方式。时间的流逝与水墨动画交相呼应，使这种独特的叙事转换手法得到细腻的表现。科技与远古两个元素的跨时空碰撞出新的宇宙观与视界观，混沌的世界中充满了作者的想象力。
（三）动画影像的意识性
动画影像的意识性表达在艺术家们的作品创作中尤为体现。意识性的表达的形态是多元的，同时也是一种新的感知体验与实践方法。
艺术家用理性把技术和思维融入在一起，再用感兴去表达创作，从而进行作品中的意识流露。观念性是其最显著的特征。2002年艺术家冯梦波创作的《Q4U》作品是一部以自我为真实原型，通过网络编程技术把自身照片嵌入到虚拟游戏之中，从而参与互联网游戏中的激烈战斗。其独特之处在于作品的切入点揭示了大众文化和视觉艺术的转换方式的不同，折射出真实意识与虚拟世界具有错位与联结。
2004年，艺术家唐茂宏创作了自己的首部三屏装置动画影像《兰花指》。在作品《兰花指》中，每一个图像与图像之前都存在着隐喻的关系，很多图像来源于网络，艺术家进行的动画形式的改编。这个时代的图像如此泛滥，唐茂宏对网络图像进行二次创作恰恰体现了艺术家的意识性的突破与幻想。此外，艺术家吴俊勇在2006年创作的单频影像作品《剧场》中编织了一个荒诞的意识世界。影像中处处进行了隐喻与符号表达，把现实世界的百态浓缩在一部短暂的作品当中呈现给观众欣赏。
三、动画影像的形式语言
在新媒体艺术中，动画影像有多种形式语言，如动画影像叙述、动画影像装置、交互动画影像等。这种形式的多样性取决于动画的本质，即动画本身就是一种多元化的媒介艺术形式，动画影像可以跟多种艺术形式相结合。这给动画影像艺术带来了更多地探索和可能，也为观众带来了更多地惊喜，在这每一次地探索之中，实现了艺术家们天马行空地想象力，同时也增强了技术地创新力。
（一）动画影像叙述
动画影像的最直接的表达方式就是用影像视觉语言进行作品叙述。其表现形式较为单一，但是这种方式的表达更具有实验性和视觉观看性。无论是线性叙事动画还是非线性叙事动画，他们对于用动画的形式去表达当代艺术显得更为纯粹，使其回归到了动画的本质，即动画也是一种媒介。对于新媒体艺术当代性的思考，用纯粹的动画手法去表现还具有一定的观念性。这种观念性让艺术动画区别于商业动画，其创作目的也是不同的，因为艺术动画不具有盈利性。例如艺术家吴俊勇的作品《等咱有钱了》，利用幻想空间去实现贫穷对于金钱的呐喊。此外，周啸虎的作品《新闻联播》，孙逊的作品《主義之外》也都是运用动画影像语言直接的表达叙事。
（二）动画影像装置
装置艺术是集聚“场”概念地艺术形式，其艺术形态也是超脱领域的。装置艺术是探讨时空与物之间的关联性研究，同时也涵盖了诸多概念化的学科，如美学、哲学等。装置艺术融合多种艺术形式拓展其创作领域，不断地探索创造性的艺术表现形式，并逐步完善和构建自身艺术体系。
数字化这种技术手段为艺术家从事创作提供了更为便捷的途径。数字化对于艺术家的开阔的思维方式也起到了重要的作用。因为对于他们来讲数字技术不仅仅是媒介表现方式，其实也是一种新媒介的艺术探索。在网络化和数字化的推动下，动画艺术融入当代艺术形式表现中去。动画影像装置艺术也是新媒体艺术的重要表现方式之一，通过参与空间的结合而达到艺术作品的最终效果。这种形式相比较动画影像的单一叙述，其形式感更加突出，综合性和空间性带给作品的呈现方式更加多元化。动画影像装置的形式通常是与外部空间相结合，或者与屏幕、现成品、雕塑重组，形成新的视觉表现语言。2010年，美国当代艺术家托尼·奥斯勒（Tony Oursler）的作品《超级流行》和《眼睛》在北京林冠画廊展出。托尼·奥斯勒（Tony Oursler）运用多种媒介材料和影像相结合，超真实的视觉感和现场观感的不确定性形成了鲜明的对比，这种新的实验方式也重塑了影像的语言。
其实录像艺术的早期形式大多是装置艺术与录像艺术相结合并逐步发展成录像装置艺术，也就是我们现在提到的影像装置艺术，其中以动画为创作媒介的影像装置艺术在此归纳为动画影像装置。动画影像装置其本质是对于展览空间的延伸。艺术家陆扬《陆扬妄想曼陀罗》《子宫战士》《癌宝宝》等作品在对于动画影像空间的扩展进行着不断的尝试，也不断地发掘出艺术地新方向。
（三）交互动画影像
在新媒体艺术中，艺术作品的状态可以归结为跨媒体、交叉学科、多元表达等，通常表现为利用作品与观众之间的互动来达到作品与观者合二为一的效果，这既是一种互动模式，也把观众变成了其艺术作品的一部分。动画影像艺术的交互功能相较于传统艺术形式更具有优越性，这也是一种全新的艺术表达方式。这种交互动画影像表现方式通过作品互动情节设置，充分调动参观者的融入度，让观众通过深入地参与到作品其中，更深刻地感受到作品的情感表达。艺术作品的完整度需要观众的互动参與来完成，从而其作品更具有实验意义。
交互动画影像是包容的，同时也是前沿的。因为不同的技术手段所展现出来的声音或者影像的传递也是有差异的。交互动画影像的场景、色彩、光影、空间以及画面感的融合度更加丰富，其展现方式的是具有沉浸式的体验观感性，这种将整个舞台的立体空间制作成背景动态特效影像，再配以镜像生成，完美呈现出了虚拟的沉浸意境。从视、听、嗅、触等多感官角度让观者沉浸在新媒体艺术作品的氛围中，对于作品本身来讲起着一定的强化作用。
（四）虚拟性动画影像
新媒体艺术的一个重要的特征就是虚拟性。在虚拟世界中，人们变得越来越依赖于数字世界，真实的社会生产也愈发的离不开虚拟世界。虚拟的世界可以让人们暂时忘却真实的世界，從而投身到拥有斑斓幻想的数字世界中去。数字技术功能的强大远远超乎了人们的想象，但是也带来了新的艺术创作的新挑战。电脑工程师可以利用数字虚拟现实技术再造真实景观是一次革命性的突破。这里所说的虚拟化主要是指新媒体艺术媒介的虚拟化和内容主体表现的虚拟化。
虚拟现实技术的融入大大增强了新媒体艺术的综合性，利用虚拟现实增强技术，集聚光线追踪、概念空间、AR前景以及背影景象等通过抽象化全裹式场景包装呈现出虚拟之城。例如日本的艺术家组合TeamLab科技小组的作品多以数字化为核心的虚拟交互动画影像通过计算机对图像进行有效处理，把多维的感官功能一一激发，观众在展场犹如梦幻仙境一般，与此同时还可以与作品进行实时互动，甚至观众自定义的手绘作品还能出现在teamLab科技小组的屏幕场景中。
四、结语
讨论到此时，不得不说艺术发展到当今有一个最为显著的特征就是创作媒介的不断变化，新的媒介创作方式为艺术的发展增添了实验性和多样性。不论是电子时代还是数字时代，伴随着科学技术的发展以及网络多元化的运用普及，动画影像在新媒体艺术中的延伸与扩展是多维度和具有变换性的，同时也是具有多元性的。动画影像艺术和录像艺术、装置影像艺术一样都是一种媒介来进行创作方式，越来越多的艺术家将其运用在新媒体艺术中，使得可以逐渐技术化、观念化、语言化，这不仅丰富了新媒体艺术的多样性，还让艺术家的创作更为自由和放松。
动画影像艺术在当代艺术中拥有其独特的审美特征，运用科技化的语言方式进行创作。在国际上比较大的展览也越来越倾向于动画影像，声势和规模也在逐渐扩大。新的技术和媒介不断推动这新媒体艺术的发展与前行，但在这之中，动画影像这一媒介在新媒体艺术中的融合更为突出，形式感更为丰富，传播力度也更为广泛，彰显出动画影像在新媒体艺术中会有更好地融合与发展。
参考文献：
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[6]陈媛媛.公共空间的新媒体艺术[M].上海：同济大学出版社，2020.
作者简介：
杜娟，女，汉族，河南安阳人，河南城建学院，硕士学位，新媒体艺术专业，研究方向：影像装置艺术。
宋伟，男，汉族，河南襄城人，河南城建学院，硕士学位，自动化专业，研究方向：控制理论与控制工程。
二维动画艺术论文范文第5篇
摘要：中国古典绘画是我国的国粹，不仅能表现我国文化精髓，更能让我们认识与了解古代风俗、历史、政治等。在现今跨界的视阈之下，通过对文化观念的整合与输出，用动画的方式将古典绘画艺术重新演绎，或将其与工业、商业等跨界融合，创作艺术衍生品是一种潮流。以中国古典绘画的转译与衍生为切入点，探讨传统之于当代的价值与意义。古典绘画艺术所蕴含的多元价值如何被整合与发掘，如何通过动画与艺术衍生品等方式再次被输出，使受众以此为契机与古典绘画艺术直接互动与对话值得探讨。
关键词：中国古典绘画;动画;艺术衍生品;转译;再生
中国古典绘画是我国的国粹，不仅能表现我国文化精髓，更能让我们认识与了解古代风俗、历史、政治等。在跨界的视阈之下，通过对文化观念的整合与输出，用动画的方式将古典绘画艺术重新演绎，或将其与工业、商业等跨界融合，创作艺术衍生品是一种潮流。古典艺术平民化、生活化的发展理念渗入大众生活的每个角落。用动画、艺术衍生品等方式将中国古典绘画重新演绎，就是用现代人的视角来欣赏与了解中国古典艺术，从而体验传统文化与人文内涵。
一、文化观念的整合
（一）人文内容
中国古典绘画是人类在历史发展过程中的真实写照。在对古典绘画的研读中可以了解古人以相融性、和谐性处理审美范畴，善于表达清澈柔美、平和祥宁的审美意境，将宇宙生命的精神意蕴融化在所表现的物象之上，具有感悟人生、净化心灵的社会价值与现实意义。相对于西方绘画注重客观还原眼睛所见的事物，中国古人则用主观的观照方式去创作其内心所理解的具有主观意象的绘画作品。中国古典绘画注重体现民族心理特征，体现历史、风土人情、文学艺术、行为规范、思维方式、价值观念等。中国古典美学观注重天人合一与气韵生动，观念与精神表达相互融合，认为美在精神上能超越并最终获取自由，所以创作者会将自己的思想感情融于所绘物象之中，以求情感上的升华。
（二）表现形式
中国古典绘画的表现语言主要是线条、颜色、经营位置等，习惯把形体、结构、空间转化为线条，着重于线条的变化，同时通过具象或抽象的符号表达情感。随着古典艺术的内涵被发掘及社会文化功能的被重视，具有中国特色的形象或符号元素日益成为现代风尚与设计研究的热门题材。而中国古典绘画视觉元素的基础是凝结着中华民族傳统文化精神，并体现着民族特色的符号、风俗或文化内核。
二、文化观念的输出
（一）转译
近年来，出现了对中国古典绘画改编的动画。作为传统文化艺术转译的一种方式，动画除了继承了绘画本身的艺术语言外，所传达的已不仅是原本的艺术神韵，还有民族的精神内涵。
中国古典绘画的动画创作遵循时代审美变迁的规律，反映着当下社会的主流观念。它以丰富的表现形态，以动态的三维形式诠释二维的平面艺术，对情景进行虚拟性的还原或动态的延伸，让观者对古代的物品、风土人情和文化内涵有更真切的体会，使其更有代入感与丰富的联想空间。因此对古典绘画作品的动画改编不局限于动画短片或电影，在广告、教育等领域也广为应用。
中国古典绘画不仅仅是对事物的客观描述，还是以象表意，融意为境，注重情感与意境的抒发，从而用动画的形式转译中国古典绘画时，容易出现误读。因此进行动画创作前必须注意对原作的充分解读，辨析出绘画作品中的意蕴所在。动画与绘画各自都有其特色与艺术的渊源，动画运用其独有的艺术语言，如音乐、镜头、光线、动态来传达故事与情趣，营造氛围。但在中国古典绘画艺术的动画转译中，要正确演绎原作所表现的历史、人文与风俗，不能盲目使用动画效果而使原作面目全非。动画是观众在观赏古典绘画时潜意识的幻想与意境的还原。除此之外，优秀的动画改编作品在充分烘托原作所营造的意境时还在转译中有意识地强调民族精神与传统文化内涵，使得动画作品更有文化性与生命力。
2010年，以张择端的《清明上河图》为原型而制作的动画作品——动态版《清明上河图》运用计算机技术与尖端投影技术，将原作放大30倍，用12台高清投影机投射在长128米、高6.5米的曲线形屏幕上。同时展区采用仿宋建筑风格，与动画相辅相成展现出宋代社会的农业、运输、商贸、科技、建筑、文化、民风民俗等一系列信息，使观众有身临其境的感受。动态版《清明上河图》成功转译了生动形象的历史文化景象，围绕挖掘中华优秀传统文化，弘扬民族崇德向善、勤劳节俭等传统美德，是典型的中国故事的转译。
2012年艺术家杨春耗时三年，以《芙蓉锦鸡图》、《红蓼水禽图》、《杨柳乳雀图》、《果熟来禽图》、《碧桃图》（扇面）等多幅宋朝经典院画为原型，一共绘制了10093幅工笔画之后，通过计算机技术制作出一部动画短片——《美丽的森林》。这部动画短片虽然不到7分钟，没有一句台词，只有古乐和工笔画，但画面古韵悠然，风吹树叶动，鸟飞展翅高，精妙绝伦的宋代古画瞬间变得生机盎然。在短片最后一幕，枪声响过，画面出现黑洞，几片羽毛飘落，鸟的毁灭也是画的毁灭，一种遗憾和惆怅生起，这是对当下生态的反思和人文的叩问。《美丽的森林》动画短片不仅让古画里的鸟儿飞出了千百年前文人的笔墨，还飞出了国门，成功通过奥斯卡最佳动画短片初选。
以现代视角来说，动画转译可以将古典绘画中隐喻的思想与文化内涵加以诠释与拓展，可以将其中所蕴含的意韵与文化内核发掘并演绎出来，并将其中的传统思想与现代理念结合，达到古今文化的融合与再生。
（二）衍生
创意商品、定制商品、博物馆商品等在博物馆系统零售的艺术商品通称为艺术衍生品[1]。艺术衍生品是指通过提取并直接运用艺术作品的独特象征性符号，然后结合创意理念与工业加工，在体现艺术作品的精神和文化内涵的同时，使艺术与产品有机结合，转化为可供大众消费收藏的艺术商品。中国古典艺术的衍生品是当代社会大众感知传统文化艺术的有效途径，也是推动传统文化遗产在当代社会传承的现实方式。
区别于简单的复制品，艺术衍生品必须将趣味性与创意性寄寓其中，在衍生过程中产生新的灵魂。这要求设计师需对传统文化元素的表达语言重新解读，对其中的文化内核进行分解、归纳、提炼，并在保留和传承文化内涵的基础上，运用新的载体表达传统，因此艺术衍生品是一种注入现代灵魂和创意的衍生品。
近年来极具创意的文化艺术衍生品层出不穷，以故宫博物院的传统文化艺术衍生品为例——“朝珠式耳机”、“故宫淘气猫”、“容嬷嬷针线盒”、“故宫×毛戈平”系列彩妆等，焕发出浓厚的文化底蕴，且极具生命力。故宫博物院文创产品的艺术效果，实现了古典与现代的有机结合，更好地凸显了藏品的故事性、传承性，更好地满足了当今社会大众的审美需求以及文化传播与教育的需求。为此，故宫博物院文创系列创作人员积极探索文化艺术衍生品的再生性，最终推动艺术衍生品活力、传播力的提升，实现物质文明与社会效益的双丰收。
另外，台北故宫博物院曾发行一款“朕知道了”的胶带纸，该胶带纸上印着康熙皇帝批改奏折时的字体“朕知道了”，以黄、白、红三色为主，既彰显了霸气，也给使用者营造了一种趣味性、鲜活性的体验，不仅有使用价值，同时可以让人们追思历史。博物馆根据各自的馆藏作品进行再创造，如生产和销售相关的艺术衍生品，能够更好地将藏品和藏品背后的故事活化，并直观诠释给欣赏者，从而加强古典艺术与观者之间的互动性。艺术衍生品其实就是博物馆，乃至国家形象的一张立体而生动的名片，是中国传统文化教育进一步延伸的重要手段之一。
三、转译与衍生的当代价值
（一）艺术性与功能性结合
将原本独立存在的古典绘画艺术作品与动画媒介、工业产品相结合，能催生出艺术衍生品。而艺术衍生品作为艺术形象的转译与再传播的载体，需要具备观赏性的同时，最终兼具艺术性与功能性，以实现在满足实用需求的基础之上，对古典艺术的艺术性有所保留。而艺术衍生品同时具备艺术性与功能性，不仅满足了人们的生活需要，还能够帮助人们提升生活品质。
（二）传统文化价值的延伸
文化是一个民族的生命轨迹，而古典艺术作品作为凝聚在物质实体的一种文化象征，能够折射古人的情感与经验。古典艺术作品通过跨界转译发展成为创新的艺术衍生品，其原本的艺术文化价值得到了保留，是艺术文化形象的可持续发展。因此，与传统文化没有连接的艺术衍生品是不存在的，寄寓于物质上的文化内涵外化成喜闻乐见的物质形式，才能调动人的情感，激发人内心的共鸣。如果艺术衍生品能成为重新认识传统的媒介，那么这样的衍生品便具有灵魂，其文化价值和使用价值在广义的空间和时间上也都将更具有活力，并不断延伸与持续。
四、结语
在当今多元领域相互交融的时代，媒介映射了文化风向，所以跨界合作整合社会资源无论是作为一种商业手段，还是作为協助古典艺术转译与衍生的实现方法与途径，都具有极大的现实意义，可以使古典艺术从小众走向大众，从而使大众能够以普通的消费方式感知原本具有一定距离感的古典艺术。
当然，在对中国古典绘画的转译与衍生中，要注意古典绘画意象的表现与民族文化及精神的传达，这既是对古典美学精神内涵的继承与发扬，同时也是对动画转译与艺术衍生表现形式的一种新探索。对中国古典绘画进行转译与衍生，是对中国传统文化的现代化展示。这种现代化演绎并不是对古典艺术做单纯技术上的转换，而是传统精神与现代语境的融会贯通，不仅包括表现技巧与形式，其中还渗透了现代意识，最终实现现代精神倡导统一于传统文化精神，传统文化精神又呼应现代理念。
参考文献：
[1]西沐.全球格局中我国艺术衍生品产业的发展[J].天津美术学院学报，2015（6）：63-67.
二维动画艺术论文范文第6篇
摘 要：中国和西方，存在着审美观、世界观和艺术观等各种差异，导致中西方传统美术的艺术风格有着较大不同。对中西方传统美术艺术风格进行分析，探讨传统美术艺术风格不同的原因，并且提出相应的观点。
关键词：中西传统美术；艺术风格；比较研究
中西传统美术由于在地理、政治、历史、文化、经济等不同艺术气息土壤里面成长，所以会存在很多差异。在不同文化背景下发展起来的中西美术艺术，一方面风格和审美理念存在着差异，另一方面创作方面也存在着差异。
一、 中国传统美术的艺术风格
和西方的传统美术艺术风格将“临摹、写实”为本相反，中国的传统美术主要追求表现、写意、抒情，更加看重对人内心境界美的描绘。对于这种艺术的追求，需要积淀中华传统价值观、哲学观，显示出独特民族气息的审美观念。
我国某位哲学思想家曾强调过，美术需要天人合一，西方人更加看重人是自然的主宰，人掌握了规律就可以进入不同的自由王国，中国人对于自然抱着和谐的态度，强调大自然与人需要和谐相处。在中国人的眼中，所有生灵都存在生命特征，只有人与自然统一，才能够唯美。在我们看来，山河、天地、日月和人类生存有着息息相关，中国人到现在的最高追求就是人与自然和谐相处。这样的想法在中国艺术里面有着重要影响，也在古代庄子哲学里面体现了出来。老子曾用过许多文章表达了自己的想法人法地、天法道、地法天、道法自然等，这样与自然和谐相处，达到天人合一的想法，体现了在中国传统美术艺术风格里一直贯穿的境界就是——心和物、情景交融的审美概念。把自然当做主体，把人的感情与自然融到一起，达到了主客体交融的状况，倡导返璞归真。中国美术艺术构成的最高主旨就是“通天人之际”，把人与自然融合在一起，作为传统范式的表征，用“气”“情”“神”这些生命姿态作为对比。比如中国美术看重自然中的取材，类似于花、草、虫等，也可以选取有生命特征的人。中国美术的艺术特征主要表现在物象情理，主要把客观融进主观中，追求气韵生动、诗情画意等，构成了酣畅淋漓的审美境界。
由此能够看出，中国传统绘画的最高境界或者是最后展现的效果就是“气韵生动”。中国画家在进行美术创作的时候，并没有和西方画家一样，对客观进行自然详细摹仿，而是更加注重作者所表达出来的情感和生命内涵，是一种写心境、情怀的绘画过程。中国画家在进行创作时，并不注重对象的色彩、比例，而是看重在万千世界里面存在着的与自然融合的感情，达到万物混化、物我合一的状态。画家从作者的想法着手，分析美术的感受，从而把自然形象转变为艺术，让中国美术的艺术风格走向了积极状态，再次被展现了出来。因此，每一张美术作品表达出的是画家们的情怀、感受以及对艺术的人格化。
二、 西方传统美术的艺术风格
从整体上来说，西方美术的艺术就是比较看重写实、科学精神及摹仿的艺术风格，它把重点放在临摹塑造经典和现实生活，这样的审美是来自于西方人追求美学、哲学。在上个世纪，希腊人崇尚着理性的宇宙观、价值观以及方法论，致使他们的审美追求偏重类型、标准、完善。柏拉图曾经认为，艺术就是把自然情景进行客观地临摹。临摹方法与数学思维构成了西方美术艺术的传统基础，这种审美观念一直在引导、规范着西方画家们的创作理念和思维，也影响到了文艺复兴。在文艺复兴时，画家们又再次连接了希腊文化，用解剖学、透视学、明暗学当做艺术的支柱，追求的是临摹精神世界。画家们用数学原则展现美术，让其能够更接近完美，所以在西方美术的艺术风格里面，需要看重的就是光明、色彩、位置、远近、黑暗等十项功能。在意大利后来复兴时，一些著名画家都是传统美术的忠实追随者，使用缜密的逻辑和精确透视等许多方法进行绘画，也获得了很大成就。这样的写实、临摹绘画方式，一直都是西方画家想要达到的目标。伴随着后来出现的鲁本斯、普桑、安格尔、米勒等，他们都强调了美术的透视法、体积感、质感、光感等很多物理效果，通过持之以恒的努力，画家们终于为西方奠定了写实和临摹的基础。
三、比较中西方美术的艺术风格
（一）基于科学和哲学
中西傳统美术成长在不同文化土壤里面，中西方艺术家的审美观、宇宙观与世界观存在差异，必定会形成具有特色的表现方法。某位艺术家曾经说：“东方美术的基础在于这里；西方美术的基础在于科学。”中国美术里面存有许多概念，比如气、物、神、虚、意、实等，属于哲学范围。中国传统美术的艺术分割，特别是文人画，是哲学文化的艺术。中国传统的美术精神支柱算是禅、儒、道，儒家理念在美术的艺术风格上主张中和为美、追求和谐美、不偏不倚。庄家哲学主张应该“天人合一”，崇拜“无为而为”，道家理念促使画家们隐逸桃源、超然世外，从自然环境里面追求自然美。禅宗觉得所有事物都是因为人的主观意识而产生的，人需要做到静心、自己领悟。在中国画家看来，只有心静才能够去感受自然美，达到“心物一致”的境界。中国人追求绘画兴趣、知白守黑等哲学理念。
西方在自然传统观念里面和中国存在着差异，它们觉得人不仅高于自然更加强于自然，人类统治着自然，能够控制和改造自然。这样的意识反映到艺术里面，就构成了西方传统美术风格里面对自然形态的把控，若是认识到规律是遵循自然的科学反映，就会服从它。
（二）写意体现和写实表现
中国美术的艺术风格在表现手法上面是追求意境、看重写意的，而西方美术的艺术风格在表现手法上面主要是追求实境、看重写实。中国画家从古至今都不是为了将自然再次展现给世人看也不是模拟自然，而是把心中对于自然的理解展现出来，是把审美客体内化。他们不只是对物象进行简单描摹，而是追求意在笔先、以形写神。意，就是说中国画看重写意，就是指意境、意识、情义等，总结起来就是作家的感受。写意不只是中国画的表现方式，也是中国画的艺术体现，展现了中国画家对审美的体现。
西方自从古希腊开始，比较看重的就是临摹，即指临摹物质世界。西方绘画的审美主要看重美与真，使用明暗、透视等科学办法便于把自然万象准确、真实地甄选出来。油画颜料便于覆盖和修改，并且色彩不容易褪色，给美术绘画做下了铺垫。这些让西方美术对于自然的描绘变得更加真实。
（三）光影韵律和笔墨情趣
中国美术看重的是“笔墨精妙”，用笔需要笔力深沉，即“骨法用笔”；主张用墨作为主体，用色彩作为客体，让墨分五色（是指用水把墨变成焦、重、浓、清、淡，即使不是五彩缤纷，却也稳重）。中国美术强调墨为主体，色彩为客体，并不是忽视色彩。自从宋元以后，水墨渐渐成为了主流，画家们在黑白氤氲变化里面，将自己的胸怀表达了出来。
西方国家在美术方面比较看重色彩的使用，主要将光的韵律作为美的特点，追求着节奏感、真实感、明暗立体感。能够将光展现出来的就是色彩，色彩一方面是造型的手段，另一方面也是表现的手段。西方国家美术色彩鲜艳、画面效果丰富。西方画家们看重对于色彩的把握，借助处理光源色、对比色、固有色、邻近色和画面深浅的调整，将物象的凹凸效果展现出来，增强画面的空间感、体积感和光感，进一步让物象展现出质感和厚重感。
（四）焦点透视和散点透视
中国美术使用散点透视，因此画家的观察点并不会固定在某一个地方，也不会受到限制，而是会按照观察点的需要进行移动，在不同观察点上看到的东西画进自己的图纸中，这样的方法叫做“移动视点”。沈括使用的是山水画散点透视，用大观小，将山川的景色尽收眼底。
西方美术使用的是焦点透视，就是近处大远处小，特别远的地方消失到一点。焦点透视的主要特点就是水平角度和固定视点，它满足了人们的感知习惯与视觉经验。这样的透视方法让画家更看重视觉规律，依赖经验去分析和认识世界，同时也让欣赏的人习惯这种视觉再现，学会按照自己的视觉去辨别作品，表示了人、作品和世界借助感官所产生的联系，这样的观看方法被称为“人眼”。
（五）用面塑型和用线造型
中国美术一直用线造型，通过长久以来的发展，中国美术的线已经有着特殊的艺术体现，线是中国的造型灵魂，也是中国画家赋予自然人类的感情。
西方美术使用的是面塑型，不只是靠明暗，也需要笔线贯穿在图纸的前后，表现出身臨其境的效果。
总而言之，中国传统绘画的艺术风格看重的情感，讲究的是虚、空、无，是源于哲理的表现方式、而西方的传统美术主要是用面塑型，看重光影色彩，焦点透视。
四、结语
根据文章上面可以知道，随着历史进程的进步，特别是现在全球化进程也在进步着，中西方传统美术在本质上也越来越接近，不会越来越远。若是想要中国的传统美术艺术风格获得更大成就，则需要将民族传统文化立足于世界，弘扬和传承民族传统优势文化，并且向外推广。与此同时，应该用开放的心态，去汲取、接纳外来艺术的优势，根据古照今用、推陈出新的定律，参照先进文化发展的趋势，联合时代特征和实践经验去总结、创新和探索，完成中华传统美术的复兴，让西方传统美术受到传扬。
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作者简介：
许晓春，男，硕士，齐齐哈尔高等师范专科学校，副教授。研究方向：美术教育。
