艺术教育培训的经验（精选11篇）
艺术教育培训的经验 第1篇
西方早期博物馆的典藏品并不打算进行公开展示,只是反映典藏者个人的收集兴趣而已。当时的教育也只是博物馆的一项附属功能而已,算不上是目标。尽管如此,当时仍有一些人将博物馆视为可让一般大众提升自我的场所。他们相信在美术馆里,“以更高层次的美感形式来散播艺术,将可直接教化及提升那些务实的劳工大众”。持这种主张的博物馆领导者认为,博物馆具有让平民百姓变得“文明”的影响力,展示不仅应该让人“觉得很享受”(特别是在艺术博物馆里),更能够提升大众的品位。19、20世纪以来,博物馆在社会上享有重要的地位,是人类认识宇宙定律的研究和教育机构。博物馆凭借对文物和艺术品的收藏与研究,向公众宣传知识、展示价值,成为无所不晓的“百科全书”,也成为解释人类社会发展的权威机构之一。
从艺术博物馆在20世纪的发展历史中可看到截然不同的两种教育态度:波士顿艺术博物馆模式和纽渥克博物馆模式。本杰明于1918年发表了一套波士顿艺术博物馆的美学概念,认为艺术博物馆是文化机构,其作为学习基地的功能属于次要,艺术博物馆应以服务艺术为最终目标,教育只不过是达成这个目标的手段之一。此种模式将博物馆设想成“神圣的庙宇”,在博物馆的学习等同于对美感的膜拜。相对来说,纽渥克博物馆模式则视博物馆的功能如图书馆。20世纪初,纽渥克博物馆总监达纳发展出一套以教育为使命的博物馆模式。他认为博物馆的好坏取决于它的使用率,鼓励博物馆积极外借藏品给学校,同时在社区设立分支机构。博物馆的教育及各项工作皆需有经验的人才能担任,为此还开办了一种学徒制课程,着重于博物馆各种功能的教育,学生有机会到纽渥克博物馆的每一个部门工作,在实践中进行学习。这两种教育模式对20世纪博物馆的发展产生了深远的影响。
随着后现代思潮的出现,人们开始质疑宇宙发展是否具有单一的定律?知识的解说是否只有一个版本?传统博物馆的认知论、教育功能及社会价值开始受到冲击。最显著的变化就是博物馆与观众关系的重新界定,博物馆工作者不再扮演掌管知识的权威、教育公众的导师这样的角色,取而代之的是伙伴式的合作关系。博物馆的教育成效取决于观众个人如何建构其意,如何更有效地发挥博物馆的教育功能。做到“以人为本、与时俱进”,是现代博物馆学的一个重要研究课题。
1880年美国学者詹金斯在其《博物馆之功能》一书中明确指出:“博物馆应成为普通人的教育场所。”1906年,美国博物馆协会成立时就宣言“博物馆应成为民众的大学”。20世纪初以来,美国博物馆政策日渐强调提供教育课程以便让公众参与。美国博物馆协会首席执行官小爱德华埃博认为:“博物馆第一重要的是教育,事实上教育已经成为博物馆服务的基石。”20世纪60年代至70年代,美国博物馆朝着提供更精致多元及预先规划好的教育活动方向发展,大众开始正视身心障碍人士、妇女及其他族裔与文化的人所受到的歧视。博物馆以多管齐下的方法提供教育,包括艺术资讯的展示说明、研讨会、团体导览、延伸计划以及让观众亲自动手操作的艺术教育活动等。凭借推广延伸计划成立卫星博物馆,以及采用艺术化的教学方式吸引更多观众。应大众对多元文化与日俱增的兴趣,新的博物馆与艺术中心纷纷设立,开始明白自身背负的社会责任并从这个角度规划活动。
美术馆教育工作者相信教育和导览极为重要,同时尊重以保存及展示收藏为重点的研究想法,尊重学生、学者、典藏者的研究活动。导览员若能熟悉各种教学策略并运用其进行导览时,当藏品的脉络通过导览而具有意义时,参观才真正有效。好的导览不只是提供展示说明就够了,更包含导览员与观众之间持续的互动。导览是一门艺术,其关键其实是观众自身获得的经验。除导览之外,美国的艺术博物馆还增设了参与式活动,鼓励观众根据自己的步调与兴趣来发现和学习。会移动的艺术品、语音导览、如实物般大的模型、人可以进入的真实物品(如遗址或墓葬)、视听导览,或是邀请观众触摸、嗅闻、体验、倾听、观看、创作等,都成为非常有趣的教育资源或方法。为了让观众与展品形成互动,美术馆不断推陈出新,在手册、公告与学术出版品方面树立更高的设计与编辑标准,雇用受过教育训练或教学经验的人担任美术馆的教育工作。很多艺术博物馆已经开始在项目设计与导览行程中,整合皮亚杰的学习阶段理论,采用杜威“从做中学”的方法,使教育活动更具有整体策划性,使教育影响力更加深远。美国的绝大部分博物馆和美术馆有力量强大的教育部门,它们除了拥有固定的具有高学历的教育及艺术史论背景的教育人员,还拥有一支庞大的义工团队。教育部的导览员会针对不同的人群和对象运用不同的作品解说方法。此外,博物馆和美术馆还积极地与学校、社区合作,构建一些美术教育课程,提供相应的体验场所和学习空间。
由于美国长期以来十分重视艺术教育,许多著名大学校园内均设有若干座博物馆或美术馆。如哈佛大学、耶鲁大学、普林斯顿大学都有收藏颇富的美术馆,芝加哥艺术学院更是拥有全美十大博物馆之一的芝加哥艺术学院博物馆,收藏之富令人瞠目结舌。哈佛大学还要求其政治、法律、商业等专业的学生必须选修音乐、艺术、文学等课程,这些专业的毕业生都具有较高的文学、艺术修养,博物馆成为名副其实的第二课堂。博物馆拥有的资源,已经通过观众与文物古迹的亲身接触,丰富扩展了他们的艺术知识和审美感受,在人们的生活中发生作用。
艺术教育培训的经验 第2篇
一、认识引领行动让测评回归本真
我们根据《深圳市学校艺术教育发展三年行动计划》和《南山区“1+7”特色教育建设方案》对艺术素质测评工作进行了定位：为发展而评价，在评价中互享，在互享中共进。为此，我们确立了一个基本工作思路：在测评标准上坚持“适度性”，体现学生发展的阶段要求;在测评方法上坚持“适切性”，测评方法要适应每一个学生;在测评效果上坚持“适宜性”，测评结果要反映学生的真实素养。基于上述定位与思路，真正让测评回归本真，促进学校美育的改革发展，提升学生的艺术素养。
二、实践生成智慧让测评走向科学
一是构建测评体系，体现“发展性”。教育测评要建立在科学教育理论的基础上，尊重学生的发展规律，我们成立了科研团队，聘请了市区指导专家，构建了新的学生艺术素质评价体系。这一评价体系是基于教育部《中小学艺术素养测评指标》来设立的，在一、二级指标的基础上，我们增设了“评价项目及权重”和“测评办法”，充分考虑了学科特点和学生实际，体现了测评工作对学生审美和人文素养培养的促进功能。
二是优化测评方法，实现“网络化”。在“互联网+”背景下，我们找到了一个简易、可行的途径：借助学校已有的社交学习的平台“糖堂APP软件”，开发了“学生艺术电子成长档案”：
学生“六个一”艺术电子成长档案(框架图)
学校所有教师、学生和家长都开通了账号，在老师和家长的指导下，学生用文档、图片、音频和视频等多种载体上传艺术作品，记录自己的成长足迹。
三是开展多元评价，坚持“常态化”。在学生上传自己的艺术作品后，教师、家长和学生利用账号进入“糖堂APP软件”平台进行鉴赏和点评，教师最后利用《海滨实验小学学生艺术素质综合测评表》作出终结性评价。信息化和网络化的评价，打破了时间与空间的限制，实现了随时、随地的常态化评价。同时还改变了过去由教师单一主体进行评价的方式，让更多的学生和家长参与到评价中来，有效发挥了评价的激励作用。
三、反思提升效益让测评服务成长
我校对测评效果进行了评估和反思，用大数据来求证海滨艺术“DNA”实践的效果，让评价真正成为学生成长的助推器。实践表明，这一全新的测评模式，给我校的艺术教育带来了与过去不一样的变化：
公共艺术的经验与启示 第3篇
艺术的传递
《新民周刊》：身为利物浦双年展策展人，你怎么会对公共艺术感兴趣的？
路易斯：我的职业生涯，最早是艺术史学者，之后在泰特利物浦做了10年的策展人和馆长，组织展览。我发现艺术在美术馆的展示总是受到限制，因为在美术馆人们总是根据艺术史来组织展览，但是社会公众并不了解艺术史，对艺术史也没兴趣，他们感兴趣的是艺术品本身。
我在那里认识了许多艺术家，他们也喜欢在美术馆做展览，因为这样的展览有助于提高他们的声誉，有利于作品的销售。其实，美术馆的空间不利于他们的自由创造，而美术史评价也使他们有一种压力，不利于展示他们的才华。我最感兴趣的还是艺术家对社会环境或社会生活的直接反应，而不是制造“美术馆泡沫”。
艺术家也有类似的感觉，要跳出美术馆这个框框。因此我有了介入公共艺术的兴趣。
《新民周刊》：你是从什么时候开始介入公共艺术项目？有哪些成功的案例？
路易斯：那还是我在利物浦泰特做馆长时，因为有约翰·莫尔基金会的赞助，1998年我在海边做了第一个公共艺术项目“艺术的传递”（Artranspennine98），有穿越的意思。这是个非常大的展览，一半作品在博物馆和画廊里，另外一半在户外，从英国的东海岸到西海岸，经过30个地方长达150英里。现在回头看，这个尝试是失败的：也许这30个地方太过分散，没有带来很大的人流量；也可能公共艺术做得太超前了。
展览本身虽然失败了，但其意义非常深远，很多参与的艺术家觉得这样做很有趣，他们自己仍在继续这个项目，每5年做一次，一直延续至今。结果还影响到当地决策者，让他们意识到可以借助公共艺术把这些地方联系在一起开发旅游业。2002年起展览被命名为“北方之路”，把一些旅游点连起来。
这是很好的例子，说明艺术家可以发挥引领作用，影响政府的决策，让政府官员不再消极地接受现实，而是如何想方设法把生活变得更好。我的职责就是让他们和艺术家交流，让他们从艺术家的想法中“偷取”一些对他们有益的想法。通常艺术家在艺术史上只是一个棋子，但我更感兴趣的是让他们对社会发展起作用。
《新民周刊》：在英国，还有什么公共艺术的成功案例？
路易斯：在一个利物浦的边远小镇，有人找我商量：能不能用艺术品吸引更多的游客？当时小镇的居民对此抱着相反的态度，支持与反对的各占一半。这也是当代艺术的作用，引起大家来关注与讨论。有人决定先临时在海滩上设置100多个半人像。结果这些人像吸引了许多游客，社区居民最后决定长期保留这些人像。
由此可以看到决定公共艺术成功的因素：一、对经济、对社区发展有利；二、可以提高知名度，变得全球闻名；三、“社会资本”的增益，这是一个很难评估的概念，它涉及到社区内的相互交流：展览前引起居民讨论，展览时吸引大家去现场，成为社区的连接点。
中国的戏剧性变化
《新民周刊》：英国在公共艺术方面成就卓著，虽然是老牌的工业社会，但在后工业化转型中保留了文化魅力。中国现在也开始类似的经历，英国的这些经验对中国有什么启示吗？
路易斯：按我个人的经验，不能让工业化时代的遗产完全消失。文化创造在英国已是一个历史悠久的成功产业。文化建设是不可能立竿见影的。从英国的例子来看，特别是利物浦，曾经是一个工业重镇，200年前已经富豪云集，100年前成为文化名城。2008年成为欧洲的文化都市。不过，利物浦的文化产业的发展是许多年前私人和公共资金投入的结果。中国现在巨资投入文化产业是件好事，但文化投资的回报不可能像工业投资那么快那么高，其成果可能要二三十年后才能显现。
《新民周刊》：这次的评奖与论坛都是国际性的，参加这次活动给你什么不同的体验？
路易斯：这次接触的是全球的案例，对我来说也是一个学习的过程。我很了解英国和欧洲的公共艺术，但这次可以了解各种不同文化语境下的公共艺术。比如在中国，什么是公共艺术？对公共艺术的定义与西方一样吗？我发现，在讨论不同的案例时人们往往不在一个语义层面上，也发现不同文化会带来不同的语境。就像我当年做利物浦双年展策展人时邀请外国艺术家到利物浦创作作品，发现他们做出来的和在他们本国创作的不一样。
《新民周刊》：有没有新的经验？给你什么新的启示？
路易斯：見到了新的人，接触了新的案例，但很难说有新的经验。我热爱公共艺术，固然是因为喜爱艺术，但有时候也是出自一种愤怒：在利物浦，我看到整条街都是被遗弃的空房子，孩子们走在这样的街道去上学。我意识到这会毁了那些孩子。由于人们的错误决策，自然环境受到了严重的破坏。他们被迫生活在这种环境中。在那里，孩子们都会成长为有危害的人，而这些有危害的人又会来危害这个社会。
《新民周刊》：在中国也许不一样，什么事都可能会有戏剧性的变化。
路易斯：有变化当然是好事。在城市里推倒老房子，盖起新的高层建筑，这样的现代化过程同样发生在1960年代的英国。新房子、新设施肯定要比老房子好。但是在英国，人们不得不将1960年代所建的高层建筑推倒。因为人们发现居住在高楼大厦里有许多问题，甚至会引发社会问题。现在我们正在为他们建造平房或类似平房的房子。
这次论坛的主题叫“地方重塑”。为什么选择这个主题？因为很多城市的规划者、房地产开发商，他们建造了很多街区和房子，但并非人们理想的生活家园。在世界各地我们都可以看到，他们所建造的房子都是为房地产商谋利，从来不会考虑人们住进去会遇上什么困难。每个人都应该享受生活质量，而生活质量不是商标，更不是钱，是给予人们决定和考虑的权利。在伦敦、巴黎的郊外，圣保罗与里约热内卢，世界各地都存在同样的问题。而让我愤怒的是，为什么人们会住在这样千篇一律的空间里？为什么大家都忙着把许多有文化记忆的老房子推掉，却造这样千篇一律的盒子让不同的人去住？这也是驱使我热心公共艺术的动力。
《新民周刊》：在中国正值公共艺术热，新成立的IPA会发挥那些国际专家的顾问作用吗？
路易斯：不会。公共艺术从来是地方性的，是为地方服务的。国际性组织不可能完全为中国当地或别的地方服务，还是在研究的基础上让大家来分享研究成果，而非直接去指导公共艺术的具体项目。学会可以向大家提供一个专家联络图，而不是把专家找来进行业务咨询。
《新民周刊》：对6个得奖案例有什么评价？
论基层文化艺术培训经验和体会 第4篇
一、基层文化活动的特点
近年来, 随着经济实力的增强, 各级政府、社会各界和群众自发增加对文化活动的投入, 群众文化活动日益活跃、兴盛, 具有以下基本规律特点:
以经济条件为支撑, 近几年农村健身文化活动非常活跃, 主要是因为在新农村建设中, 修建了健身广场和路灯, 群众可以天天晚上扭秧歌、跳舞、打拳, 无形中推动了特色文化的繁荣发展。以群众生活为本源, 群众文化活动的生命力, 在于同人民群众的生活息息相关, 脱离便失去意义。以文化队伍为载体, 群众文化活动需要有文化队伍这个实体去表现。此外, 群众文化是要大众的、百姓容易接受的文化形式。虽然高水平的艺术形式更有艺术价值, 但是并不是一定是百姓能接受的和亲自参与的。大众性、普遍性的艺术更适合普遍群众。
二、基层艺术培训中出现的问题
(一) 不稳定性
在下基层培训中, 由于各种原因导致参与人员不稳定, 三天两头换人或缺人, 导致队形设计一改再改, 参加人员不能准时参加排练甚至终止排练, 活动难以进行。
(二) 服务对象艺术水平参差不齐
参与文化活动的人群年龄跨度大, 从牙牙学语的小朋友到退休老人都是我们服务的对象, 所以知识水平和个人素质各不相同, 接受能力和理解能力也不同。同样的一句话, 不同人理解的程度也不一样, 这也跟自身素质和艺术天赋有关系。
(三) 随意性
在参与培训的人中多数以娱乐休闲的态度来学习。尤其是乡镇村屯的农民, 他们习惯随意, 位置随便站, 动作随便做, 经常在培训中唠起家常话。这也是受他们的日常生活习惯和环境所影响, 为老师授课造成了较大阻碍。
(四) 日常生活与组织培训的冲突性
这种冲突性主要体现在村屯农民的辅导中, 农民是以种地为重心的, 当培训时间与农忙时间发生冲突时或家中有事时, 农民很难保证来按时参加活动, 甚至根本不想来培训, 这样就无法保证活动质量。
三、针对基层艺术培训的几点建议
(一) 结合实际和培训对象特点
1. 结合民族特点。
针对朝鲜族居多的地区, 多举办一些具有民族特色的文化活动更能吸引本土民族的群众。朝鲜族人民天生喜好歌舞, 结合这个特点, 开展有特色的艺术培训就会相对容易了。
2. 结合年龄特点。
面对不同年龄的培训对象, 开展不同形式的艺术培训, 更能使他们接受和喜爱。年轻人更喜欢一些现代的、流行的艺术形式;老年人则更容易接受通俗大众、有一定节奏感的艺术形式;学生则是活泼、欢快的艺术形式。总之提供适合培训对象的艺术辅导才能真正使群众在文艺中体会快乐, 在娱乐中陶冶情操, 提升文化品位。
3. 结合身份特点。
面对不同人群的辅导培训, 开展符合他们职业和身份的培训也十分必要。针对街道群众就要开展喜闻乐见的艺术培训, 如歌伴舞、小合唱等;军人的培训内容要符合他们英姿飒爽的风貌, 如军旅舞蹈、三句半、大鼓等;对于农民, 则更适合整齐简单的广场舞等, 总之要开展凸显身份特点、容易接受的艺术形式。
4. 培训实用的艺术类别。
群众需要什么, 我们就教什么。长鼓、广场舞、声乐、朝族舞等这些在群文活动中是比较常用和实用的艺术形式。我馆曾面向乡镇和部队开设音响调试培训班, 在基层活动中, 音响设备的调试十分重要且需要专人负责, 所以此次培训就受到了广大学员的欢迎和好评。
(二) 改变传授方式
改变原有教学习惯, 有计划地向群众推荐一些喜闻乐见、通俗易懂的优秀文艺节目和精神食粮。辅导中的语言、示范等都尽量通俗简单化, 让群众觉得简单易懂, 能接受, 在玩乐中开展培训, 学习艺术, 让群众真正得到实惠, 享受到人类共同的文化成果。
(三) 提供展示平台, 培养文艺骨干
每年通过开展文化大院 (社区) 展演、广场舞比赛、搭建百姓大舞台等活动, 开展文艺演出活动。积极运用群众喜闻乐见的方式, 搭建群众便于参与的平台, 从中发掘和培养文艺骨干, 让群众在参与中受到鼓舞、受到教育, 充分展示新时期广大市民群众的艺术风采。
艺术教育培训的经验 第5篇
在1840年鸦片战争之前，中国是一个同欧洲文明区别很大的完整的文明系统，是东亚文明的策源地和中心。中国有着历史悠久的文化与艺术，并且基于不同的哲学、语言、生活方式，产生了不同于西方的美学理念和艺术样式。在鸦片战争之后，中国败给已经经历了工业革命和现代化的西方，从此开启了现代化的进程，开始了全面向西方的学习。100多年的现代化进程，导致了传统不断被抛弃和中断，中国的现代艺术进程也存在同样的问题与处境，尤其是发展了30多年的中国当代艺术体系，几乎完全建立在西方艺术界根据自己艺术史的发展脉络和标准进行的选择上，很多学习西方现实主义、波普艺术、消费社会的艳俗趣味，利用社会主义的政治与视觉遗产创作的艺术家在国际艺术界获得选择与认可，因而也在艺术市场上获得巨大的商业成功。这种状况带来了两个问题，一是很多中国艺术家由于这种成功的吸引，而不断复制这类创作模式；二是国际艺术界认为那些充斥着毛图像、红卫兵、恶俗消费趣味的作品，就是中国当代艺术的主体。而中国自己超过3000年的文明传统和独特的哲学与美学，却始终在中国现当代艺术的演进中缺席，并没有呈现出应有的价值。
中国社会现代性转变的整体困境在于，中国传统文化所崇尚的道法自然的大原则以及在所有行为中希冀留有余地与弹性的模糊控制模式，与现代西方社会强调规则、契约、秩序以及建立公共性之间的矛盾与冲突。中国自鸦片战争时期就开始了向西方的学习，艺术也毫无例外。艺术的当下发展，也正面临着传统文化艺术中所崇尚的回归自然、逃离现实的文人心态如何与当代艺术中强调的介入社会批判现实的公共诉求协调，并形成有效转换。自上世纪七十年代末兴起的中国当代艺术在30多年的历程中，也全面地学习了西方现代主义兴起以来的各种艺术流派，从1993年中国当代艺术家第一次参加威尼斯双年展，至今已整整20多年，很多中国当代艺术家已经可以非常娴熟地运用国际当代艺术流行的观念与语言表达中国的现实，也曾涌现出几位运用中国传统文化符号和器物，进行当代艺术创作，并在西方艺术界得到广泛认可的优秀艺术家，而真正去挖掘出中国传统文化的精髓与灵魂，通过当代艺术语言与观念的转换，来提供全新的表达方式和语言创新，已经是中国当代艺术界的共识和愿望。但一直以来，能够呈现出来的好作品似乎还不太多见，也就更没有机会被国际艺术界所了解和关注。
这个展览基于策展人多年的深入研究和调查，找到那些曾经被严重忽略的优秀艺术家。他们不愿意简单地拷贝西方的艺术流派和艺术样式，更愿意在自己的深厚文化传统中，寻找更有价值的理念和资源，进行转换和创作，希望贡献一些不同的价值和观点。“无常之常”这个展览正是希望把一些非常严肃的，真正具有深厚东方传统文化学养，不愿意随波逐流赶时髦和简单复制西方的中国当代艺术家近几年来在东方传统文化精髓与当代艺术表现之间进行链接和转换的尝试，呈现在国际艺术界的面前。他们卓有成效的工作，曾被很多中国艺术界炙手可热的市场明星所遮蔽，曾被按照西方现当代艺术史的发展脉络简单定义的本土流派所排斥在外。现在，我们希望世界性的艺术舞台上，将几年来发现并整合的一些优秀中国当代艺术家的创作，在国际艺术界的同仁们面前集中呈现出来，希望为充满着碰撞、刺激和张力的世界当代艺术领域，带来一些冷静、平和、清雅和意味深长的不同选择。
2013年威尼斯双年展期间，“无常之常”第一次在米歇尔宫完整呈现，受到很大的关注和好评，成为整个双年展期间被国际艺术界评价最高的关于中国当代艺术的展览。之后又受邀在意大利博洛尼亚最大的私人美术馆MAGI900展出，今年3月21日又与德国波恩艺术基金会合作，在波恩的弗雷德别墅艺术中心展出。这也是首次由中国批评家和策展人主动向西方艺术界阐释基于自身文化传统和当代现实的艺术创作与研究，而之前所有关于中国现当代艺术的选择与解释，都是由来自西方的批评家、策展人和收藏家所完成的。
艺术教育培训的经验 第6篇
2015年,依托北京市教委体卫科“北京市高校、社会力量参与小学体育美育发展”工作(以下简称“高参小”工作),北京联合大学与朝阳区7所小学牵手,借助北京联合大学师范学院心理学系的资源优势,黄胄艺术实验小学在心理健康课程体系中结合艺术小学的特点,针对性地开展 “儿童专注力培养”“儿童美食心理学”等特色心理课程。高校和小学开展深度合作、 共享资源,为增加心理健康教育的优良资源打通渠道,创造条件,切实将小学心理健康教育做实做全。
一、交流碰撞,共助小学生心理健康成长
小学阶段是个体心理发展的重要时期, 这一阶段的学生心理发展潜力巨大,可塑性强,变化快,如何抓住学生这一关键发展时期,促进学生健康成长,已成为黄胄艺术实验小学心理健康教育工作的难点和重点。
2015年3月初,北京联合大学心理学系的多位教师,开始在黄胄艺术实验小学开展调研活动,并与学校领导、教师进行座谈,对小学目前的心理健康课程现状和课程设计、实施进行交流讨论。经过双方的交流碰撞,高校和小学对双方的需求都有了充分的了解和认识,如何利用高校资源开展小学心理课程,成为双方共同的研究课题。小学教师对小学课堂有较好的掌控能力,了解小学生的语言和情况;高校教师比较了解小学生的心理发展特征,知道如何有针对性地开展活动和课程。为了更好地做到优势互补,在几次座谈中,双方教师建言献策,确定要在一年级的课程体系中开设心理课程实验班,针对学生中的常见问题,开展“儿童专注力培养”“儿童美食心理学”两门心理课,在授课方式上采用高校教师授课、本校科任教师助教的形式,不仅可以解决高校教师不熟悉小学课堂的情况,也有利于小学教师学习心理课程,并为心理健康教育学科的渗透打下良好基础。此外,为进一步保障教学效果,促进家校合作,在心理课程体系板块中还可以增加感恩教育、家长课堂、教师心理培训等系列心理健康教育活动。
二、深入课堂,用游戏和艺术让学生在玩中成长
作为刚入学的一年级学生,年龄偏小, 除了刚进入新环境所带来的适应问题,其年龄特点也决定学生活泼好动、自制力差、 注意力保持时间短的特征。结合这一特征, 学校开展以团体游戏为主的注意力培养课程。而且,小学生正值生理高速发展期和行为规范养成的关键期,健康、规律的饮食习惯对学生的身心发展同样至关重要。 北京联合大学师范学院心理学系带领其课程团队,结合小学生的生理和心理特点, 融合健康饮食知识,研发出“儿童专注力培养”“儿童美食心理学”特色课程。
1.专注力培养课程
“玩”是孩子成长的需要,而游戏能促进儿童感知觉的全面发展。如今,学生大多是独生子女,父母工作比较忙,客观上造成孩子和伙伴们一同游戏的时间少。专注力培养课程抓住孩子活泼好动的特点, 北京联合大学师范学院的教师采用游戏的形式,以注意力培养为主线,以注意力的不同维度为参考,结合思维、想象、记忆等方面,设计适合一年级儿童的心理游戏。
以“找不同”为例,对于简单的游戏, 在教师的引导下,可以变化出不同的玩法, 达到不同的训练效果:让学生在两幅黑白图片中找出彼此的不同点,训练学生视觉注意力的分配能力;引导学生自由发挥, 在图片的不同位置填色且不能出框,训练学生注意力的维持度,与此同时,锻炼手眼协调能力和对色彩的感知能力;引导学生根据图片内容进行角色扮演和想象,培养发散思维和想象能力……
在高校教师专业技术的指导下,各种适合一年级学生特点的小游戏经过再创造, 变为深受学生喜爱的心理游戏。为了符合黄胄艺术实验小学艺术校的定位和发展特色,在心理游戏设计中,融合绘画、歌唱、 表演等形式,让学生在一年级借助游戏获得心理成长,培养艺术感知力。
2.儿童美食心理学课程
食物往往能带给人们强烈的幸福感, 而对于儿童来说,种类繁杂、色彩鲜艳的美食往往具有无与伦比的吸引力。如何让学生形成正确的饮食习惯,无论从生理还是心理角度,都格外重要。儿童美食心理学课程,基于儿童发展和教育心理学理论、 语境行为主义的关系框架理论,以及心理健康教育理论和技术,将儿童的认知能力培养、社会情绪能力培养和饮食行为习惯培养融入饮食教育实践中。
课程以儿童健康的饮食内容和行为习惯入手,采用图片展示、编写歌谣、故事、 游戏等丰富多彩的形式,将儿童难以理解的知识转化为这一年龄特点学生所能接受的方式,让他们在各种活动中潜移默化地培养出良好的饮食观。同时,借助心理学技巧,减少学生在饮食方面出现挑食、偏食、不良饮食习惯等问题,将美食和情绪、 人际关系、感恩等与心理主题做关联,全面培养学生的良好身心素质。
2015年6月,参与“儿童美食心理学” 课程研究的师生以心理剧《我的活力早餐》 的形式,向“高参小”项目学校的领导、 教师和家长呈现出一场精彩演出,在获得教师、家长充分肯定的同时,该剧的排练过程对每位学生的心理成长也起到很大的作用。全班21位小学生全部上场参加,从个别学生怯场到舞台上的自由展现,从一句句读台词到流利对白,从组织站位混乱到正常表演有条不紊,儿童美食心理剧的排练不仅能提升学生对健康饮食的认知, 更能从适应力和自信心等方面提升学生的心理素质。
三、点面结合,全方位推广心理健康教育理念
如果说一年级开展的两门心理健康教育课程是黄胄艺术实验小学的“点”的话, 那么,这些课程和教师培训、家长沙龙以及学生专题讲座则共同构成该校心理健康教育的“面”。
学生心理健康教育不可能独立于学科教育和家庭教育,这就需要教师给予正确的引导和家长的贴心陪伴。同时,应针对不同年级具有的特殊性,开展主题不同的讲座课程。因此,黄胄艺术实验小学根据具体情况和需求,邀请北京联合大学教师, 开展针对不同受众和主题的全面的心理健康教育课程。
1.教师培训
针对小学教师工作压力大的现状,教师培训以舒缓教师工作压力为主,通过视频教学、穴位按摩、音乐放松、实践互动等丰富多彩、形式多样的方式,使教师掌握克服心理压力的有效方法,学会对焦情绪,评估强度。同时,引导教师用游戏的方式处理心理问题,用生动的形式告诉大家心理学也可以很好玩,让他们了解如何用心理学知识进行学科融合。
以彩泥为例,教师可以先将彩泥捏出自己心中的压抑形象,通过心理引导,逐步修补成为心中的美好形象。在动手操作的实践过程中,每名教师要多想想自己所拥有的,以提升自我幸福感;想想自己的不足,以此变成自己的成长动力。
对此,教师培训可以有效调整教师心理的不良情绪,激发他们对美好生活的向往,同时对困难和压力也形成较为明确的认识与理解,对新学期更好地为学生服务及开展好各项教育教学工作,起到很好的调节与铺垫作用。
2.家长沙龙
黄胄艺术实验小学家长协会自成立以来,一直深受学生家长的欢迎。本学期, 为了全面开展小学生心理健康教育工作, 家长协会增添家长心理沙龙活动,邀请北京联合大学师范学院教师,针对家长感兴趣的问题进行讲解和解答。
同时,家长沙龙以讨论的形式,以时下热门的电视剧《虎妈猫爸》为例,剖析当前家庭中常见的亲子教养问题,用家长最熟悉的方式引入,逐渐引导他们如何更好地与孩子沟通,了解孩子的行为,陪伴孩子,与学校一同促进孩子的心理成长。
3.主题讲座
针对不同年级的特点,黄胄艺术实验小学针对性地开展一些心理团体类活动。以六年级学生为例,在毕业前开展“感恩母校”“适应新环境”等心理讲座,通过团体活动和专题讲座对学生进行心理健康教育。
四、新常态与新探索
黄胄艺术实验小学自开展心理健康课程以来,已初见成效,但心理健康教育非一日之功,需要学校将心理课程常态化、 系统化。其中,不仅是心理课程的系统化, 同时也应让心理健康教育体系系统化,让学生、教师和家长都可以参与心理健康教育工作。同时,我们也将进一步探索学校心理健康教育的新形式和新方法。
2014—2015学年,黄胄艺术实验小学已经和北京联合大学师范学院合作,编写心理健康类课程校本教材3本,在下学期的课程中,学校不仅会在课程设计上寻求创新与超越,同时会将课程和学生成长、 教师发展挂钩,开展相应教科研活动。
在课程设计方面,基于现有的师资和课程内容,应对高校及小学教师开展相关培训,邀请中小学名校长、名师以及心理学专家,为小学心理教师授课增添新的灵感。同时,采用微课等形式,拓宽教师间的课程交流模式和方法,帮助教师提高授课能力。最后,创新心理健康课程授课模式,可以设计亲子游戏手册或开展校园亲子活动等,拓宽家长对心理健康教育的认识,让家长参与心理健康课程的建设,加强家校合作。
在教科研方面,黄胄艺术实验小学和北京联合大学联手北京大学心理学系,将共同以心理健康为主题,开展适应于小学生心理发展特点的教科研工作,通过专家论证、大数据分析和论文撰写等形式,对小学心理健康类课程的开展实效进行跟踪调查,科学化地论证课程对学生发展的实效。
杜威经验艺术观的哲学基础 第7篇
在杜威之前, 大多数哲学家和美学家都将艺术看做是人类特有的, 独立于生活的独特领域。从康德的判断力批判到黑格尔的绝对理念, 艺术在其中所充当的都是非功利的脱离于生活的东西。虽然它不及哲学的地位高, 但仍旧是一种审美理想, 远高于平常的生活, 具有通向绝对理念, 通向自在之物的能力和功效。
杜威的美学正是针对当时的艺术现实, 通过自己深邃的洞察, 提出“绕道而行”的方法:“为了理解艺术产品的意义, 我们不得不暂时忘记它们, 将它们放在一边, 而求助于我们一般不看成是从属于审美的普通的力量与经验的条件。我们必须绕道而行, 以达到一种艺术理论”[3]杜威“绕道而行”的目的是要扭转这种艺术隔离于日常生活的美学思潮, 重新构建一个具有实际意义的, 面向全民的新美学。
为了解决这个问题, 杜威进行哲学、心理学和科学多方面的准备。众所周知, 艺术与生活有相当大的差距, 围绕着艺术与生活到底是何关系这个主题, 杜威面临着一系列问题需要解决:
一、反对艺术与生活割裂论, 必须找出理由来证伪, 改变这种理念, 需要从哲学上来进行改变。
二、在否定艺术与生活割裂之后, 艺术与生活的关系又在何处?如何来解释艺术与生活形式上近乎天壤之别的差异?
三、以经验为中心的美学, 如何说明审美问题?经验与审美经验的区别在什么地方?艺术品与审美经验又是什么关系?
如此等等。实际上杜威要承担的是一个伟大的工程, 即要推翻从前人们对艺术与生活的认知模式, 将康德以来根深蒂固的超越生活的无功利美学拉回到日常生活中, 将它与那些鸡毛蒜皮和露压神仙。
若忽略题目, 这似乎是首寻常咏牡丹的七言绝句, 但把诗题与诗歌内容联系起来, 我们很容易理解, 女诗人不过以牡丹花期巧妙设喻, 婉言拒绝了一位陌生少年的追求。理由简洁明了:只因时候未到, 无法即刻接受你的爱意。唐代妇女在宽松的世风下, 个体意识也获得了萌发的机会, 她们对自己的社会角色和价值有了朦胧的认识, 因此, 她们的爱情选择, 已然包括了可以对异性说“不”的可能。
中国传统意义的爱情诗, 其间虽然也出现不少书写爱情欢乐和幸福的作品, 但就总体气质而言是忧郁感伤的, 沉淀着悲怨情绪。因此, 在唐代妇女的同类创作中, 出现试图突破礼教束缚, 的事建立起联系, 破除艺术神圣的外纱。当然, 这一神圣的消除并非是否定艺术, 而是在更广泛的意义上传播艺术, 生产让大众接受的艺术。更重要的是, 推倒了古典哲学框囿内的美学, 就需要建立一个新的有哲学根基的美学。这种能够与生活建立联系的新美学应该解释清楚审美意识, 解释清楚艺术的来源, 解释清楚形式与内容之间的关系, 解释清楚与艺术相关的诸多问题。很显然, 这是一个庞杂的问题群, 杜威的《艺术即经验》正是围绕着这些问题, 进行了详细的一一的解释。
在《艺术即经验》中杜威首先针对当时出现的艺术品与生活分裂这一现象提出反对。“在一般观念中, 艺术品常被等同于存在于人的经验之外的建筑、书籍、绘画或塑像。由于实际的艺术品是这些产品运用的经验并处于经验之中才能达到的东西, 其结果并不容易为人们所理解。除此之外, 这些产品中一部分的完善本身, 它们由于拥有无可争议地受赞赏的长久历史而具有的特权, 形成了一个阻碍新鲜洞察的成见。一旦某件艺术产品获得经典的地位, 它就或多或少地与它的产生所依赖的人的状况, 以及它在实际生活经验中所产生的对人的作用分离开来。”[4]进而, 其分析当时艺术深居于博物馆和画廊等特定地方这一现象, 指出博物馆的出现, 是民族主义与帝国主义兴起的纪念馆, 并将资本主义的发展与艺术神化联系起来。在对这些关系的理清中, 杜威无非想告诉我们, 将艺术放进神龛之上对之加以高尚化, 并非是艺术本身就具有的特质, 而是历史赋予它的对自身来源的扭曲。
他无不担心地提到艺术的走向问题。他认为艺术作品越是与生活紧密相关, 越能获得生命力, 也才能真正发挥作为艺术的巨大作用。“当所选择与区分出来的物品与一般行业的产品具有紧密联系之时, 也正是对前者的欣赏最为通行和最为强烈之时。而当这些物体高高在上, 被有教养者承认为美的艺术品之时, 人民大众就觉得它苍白无力, 他们出于审美饥渴就会去寻找便宜而粗俗的物品。”[5]在某种程度上, 或许正是这种现象引起杜威的忧虑, 才让他能够更深地思考, 最后形成自己的美学观。
杜威在列举了一些说明现在所谓的艺术品其实在曾经是与大众生活密切相关的例子之后, 明确提出艺术与经验, 与生活关系紧密的观点。他指出当时众多艺术理论的问题所在, 并提出一种新的艺术观念的可能:“我感到, 现有理论的问题在于它们开始于一种现成的分区化的状况, 或从一种出于与具体的经验对象联系而使之精神化’的艺术观念出发。然而取代这种精神化的并非是美的艺术作品的退化或庸俗的物质化, 而是一种揭示这些作品使在普遍经验中所发现的性质理想化的观念。一种从美的艺术与普遍经验间已发现性质的联系出发的关于美的艺术的观念, 将能够显示有助于从一般人类活动向具有艺术价值的事物的正常发展的因素与动力。它也将能够指出限制正常增长的条件。”[6]
在这一基础上, 杜威开始进入他对审美经验来源的分析。正如袁义江等所认为的那样“达尔文关于进化是在自然选择和斗争
追求恋爱自由, 谴责男子薄情负心, 要求爱情专一的话语声, 就弥足珍贵。即使这样的话语声无法从根本上改变情歌中一贯的情感基调, 更无法就此证明当时的妇女已经达到意识上的完全觉醒、获得了权利上的自主, 却依然堪称古代妇女爱情诗苑中的奇葩。
注释:
[1]李小江.女性审美意识探微[M].郑州:河南人民出版社, 1989.[2][3]【清】彭定求等编.全唐诗[M].上海:上海古籍出版社, 1986.作者简介:
韦依娜, 广西工学院艺术与设计系讲师。
中产生的观点影响了杜威, 使他认为, 思想是生物企图同它的环境相适应的原始努力演进的结果。同时达尔文学说是杜威解释人的活动和社会现象的起点, 即是说, 他认为人的一切, 社会的一切都发端于有机体对环境相作用的整体经验。”[7]杜威整个美学的根基都建立在近代自然科学基础之上。他通过“刺激反应”学说, 详细地论述了经验的产生形成。并将这种经验作为谈论美学的基础。
他从美来自于协调这一基本又长久的审美意识出发, 将协调和秩序作为美的一个特征。以此为潜在的前提, 他进行了生物学上的论述:“每一个需要都是一种至少是暂时缺乏与周围环境足够谐调的表现。但这也是一种要求, 一种深入到环境之中, 补偿缺乏, 通过建构至少是暂时的均衡来恢复谐调。生活本身是由这样一些阶段组成, 有机体与周围事物的同步性失去又再次恢复或者通过努力, 或者通过幸运的偶然。并且, 在一个生长着的生命中, 这种恢复绝不仅仅是回到先前状态, 它在成功地经历了差异与抵制状态之后, 使生命本身得到了丰富。当一个暂时的冲突成为朝向有机体与其生存环境之间的更为广泛的平衡过渡时, 生命就发展。这些生物学的常识具有超出其自身的内涵;它们触及到经验中审美性的根源。”[8]这里杜威的意思是说这种谐调本身是人类审美意识的来源。在接下来的分析中, 他将生物这种对自我需求满足的不断积累, 看成是出现有节奏平衡与和谐的基础。而均衡与和谐的实现, 就是形式出现的时候, 秩序也就伴随出现了。“秩序只有在一个常受无秩序威胁的世界 (在这个世界中, 活的生物仅仅在利用其自身周围存在的秩序, 并将这种秩序结合进自身之内) 中, 才能受到赞赏。在像我们这样的一个世界之中, 每一个获得感受性的活的生物, 每当它发现周围存在着一个适合的秩序时, 都带着一种和谐的感情对这种秩序作出反应。只有当一个有机体在与它的环境分享有秩序的关系之时, 才能保持一种对生命至关重要的稳定性。并且, 只有这种分享出现在一段分裂与冲突之后, 它才在自身之中具有类似于审美的巅峰经验的萌芽。”[9]
杜威通过对秩序所带来的活的生物的和谐反应, 找到了人审美意识的基础。在这里, 他将人与活的生物相等同, 利用一种具有人类意识的心理学描述, 通过对活的生物的心理推理 (此是针对杜威认为有感受性的活的生物都会拥有对秩序的和谐反应而言的) 建立起了审美意识根源与活的生物的反应之间的联系。
在此, 杜威已经基本上给出了审美意识来自于人类生活这一问题的答案。在近代自然科学和心理学的帮助下, 杜威构建起了其美学的第一块基石“活的生物”。接下来的问题是, 如果说审美可以这样简单地获得, 艺术作品也就与实际中生活点滴没有任何区别, 那么艺术与美学就失去了独立出来的理由, 同时基本的现实告诉我们, 将日常生活中任意的经验看成是艺术这一观点是绝对站不住脚跟的。杜威接下来要解决的问题是, 如何才能区分普通经验和审美经验?
实际上, 杜威在讨论活的生物如何适应环境的时候, 已经接触到“经验”一词。应该说“经验”是杜威讨论美学的最基础概念之一。甚至活的生物与外界的适应, 对外界的需求和对满足需求的行动, 都可以概括进“经验”一词中。按照杜威的观点, 经验“就是经验的过程。人的经验浸透了人的情感、价值和理性, 承载着意义’。未加区分和反思的原初经验才是经验的真实状态。它是人作为活的生物’与环境之间所发生的相互作用, 其中既包括人作用于环境的做’, 也包括因环境作用于人而产生的受’。这种经验既非完全主观, 也非纯粹客观。”[10]按照杜威自己的话说, “ (经验) 不是表示封闭在个人自己的感受与感觉之中, 而是表示积极而活跃的与世界的交流;其极致是表示自我与客体和事件的世界的完全相互渗透。”[11]从这些论述中我们可以发现, 杜威的经验与从前经验主义的经验相比发生了巨大的变化。经验主义中的经验指的是人认识事物的一种方式, 它潜在的对手是理性。同时它仍旧是站在二元分离的哲学基础之上建立起来的, 强调人对经验的认知。而杜威的“经验”却不同, 他要求主客统一, 认为经验就是人与环境交流过程中的“受”与“做”。更重要的是, 他从这种“受”与“做”之中强调了感情, 强调了达到平衡所引起的情绪, 从而建立起了与审美意识的关系。
接下来杜威要解决的就是如何区分现实生活中的一般经验与审美经验的问题。他必须回答清楚, 审美经验从一般经验中来, 为何又与一般经验不同。实际上就是要在都是经验的基础找出两种经验的不同, 并确定审美经验的独特性。
为此, 杜威提出了“一个经验”的概念, 并以“一个经验”为中心, 阐释审美出现的原因。“一个经验”与一般的经验不同, 虽然所有经验都是活的生物与环境条件的相互作用, 但是普通的经验不能和“一个经验”相等同。什么是“一个经验”呢?“我们在所经验到的物质走完其历程而达到完满时, 就拥有了一个经验。这一个经验是一个整体, 其中带着它自身的个性化的性质以及自我满足。这是一个经验”[12]“在这样的经验中, 每个相继的部分都自由地流动到后续的部分, 其间没有缝隙, 没有未填的空白。与此同时, 又不以牺牲个部分的自我确证为代价在一个经验中, 流动是从某物到某物。由于一部分导致另一部分, 也由于这一部分是跟在此前的一部分之后, 每一部分都自身获得一种独特性。持续的整体由于其相连的、强调其多种色彩的极端而被多样化。由于不断的融合, 当我们拥有一个经验之时, 中间没有空洞, 没有机械的结合, 没有死点。存在着休止, 存在着静止之处, 但这只是在强调和限定运动的性质。在一个经验发生以后在头脑中温习它之时, 我们也许会发现一种, 而不是另一种特性充分占据着统治地位, 因而可以用它来表示作为一个整体的该经验。”[13]
很明显, 通过“一个经验”的阐释, 杜威对普通经验和高雅艺术的差异巨大给出了较为清晰的回答。杜威正是在这个概念的基础上建立起了艺术与生活的联系。正如其在《艺术即经验》一书中所说的:“总之, 艺术以其形式所结合的正是做与受, 即能量的出与进的关系, 这使得一个经验成为一个经验。由于去除了所有对行动与接受的因素间相互组织不起作用的一切, 也由于仅仅选择了对它们间相互渗透起作用的方面和特征, 其产品才成为审美的艺术作品。”[14]这里虽然是在强调经验要成为一个艺术品所需要达到的某些要求, 但是其前提已经给定, 即是说明了艺术与生活具有不可分割的联系。针对于其他那些认为艺术与生活, 艺术与一般经验绝对分离的学说, 杜威予以否定。对于他来说, 任何悬空的美学思想都只是形而上学的幻想。
高建平在《从自然王国走向艺术王国读杜威美学》一文中更清晰地列举出杜威在恢复艺术与非艺术之间连续性上所做出的努力。“在美学上, 杜威谈得更多的是恢复艺术与非艺术之间的连续性。这种恢复包括几个层次:第一是艺术品的经验与日常生活经验之间的连续性。第二个层次是高雅艺术与通俗艺术之间的连续性。第三个层次是美的艺术与实用的或技术的艺术之间的连续性。上面的这些论述显示出, 杜威努力要建立一种回到日常生活的艺术理论。他提出, 为了理解艺术产品的意义, 我们不得不暂时忘记它们, 将它们放在一边, 而求助于我们一般不看成是从属于审美的普通的力量与经验的条件。我们必须绕道而行, 以达到一种艺术理论’。”[15]
通过以上一个“绕道而行”的努力, 杜威撇开对艺术品的讨论, 利用自然科学与心理学分析, 为艺术来自经验奠定了哲学基础。其实这种艺术观的建立, 与杜威的实用主义密切相关。在很大程度上, 杜威之所以要建立这样的艺术观, 就是要将艺术与大众结合, 进而改造社会。他在《哲学的改造》末尾这样描述自己的愿望:“当能力的解放不复对于组织和既成制度像是一种威胁 (实际上虽属不能避免而对于过去的最宝贵的价值的保存却仍是威胁着的一种东西) , 而成了一个社会的创造力而作用着的时候, 艺术不会是奢侈品, 或与日常生计无关的附赘, 经济上所谓谋生将与谋求值得活的生活同为一义。当交换意见, 共同生活和共同经验的情绪的力量, 或可说神秘力量, 自然而然地被感觉出来的时候, 现代生活的残忍粗鄙将被沉浸于从未照临过这个世界的光明里。”[16]到此为止, 杜威艺术观就较为稳固地建立在了他实用主义的哲学基础之上。
注释:
[1]从自然王国走向艺术王国读杜威美学[J]高建平
[2]见舒斯特曼, “实用主义, 杜威”, 转引自艺术即经验[M]中译本译者前言P3高建平译商务印书馆2005
[3][4][5][6][8][9][11][12][13][14]艺术即经验[M]P2 P1 P4 P10 P13P14 P59 P35 P3839 P51杜威著高建平译商务印书馆2005
[7]论杜威的实用主义美学及其哲学渊源[J]袁义江赵美夫[10]论杜威的实用主义美学的经验转向[J]陈后亮
[15]从自然王国走向艺术王国读杜威美学[J]高建平[16]P125哲学的改造[M]杜威著商务印书馆2004
摘要：在分析美学开始衰落, 新实用主义美学日益壮大的今天, 杜威美学几经沉浮之后开始受到普遍的重视。杜威在《艺术即经验》中用独特的实用主义观来看待美学问题, 从全然不同于康德、黑格尔以及之后一些欧陆哲学家的角度讨论艺术问题。用舒斯特曼的话说:在英美美学传统中, 没有一本书在涉及范围的广泛, 论述细致和激情有力方面可与《艺术即经验》相比。本文对杜威的经验主义艺术观进行介绍, 重新梳理杜威经验主义艺术观的哲学基础, 并在此基础上进行批判, 提出值得思考的一些问题。
关键词：杜威,艺术,经验
参考文献
[1]从自然王国走向艺术王国——读杜威美学[J]高建平
[2]见舒斯特曼, “实用主义, 杜威”, 转引自艺术即经验[M]中译本译者前言P3高建平译商务印书馆2005
[3][4][5][6][8][9][11][12][13][14]艺术即经验[M]P2P1P4P10P13P14P59P35P38—39P51杜威著高建平译商务印书馆2005
[7]论杜威的实用主义美学及其哲学渊源[J]袁义江赵美夫
[10]论杜威的实用主义美学的经验转向[J]陈后亮
[15]从自然王国走向艺术王国—读杜威美学[J]高建平
艺术教育培训的经验 第8篇
一、现代体育教学的经验层次教育理论
按辞海的解释, 经验泛指由实践得来的知识或技能, 也指由历史证明了的结论。经验通常是指感性经验, 即人们在实践过程中, 通过眼、耳、鼻、舌、身等肉体感官直接接触客观外界而获得的、对各种事物的表现现象的初步认识。历史上, 不少思想家对经验及其意义作了充分的阐释, 而经验主义哲学家更是把经验的作用推崇到无以复加的地步。关于经验的作用, 可以引用的名言有“经验是知识的唯一来源” (洛克) 、“经验是一切可靠知识的母亲” (达芬奇) 、“教育即经验的不断改造” (杜威) , 等。
体育教学的经验层次, 是指体育教师在开展体育教学时所依据的基础主要是教师自身的经验, 其中包括体育参与经验、认识经验以及自身接受体育教育的经验等等。从哲学观的角度看, 经验层次的体育教学属于一种机械主义。处在这一层次的体育教师通常把教学视为一种“操作性活动”, 一种按照既定的程序和已有的经验进行的简单重复性活动, 其教学决策的形成往往来自于传统、例行、习惯, 有时甚至是一种直觉反应, 而很少有理性的思考。在体育教学的经验层次, 体育教师重点在于传授运动技能和技术。
经验层次的体育教师很大程度上是凭着经验在进行教学, 很多未受过系统体育教育专业训练的体育教师的教学往往就局限于这一层次。这一层次的教师对体育教育问题的思维方式多是对问题情境的一种直觉综合, 较少进入到抽象或反思理性层面的探究, 不仅使得体育教师对自身原本残缺的具体经验进行必要的思辨、反思和深度认识, 不少教师对体育教学只是知其然, 不问所以然, 体育教学完全被当作了一种具体操作、一种单纯的身体活动, 以为可以通过由外到内的训练、模仿或熟能生巧来完成。不少教师的经验还存在重复性。同样的内容教的次数多了, 时间久了, 有人就会于有意无意之间形成许多带有个人认知特点与行为习惯的教学经验。这些经验使我们在处于类似教学情境时通常不再重新审视情境本身的具体特点, 就直接照搬过去的“成功经验”去解决所面临的问题, 因为成功的经验可能使人避免花费许多不必要的时间和精力。
二、现代体育教学的科学层次教育理论
尽管什么是“科学”至今尚无统一说法, 但若干有代表性的界定共同反映了科学具有的知识体系反映了自然、社会、思维等事物的客观规律和本质特性; (1) 是一种由概念 (范畴) 和定律 (含定理) 相互联系组成的理论知识体系; (2) 这一理论知识体系反映了自然、社会、思维等事物的客观规律和本质特性; (3) 是一种认识、生产或创造知识的活动过程; (4) 是一种发现并实证事物本质特性及规律的方法; (5) 是人类社会独有的精神活动和意识形态之一, 是构成人们的信仰和世界观的源泉。简言之, 科学具有理论系统性、客观规律性、认识创造性、方法实证性、人文精神性等特征。对前四种特征一言概之, 即所谓“科学”是指被实证了的反应客观规律 (事物内外部相对稳定的逻辑关系) 的理论体系, 所谓“科学研究可以说很大程度上是在寻求规律’这种不变的东西’, 寻求变化之中不变的东西”。因而, 教育满足科学的条件便是按照教育教学的普遍规律、教育教学定律来组织教学。
从哲学观的角度看, 科学层次的体育教学主要基于科学主义。关于“科学主义”的含义, 《韦伯斯特新国际英语词典》中是这样界定的:“一种主张自然科学的方法应该推广应用到包括哲学、社会科学和人文学科在内的所有领域的观点, 是一种坚信只有这些方法才能有效用来获取知识的信念。”在体育教学的科学层次, 体育教师重点在于教健身方法。处在科学层次的体育教师知道采用多元化的教学方式以满足教学的需要, 不是单纯的技能授受, 而是通过技能学习传授科学的健身方法, 所谓“授人以鱼不如授人以渔”。科学层次的体育教学奠基于系统的教育科学和体育科学基础之上, 然而却往往缺乏对学生主体性和教学人文价值的体现。教育是以作为“人”的学生为主体的, 这一主体有四大特征:能动性 (发挥情意因素的动力作用) 、独立性 (人的成长与内化是任何人都难以代替的, 必须独立完成) 、创造性 (参与教学, 在沟通与交往中获得的任何学习成果都是一种创造性劳动) 、基础性 (为自身一生的生存、做人、学习、发展奠定良好的基础) , 这一特征是倡导“求同”的“科学”无法全部涵盖的。从某种意义上可以认为, 体育的过程是以科学为基础的, 例如其中必不可少的身体、能量、时间、速度、高度等概念, 但体育的结果和终极价值却是人文的, 如三维健康、坚强意志、完善品格、独特个性等, 体育教学如果局限于科学层次就无法实现科学与人文的有机统一。
三、现代体育教学的艺术层次教育理论
超越体育教学的科学层次, 并进入体育教学的最高层次体育教学的艺术层次, 就像经历过严格科学训练的舞蹈家的表现境界, 经历过严格楷书训练的书法家的草书境界。科学求同, 人文求异, “科学人文, 交融生绿’”, 艺术正是对两者的超越与整合。艺术层次的教学从哲学观的角度看是建构于科学人文主义之上的。
对教师而言, 在科学层次居于核心位置的各种教师规范和规定如师德规范、学历标准、岗位责任已经内化为教师的良心与良知, 从高悬堂上的教条转化为隐藏于内心的主体意识活动也是科学层次向艺术层次过渡的特征之一。艺术层次的教学是基于一定的文化逻辑、独特的个人理论和特定的教学情景的。如果就教学来说区分经验层次与科学层次的标志是对于教育科学的观念的把握程度, 那么区分科学层次与艺术层次的标志则为情感与智慧。对于艺术层次的教学而言, 现代化的教学环境与设备并不是必要条件, 历史的长河中已经积累了大量的教学智慧, 例如, “先秦的教育和教学并无严格意义上的教师专业化, 但融于哲学乃至伦理学之中的教育思想之中、传承启迪创生文化的教育之中也创生了教育和教学的体验文化的智慧, 苦如行不言之教的智慧与从心所欲不逾矩的智慧就都堪称是大智慧”。
“教学艺术是使用富有审美价值的特殊的认识记忆进行的创造性教学活动”, 教学本是富有创造性的活动, 关于教学的学习与研究应该是批判性的、整合性的, 也是体验性的和个性化的。这需要教师主动地用智慧来驾驭知识、明辨经验, 在解决各种认知冲突过程中实现整合、完成构建, 惟其如此, 才能真正获取有积极意义的个性化的实践模式。如果说科学层次的体育教学是可以模仿和再现的话, 艺术层次的体育教学则只能体验和感染。经验层次的体育教学虽然常常也是个性化的, 但由于缺乏必要的科学基础, 往往会违背学生的身心发展规律和体育教学规律而行, 艺术层次的体育教学所表现的个性化是对那种朴素经验的否定之否定。从这一角度看, 体育教学无论是内容安排、方法选择还是组织形式都像人。你不认识他, 他就是个人, 从科学的角度看是一个“生物”的人, 都有皮毛骨肉血, 大不了是个长相特殊的人, 但是当你认识他之后, 他则由陌生人成为你的朋友, 成为一个活生生的、有爱有恨的、令你了解与同情的“有情人”, 只有到这个程度教学“交往”才能真正发生发展。教师应该让教育教学焕发生命的活力与价值。正如人本主义心理学家库姆斯 (Comes, A) 所言:好教师的教学决不是千篇一律地遵循着什么既定规则的, 他们都有自己的“个性”, 并在教学中体现出来;好教师在教学中会注重“具体的”、“特定的”情境, 不可能以“既定的方法”行动, 教师应当是“艺术家”。课堂教学对教师而言, 不只是为学生成长所作的付出, 不只是别人交付任务的完成, 它同时也是教师生命价值和自身发展的体现。课堂教学要充分张扬教师、学生的教学个性。教学要有统一的要求, 但无须也不该要统一的方法。教师要有统一的规矩, 但无须也不该要统一的个性。教育的最高境界应该是教无定法, 学无定法。
总的来说, 正如艺术无极限, 教学也是无极限的。现代世界中, 没有任何可靠的不变的固定模式, 面对迅速变化的外部世界, 教师作为一个有缺点、有矛盾、会反思的学习者, 如果要想使其教学工作是合理、合适的, 他必须自觉、主动地参与学习, 认真审视和反思现有的教育观念, 探寻发展, 积极获取新技能, 才可能真正实现与时俱进。体育不仅是一种针对身体的教育, 更是一种通过身体的教育。总之, 新课程背景下的体育教师不仅是实践者, 而且是研究者, 不仅会教, 而且有自己的教育追求和风格, 能工巧匠式的教师要实现向专家型学者型教师迈进。
参考文献
[1]毛晋平.论传统文化模式对教师教育观念的影响.湖南师范大学教育科学学报.
[2]杨启亮.体验智慧:教师专业化成长的一种境界.江西教育科研, 2003 (10) .
艺术教育培训的经验 第9篇
1 宾西法尼亚大学校园公共艺术建设概况
宾西法尼亚大学 (University of Pennsylvania) 位于美国费城, 建于1740年, 是美国历史第四悠久的高等教育机构, 常青藤盟校之一, 也是美国著名的私立研究型大学。在校园文化建设方面, 除了苍翠的树木和历史悠久的巍峨建筑外, 宾西法尼亚大学最醒目的就是遍布校园各处的公共艺术。这些作品形态各异, 尺度不一, 题材涵盖广泛, 其中不乏大师名作, 图书馆、传播学院等处的室内建筑装饰浮雕也进一步丰富了大学校园的视觉观感与艺术含量。特别值得注意的是, 宾西法尼亚大学 (以下简称宾校) 官网上详细标注了超过70件公共艺术作品中每一件的尺度、位置和作者等详细信息, 体现出重视校园公共艺术建设已经深深植入学校办学思想。这种重视程度是当前国内任何一所大学都难以企及的, 学生每天与大量高艺术水准的作品朝夕相处, 对艺术品位和情操修养的培养都会产生非常积极的作用。除了宏观层面学校决策层的高度重视外, 具体到个案和细节方面, 宾校校园公共艺术建设有以下三点经验特别值得国内大学学习借鉴。
2 传承历史文化不拘形式
宾校校园中属该校创始人———著名科学家本杰明·富兰克林 (Benjamin Franklin) 的塑像为多。最著名的一尊当属雕塑家波伊尔 (John H.Boyle) 创作于1899年的富兰克林坐姿像, 该像1939年从费城市区迁至宾校范·贝尔特 (Van Pelt) 图书馆正门前。雕像手法传统、写实、传神, 并用高达3.4 m的多层基座架高, 布置于甬道中央位置, 充分表现出庄严、肃穆的氛围[1]。同时, 校园内还有多座富兰克林不同年龄段、不同姿态的青铜像, 有的甚至与座椅结合在一起, 直接介入大学生学习生活环境。这些青铜像代表着宾校校园雕塑中的传统部分, 反映着校园悠久的历史。虽然目前国内很多名牌大学也拥有创始人或知名校友的雕像, 但无论是在形式的丰富多样还是与学生的密切程度上都与宾校有很大差距 (见图1, 图2) 。
进入20世纪80年代后, 宾校顺应时代潮流和大学生审美观的变化, 引入美国国家艺术基金会 (NEA) 的资金和先进运作机制, 邀请波普主义代表人物克里斯·奥登博格 (Claes Oldenburg) 与妻子布鲁根, 在距富兰克林坐姿像仅有20 m左右处设置了一尊别出心裁的作品以纪念富兰克林。这就是宾校校园内最知名的作品之一———《裂开的纽扣》 (Split Button) 。奥登博格从20世纪70年代以来在世界范围内以复制现成品至空前尺度闻名, 代表作有费城的《晾衣夹》、威尼斯的《刀船》等。虽然奥登博格只提到是在踏勘地形后, 布鲁根提出选择以纽扣为主题, 而没有刻意强调作品与富兰克林的关系。不过奥登博格夫妇在选题时一贯重视物理与人文环境, 他们多次强调:“当我们接受了委托, 我们会去考察地点, 并了解那里的物理和建筑的特征, 以及文化和历史的事迹, 找到一些联系。这种预备工作非常重要, 能够驱使我们在自己私有的‘图像档案’中搜寻记忆, 寻找到适合那个场所的图像[2]。”因此, 纽扣的选题显然还是与远处的富兰克林像遥相对应, 仿佛是富兰克林大衣上掉落的一枚纽扣, 建立了两件作品间的无形关联。这种幽默诙谐的手法通过“润物细无声”的途径向年轻一代学子传递着宾校久远的文化和学校创建者的丰功伟绩, 在当前的时代背景下可能比传统的青铜像具有更显著的文化传承功能 (见图3) 。
3 艺术建设注重幽默氛围与功能提供
相比国内很多大学校园雕塑布置于高大基座之上的做法, 以宾校为代表的欧美大学校园公共艺术高度重视艺术作品以喜闻乐见的方式, 通过提供具体功能“无缝”融入大学生的学习、休闲活动之中, 从而起到活跃环境气氛的作用。比如在《裂开的纽扣》具体创作中, 由于纽扣算不上形态富于美感的现成品, 也很难提供具体功能, 奥登博格选择在纽扣黄金分割的位置进行弯折处理, 使其形态更富于变化, 如他所言实现了一种“独一无二的形态”。当然这也契合了晚年富兰克林体态较胖曾撑裂纽扣的这样一个趣闻。弯折后作品边缘1.2 m的离地高度适合攀爬, 4.9 m的直径也适合多名学生休息。作者基于人体工程学的角度考虑, 为作品选择了铸铝材质, 铝导热性弱于钢, 人体接触后不会感到过冷或过热。作品涂以醒目的白色, 在古色古香的宾校校园中格外醒目, 不但通过幽默与戏谑营造了一种后现代的活泼氛围, 也为年轻学子们提供了休息、合影的最佳场所, 有效缓解繁重学业带来的压力, 自然受到学生们的喜爱。除此之外, 由极少主义代表人物托尼·史密斯 (Tony Smith) 设计的《迷失》采取了多面体的几何造型, 在实现艺术主旨之外, 也为学生提供了充足的休息空间。年轻学子在公共艺术品上或躺或卧, 或阅读或嬉戏, 非但没有任何慵懒和耽误学业之虞, 反而使学生对校园环境更有归属感和亲近感, 提高了学习效率。
4 推行素质教育注重跨文化心理暗示
除了文化传承、幽默氛围渲染和具体功能提供之外, 宾校校园公共艺术建设还注重与专业建设和学生职业道德培养紧密结合, 并积极探索科学的、具有跨文化特点的表现方式。其代表作就是令人印象深刻的大型抽象作品———美国构成风格艺术家亚历山大·利伯曼 (Alexander Liberman) 的《盟约》。《盟约》的英文Covenant意为协议、协定或盖印合同, 既有法律上的契约条款之意, 也有宗教上的誓约之意。宾校创立之初就是要培养生意与政治上的实用人才, 目前也是在商学、法学等学科的培养上具有领先地位, 美国股神沃伦·巴菲特 (Warren E.Buffett) 就是宾大校友之一, 因此这一主题可谓牢牢抓住了宾西法尼亚大学的校园文化精髓。在如何表现这一主题上, 利伯曼对他惯用的斜切管材进行了简化, 改以只有少量切面的红色圆柱为基本造型元素。五根长度不一的粗大圆柱相互倚靠、穿插, 不完全对称但高度均衡, 形成一种坚实、稳重、有力的视觉观感。更有科技含量的是, 这样一座13.7 m高的大尺度作品, 横跨大学宿舍区的交通主轴线———洛克斯步道 (Locust Walk) 布置, 以其自身的大尺度与交通流线交汇, 从其身下经过的学子不难感受到巨大体积带给心灵上的震撼与压迫。这种感觉从美学角度可以解释为崇高, 崇高的本质是真与善、形式与内容的激烈矛盾冲突的不和谐性, 既存在于客体对象本身, 也存在于人的实践中对理想的追求。崇高单凭视觉感官是无法立即感受到的, 必须由审美主体结合伦理内容, 通过理智与情感的紧张探索才能领会。因此, 经过该作品的学子将自身感受与作品名称和商学、法学专业特点结合, 就会在心中烙印下责任、承诺和法律不可撼动的地位, 并将这种职业道德带入自己今后的职业生涯中。这种通过公共艺术建设推进职业道德教育的方式, 建立在环境行为心理学、美学基础上, 基本不受教育、文化等因素的影响, 对来自任何国家和地区的学生都能发挥相近的效应。这虽然与宾校“把自己定位成一个国际化的研究机构……以吸引更多的具有国际兴趣的留学生和国内学生[3]”的战略定位有关。但相比国内部分院校单纯利用人物形象和文字说教的方式, 显然具有更好的效果 (见图4) 。
5 结语
宾西法尼亚大学校园公共艺术建设既重视传统又不拘泥于形式, 紧紧抓住年轻人心理特征, 在设计过程中综合运用人体工程学、心理学等领域最新研究成果, 极大地提升了公共艺术作品的教育效果。如果国内高校在校园建设过程中, 能够立足中国国情, 有效吸取以宾校为代表的欧美高水平大学校园公共艺术建设成功经验, 势必可以在培养具有人格健全、精神独立、饱含人文关怀的复合型人才方面发挥其他教育手段不可替代的作用, 提升中国文化竞争力和思想影响力, 并最终为中国的伟大复兴做出自己的贡献。
摘要：简要阐述了宾西法尼亚大学校园公共艺术建设的概况, 并对其公共艺术建设在文化传承、氛围渲染、功能提升及道德培养等方面取得的成功经验进行了总结, 以期为国内大学校园艺术建设提供参考借鉴。
关键词：公共艺术,建设,文化,功能
参考文献
[1]黄健敏.百分比艺术[M].长春:吉林科学技术出版社, 2002.
[2]劳拉·坦西尼.雕塑的方式——克拉斯·奥登博格和库斯杰·范·布鲁根[J].世界艺术, 2009 (1) :7-8.
艺术教育培训的经验 第10篇
关键词：小学语文；教学经验；学习兴趣
二年级小朋友年龄小，好动好奇好玩，他们的思维活跃，要求参与的愿望较高，注意力集中时间短，思维以形象、直观的方式为主，需要轻松活泼的学习环境与快乐的学习方式。教师的教与学生的学，要通过交往互动，点燃他们求知的火花，激发他们自主学习、探究的兴趣。所以，采用适用的激趣方法是一个关键，它能起到事半功倍的效果。通过一段时间的教学，我觉得这以下这几种方法比较适用。
一、气氛激趣
创设轻松良好的课堂气氛可以有效地激发学生内在的情感，激发学生对学习的兴趣。在课堂上，采用巧妙的悬念，举一些贴切的事例，由易到难，让学生在老师的指导下学习，活跃了课堂气氛。如，上语文三册中的《美丽的丹顶鹤》时，就先让学生从猜谜语入手，丹顶鹤到底美不美？学生的兴趣来了，注意力就集中。思维也就随着老师的引导拓展了。
二、故事激趣
为了活跃课堂气氛，激发学生兴趣，可以营造教学情景，结合课文内容讲故事。如，上语文三册《梅兰芳学艺》时，为了让学生理解梅兰芳是男扮女装，先给学生讲讲故事，通过生动有趣的故事，让学生懂得梅兰芳是如何刻苦学习京剧表演艺术的。在完成识字任务的同时，还要实现情感态度和价值观的教学目标。让学生理解学习的重要性，学习一门艺术需要付出的努力。激励学生在自己的学习生活中，学习梅兰芳的刻苦努力。同时，教师可以利用自己搜集到的关于梅兰芳的其他故事，实现教材内容的外延，完成知识的拓展，开阔学生的视野。
三、猜谜激趣
在指导学生写字时，让学生根据老师编的字谜猜一猜，
如（1）十八口（杏）
（2）口十八（呆）
（3）口中有十八（困）
如果小学生懂得一些编字谜的学习方法后，教师可以指导学生根据字的结构自己进行编写，同时学生可以根据自己的理解编字谜。学生通过自己动脑联想，可以加深对生字的记忆，同时很快提高学生学习的兴趣，纷纷学着编：
（1）一只狗，真少有，头尾都有口（器）
（2）此木可以烧（柴）
（3）水大好发电（淹）
（4）禾苗的家（稼）
（5）在家玩火有祸（灾）
（6）山倒在火上（灵）
（7）手拿户口本（护）
四、竞赛激趣
学生年纪小，好胜心强，在课堂上安排一些竞赛活动，如：读书比赛、朗读比赛、写字比赛、背诵比赛等等。“比一比，看谁做得又对又快”；有时是小组比赛；有时是男女生比赛，对比赛优胜者及时鼓励表扬。这样，学生学习的竞头就会更足了，学习兴趣就会更浓。对于那些做得差的同学，首先肯定他们的优点和成绩，然后加以指正，指出他们不足的地方，表扬他们的胆识，然后让他们继续完成。让每个人都尝试到成功的快乐和喜悦。当学生的知识一点点增长的时候，自信心也一步步增强了。
五、树立大语文观念
科学运用童话将小青蛙遇到的“问题”和青蛙妈妈的讲解向学生展示了一个生活中常见的物理现象——回声。课文语言浅显，情节生动，引人入胜，内容充满童真童趣，读起来有一种亲切感。根据低年级学生的学习特点，我仍然把重点放在识字和朗读上。课文以一只普通的气球，捧出了一颗颗活泼的童心，折射出童年真挚的友谊。还可借助网络帮助学生了解回声形成的原因，让学生学会上网查找资料、运用资料的方法，初步培养学生利用网络收集信息，处理信息，运用现代信息技术帮助学习的能力。
六、品读经典，明理践行
为弘扬中华文化，传承民族精神，班里开展了“品读经典 明理践行”国学课观摩活动。在教学中以及自习时间等，组织学生学习《弟子规》内容，联系学生生活实际等，以学生喜闻乐见的授课形式，将原本课文中比较深奥的、脱离学生生活实际的道理浅显化，使学生养成良好的道德修养，形成良好的行为习惯。在古诗词教学中，教师应对每一个教学环节进行细心的推敲，针对每一节课件步骤进行精心设计，为教师课堂教学的成功奠定了基础。在课堂活动中，教师可以根据每个学生的性格特点，设定特有的教学内容，激发学生学习热情高涨，从中明白了从小应该立下远大的理想，在学习中要端正学习态度，获取有益的学习方法，从而最终才能实现自己的理想的道理。在课后抓课文空白点设计有效作业。作业设计应立足于文本又突破文本，抓课文空白点，让语文走入学生的生活世界，作业形态呈现出“教学做”合一的最佳境界。今后，教师要在教学中注重作业设计，将受到的启发运用到课堂实践中去。
参考文献：
[1]刘淼.当代小学语文教学的艺术性[J].北京：高等教育出版社，2009（7）：67-72.
[2]张惠祥.新课程背景下的小学语文教学艺术[J].北京：语文教学，2011（9）：24-34.
[3]杨九俊.新课程小学语文教学现场与艺术教学细接.教育科学出版社，2010（6）：39-42.
艺术教育培训的经验 第11篇
(一) 关于当代艺术
当代艺术经常被称为后现代艺术, 但它和现代艺术之间并不存在像古典艺术和现代艺术那样的根本对立。后现代艺术作为一种正在过程之中并且有待于发展的艺术动向出现, 形成了一种和现代艺术不同又与其犬牙交错的综合的艺术形态。1在全球化语境之下, 西方当代艺术正沿着业已形成的历史文化轨迹不断前行, 而中国现当代艺术却自改革开放以来就不断地受到西方各种美学思潮和文化现象的影响, 其艺术创作也常被认为是西方现代艺术观念的“移植”与“复制”。
(二) 中国当代艺术批评面临的问题
事实上, 伴随着中国现当代艺术的发展, 中国在短时间内形成了一个以西方现当代艺术及其批评理论系统为参照的现当代艺术体系。2与此同时, 以中国水墨画为代表的传统艺术和20世纪90年代以来“中国符号”的介入更是促成了一个多元化发展局面的形成。面对新的发展局面, 建立一个适合中国当代文化语境的艺术批评方式便成为了批评家乃至整个中国当代艺术界必须面临的问题。
二、“八五新潮”中国现当代艺术批评的短暂辉煌
“85新潮美术运动”出现在文化精英崭露头角的80年代, 建立在西方现代主义思潮基础之上, 其最大的特征便是传统与现代的杂糅混合。在“八五时期”, 批评家积极参与到各种艺术运动与艺术思潮中, 这对整个80年代的艺术创作以及艺术观念的传播, 甚至对各种艺术理论的形成都有积极深远的影响。正如批评家易英先生所说:“1985年作为一个重要的转折点不仅在于新潮美术运动的发生, 还在于批评对运动的参与和某种支配作用。”3然而, 正是因为“八五时期”的辉煌成就是源自于对西方现代主义的追随, 也就使得我们忽略了在艺术批评背后本应存在的社会历史背景及其文化脉络, 同时也导致中国当代艺术批评的发展自20世纪90年代以来逐渐滞后于当代艺术创作的发展。
三、中国当代艺术批评的发展建立新的批评方式
(一) 统一艺术创作与批评的历史文化语境
面对中国当代艺术的多元化局面, 中国当代艺术批评的滞后状态俨然已使艺术创作与艺术批评形成了两条不同的精神线路。首先是当代艺术创作在很大的程度上依然会追随西方现代主义艺术的脚步, 面对“中国当代”与“西方现代”的历史错位, 以此为基础建立的中国当代艺术批评将更难被系统化。其次是在20世纪90年代, 在全球化语境之下的当代艺术批评也迅速地进入到了“市场化”发展阶段, 然而“市场化”的限制则使批评家不能如“八五时期”那样自由地表达他们的学术思想以及先锋化的艺术观点。正是由于中国当代艺术创作在效仿西方现代主义语言及其精神的同时, 中国当代艺术批评的发展又面临着“中国特色化”的市场, 所以中国当代艺术创作与批评始终无法形成统一的精神内涵。由此看来, 建立一个“中国化”的历史文化语境并且统一二者的精神文化内涵是建立中国当代艺术批评方式的首要目标。只有当创作与批评形成了一个共同的标准, 才能共同构成艺术发展的方向性, 并构建一个能推动中国当代艺术发展的方法论系统。与此同时, 这也为中国当代艺术批评任务的实现提供了一个现实环境, 因为“艺术批评”对艺术家及其作品的发现、推广以及保护也只有在一个统一的、稳定的并且符合中国历史文化背景的批评语境之下才能完成。
(二) 实现艺术批评家的独立
批评, 作为一种界定性的语言模式, 必然与批评家个人的主观意见有密切的联系, 而批评家主观评价意识及其批评观点的形成又必然受到其所处环境的影响。这些因素包括:受西方现代主义艺术思潮影响形成的中国当代艺术创作方式与批评方式, 批评家的身份是否独立以及批评家所站的立场。事实上, 中国当代艺术批评家的独立直接关系到中国当代艺术批评的独立, 只有独立的艺术批评家才可以摆脱艺术市场的束缚, 从而站在一个尽可能客观的角度, 以一个批评家自身所具有的理论经验与阐释能力对当代艺术创作进行意义上的解释, 继而让批评参与到艺术的发展过程之中, 并对其产生一定的推动作用。更为重要的是, 独立的批评家是恢复批评界话语权的关键因素, 也只有不带任何利益目的的批评语言才能引起公众对“批评”本身的关注, 改变以文字评述为主的中国当代艺术批评已经成为图像图式创作附属品, 甚至是已经被当代艺术图像创作所取代的现状。
(三) 建立“独立”的“本土化”的文化批评语境
纵观中国当代艺术批评的发展, 从“八五时期”打破“正统”甚至是“反传统”的艺术创作方式中可以看出, 中国现当代艺术从一开始就具有对传统文化以及本土资源的“反叛性”, 而中国当代艺术批评也因此越来越缺乏生命力。所以, 为了强调中国当代艺术的个体风格与身份特征, 运用中国的传统文化资源已经成为了中国当代艺术发展的必然选择, 而中国当代艺术批评方式的建立也因此更需要关注东方文化以及接纳传统的文化资源和本土资源。不仅如此, 中国当代艺术已经进入多元化发展的局面, 正如源起于西方的抽象绘画在90年代的中国集中体现在水墨领域一样, 中国当代艺术“创造者”的身份也随着整个文化情境的转变而呈现出新的面貌, 这就必然要求中国当代艺术批评建立一个“本土化”的历史文化语境。而作为中国当代艺术的一个方面, 抽象水墨的发展也预示着中国当代艺术批评方式建立的一个新方向, 即向传统绘画理论的回归。中国的传统绘画不仅有悠久的历史文化根源, 其自身更有一套完整的画论体系, 它更有别于西方艺术创作及其艺术批评的任何一套法则与原理。从另一个方面来说, 一些艺术家利用中国传统文化的资源与符号进行创作, 传统元素也因此被转换成一种表现符号, 而批评家要评价此类艺术创作, 就需要借助新的认知和描述方式, 而这种新的认知与描述方式则是多种文化知识结构与传统经验的磨合与联系。因此, 向中国传统绘画理论以及传统文化经验回归是建立中国当代艺术批评方式的一个必然趋势, 也是恢复中国当代艺术批评话语权的重要途径, 更是使中国当代艺术成为世界当代文化组成部分的关键因素。
结语
回到“中国文化语境”这个历史背景之中是建立关于当代艺术创作与批评统一标准的最大前提。在这一前提下, 批评家的独立将直接关系到公众对“批评”本身的关注, 所以给予批评家一个独立自由的空间对于恢复中国当代艺术批评的话语权将起到至关重要的作用。与此同时, 重视中国传统文化经验, 回归传统绘画理论也是建立中国当代艺术批评方式的重要途径之一。或许, 面对当代艺术的发展现状, 渗入了“中国传统”以及“本土经验”的当代艺术批评方式将会为中国当代艺术批评打开一个全新的视角。
摘要：从对西方现代艺术观念的“移植”与“复制”到其后“中国符号”的介入, 中国当代艺术最终形成了一个多元化发展的局面, 而这也意味着中国当代艺术需要一个新的艺术批评方式来促进其发展。因此, 建立一个适合中国当代文化语境的艺术批评方式是中国当代艺术界必须面临的问题。
参考文献
[1].王林.美术形态学.西南师范大学出版社
[2].李倍雷.现代与后现代艺术的反思.江西美术出版社
[3].易英.《学院的黄昏》.268页, 湖南美术出版社, 2001
[1]王林.美术形态学[M].西南师范大学出版社
[2]李倍雷.现代与后现代艺术的反思[M].江西美术出版社
[3]易英.《学院的黄昏》[M].湖南美术出版社
